martes, 12 de marzo de 2019

MARTIN CHIRINO



"Yo soy el hombre que, gracias a su obra, está hecho de una sola pieza. Pero también lleno de dudas"

 "Al pasear por Las Canteras, la playa urbana de mi infancia en Las Palmas, me preguntaba cómo podría abrir el horizonte y pasar al otro lado. En cierto modo lo he logrado".


Nos ha dejado el escultor del viento, MARTIN CHIRINO, a los 94 años de edad.

Nacido en Gran Canaria en 1925, este artista de la estirpe de otros artistas canarios como Manolo Millares, Manuel Padorno y Juan Hidalgo era un transformador de la arena y el viento.

Las Canteras, la playa de su infancia donde iba con su padre, jefe de talleres de un astillero. Trabajó esporadicamente con él, en el mundo de los barcos y por este motivo viajó a distintos países de Africa, lo que le dejaría una profunda huella para su posterior trabajo escultórico
Se formó contemplando las volutas que el viento hacía en la Playa de las Canteras de su infancia, cuando iba a ver cómo su padre arreglaba el esqueleto de los barcos. 

En 1948 viajó por primera vez a Madrid, matriculándose en la Facultad de Filosofía y Letras, con el fin de cursar estudios de Filología Inglesa. Pronto abandonaría estos estudios para ingresar en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando. Entre sus maestros recordaría a Moisés Huerta, Milaviada y Enrique Lafuente Ferrari.

Martín Chirino expuso en todo el mundo, y fue uno de los grandes escultores españoles en un tiempo en que, con él, estaban en ese firmamento Eduardo Chillida y Jorge Oteiza. Perteneció al grupo El Paso, básico en la historia del arte de posguerra.
Nunca se apartó de aquellas volutas de arena movidas por el viento que contemplaba en la playa de las Canteras y esto lo hizo universal. Sus esculturas están en todo el mundo. En 1980 recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas por toda su obra. Cinco años más tarde le sería concedida la Medalla de Oro de Bellas Artes.

El 28 de marzo de 2015 se inauguró en el Castillo de la Luz de Las Palmas de Gran Canaria la Fundación de Arte y Pensamiento Martín Chirino.Se trata de un espacio museístico con un total de 25 obras del escultor que forman parte de la exposición permanente, piezas que realizan un repaso por la trayectoria de artista


lunes, 4 de febrero de 2019

Francisco Iturrino




Santander, 9  de septiembre de 1864; Cagnes-sur-Mer (Francia), 20 de junio de 1924.
En 1872 su familia, de origen vizcaíno, se trasladó definitivamente a Bilbao. Estudia dibujo con su tío Elviro González. Inicia los estudios de ingeniería en Bélgica, pero abandona la carrera para dedicarse a su carrera artística.En 1890 se dirige a Bruselas donde estudia pintura con Lorrand. En 1895 se instala en París para continuar allí sus estudios de pintura, sobresaliendo pronto por su arte y fuerte temperamento. Se convierte en uno de los pintores de vanguardia más cotizados de la época.



En 1901 celebró una exposición en la Galería Vollard, de la capital francesa, en unión de Pablo Ruiz Picasso. Sus cuadros despertaron gran curiosidad y su fauvismo un sinfín de comentarios por parte de la crítica y del público de la época. En esta exposición el artista presentó cerca de cuarenta obras, en las que mostraba su indiscutible personalidad y talento. Después concurrió a otras exposiciones, destacando principalmente en la celebrada en el Salón de los Independientes. En París conoce también a Henri Matisse, quien influyó notablemente en su obra.



Regresó a su tierra (1901) y viajó por toda la Península, captando paisajes y tipos con sus pinceles. Dió a conocer algunas de sus obras en Madrid, Barcelona y Bilbao y obtuvo el mismo éxito que había alcanzado ya en el extranjero. Abrió un taller en Sevilla estableciendo así un eje París-Andalucía-Bilbao y trasladándose con frecuencia hasta la guerra del 14.



En 1917, en la Exposición de Artistas Vascos, tuvieron los lienzos de Francisco Iturrino una sala especial, y en ella pudieron ser contemplados sus excelentes cuadros con asuntos andaluces, salmantinos y marroquíes. En esta época, Iturrino había cambiado ya su arte negro y huraño de las primeras obras por otro más claro y amable, de técnica personalísima y de valiente colorido. Es justo hacer constar que no siempre fueron bien comprendidas sus obras, y después de la exposición que se celebró en el Círculo de Bellas Artes de Madrid en 1919, se originó una verdadera polémica.



En 1922 sufrió varias intervenciones quirúrgicas, siendo necesaria la amputación de una pierna gangrenada. Debido a su situación económica, sus amigos -Picasso, Matisse, Bonard, etc., realizaron una suscripción, la cual le permitió adquirir una casita en Cagnes sur Mer. Pinta y, sobre todo, graba al aguafuerte.

