miércoles, 18 de mayo de 2022

Pompeo Batoni




 Lucca, 1708-Roma, 1787

Hijo de un reputado orfebre de Lucca, Pompeo Girolamo Batoni comenzó su aprendizaje en el oficio paterno. En 1727 abandonó el taller familiar y se trasladó a Roma a estudiar pintura. Durante sus primeros años en la capital, Batoni se dedicó, como parte de su aprendizaje, a copiar esculturas antiguas conservadas en el Vaticano, así como los frescos de Rafael y de los Carracci. 

Su habilidad para dibujar y copiar ruinas y escultura clásica llamó la atención de los anticuarios británicos y coleccionistas de la ciudad, de los que pronto comenzó a recibir encargos. Desde el inicio de su carrera Pompeo Girolamo Batoni se inclinó por la corriente clasicista de la tradición romana, admirando y estudiando cuidadosamente la pintura de Rafael y de otros pintores de principios del siglo XVII, como Guido Reni y Domenichino, desarrollando un estilo personal y diferente al de sus contemporáneos, que anticipa el movimiento neoclasicista.

Hacia mediados de siglo, Batoni se convirtió en uno de los pintores más solicitados de Roma, recibiendo múltiples encargos de pintura religiosa, y mitológica. El más importante de ellos fue el de la decoración de uno de los altares de San Pedro en el Vaticano, de 1746, para el que Batoni pintó una enorme composición representando La caída de Simón el mago, hoy en la iglesia de Santa Maria degli Angeli, y cuya ejecución le ocupó una década.

 Fue también un afamado pintor de retratos, siendo especialmente apreciado y demandado por la aristocracia británica. El tipo de imagen en la que Batoni se especializó se caracteriza por incluir algún elemento de la Antigüedad clásica o una vista de Roma, que atestiguan la presencia del personaje en la ciudad y subrayan su condición de persona cultivada.


Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

domingo, 15 de mayo de 2022

Jan van Eyck

 



(Maaseik?, h. 1390/ 1400-Brujas, 1441). Pintor flamenco, mencionado por primera vez en 1422 en la corte de Juan de Baviera, conde de Holanda en La Haya. Después de la muerte de éste, entró como pintor de corte al servicio de Felipe el Bueno, duque de Borgoña. Se instaló en Lille, centro administrativo del ducado. Tambien realizó para el duque varios viajes a Portugal y España. 

En 1432 se instaló en Brujas, donde compró una casa y poco después contrajo matrimonio con una cierta Margarita, con la que tuvo dos hijos. Sus pinturas datadas son todas de la última década de su vida, cuando vivía en Brujas. El principio de su carrera apenas está documentado. Hacia mediados del siglo XV disfrutó de gran fama por toda Europa. Su obra maestra es, sin duda, el Retablo del Cordero Místico (catedral de San Bavón, Gante), un políptico terminado en 1432. 

Escritores de la época, como Vasari, le atribuían la invención de la técnica al óleo. Aunque eso no es totalmente cierto, Jan van Eyck sí llevó esta técnica a una gran perfección. Característica en su obra es la superposición de finas capas de pintura que producen un efecto transparente y reflectante. Con este método llega a representar con gran minuciosidad la calidad de las telas, la piel, la transparencia de los vasos, etc. Otra de sus obras maestras es el retrato del Matrimonio Arnolfini (National Gallery, Londres), en el que combina el rea­lismo y el simbolismo oculto con el sentido de espiritualidad.


MUSEO DEL PRADO

miércoles, 11 de mayo de 2022

Hans Baldung Grien



(Schwäbisch Gmünd, Alemania, 1484/1485-Estrasburgo, 1545). Pintor y grabador alemán. Pertenecía a una familia ­culta de abogados y profesores universitarios que se trasladó a Estras­burgo durante la década de 1490. Su padre fue consejero jurídico del obispo de aquella población y él mismo estableció un duradero contacto con los humanistas y reformadores de la ciudad, llegando a formar parte del Gran Consejo de la ciudad. Se ha supuesto que recibió una primera educación artística en el taller de un maestro asentado allí muy influido por la personalidad dominante de Martin Schongauer. 


