DIEGO RIVERA

Diego Rivera fue uno de los grandes muralistas latinoamericanos del Siglo XX.
La cultura mexicana siempre estuvo presente en su obra, incluso cuando se «contamina» de Europa en sus viajes al París de las vanguardias.
Su obra influyó a cientos de artistas y su vida sigue fascinando hoy por su irreverencia en lo político, su legendario hedonismo y un inexplicable atractivo para las mujeres.

Quizás, la mujer de su vida fue Frida Khalo, con la que se casó (2 veces).

Su verdadero nombre era Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de la Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez.

Muy joven viaja a París, entrando en contacto con la vanguardia y artistas como Pablo Picasso o Paul Cézanne, que lo introducen en el cubismo.

Viviría a lo largo de su vida en México, Ecuador, Bolivia, Estados Unidos, Argentina, Francia, Italia y España, y realizaría unas 10,058 obras, tendría 4 esposas y en torno a 50 amantes (registradas). Extraño, pues no era para nada guapo, aunque según se cuenta desprendía un magnetismo animal y saltaba a la vista su carismática personalidad.

Marxista (algo evidente en su obra) tuvo problemas en sus viajes a Nueva York al incluir el retrato de Lenin en el mural que pintó para el Rockefeller Center, que en principio era una oda al capitalismo. La obra sería destruída (hoy hay una réplica en el Palacio de Bellas Artes de Mexico DF).

Su obra, de enorme eclecticismo, chupó de todo el arte occidental y también del precolombino (el gusto por la pintura mural, sin ir más lejos). Destaca por su monumentalidad, para poder comunicarse mejor con las masas populares. Es evidente su ideología revolucionaria, y su obra es pura propaganda, sin connotaciones peyorativas.

Historia Arte

O LUSCO FUSCO DO CALVARIO ZONA VIVA

Cando un coma min retorna ás vellas estampas do Calvario, contempla no albúm da memoria mínimas searas, campos de millo, viñas emparradas na sombra e contraluces de limoeiros. Acórdome agora do Venancio, gardagullas do baile no que eu nunca vin bailar, "A Cosqueta", extraviado no avesío dos significados e os significantes.

Prometerame el bacelos e acedías para a luz de abril, cantando alí o cuco nas figueiras loucas de San Lorenzo, ou nos loureiros de Rúa Numancia, congrostra que seica antes foi do prócer Don José García Barbón, teño ouvido, paréceme a min. Cando vou ao Calvario, digo, vou a un mundo de morte  e de mortos, pero tamén de vida, a insubmisión da xeografía, a Lavadores, enigmátivo vocablo que non me di, nin moitos me din, nin outra me dixeron. 

Choviscou enrriba da vida e da morte, quizás xa ninguén lembre as galernas que levaban tellas, ó Evaristo e as "palomillas"  e o trebón longo do inverno, o progreso, calquera que sexa, levouno todo, tudo.
Cando xa declina o outono, e a piques está de se instalar no corazón o inverno,  retornamos a Lavadores, polo  Camiño das Cruces, porque aí houbo Gólgota, inocencia, paixón. Aínda a palabra calixe (calima para os guiris interiores) non invadira o tempo, a vida. Dobremos, paseniño, as curvas do horizonte, a fonte esquecida que non sabemos da Mirlota, as lagoas do que hoxe tentamos procurar na Travesía de Vigo, de vimbios e sabugueiros, pescar coa cana na  noite, na bóveda azulada ¿Qué é o Calvario? ¿Que foi?

Viaxemos, pois,  polo silabario, pola Sinda, a do Manolo, luz dos alcabeiros, fielato, chatarrería e así. Por Xosefa, acontece a xastra, días maricallos e escuros, pola aldaba do Alaska, café con leite e  unha copa vermella cando un viña de Santiago. de Lugo, do norte.

Non se sabe ben se hai que ver para vivir, ou hai que vivir para ver. Porén, en calquera caso, vexo pasar pola costa de Asturias. Le temps s¨  en va, mes dames, que diría Alvaro Cunqueiro: "Quen amores há/ como dormirá!

Universo finito de pronomes  (Santiago Montes sabe o que digo). acaso vostedes tamén.  Imos viaxar, breves polos cocabulos: rapariga, que cheira que alcatrea, penico e fogueira de San Xoaán, o Leriche de mómaro, a hora que vai esvarando polo reloxo.

