UN DIA NA PRAIA- UN VIDEO DE INES ELORRIETA

"VEXO" UN VIDEO DE INES ELORRIETA

Henri Cartier-Bresson

Henri Cartier-Bresson (22 de agosto 1908 - 2 de agosto 2004) fue un célebre fotógrafo francés considerado por muchos el padre del fotorreportaje. Predicó siempre con la idea de atrapar el instante decisivo, versión traducida de sus "images a la sauvette", que vienen a significar con más precisión "imágenes a hurtadillas". Se trataba, pues, de poner la cabeza, el ojo y el corazón en el mismo momento en el que se desarrolla el clímax de una acción.

A lo largo de su carrera, tuvo la oportunidad de retratar a personajes de la talla de Pablo Picasso, Henri Matisse, Marie Curie, Edith Piaf, Fidel Castro y Ernesto Guevara. También cubrió importantes eventos, como la muerte de Gandhi, la Guerra Civil Española, donde filmó el documental sobre el bando republicano "Victorie de la vie", la SGM, en la que estuvo en la Unidad de Cine y Fotografía del ejército galo o la entrada triunfal de Mao Zedong a Pekín. Cartier-Bresson fue el primer periodista occidental que pudo visitar la Unión Soviética tras la muerte de José Stalin.

Su obra fue expuesta, en el museo del Louvre, en París, en 1955.

Fue cofundador de la agencia Magnum.

Junto a su esposa, la también fotógrafa Martine Frank, creó en el año 2000 una fundación encargada de reunir sus mejores obras, situada en el barrio parisino de Montparnasse. Falleció el 2 de agosto de 2004 en Cereste, al suroeste de Francia.

En 2003, Heinz Bütler dirigió la película suiza Henri Cartier-Bresson - Biographie eines Blicks, documental biográfico interpretado por el propio Cartier-Bresson además de Isabelle Huppert, entre otros.

Para algunos, Cartier-Bresson es una figura mítica en la fotografía del siglo XX. Uno de sus mejores biógrafos (Pierre Assouline) lo apelaría como « el ojo del siglo ».
Nació en Chanteloup-les-vignes, a las afueras de París, el 22 de agosto de 1908.

Después de terminar sus estudios de pintura en 1927-1928 a cargo de André Lhote en Montparnasse y de frecuentar los círculos surrealistas parisinos, decide dedicarse a la fotografía. Es fotógrafo a sus 23 años en Costa de Marfil, cuando recogería sus primeras instantáneas con una Krauss de segunda mano. Publicaría su reportaje el año siguiente(1931). De regreso a Francia, en Marsella, adquirió una cámara Leica, la cual quedaría asociada con su persona. En 1947, él cofunda junto a Robert Capa, David Seymour y George Rodger la agencia Magnum y a través de sus viajes por el mundo definiría la fotografía humanista: visitaría así pues África, México, y los Estados Unidos. En 1936 realizó un documental sobre los hospitales de la España republicana y se convertiría más tarde en el asistente del cineasta Jean Renoir.

Formado en la Escuela nacional superior de Bellas Artes, abandona finalmente la fotografía en1970 para dedicarse al dibujo. Un año antes de su muerte 2003, la Biblioteca Nacional de Francia le dedicaría una exposición retrospectiva, con Robert Delpire como comisario. Estos fondos son los que más tarde servirían para la apertura en el barrio parisino de Montparnasse de la fundación HCB, que asegura la buena conservación de su obra.

Henri Cartier-Bresson, fotógrafo

Cuatro décadas de trabajo, de creación y de testimonio. Una obra situada en el centro del siglo XX que, recogida a través de una cámara, intentó albergar y dar cuenta de la “imperfecta belleza” del mundo. El Caixa Forum de Lleida (España) presenta una retrospectiva de este magnífico fotógrafo, Henri Cartier-Bresson, a modo de reportaje continuo, una crónica gráfica de la realidad del momento prolongada durante decenios. Se trata de una oportunidad única de contemplar una época bajo el prisma genial del ojo del fotógrafo, un tiempo tamizado por las lentes del arte.