Lo cierto es que en 1503 ya se encontraba trabajando con Alberto Durero, quien llegaría a mostrarle su predilección al encargarle la dirección de su taller durante su segundo viaje a Venecia (1505-1507). La adopción de su sobrenombre, «Grien» (Verde), demuestra su in­cli­nación por ese color durante sus ­pri­meros años, utilizándolo en su firma para distinguirse de otros compañeros con idéntico nombre. Desde muy joven demostró su independencia y versatilidad en la realización de numerosos dibujos y grabados, aunque tuviese siempre presente el ejemplo de Durero. En 1507 realizó un viaje a Halle, donde recibió importantes encargos: dos retablos, uno con La Ado­ración de los Magos (Gemäldegalerie, Berlín) y otro de San Sebastián ­(Germanisches Nationalmuseum, Núremberg).
En ambos se perciben ecos de su maestro Alberto Durero y también de Lucas Cranach. En 1509 se hizo ciudadano de Estrasburgo y al año siguiente obtuvo el título de maestro, pudiendo crear un taller con oficiales. Es también en 1510 cuando Baldung sacó a la luz su primera estampa sobre brujería, un ­tema que se haría omnipresente en su obra durante los años siguientes y con el que daría rienda suelta a creaciones marcadas por la inquietud y el erotismo: nigromancia, aquelarres y representaciones de la Muerte se harán frecuentes en pinturas y grabados. En 1512 se trasladó a Friburgo, donde permaneció durante cinco años. Allí realizó una de sus obras principales, el retablo de la catedral, constituido por once paneles monumentales. 
Fue instalado en mayo de 1516 y aún puede contemplarse in ­situ. Además, siguió trabajando en obras de pequeño tamaño y estampas y diseñó numerosas composiciones para las vidrieras de la catedral, una actividad que ya había realizado para varias iglesias de Núremberg. En 1517 regresó a Estrasburgo, y ­entonces fue nombrado miembro del Gran Consejo de la ciudad. Allí se ­adhirió a la Reforma protestante, aunque, afortunadamente para su trabajo, la ciudad no vivió grandes conmociones iconoclastas. Su arte se fue alejando de un primer estadio de gran expresividad y dramatismo para sumergirse más y más en fórmulas manieristas, con insistencia en el dibujo y en la creación de figuras estilizadas y elegantes de poderosa sensualidad. Partiendo de las imágenes medievales de las danzas de la Muerte, creó originales alego­rías morales sobre la fugacidad de la Vida y la Belleza, así como voluptuosas interpretaciones de la mitología clásica. 

En el Museo del Prado se conservan dos obras de Baldung en las cuales la protagonista absoluta es la figura humana desnuda, tan presente en su producción: Las Edades y la Muerte La Armonía o las tres Gracias. Esta última posee una inscripción al reverso que nos informa de que fue regalada por el conde de Solms a Juan de Ligne el 23 de enero de 1547. Tanto las dimensiones como la temática de ambas, parecen indicar que eran piezas compañeras y mezclaban alusiones a la Antigüedad clásica con reflexiones moralizantes. Debieron de pasar a posesión de Carlos V o de Felipe II, a cuya muerte se encontraban en el Alcázar de Madrid.

MUSEO DEL PRADO

jueves, 5 de mayo de 2022

Jan Havicksz. Steen



 Leiden, 1626-1679

Pintor holandés apreciado sobre todo en el siglo XVIII por sus escenas costumbristas y de género. Hijo de un cervecero, estudió en la Universidad de Leiden, donde estaba inscrito en 1646. Dos años más tarde formó parte del gremio de pintores de su ciudad natal. Se casó en La Haya, en 1649, con una de las hijas de Jan van Goyen, Margaretha. De carácter inquieto, es difícil asociarle con una sola ciudad. Entre 1656 y 1660 está documentado en Warmond, entre 1661 y 1670 en Haarlem, y desde ese año hasta su muerte en Leiden. Compatibilizó otras actividades con la pintura; así entre 1654 y 1657 su padre le alquiló una cervecería en Delft, La culebra, que no tuvo mucho éxito, y en 1672 el pintor abrió una fonda en Leiden. Fue presidente del gremio de pintores de esta urbe en dos ocasiones y decano en una.