E vas vindo coma quen se deixa  ir e dis ghicho e cagarrón, e Cruz Blanca e garda civil, e confidentes, e delatores, e Carlos, e tantos outros nomes, ou só un nome, ben  pouco no camiño, un oso pompón  o escintilo do verán: sobe a farandola pola mesma fonte da Mirlota, achégase ó Seixo, a Pardavila. As cabras ulen as canfurnias, tiran ó monte, cara a algún lugar esmorecido da vila- ¡ De aqui a loura! din no val, nos profundos. E  nembargantes, eu son este neno que pasa e ve pasar. este asombrecido paso que está a rebumbiar a quietude da historia: "Confecciones la Ganga", "El Paraíso", "O Xerriño", Cabral e Barreiro, ó mediodía, cando acontece a tarde,  o lixo,  que xa non é o que foi, no leite, no vagalume, que para este que lles conta eran os tranvías que de súpeto transcurrían cara o pan de Porriño. E recordar no que ti lector deste Zona Viva, chamas misteiro, ar destruído da noite.

Neste serán, neste ebrente,pasan entoldadas as sombras, as vellas horas que ti recordas. Pasa o día en caravana, pasan as outras cousas. Äs vegadas, o almanaque é algo máis que un sentimento.

Agora agardo, como outras tantas xeiras, que transcorra o  empardecido, o tempo que dixemos, aínda que pareza que non,porque sabemos que a pesares de todos, foisenos indo, meu amigo.

MANUEL VIDAL VILLAVERDE

MARTIN CHIRINO

"Yo soy el hombre que, gracias a su obra, está hecho de una sola pieza. Pero también lleno de dudas"

 "Al pasear por Las Canteras, la playa urbana de mi infancia en Las Palmas, me preguntaba cómo podría abrir el horizonte y pasar al otro lado. En cierto modo lo he logrado".


Nos ha dejado el escultor del viento, MARTIN CHIRINO, a los 94 años de edad.

Nacido en Gran Canaria en 1925, este artista de la estirpe de otros artistas canarios como Manolo Millares, Manuel Padorno y Juan Hidalgo era un transformador de la arena y el viento.

Las Canteras, la playa de su infancia donde iba con su padre, jefe de talleres de un astillero. Trabajó esporadicamente con él, en el mundo de los barcos y por este motivo viajó a distintos países de Africa, lo que le dejaría una profunda huella para su posterior trabajo escultórico

Se formó contemplando las volutas que el viento hacía en la Playa de las Canteras de su infancia, cuando iba a ver cómo su padre arreglaba el esqueleto de los barcos. 

En 1948 viajó por primera vez a Madrid, matriculándose en la Facultad de Filosofía y Letras, con el fin de cursar estudios de Filología Inglesa. Pronto abandonaría estos estudios para ingresar en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando. Entre sus maestros recordaría a Moisés Huerta, Milaviada y Enrique Lafuente Ferrari.

Martín Chirino expuso en todo el mundo, y fue uno de los grandes escultores españoles en un tiempo en que, con él, estaban en ese firmamento Eduardo Chillida y Jorge Oteiza. Perteneció al grupo El Paso, básico en la historia del arte de posguerra.

Nunca se apartó de aquellas volutas de arena movidas por el viento que contemplaba en la playa de las Canteras y esto lo hizo universal. Sus esculturas están en todo el mundo. En 1980 recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas por toda su obra. Cinco años más tarde le sería concedida la Medalla de Oro de Bellas Artes.

El 28 de marzo de 2015 se inauguró en el Castillo de la Luz de Las Palmas de Gran Canaria la Fundación de Arte y Pensamiento Martín Chirino.Se trata de un espacio museístico con un total de 25 obras del escultor que forman parte de la exposición permanente, piezas que realizan un repaso por la trayectoria de artista

Francisco Iturrino

Santander, 9  de septiembre de 1864; Cagnes-sur-Mer (Francia), 20 de junio de 1924.

En 1872 su familia, de origen vizcaíno, se trasladó definitivamente a Bilbao. Estudia dibujo con su tío Elviro González. Inicia los estudios de ingeniería en Bélgica, pero abandona la carrera para dedicarse a su carrera artística.En 1890 se dirige a Bruselas donde estudia pintura con Lorrand. En 1895 se instala en París para continuar allí sus estudios de pintura, sobresaliendo pronto por su arte y fuerte temperamento. Se convierte en uno de los pintores de vanguardia más cotizados de la época.



En 1901 celebró una exposición en la Galería Vollard, de la capital francesa, en unión de Pablo Ruiz Picasso. Sus cuadros despertaron gran curiosidad y su fauvismo un sinfín de comentarios por parte de la crítica y del público de la época. En esta exposición el artista presentó cerca de cuarenta obras, en las que mostraba su indiscutible personalidad y talento. Después concurrió a otras exposiciones, destacando principalmente en la celebrada en el Salón de los Independientes. En París conoce también a Henri Matisse, quien influyó notablemente en su obra.