Captar el instante

Pierre Assouline apodó a Henri Cartier-Bresson como “el ojo del siglo”, un referente icónico de la fotografía cuya obra se ha convertido en la biografía de un siglo, por ello, por muchos es considerado como el padre del fotorreportaje. En su anhelo por “poner la cabeza, el ojo y el corazón en el mismo punto de mira” ensambló sus “images a la sauvette” o imágenes a hurtadillas en las que desplegaba la idea de encerrar el instante, captar lo efímero de la belleza que expira, atrapar el momento justo en la cima, engullir el clímax. El Caixa Forum de Lleida, hasta el 29 de marzo del 2009, pretende exhibir esta manera de entender el arte y el mundo a través de la fotografía, una forma sutil de emocionarse ante los destellos excelsos de la realidad, captados por un ojo avizor que definiría la fotografía humanista y que viajaría por todo el mundo en busca de esos instantes.

"El ojo del siglo"

Dentro de la extensa trayectoria del fotógrafo francés y de su afán por plasmar la cúspide de la vida en instantáneas, Henri Cartier-Bresson retrató a personajes de la talla de Pablo Picasso, Edith Piaf, Fidel Castro, Ernesto Guevara, Henri Matisse o Marie Curie; fue cofundador de la agencia Mágnum junto a Robert Capa, David Seymour y George Rodger; cubrió eventos históricos como la muerte de Gandhi, la Guerra Civil Española o la entrada triunfal de Mao Zedong en Pekín; fue el primer periodista occidental en entrar en la URSS después del fallecimiento de Joseph Stalin; y realizó documentales viajando por África, México y Estados Unidos, haciéndole merecedor del apelativo atribuído por Assouline. El siglo XX cuenta con testimonios que de alguna forma explicaron su índole, sin duda, Bresson es uno de ellos

Tracey Emin. 20 años

El CAC de Málaga (España) recoge la carrera artística de Tracey Emin durante los últimos 20 años en la primera exposición individual acerca de ella -una de las celebridades británicas con más repercusión en el arte del momento- que se realiza en la Península. Las obras se exhiben en soportes variados, desde colchas a pinturas, vídeos, esculturas o instalaciones, que dotan a la exposición de un fuerte dinamismo y ofrecen una visión meticulosa acerca del carácter vanguardista e innovador de Tracey Emin.

Obra autobiográfica

Son muchos los casos en los que se vincula la obra de un artista con las experiencias que éste vivió. Habitualmente se intentan justificar las creaciones asociándolas a motivos extra-artísticos que doten de una especie de coherencia interna, que ofrecezcan un hilo argumental capaz de integrar las piezas en un todo. A menudo se cae en el zafiedad de justificar pinturas mediante datos biográficos que no aportan ningún prisma nuevo desde el que observar el arte, pero otras veces resulta imposible disociar vida y obra. Tracey Emin -artista eminente además de doctora honorífica del Royal Collage of Art de Londres y doctora en Letras y Filosofía- basa su obra, precisamente, en su autobiografía, refiriéndose a episodios traumáticos de su juventud tales como el sexo, la familia, el embarazo, el aborto, la fama o la depresión, abordándolos con honestidad al margen de la habitual recurrencia que acarrean.

Artista multidisciplinar

Instalaciones de gran tamaño como My Bed, Exorcism of the Last Painting I Ever Made, The Perfect Place to Grow o It’s Not the Way I want to Die, además de “líneas rotas dibujadas en corazones rotos, el derrumbamiento representado con un montón de palitos atados que sostienen el peso de nuestros fracasos y victorias, y lágrimas prismáticas de un sentido dolor”, se albergarán en el CAC de Málaga gracias a la colaboración del British Council y el préstamo de obras de galerías como Saatchi Gallery o la White Cube, así como coleccionistas privados e instituciones Tate de Londres. Así se dará esta exposición sobre Tracer Emin, ofreciendo una visión total de su carrera, mostrándola como un referente indiscutible de la generación de los Young British Artists, de la que han surgido en los últimos 15 años prestigiosos artistas reputados mundialmente.