Las primeras escenas que realizó se fechan en la década de 1640, y en ellas sus personajes tienen un aire grotesco. Entre los maestros que se han mencionado como formadores de su estilo se encuentran Adriaen van Ostade en Haarlem, Jan van Goyen en La Haya y Nicolaus Knüpfer en Utrecht. Admiró a Frans Hals, cuyas obras le causaron un gran impacto, y según parece llegó a coleccionar cuadros de este artista; el Peeckelhaering de Hals cuelga en la pared de dos de sus interiores: El bautizo (Berlín, Gemäldegalerie) y La visita del doctor (Londres, Apsley House). Su estilo fue evolucionando hacia obras con menor número de personajes, a la vez que aumenta su caracterización. 

En su última época estilizó sus figuras, matizó los colores y sus composiciones se abrieron a los nuevos gustos del cambio de siglo. Jan Steen fue un pintor muy productivo, en su obra además de una gran variedad de animadas escenas, tanto en interiores como en exteriores, destacan sus pinturas con temas alegóricos y religiosos junto a algunos retratos de encargo. 

Entre aquéllas hay que subrayar las historias religiosas —Steen fue toda su vida un fiel católico—, que están tratadas como pinturas de género, como Cristo en Emaús del Rijksmuseum de Amsterdam. Admirado por sir Joshua Reynolds, tuvo numerosos seguidores e imitadores pero no discípulos.

Museo Nacional Thyssen-Bornemisza


martes, 26 de abril de 2022

Jan Asselijn

 



Nace en Dieppe en 1615

Jan Asselijn fue paisajista que se especializó en escenas reales o imaginarias de la campiña romana. Estudió en Italia en la década de 1630 a 1640. Su obra destaca por sus fuertes contrastes lumínicos que vienen de la influencia de Claudio de Lorena. Su cuadro más famoso, sin embargo, no es un paisaje sino un cisne del Rijksmuseum de Amsterdam. Rembrandt fue amigo de este pintor y le hizo un retrato al aguafuerte. 


Se le apodó Crabbetje (Cangrejillo) por un defecto en una de sus manos. Jan Asselijn fue convertido en el símbolo de la independencia holandesa. En esta época los artistas dependías de la demanda de un público que le interesaba, retratos de los suyos y de su tierra La demanda de un determinado tipo de pintura produjo que muchos pintores se especializaran en determinados temas. Este hecho fue nuevo en la Historia.




miércoles, 20 de abril de 2022

Cornelis Ketel

 



Gouda, 1548 -Amsterdam, 1616

Cornelis Ketel fue uno de los pintores más destacados del Manierismo holandés de finales del siglo XVI. Recibió sus primeras lecciones en Gouda, de su tío, el pintor Cornelisz. Jacobsz. Ketel, y continuó su formación en Delft, en el taller de Anthonie van Blocklandt. 

Viajó a Francia, donde vivió en París y en Fontainebleau. A pesar del difícil clima político, Cornelis Ketel regresó, en 1567, a Gouda donde permaneció trabajando hasta 1573. Ese año vuelve a emprender un viaje, esta vez a Inglaterra, estableciéndose en Londres como retratista. De este periodo es el retrato de cuerpo entero de Sir Martin Frobisher, en la Bodleian Library de Oxford. 