Regresó a su tierra (1901) y viajó por toda la Península, captando paisajes y tipos con sus pinceles. Dió a conocer algunas de sus obras en Madrid, Barcelona y Bilbao y obtuvo el mismo éxito que había alcanzado ya en el extranjero. Abrió un taller en Sevilla estableciendo así un eje París-Andalucía-Bilbao y trasladándose con frecuencia hasta la guerra del 14.



En 1917, en la Exposición de Artistas Vascos, tuvieron los lienzos de Francisco Iturrino una sala especial, y en ella pudieron ser contemplados sus excelentes cuadros con asuntos andaluces, salmantinos y marroquíes. En esta época, Iturrino había cambiado ya su arte negro y huraño de las primeras obras por otro más claro y amable, de técnica personalísima y de valiente colorido. Es justo hacer constar que no siempre fueron bien comprendidas sus obras, y después de la exposición que se celebró en el Círculo de Bellas Artes de Madrid en 1919, se originó una verdadera polémica.



En 1922 sufrió varias intervenciones quirúrgicas, siendo necesaria la amputación de una pierna gangrenada. Debido a su situación económica, sus amigos -Picasso, Matisse, Bonard, etc., realizaron una suscripción, la cual le permitió adquirir una casita en Cagnes sur Mer. Pinta y, sobre todo, graba al aguafuerte.

Muchas de sus obras se encuentran muy repartidas en museos nacionales y extranjeros y en colecciones particulares. Vollard adquirió gran parte de las creaciones. El coleccionista argentino don Andrés Garmendia posee varios cuadros, y en la colección Elejabeitia de Bilbao, se halla la obra titulada Las cuatro. Los museos de Bellas Artes de Santander y Bilbao y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid tienen obras de Iturrino en sus fondos.

AUÑAMENDI EUSKO ENTZIKLOPEDIA

MARIA HELENA VIEIRA DA SILVA

1908, LISBOA;  1992, PARIS
Maria Helena Vieira da Silva nació el 13 de junio de 1908 en Lisboa.  En 1919 ingresó en la Academia de artesanía de Lisboa, para estudiar dibujo con Emilia Santos Braga. Se mudó a París en 1928  para continuar su formación. Mientras estuvo en París, absorbió una variedad de influencias, desde la abstracción geométrica del grupo Círculo y Plaza  y Joaquín Torres-García hasta el estilo decorativo de Pierre Bonnard.

Los primeros trabajos de Vieira da Silva reflejan una sensibilidad que se desglosaría en el plano de la imagen. Tuvo su primera exposición individual en 1933 en la Galería Jeanne Bucher de París, exhibiendo ilustraciones de un libro para niños junto con algunas pinturas. Al estallar la Segunda Guerra Mundial, Vieira da Silva y su esposo, el pintor Arpad Szenes, huyeron a Portugal antes de mudarse a Río de Janeiro. Vieira da Silva continuó pintando y exhibiendo en Brasil hasta que ella y Szenes pudieron regresar a París en 1947.

El tema de las pinturas de la década de 1950 de Vieira da Silva se centra en el entorno de la posguerra: ciudades quemadas o inundadas, callejones, puestas de sol y paisajes.  En 1966 aceptó el encargo de diseñar una vidriera para el ábside de la capilla oriental en la catedral de Reims, Francia. Continuó pintando en la década de 1980, y tiene un notable enfoque en la luz.

La obra de Vieira da Silva se incluyó en una Kunsthalle de Basilea (1954) y en la Bienal de Caracas (1958). Su primera retrospectiva se llevó a cabo en Kestner Gesellschaft, Hannover (1958), viajando a Kunsthalle Bremen, y Kunst- und Museumsverein Wuppertal, todo en Alemania Occidental. En 1958 expuso en el Pittsburgh International (ahora Carnegie International) y fue mencionada en la exhibición del Premio Internacional Guggenheim. Vieira da Silva tuvo retrospectivas en el Museo de Grenoble, Francia (1964); Museo Cívico, Turín, Italia (1964); Museo Nacional de Arte Moderno, París (1969-70); Museo Fabre, Montpellier, Francia (1971); Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París (1977); y Fundación Juan March, Madrid (1991). También fue reconocida  en la Bienal de São Paulo (1989). Ciudadana francesa desde 1956, Vieira da Silva murió el 6 de marzo de 1992 en París.