Premio MAMBA'09

El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (Argentina) y la Fundación Telefónica convocan este certamen, centrado en el arte y las nuevas tecnologías, destinado a argentinos y extranjeros residentes en el país, dotado con una cantidad total de $109.000.


Requisitos

Pueden participar artistas argentinos, y extranjeros con al menos dos años de residencia en el país, mayores de 18 años. Las obras presentadas pueden ser producto de una colaboración conjunta aunque la ficha de inscripción deberá ser completada por un sólo miembro del equipo. No podrán presentarse los ganadores de ediciones anteriores a la misma categoría en la que ya fueron premiados. Los artistas pueden optar a cuantas categorías deseen, pero con una sola obra por título.

Premios

Se han establecido tres primeros premios y dos menciones de honor tanto en la categoría "Obras realizadas" como en "Incentivo a la Producción Artística"; en la primera categoría entran a concurso todas aquellas obras para cuya realización se haya empleado tecnología o impliquen un desarrollo tecnológico, y cuenta con un primer premio de $15.000, un segundo de $10.000, un tercero de $5.000 y dos menciones de honor dotadas con $1000 cada una, al igual que la categoría "Incentivo a la Producción Artística". En este último caso se ha dispuesto, además, un Gran Premio de $50.000.

XI Beca Primavera de Artes Plásticas de l´Escala

Una estancia de tres meses a disfrutar durante el próximo junio en una villa en la Costa Brava (España) es el tentador premio ofrecido por el Ayuntamiento de l'Escala (Cataluña) a los ganadores de esta beca de ámbito internacional, para que puedan crear con tranquilidad, junto con un montante en metálico previsto para sufragar gastos.


Requisitos

El Ayuntamiento de l'Escala (Gerona, España) convoca esta beca destinada a la promoción del arte contemporáneo, dirigida a artistas de cualquier nacionalidad y disciplina (pintura, escultura, fotografía...). El único requisito solicitado es ser mayor de 18 años y el envío de un dossier de obra previa junto con el proyecto de trabajo que se desee desarrollar durante la estancia en l'Escala, una copia del documento de identidad y un currículum vitae.

Premios

El seleccionado podrá disfrutar de una estancia de tres meses (comprendidos entre el 1 de abril y el 30 de junio de 2009) en la residencia conocida como La Casa Forestal: una vivienda que dispone de un estudio donde el ganador podrá desarrollar su trabajo. Junto con esto, los materiales necesarios para llevar a cabo el proyecto contarán con una subvención de 1.300 euros y el ayuntamiento correrá con los gastos de la vivienda. A la persona becada podrá acompañarle su familia y durante su estancia disfrutarán de las diversas actividades organizadas por el Ayuntamiento de l'Escala, que realizará asimismo un seguimiento del trabajo del artista.

Arte imposible

El arte puede entenderse como un vehículo de expresión y un lenguaje universal capaz de albergar lo sublime, además, frecuentemente ha sido utilizado como pretexto para plasmar escenarios inverosímiles y fantasear con la posibilidad de otras realidades: una suerte de escapismo hacia el asombro y la estupefacción de lo imposible. A menudo se han ideado parajes sorprendentes, perspectivas insostenibles, figuraciones absurdas que, permitiendo al espectador despojarse de los corsés preestablecidos y trasladarse a un ámbito puramente artístico, le ofrecían una nueva visión sobre el mundo. Una huida hacia lugares imposibles para ver reflejada una porción de la existencia, como si después de contemplar las obras surrealistas de Dalí y viajar a un subconsciente pintado uno comprendiese mejor ciertos aspectos de su cotidianeidad. El arte explica, narra, golpea, sacude, muerde y descubre, ya sea una verdad interior o exterior. El arte permite y legitima lo imposible, y es desde la quimera donde uno puede regocijarse y yacer resguardado.