Durante su estancia en Londres coincidió con Federico Zuccaro, cuyo estilo se percibirá en su pintura. Volvió definitivamente a su país en 1581, y fijó su residencia en Amsterdam, ciudad en la que permaneció hasta el final de su vida, activo no sólo como pintor sino también como poeta y orador. Durante los siguientes años ejecutó numerosos retratos, entre los que se encuentra Compañía miliciana del capitán Dirck Jacobsz. Rosecrans y del teniente Pauw, del Rijksmuseum de Amsterdam, de 1588, una obra clave en el desarrollo del retrato de grupo en Holanda. Ketel inició ese tipo de composiciones en las que los miembros de una compañía miliciana aparecen representados en un interior, de cuerpo entero y portando sus armas. También pintó y dibujó alegorías y escenas narrativas; entre las pocas piezas que se han conservado se encuentran El espejo de la Virtud (Amsterdam, Rijksmuseum) y La serpiente de bronce (Múnich, Staatliche Graphische Sammlung); otras se conocen a través de grabados. Van Mander nos informa que en 1595 Ketel comenzó a esculpir, y que hacia 1599 empezó a realizar sus pinturas con los dedos, sin utilizar el pincel.


Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

martes, 19 de abril de 2022

Michiel Sweerts




 Bruselas, 1618 -Goa, 1664

Retratista, pintor de género y de escenas alegóricas, Michiel Sweerts fue, por su estilo, una figura singular dentro de la escuela flamenca del siglo XVII. Se conoce poco sobre su actividad artística hasta su traslado a Roma, donde ejerció como pintor entre 1646 y 1656. En esta ciudad está documentado en la Accademia di San Luca como aggregato, asistente no oficial. En ese periodo, Sweerts, siguiendo la moda de otros artistas nórdicos, que constituían una nutrida comunidad en Roma, pintó escenas ambientadas en las calles de la ciudad. También de esa etapa son una serie de lienzos donde se ilustra la actividad y la formación de los pintores en estudios, clases o tomando apuntes del natural



Estudio de un pintor (Amsterdam, Rijksmuseum) y El estudio (Detroit, Institute of Art) son ejemplos de este tipo de representaciones que, además, subrayan su interés personal por la naturaleza y la escultura clásica como muestran los numerosos fragmentos escultóricos en sus escenas. En 1655 se encuentra en Bruselas, donde un año más tarde publicó una serie de grabados Diversae facies, con fines didácticos, para ser utilizados por sus alumnos como ejemplos. Allí abrió una escuela de dibujo y aparece registrado, en 1657, en el gremio de pintores. Su presencia en Amsterdam está documentada en 1660 con un grupo de misioneros, desde donde se embarcó hacia Palestina para después viajar más allá de Persia; su carácter y la falta de disciplina fueron las causas por las que tuvo que abandonar la misión. Se trasladó entonces de Isfahán (Irán) a Goa, en la costa oeste de la India, donde, según los archivos de la Societé des Missions Etrangères, falleció en 1664.

Su obra, en la que sobresalen unas tonalidades plateadas especiales, se diferencia de la del resto de los nórdicos que trabajaron en Italia por el uso que hace del color, aplicado en equilibrados juegos armónicos a los que da cierto lirismo. Entre sus pinturas destacamos Plaga en una ciudad de la Antigüedad, en la que se aprecia la influencia de Nicolas Poussin, sus retratos de muchachos, en los que el tratamiento que hace de la luz le aproxima a los mejores luministas holandeses, o el ciclo con las obras de misericordia, repartidas entre varios museos y colecciones privadas.


Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

lunes, 18 de abril de 2022

Pere Borrell




 España, 1835–1910

Pere Borrell del Caso fue más que pintor, profesor de dibujo y pintura. Aún con un gran éxito internacional que continúa hoy en día, decidió seguir enseñando en la academia particular de dibujo y pintura que él había creado.

En dos ocasiones le ofrecieron una cátedra en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona («La Llotja») y en los dos casos la rechazó y siguió enseñando con sus propios métodos a la siguiente generación de artistas catalanes.

Con influencia evidentemente romántica, gustaba sobre todo de los nazarenos alemanes, aunque sus trampantojos beben directamente de la pintura barroca.



Es conocido en todo el mundo por su famoso cuadro Huyendo de la crítica de 1874.

Historia Arte (HA!)


miércoles, 13 de abril de 2022

Salvador Viniegra




(Cádiz, 1862-Madrid, 1915). Pintor español que cultivó temas de género y de historia. Fue subdirector del Museo del Prado (1898-1900), académico de la Real Academia de Bellas Artes de Cádiz, miembro del tribunal de oposición para la provisión de pensionados a la Academia de Bellas Artes de Roma, condecorado con la gran cruz de Isabel la Católica, collar y placa de Santiago de Portugal, comendador de número de San Miguel de Baviera, oficial de la Legión de Honor francesa y caballero de las órdenes de Carlos III, Alfonso XII y de la Corona de Italia. 