Frances Hodgkins

Frances Hodgkins nació en Dunedin Nueva Zelanda.

A los veinte años estudió con Girolamo Nerli, un pintor italiano que visitaba Dunedin. Bajo la guía de Nerli, Hodgkins comenzó a desarrollar un estilo que se concentraba en el paisaje.

En 1901 se fue a Europa. Viajó extensamente por el continente y  norte de África, y durante este tiempo produjo muchas acuarelas. En 1902 expuso en Londres por primera vez y al año siguiente fue aceptada para exhibir en la Royal Academy.

Más tarde, ese año, regresó a Nueva Zelanda y se estableció en Wellington, donde su familia también se había establecido. Produjo obra en este período y regresó a Europa, decidida a seguir una carrera como artista.

Tuvo su primera exposición individual en Londres, ganó dos concursos de arte y sus pinturas fueron aceptadas por prestigiosas instituciones en París: el Salón y la Sociedad Internacional de Acuarelistas.

En 1908 se instaló en París, donde pintó y enseñó, convirtiéndose en la primera mujer en ser instructora en la Academia Colarossi, una de las principales escuelas de arte de la ciudad. Hodgkins regresó a Nueva Zelanda en 1912, principalmente para visitar a sus padres, pero también organizó exposiciones de su trabajo. Después de la visita regresó a Europa para establecerse de manera permanente, con la intención de reanudar su vida como artista y maestra.

El estallido de la Primera Guerra Mundial obligó a Hodgkins a mudarse de París a St Ives, un pequeño pueblo de pescadores en Cornwall, Inglaterra. Allí tenía muchas dificultades sin embargo  experimento con obra en formatos grandes y pintura al óleo.  Sus trabajos de esta época muestran la influencia del post impresionismo.

Los años posteriores a la guerra estuvieron marcados por dificultades y falta de éxito. Su exposición de 1923 en Londres fue un fracaso financiero, y en 1925  trabajó en Manchester durante seis meses.

Sin embargo, en 1926 se exhibieron ochenta cuadros de Hodgkins en Manchester, su exposición individual más grande hasta la fecha. La exposición tuvo un éxito moderado y, en 1927 probó en Londres.

En 1929 fue invitada a unirse a  Seven and Five Society, un  grupo de jóvenes artistas ingleses. Esta fue una salida importante para el trabajo de Hodgkins.

Durante la década de 1930 expuso en muchas galerías importantes de Londres.  Sus exposiciones en esta época tuvieron mucho éxito.
 En 1939 fue invitada a representar a Gran Bretaña en la prestigiosa Bienal de Venecia de 1940. Este fue un gran honor; Sin embargo, las restricciones de viaje en tiempos de guerra significaron que nunca llegó a Venecia.



 Cuando murió en 1947 a la edad de setenta y ocho años, Frances Hodgkins era considerada como una de las artistas más importantes de Gran Bretaña.

Victor Vasarely

Hungría 1908–1997

Vásárhelyi Győző, rebautizado en Francia como Victor Vasarely, fue el padre del Op art, una tendencia artística de corte abstracto desarrollada sobre todo en los años 60, que se basa en jugar con nuestros ojos para conseguir imágenes que simulan movimiento y toda suerte de ilusiones ópticas.

Vasarely comenzó a estudiar medicina en Hungría, pero eso no era lo suyo. Se interesó más bien por el arte abstracto de Mondrian y Malévich, gente muy interesada por lo que la geometría podría aportar al arte.

A principios de la década de 1930 se fue a París y empezó su investigación artística principal: un tipo especial de arte abstracto geométrico, que proporciona efectos ópticos de movimiento, y así juega con nosotros, pobres espectadores engañados por formas y perspectivas extrañas, e imágenes inestables. Utilizó para ello una pintura nada gestual.

Al parecer, estas obras estaban influenciadas por las paredes de azulejos blancos de la Denfert París, que creaban una sensación óptica especial.

Vasarely llamó a todo esto cinética visual (cinétique plastique) y se basaba en la percepción del espectador que al final, se considera el único creador de la obra. O más bien el ojo del espectador, un miembro del cuerpo humano muy fácil de engañar.

El arte de Vasarely es pues un timo, una estafa, un engaño. Un engaño en el buen sentido de la palabra, si es que la palabra tenía buen sentido. Al menos Vasarely se lo dio.