Desde la antigüedad hasta nuestros días ha viajado la leyenda de la garra de acero de Arquímedes, una construcción enorme accionada mediante poleas y palancas que permitía aplastar a los barcos que asediasen Siracusa, una construcción mítica más que un simple instrumento bélico. La Utopía de Tomás Moro, La Ciudad del Sol de Campanella y otras fantasías utópicas inspiraron a los renacentistas que, tutelados bajo el códice de Vitrubio, discurrieron modelos de ciudad ideal. Lucas Van Valckenborch pinto la mitológica Torre de Babel como si hubiese habitado en sus dominios. Muchos de los inventos de Leonardo Da Vinci fueron vistos como majaderías de un loco ocioso. Yona Friedman ha dibujado en diversas ocasiones lo que sería la ciudad del futuro, con un entramado de módulos ensamblados entre ellos que responde más a la viva imaginación del autor que a la viabilidad de su creación; Gabriel Figueroa, mediante la foto-composición, fragua construcciones inexistentes y solemnes; Ana Günter idea construcciones arquitectónicas de perspectivas imposibles basadas en la obra de Escher.

El artista siempre pretenderá transgredir las barreras que la materia y la lógica le imponen, crear espacios que aniden en su mente y, a poder ser, expelerlos al mundo. Desde este principio debemos entender los totémicos proyectos, muchos de ellos vistos como frivolidades de ficción, que genios como Leonardo Da Vinci, Arquímedes o arquitectos actuales como Norman Foster, han intentado llevar a cabo. Podría decirse que, mientras disciplinas como la pintura, la literatura o la música mantienen cierta libertad al poder expresarse mediante sus propios recursos, la arquitectura depende de escollos inexorables como la ley de la gravedad, el coste desproporcionado del material y de la mano de obra para desarrollar ideas o la funcionalidad exigida a muchos de los proyectos planteados. Con todo, de vez en cuando nos topamos con empresas monumentales que algún arquitecto con más de artista que de constructor está dispuesto a llevar a cabo y, del mismo modo en que se consideraba quimérica la máquina voladora diseñada por Leonardo y años después el hombre emprendió el vuelo, tal vez algunos de los proyectos de ciencia ficción que diversos arquitectos presentan puedan consolidarse y dejar el papel para cimentar sobre tierra firme.

Dubai se ha convertido en el paraíso de esos visionarios que ven en el despilfarro de las fortunas de los jeques del petróleo una oportunidad para llevar a cabo sus ideas más descabelladas. Al margen de la calidad artística que puedan encontrarse en los proyectos planteados para dicha ciudad y de la corrección ética de gastarse millones y millones de dólares en el capricho de un adinerado empresario, las torres colosas y vanguardistas conjeturadas son, cuanto menos, espectaculares.
Unos consideraran arte estas edificaciones y artistas a sus diseñadores, otros quizá vean sumas inadmisibles de dinero erigiendo antojos de un lunático. De todos modos, sea cual sea el pretexto y el medio, en el arte siempre se ha intentado ir un paso por delante, moldear y dar forma a ideas que sino quedarían sostenidas en el vacío. Y tal vez, actualmente, los avances tecnológicos y las grandes fortunas permitan construir y crear obras imperecederas que de otro modo reposarían en la ficción.

UNA SEMANA DE VACACIONES

ME TOMO UNA SEMANA DE VACACIONES- GRACIAS POR VISITAR EL BLOG

increible, la abuela de 87 años baila salsa

Iván Kramskoi

Iván Nikolaevich Kramskoi (1837-1887)

Iván Kramskoi nació en la ciudad Ostrogoshk, en la región de Voronezh, en la familia de un escribano. Forzado por las circunstancias empezó a trabajar en un taller de fotografía en donde empezó a despuntar su talento.

En 1857 ingresó en la Academia de Artes de San Petersburgo. Posicionándose en contra del academicismo fue uno de los iniciadores de "la revuelta de los catorce" que terminó con su expulsión de la Academia y la fundación del Artel de Artistas en 1863.

En 1870 se convirtió en la cabeza e ideólogo de la Sociedad de Exposiciones Itinerantes, una asociación de artistas unidos por un ideario común que representarón una fractura en la historia del arte y la cultura del país.

La herencia de Kramskoi en el arte ruso es incanculable: junto a impecables obras maestras se encuentran nuevos y originales conceptos artísticos que empujaron al creador a los límites de su capacidad creativa, límites que intentó superar durante toda su vida a base de un tenaz trabajo.