Muchas de sus obras se encuentran muy repartidas en museos nacionales y extranjeros y en colecciones particulares. Vollard adquirió gran parte de las creaciones. El coleccionista argentino don Andrés Garmendia posee varios cuadros, y en la colección Elejabeitia de Bilbao, se halla la obra titulada Las cuatro. Los museos de Bellas Artes de Santander y Bilbao y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid tienen obras de Iturrino en sus fondos.

AUÑAMENDI EUSKO ENTZIKLOPEDIA

viernes, 1 de febrero de 2019

MARIA HELENA VIEIRA DA SILVA




1908, LISBOA;  1992, PARIS
Maria Helena Vieira da Silva nació el 13 de junio de 1908 en Lisboa.  En 1919 ingresó en la Academia de artesanía de Lisboa, para estudiar dibujo con Emilia Santos Braga. Se mudó a París en 1928  para continuar su formación. Mientras estuvo en París, absorbió una variedad de influencias, desde la abstracción geométrica del grupo Círculo y Plaza  y Joaquín Torres-García hasta el estilo decorativo de Pierre Bonnard.


Los primeros trabajos de Vieira da Silva reflejan una sensibilidad que se desglosaría en el plano de la imagen. Tuvo su primera exposición individual en 1933 en la Galería Jeanne Bucher de París, exhibiendo ilustraciones de un libro para niños junto con algunas pinturas. Al estallar la Segunda Guerra Mundial, Vieira da Silva y su esposo, el pintor Arpad Szenes, huyeron a Portugal antes de mudarse a Río de Janeiro. Vieira da Silva continuó pintando y exhibiendo en Brasil hasta que ella y Szenes pudieron regresar a París en 1947.
El tema de las pinturas de la década de 1950 de Vieira da Silva se centra en el entorno de la posguerra: ciudades quemadas o inundadas, callejones, puestas de sol y paisajes.  En 1966 aceptó el encargo de diseñar una vidriera para el ábside de la capilla oriental en la catedral de Reims, Francia. Continuó pintando en la década de 1980, y tiene un notable enfoque en la luz.
La obra de Vieira da Silva se incluyó en una Kunsthalle de Basilea (1954) y en la Bienal de Caracas (1958). Su primera retrospectiva se llevó a cabo en Kestner Gesellschaft, Hannover (1958), viajando a Kunsthalle Bremen, y Kunst- und Museumsverein Wuppertal, todo en Alemania Occidental. En 1958 expuso en el Pittsburgh International (ahora Carnegie International) y fue mencionada en la exhibición del Premio Internacional Guggenheim. Vieira da Silva tuvo retrospectivas en el Museo de Grenoble, Francia (1964); Museo Cívico, Turín, Italia (1964); Museo Nacional de Arte Moderno, París (1969-70); Museo Fabre, Montpellier, Francia (1971); Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París (1977); y Fundación Juan March, Madrid (1991). También fue reconocida  en la Bienal de São Paulo (1989). Ciudadana francesa desde 1956, Vieira da Silva murió el 6 de marzo de 1992 en París.

martes, 29 de enero de 2019

Frances Hodgkins




Frances Hodgkins nació en Dunedin Nueva Zelanda.

A los veinte años estudió con Girolamo Nerli, un pintor italiano que visitaba Dunedin. Bajo la guía de Nerli, Hodgkins comenzó a desarrollar un estilo que se concentraba en el paisaje.
En 1901 se fue a Europa. Viajó extensamente por el continente y  norte de África, y durante este tiempo produjo muchas acuarelas. En 1902 expuso en Londres por primera vez y al año siguiente fue aceptada para exhibir en la Royal Academy.

Más tarde, ese año, regresó a Nueva Zelanda y se estableció en Wellington, donde su familia también se había establecido. Produjo obra en este período y regresó a Europa, decidida a seguir una carrera como artista.
Tuvo su primera exposición individual en Londres, ganó dos concursos de arte y sus pinturas fueron aceptadas por prestigiosas instituciones en París: el Salón y la Sociedad Internacional de Acuarelistas.

En 1908 se instaló en París, donde pintó y enseñó, convirtiéndose en la primera mujer en ser instructora en la Academia Colarossi, una de las principales escuelas de arte de la ciudad. Hodgkins regresó a Nueva Zelanda en 1912, principalmente para visitar a sus padres, pero también organizó exposiciones de su trabajo. Después de la visita regresó a Europa para establecerse de manera permanente, con la intención de reanudar su vida como artista y maestra.
El estallido de la Primera Guerra Mundial obligó a Hodgkins a mudarse de París a St Ives, un pequeño pueblo de pescadores en Cornwall, Inglaterra. Allí tenía muchas dificultades sin embargo  experimento con obra en formatos grandes y pintura al óleo.  Sus trabajos de esta época muestran la influencia del post impresionismo.
Los años posteriores a la guerra estuvieron marcados por dificultades y falta de éxito. Su exposición de 1923 en Londres fue un fracaso financiero, y en 1925  trabajó en Manchester durante seis meses.