Se formó en la Escuela de Bellas Artes de Cádiz y en 1882 se trasladó a Roma como pensionado de mérito para ampliar sus estudios, gracias a la mediación de José Ville­gas, amigo de la familia de Vinie­gra y director de la Academia Espa­ñola de Bellas Artes en la Ciudad Eterna. Participó en numero­sas muestras y certámenes, obtuvo primera medalla en la Exposición Na­cional de 1887, consideración de primera medalla en 1901 y condecoración en la edición de 1904. Asimismo, fue premiado con primera medalla en la Exposición Regional de Cádiz de 1885, gran medalla del Estado en la Universal de Viena de 1888 y gran medalla de oro en la Universal de Múnich de 1894. En sus obras es patente la doble influencia de Mariano Fortuny y de José Villegas. Educado en un ambiente culto, amante de la música y la literatura, publicó un libro titulado Curiosidades de Roma y fue autor de varias zarzuelas: Los garrochistas, Los sobrinitosLos acróbatas y El embajador, entre otras.

MUSEO DEL PRADO

domingo, 27 de marzo de 2022

RAFAEL ALBERTI






 "La primera vocación de Rafael Alberti fue la pintura, patente ya en sus primeros años cuando en El Puerto de Santa María dibujaba los barcos que hasta allí llegaban. 

Pero su auténtico descubrimiento de la pintura se produce en 1917, cuando, por motivos familiares se traslada a Madrid y entra por primera vez en el Museo del Prado, al que años más tarde desde su destierro argentino rendirá homenaje en uno de sus libros mayores: A la Pintura, dedicado a Picasso.

En él quedará plasmado no sólo su deslumbramiento hacia la pintura y hacia uno de los museos más bellos del mundo, sino también su minucioso conocimiento de las escuelas pictóricas, las técnicas y procedimientos utilizados, el estilo de cada pintor.

Sin abandonar del todo su vocación pictórica, su vida va abriéndose a lo que será el centro de su inspiración: la poesía. Ambas vocaciones las fusionará Alberti en la creación de sus "liricografías", en las que dibuja sus versos ("diérame ahora la locura / que en aquel tiempo me tenía / para pintar la poesía con el pincel de la pintura"). Debajo del poeta late siempre el pintor y viceversa. Su poesía es plástica, llena de color, luminosa como su pintura. Antes de escribirla, según él, tenía que verla dibujada. Y su pintura tiene todo el lirismo de sus versos, el ritmo de sus composiciones métricas. Picasso, en un dibujo que le regaló, le puso la siguiente dedicatoria: "Del poeta Pablo Picasso al pintor Rafael Alberti". 



Se equivocó la paloma.
Se equivocaba.

Por ir al Norte, fue al Sur.
Creyó que el trigo era agua.
Se equivocaba.

Creyó que el mar era el cielo;
que la noche la mañana.
Se equivocaba.

Que las estrellas eran rocío;
que la calor, la nevada.
Se equivocaba.

Que tu falda era tu blusa;
que tu corazón su casa.
Se equivocaba.

(Ella se durmió en la orilla.
Tú, en la cumbre de una rama.)




jueves, 17 de marzo de 2022

Amico Aspertini

 Bolonia, 1474/1475-1552

Amico Aspertini nació en Bolonia, entre 1474 y 1475, en el seno de una familia de pintores. Fue un artista versátil que se dedicó a la pintura, a la escultura, al grabado y a la iluminación de libros. Giorgio Vasari lo describe como un pintor excéntrico, capaz de trabajar tan rápido que podía decorar una fachada en un solo día.