Kramskoi fue también uno de los mejores retratistas rusos y realizó una serie de brillantes retratos de lo que él consideró los personajes más valiosos del país: L. N. Tolstoi, I. A. Gancharov, N. A. Niekrásov ... Dichos retratos sorprendieron a sus contemporáneos por su extraña agudeza y finura en la psicología de los personajes. Sus retratos no se dirigieron sólo a personajes famosos sino a gente del pueblo como el retrato de Mina Moiseyev (1882) o el del Campesino con Bridas (1883).

Uno de los temas mas importantes en la obra Kramskoi fue el de la reflexión sobre la elección del modo de vida y el servicio desinteresado y consciente al prójimo. Dicho tema haya su perfecta encarnación en el cuadro "Cristo en el desierto" (1872) como expresión del autosacrificio heroíco. La continuación de esta serie de trabajos quedó burscamente interrumpida dejando inacabada su obra "Carcajada".

Al final de su vida Kramskoi realizó una serie de obras en las que se abrió a nuevos caminos pictóricos: la enigmática "Desconocida" o la bella "Noche de luna".

Latitudes: maestros latinoamericanos en la colección FEMSA

Armando Morales


Oswaldo Guayasamin


Rufino Tamayo


Roberto Matta


Wilfredo Lam


Diego Rivera


Frida Kahlo


La empresa Fomento Económico Mexicano S. A. (FEMSA) es poseedora de una de las mayores y más importantes colecciones de arte latinoamericano del mundo. Ahora pone a disposición del público, en el Museo Nacional de Bellas Artes de Argentina, una parte de esta magnífica colección por medio de una selección de 41 destacados artistas, entre los que podremos encontrar nombres como Diego Rivera, Remedios Varo, Frida Kahlo, Wilfredo Lam o Roberto Matta.


La Colección de Arte FEMSA

Fomento Económico Mexicano S.A. es una compañía productora y distribuidora de bebidas en el mundo latinoamericano con un importante enfoque de objetivos hacia la promoción de valores sociales y culturales. Su labor en el campo de las artes comenzó hace algo más de treinta años, con la creación del Museo de Monterrey (México) y una colección aumentada al amparo de adquisiciones y certámenes bienales. Algo más de 1000 obras de diversas tipologías -pintura, escultura, fotografía, obra gráfica e instalación- y estilos artísticos componen esta colección, muy centrada en el arte mexicano. Desde el año 2000, fecha del cierre del museo, una parte importante de este patrimonio se constituyó en itinerante, pasando a disposición de diversos museos e instituciones de Latinoamérica que hasta la fecha han acogido esta muestra, excepcional por la riqueza de obras, movimientos y autores.

Una gran Exposición de Babel

La exposición "Latitudes" está concebida en base a un intento de muestra y acercamiento de una visión global de la rica herencia artística latinoamericana; recoge tanto prácticas artísticas de países diversos -México, Colombia, Argentina, Brasil, Cuba, etc.- como estilos muy diferentes, concretados en el periodo comprendido entre las vanguardias de principios del s.XX y la década de los 80. Una exposición que cuenta con el apoyo de nombres tan reconocidos e importantes en la trayectoria del arte latinoamericano y extranjero como son los de Frida Kahlo y Diego Rivera, Wilfredo Lam, Roberto Matta. Rufino Tamayo, Oswaldo Guayasamin o Armando Morales, entre muchos otros.

Chillida. Peine del Viento: Escultura, Ingeniería y Arquitectura

El Museo de Bellas Artes de Bilbao (País Vasco, España) presenta un recorrido por las diferentes fases que el artista vasco Eduardo Chillida hubo de superar para la realización de uno de sus conjuntos escultóricos más significativos y conocidos: "El Peine del Viento". Una magnífica muestra de land-art donde el lirismo, el pensamiento y la reflexión se unen en el hermoso paraje de la bahía de San Sebastián (Vizcaya).