Historia-Arte

Kristian Zahrtmann

Peder Henrik Kristian Zahrtmann, conocido como Kristian Zahrtmann, (31 de marzo de 1843 - 22 de junio de 1917) fue un pintor danés. Formó parte de la generación artística danesa de finales del siglo XIX, junto con Peder Severin Krøyer y Theodor Esbern Philipsen, quienes se separaron de las restricciones del académicismo tradicional y la herencia de la Edad de Oro de la pintura danesa, en favor del naturalismo. y el realismo.

Era conocido especialmente por sus pinturas de historia, y especialmente por aquellas que representan a mujeres fuertes, trágicas y legendarias en la historia danesa. También produjo obras de muchos otros géneros, incluidos paisajes, escenas callejeras, escenas populares y retratos.

Tuvo un efecto de gran alcance en el desarrollo de su arte. Además, su uso audaz del color ha sido considerado como una anticipación del expresionismo por los historiadores del arte.

Nació en Rønne, Dinamarca, en la isla de Bornholm. Después de graduarse de Rønne Realskole a los diecisiete años, fue enviado a la Academia Sorø, donde estudió pintura con el paisajista Johannes Georg Harder Smith (también conocido como Hans Harder).

Después de graduarse, llegó a Copenhague, donde durante el invierno, de 1863 a 1864, estudió dibujo en el Instituto Técnico con Christian Hetsch y el arquitecto Ferdinand Vilhelm Jensen. También recibió instrucción privada del pintor Wenzel Ulrich Tornøe durante este mismo tiempo. Luego comenzó sus estudios en octubre de 1864 en la Royal Danish Academy of Art. 

Ya se estaba interesando en la historia de la heroica hija de una rey danesa del siglo XVII, Leonora Christina Ulfeldt (también conocida como Eleanor Christine), antes de la publicación póstuma en 1869 de su relato autobiográfico de 1674 Jammers Minde ("Remembrance of Misery"), que había recibido como regalo de cumpleaños de Haslund y Krohn.

Interesado en la  condesa Leonora Christina de Schleswig-Holstein, hija del rey Christian IV Zahrtmann conmemoró su historia en una serie de 18 grandes pinturas.

Viajó a  a Italia en diciembre de 1875 con la financiación de su padre, antes de recibir una beca de la Academia. 1875-1878 residió en Italia (Roma, Siena, Amalfi y Saracinesco), donde produjo una serie de pinturas. 

Viajó por primera vez a la ciudad de montaña de Civita d'Antino en junio de 1883, una ciudad que llegó a considerar su segundo hogar. Pasó todos los veranos de 1890 a 1911 en Civita d'Antino, donde vivió con la familia Cerroni, y reunió a amigos y estudiantes en una colonia anual de artistas. Fue nombrado ciudadano honorario de la ciudad en 1902.

También viajó a Grecia varias veces, a Francia y Portugal.

Expuso en la Exposición Mundial en París 1878, 1889, 1900 y en Chicago 1893.

August Eiebakke

August Eiebakke procedía de una familia de agricultores y, en un principio, quiso ser escultor. Recibió su formación en la Escuela Real de Dibujo de Christiania, si bien fue cautivado gradualmente por la pintura, contándose entre sus maestros Christian Krogh y Eilif Peterssen. Se estrenó en la Exposición de Otoño de 1887, y se le reconocieron sus escenas de género realistas, de las que la más famosa, Poniendo la mesa (1891, Nasjonalgalleriet, Oslo), lleva un motivo del hogar de sus padres


Durante un período, sus obras mostraron influencias de las enseñanzas del pintor danés Kristian Zahrtmann, y, a raíz de una serie de viajes por Europa, en especial varios a Italia, cambió su pintura hacia una forma más neorromántica. Inspirada por las enseñanzas del danés N.F.S. Grundtvig, pintó retablos y motivos religiosos en Italia, en el invierno de 1895-1896. Después, sin embargo, volvió al estilo más naturalista que había empleado antes, creando una serie de paisajes, retratos e interiores con figuras. En 1897, Eiebakke, junto con Halfdan Egedius y Erik Werenskiold, ilustró la obra La expedición noruega al polo Norte de Fridtjof Nansen.
Aurora Boreal 2002

Maqbool Fida Husain

1915-2011 Pintor y director de cine indio. La Carrera de Husain, realmente comenzó con la independencia de su país en 1947. Fue tambien el año de su primera exposición y tambien el de la muerte de su padre. Formó un grupo con otros jóvenes artistas que se llamaron The Bombay Progressive Artists´group con el deseo de fomentar el arte moderno en el nuevo país. Viajó a Europa por primera vez en 1953 y conoció a Picasso, y Matisse, pero fue Paul Klee el que ejerció mayor influencia en él..."estaba tan influido por la filosofía india que hacía de él casi un pintor indio"