Aspertini es considerado hoy como un pintor de estilo complejo y ecléctico, y uno de los precursores de la corriente manierista. Su cronología es difícil de establecer, debido, en gran medida, a la pérdida de toda su obra como decorador de fachadas al fresco, actividad en la que según las fuentes fue el artista más prolífico de Bolonia. 
La primera noticia que tenemos sobre la carrera de Aspertini es su viaje, entre 1500 y 1503, a Roma, donde estableció contacto con la escuela de Pinturicchio. Fue un apasionado estudioso de la Antigüedad; de esos años data uno de sus cuadernos de dibujos dedicados al mundo clásico, el Wolfegg Codex, colección von Waldburg, que es un documento de primer orden para el conocimiento del arte y la arquitectura antigua.
En 1504 regresó a Bolonia, donde un año más tarde participó, junto con Lorenzo Costa y Francesco Francia, en la decoración al fresco del recién restaurado oratorio de Santa Cecilia, en la iglesia San Giacomo Maggiore. Su siguiente gran encargo fue en la Toscana, en Lucca, donde se ocupó del programa decorativo de la capilla de Sant’ Agostino en la iglesia de San Frediano, en el que destaca, especialmente, su representación con San Frediano cambiando el curso del río Serchio, basado en una escena de la columna de Trajano.
 Desde 1510 hasta 1530 Aspertini se centró casi exclusivamente en su labor como escultor, llevando a cabo, entre otros proyectos, parte de la fachada de San Petronio, en su ciudad natal. 

En 1529 fue uno de los dos artistas responsables de la decoración del arco de triunfo que celebraría la entrada en la ciudad de Bolonia del papa Clemente VII y el emperador Carlos V.

Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

martes, 15 de marzo de 2022

Adriaen van Ostade




 (Haarlem, 1610-1685). Pintor, dibujante y grabador holandés, especializado en la pintura de género de pequeño tamaño. Aunque las fuentes hablan de un aprendizaje a partir de Frans Hals, no hay datos fiables hasta su entrada en el Gremio de Pintores de San Lucas de Haarlem en 1634. 

En sus primeras composiciones se hace evidente su dependencia de la obra de Adriaen Brouwer, especialmente en las escenas de peleas y escenas de interior, al modo de sus fumadores, jugadores de cartas o bebedores, aunque en Ostade carecen de la tradición satírica que animaba este tipo de pintura en Brouwer. La utilización de composiciones diagonales y los fuertes contrastes de claroscuro son las características predominantes de sus obras, así como los efectos de fuentes de luz directa, como candelas o chimeneas. Progresivamente incluirá en su corpus escenas de temática más pausada, tales como vistas de pueblos o interiores de casas cam­pesinas, e incluso retratos individualizados, donde demuestra el conocimiento de la tendencia caravaggista, matizada a través de los artistas de Utrecht. 


Del mismo modo, mostrará, hacia finales de la década de 1630, un interés por el paisaje, muy influenciado por la actividad pictórica de su hermano Isaak, con obras en las que alcanza gran calidad gracias a la combinación de espacios abiertos con figuras en actividades cotidianas. Únicamente se conoce un paisaje puro de su mano, Paisaje con viejo roble (Rijksmuseum, Amsterdam). A partir de la década de 1640 sus escenas de género sufrirán una nueva evolución, prestando más atención a los elementos anecdóticos, como mobiliario y utensilios cotidianos, representados en un mayor detalle. Las figuras ganan en individualización y a la vez construye las escenas con un sentido de la profundidad y la perspectiva más maduro. 


De hecho, la insistencia en los detalles será la característica que marque sus obras posteriores, así como una obsesión por la utilización de colores más delicados, en detrimento de la tonalidad general de sus primeras obras. Los mismos temas de género de sus pinturas se mantienen en el gran número de dibujos de su mano que se conservan, así como en sus muchos grabados, siendo el principal grabador holandés de su momento tras Rembrandt. Adriaen van Ostade fue maestro de su hermano Isaak, así como de Thomas Wijck, e indirectamente influyó en artistas como Jan Steen, Cornelis Befa, Michel van Musscher, Jan de Groot y Cornelis Dusart, por lo que es uno de los principales puntos de referencia de la pintura de género holandesa.


MUSEO  DEL PRADO