Un cuarto de siglo
Veinticinco años son los que median entre el primer boceto de la serie "El Peine del Viento" y 1977, fecha de la instalación del grupo escultórico en la playa de Ondarreta, en la bahía de la Concha (San Sebastián, Vizcaya). Un periodo durante el cual Chillida fue adecuando el proyecto al espacio que debía intervenir y que presenta como testigos los objetos que componen la presente exposición: fotografías, planos, obras sobre papel y esculturas dan fe hoy día de las diversas fases que atravesó esta magnífica labor creativa. Un esfuerzo faraónico cuyo resultado es una metáfora visual, perfecta y armoniosa, que entronca con respeto no sólo con el paraje natural en el que se inserta sino, asimismo, con las leyes de la propia naturaleza.


El viento peinado

La relación de Eduardo Chillida con el paisaje es especial; la naturaleza se convierte en el elemento indispensable de su obra, aquél que otorga sentido a la creación. Su producción responde en gran parte a unas medidas desproporcionadas para un ámbito cerrado: su visionado está pensado para ser realizado en un contexto exterior que, al tiempo, adquiere una nueva identidad al ser modificado perceptivamente por el nuevo punto de vista otorgado por las obras insertas. Así, las tres piezas que componen este conjunto son un punto de referencia en la inmensidad ilimitada del mar, un añadido al paisaje "necesario", al tiempo que las herramientas que posibilitan que "el viento entre peinado a la ciudad", en palabras del propio escultor.


"Escultura, ingeniería y arquitectura"

Cada una de las piezas que forman "El Peine del Viento" está realizada en acero y posee un peso de 10 toneladas, unos números que condicionaron no sólo su fabricación sino también su colocación. Multidisciplinareidad fue la clave que permitió que en la actualidad podamos disfrutar de este conjunto: operarios, arquitectos, ingenieros, forjadores o canteros fueron el resto de los artífices de esta obra que, en la exposición propuesta por el Museo de Bellas Artes de Bilbao, han visto obtenido su merecido reconocimiento. Un excepcional trabajo colectivo de land-art cuyo fin último es el mar; elemento que, algún día, erosión mediante, se convertirá en el receptor de unas esculturas que, de esta manera, culminarán su ciclo de vida "natural".

III Convocatoria de becas AGITA

Con el objetivo de fomentar la creación y el desarrollo de la capacidad artística, el “Àrea de Cultura de l’Ajuntament de Figueres” concederá becas dotadas de 12.000 como máximo, disponiendo de una inversión total de 60.000 euros para la financiación de proyectos, a autores y artistas emergentes de diversas disciplinas que podrán presentar sus propuestas hasta el 2 de marzo de 2009.


Requisitos

Pueden presentar sus proyectos artistas y colectivos de creadores de diversas disciplinas, tanto del ámbito plástico, visual, escénico, literario, audiovisual o musical, que muestren especial interés en profesionalizar su actividad y que estén dispuestos a difundir su arte en el exterior. Los proyectos multidisciplinarios están permitidos y se priorizarán las propuestas de artistas emergentes. Además de la descripción detallada del proyecto (objetivos, producción y realización, documentación gráfica, sonora…), se deberá adjuntar el currículum, los datos personales pertinentes, el presupuesto de costes, la previsión de financiamiento y el calendario de ejecución del proyecto.

Premios

En base a la calidad del proyecto presentado y a la viabilidad material y económica de la propuesta, así como otros aspectos importantes como la innovación que suponga o la originalidad, un jurado formado por profesionales del cine, la música, la pintura y demás ramas artísticas, concederá becas con un presupuesto total de 60.000 euros. El máximo otorgado será de 12.000 euros y los ganadores deberán contactar semestralmente con el Àrea de Cultura de Figueres para garantizar el seguimiento

II Bienal de grabado Aguafuerte Provincia de Valladolid

Artistas nacionales e internacionales podrán participar hasta el 29 de febrero en esta bienal de grabado con un máximo de dos obras originales que pugnarán por obtener un primer premio de 5.000 euros, un segundo premio de 2.000 y un tercero de 1.000 euros, siendo exhibidas en la Sala de Exposiciones del Palacio Pimentel (Valladolid, España).


Requisitos

Pueden presentarse a concurso artistas de cualquier nacionalidad sea cual sea su residencia. Deberán enviarse un máximo de dos obras realizadas con el sistema de grabado calcográfico, pudiendo ir acompañadas de algunos complementos que el artista cree oportuno, excluyendo cualquier procedimiento de creación digital. La medida de la obra presentada no excederá los 112 x 76 cm. Además deberá adjuntarse un sobre con los datos del concursante: nombre, apellidos, domicilio, teléfono, e-mail, currículum y los datos técnicos de las obras (matrices, tamaño del soporte, número de tintas y técnica de estampación y tirada)

Premios

Un jurado compuesto por especialistas en el mundo del arte seleccionará un conjunto de obras que se expondrán en la Sala de Exposiciones del Palacio Pimentel en Valladolid. Entre la selección saldrá un vencedor que obtendrá 5.000 euros, el segundo premio será de 2.000 y el tercero de 1.000 euros. Las obras ganadoras de los premios pasarán a ser propiedad del Fondo de la Asociación Cultura para las Artes y formarán parte de la colección de la Diputación Provincial de Valladolid y del patrocinador de cada premio (Cárnicas Poniente-Campofrío, Transportes Cuellar, Galería Carmen Durango).

Un golpe de Pop Art en la Casablanca

La reciente elección de Barack Obama como nuevo presidente de los Estados Unidos ha roto muchos tabúes. Y no sólo políticos. Su imagen abierta al cambio ha tenido una réplica en el mundo del arte, que se enfrenta a la influencia de un nuevo icono de masas. Así, junto con las múltiples versiones que se han hecho de su imagen, es posible encontrar por primera vez un retrato surgido de forma espontánea de la mano de un artista, Shepard Fairey, engrosando el tradicional elenco de presidentes de la National Portrait Gallery (Washington). A medio camino entre el cartel de propaganda política y los retratos de Warhol, esta obra ejemplifica en clave pop algo que ya es indiscutible: el nacimiento de un mito.



Desde Jefferson hasta George Bush el repertorio de imágenes que conforman la galería de retratos de Washington es terrorífico, por lo adusto y aburrido. Algo normal, por una parte, si se tiene en cuenta que la intención del retrato de corte institucional, en todas las épocas y países hacia los que se mire, ha sido siempre la de inspirar respeto y distancia en el espectador/votante/súbdito. Pero Obama ha roto moldes, de nuevo: el retrato realizado por Shepard Fairey muestra a un presidente de colorista inspiración; el Pop Art ha hecho su aparición en la National Portrait Gallery, marcando un nuevo hito en los anales de la Historia del Arte.

No todo son diferencias sin embargo: a pesar de que Fairey ha confesado su escasa inclinación hacia la denuncia política, y en menor medida social (algo extraño en un graffitero), las reminiscencias del arte propagandístico de corte militar son claras en esta obra. El antecedente más directo lo encontramos en los carteles empleados como medios para avivar las conciencias dormidas durante la Revolución Rusa (véase Guerra civil en España, o I Guerra Mundial en Alemania). Una influencia a la que le han sido añadidos los tonos poppies de una bandera americana que vincula directamente el retrato en la mente del espectador con la idea del patriotismo americano, junto con la modernidad y el optimismo de rompedores de normas del calibre de Warhol o Linchestein.


Lo urbano, la cultura de masas, los iconos populares; cada uno de estos elementos, que podemos encontrar en la gestación del "Obama" de Fairey, entroncan además con la idea buscada por la campaña del recién electo presidente, algo que supieron aprovechar en su momento constituyendo este cartel, surgido de forma independiente, en imagen electoral. Y, en un paso más en el camino "de lo popular a la fama", el artista que lo ideó ha podido ver como su obra ha pasado a formar parte de un patrimonio formado por un género tan tradicional como es el de los retratos de líderes políticos. Shepard Fairey concluye así una trayectoria en continua inestabilidad entre la responsabilidad y la comercialización, el arte revulsivo y el mercado, y la imagen de Obama se suma a la lista de grandes iconos americanos, en una réplica irónica del muy conocido y nacional Tío Sam de J. M. Flagg.