Sin embargo, en 1926 se exhibieron ochenta cuadros de Hodgkins en Manchester, su exposición individual más grande hasta la fecha. La exposición tuvo un éxito moderado y, en 1927 probó en Londres.
En 1929 fue invitada a unirse a  Seven and Five Society, un  grupo de jóvenes artistas ingleses. Esta fue una salida importante para el trabajo de Hodgkins.

Durante la década de 1930 expuso en muchas galerías importantes de Londres.  Sus exposiciones en esta época tuvieron mucho éxito.
 En 1939 fue invitada a representar a Gran Bretaña en la prestigiosa Bienal de Venecia de 1940. Este fue un gran honor; Sin embargo, las restricciones de viaje en tiempos de guerra significaron que nunca llegó a Venecia.



 Cuando murió en 1947 a la edad de setenta y ocho años, Frances Hodgkins era considerada como una de las artistas más importantes de Gran Bretaña.



lunes, 28 de enero de 2019

Victor Vasarely




Hungría 1908–1997

Vásárhelyi Győző, rebautizado en Francia como Victor Vasarely, fue el padre del Op art, una tendencia artística de corte abstracto desarrollada sobre todo en los años 60, que se basa en jugar con nuestros ojos para conseguir imágenes que simulan movimiento y toda suerte de ilusiones ópticas.
Vasarely comenzó a estudiar medicina en Hungría, pero eso no era lo suyo. Se interesó más bien por el arte abstracto de Mondrian y Malévich, gente muy interesada por lo que la geometría podría aportar al arte.
A principios de la década de 1930 se fue a París y empezó su investigación artística principal: un tipo especial de arte abstracto geométrico, que proporciona efectos ópticos de movimiento, y así juega con nosotros, pobres espectadores engañados por formas y perspectivas extrañas, e imágenes inestables. Utilizó para ello una pintura nada gestual.
Al parecer, estas obras estaban influenciadas por las paredes de azulejos blancos de la Denfert París, que creaban una sensación óptica especial.
Vasarely llamó a todo esto cinética visual (cinétique plastique) y se basaba en la percepción del espectador que al final, se considera el único creador de la obra. O más bien el ojo del espectador, un miembro del cuerpo humano muy fácil de engañar.
El arte de Vasarely es pues un timo, una estafa, un engaño. Un engaño en el buen sentido de la palabra, si es que la palabra tenía buen sentido. Al menos Vasarely se lo dio.

Historia-Arte

viernes, 25 de enero de 2019

Kristian Zahrtmann




Peder Henrik Kristian Zahrtmann, conocido como Kristian Zahrtmann, (31 de marzo de 1843 - 22 de junio de 1917) fue un pintor danés. Formó parte de la generación artística danesa de finales del siglo XIX, junto con Peder Severin Krøyer y Theodor Esbern Philipsen, quienes se separaron de las restricciones del académicismo tradicional y la herencia de la Edad de Oro de la pintura danesa, en favor del naturalismo. y el realismo.

Era conocido especialmente por sus pinturas de historia, y especialmente por aquellas que representan a mujeres fuertes, trágicas y legendarias en la historia danesa. También produjo obras de muchos otros géneros, incluidos paisajes, escenas callejeras, escenas populares y retratos.

Tuvo un efecto de gran alcance en el desarrollo de su arte. Además, su uso audaz del color ha sido considerado como una anticipación del expresionismo por los historiadores del arte.

Nació en Rønne, Dinamarca, en la isla de Bornholm. Después de graduarse de Rønne Realskole a los diecisiete años, fue enviado a la Academia Sorø, donde estudió pintura con el paisajista Johannes Georg Harder Smith (también conocido como Hans Harder).


Después de graduarse, llegó a Copenhague, donde durante el invierno, de 1863 a 1864, estudió dibujo en el Instituto Técnico con Christian Hetsch y el arquitecto Ferdinand Vilhelm Jensen. También recibió instrucción privada del pintor Wenzel Ulrich Tornøe durante este mismo tiempo. Luego comenzó sus estudios en octubre de 1864 en la Royal Danish Academy of Art. 

Ya se estaba interesando en la historia de la heroica hija de una rey danesa del siglo XVII, Leonora Christina Ulfeldt (también conocida como Eleanor Christine), antes de la publicación póstuma en 1869 de su relato autobiográfico de 1674 Jammers Minde ("Remembrance of Misery"), que había recibido como regalo de cumpleaños de Haslund y Krohn.
Interesado en la  condesa Leonora Christina de Schleswig-Holstein, hija del rey Christian IV Zahrtmann conmemoró su historia en una serie de 18 grandes pinturas.
Viajó a  a Italia en diciembre de 1875 con la financiación de su padre, antes de recibir una beca de la Academia. 1875-1878 residió en Italia (Roma, Siena, Amalfi y Saracinesco), donde produjo una serie de pinturas. 
Viajó por primera vez a la ciudad de montaña de Civita d'Antino en junio de 1883, una ciudad que llegó a considerar su segundo hogar. Pasó todos los veranos de 1890 a 1911 en Civita d'Antino, donde vivió con la familia Cerroni, y reunió a amigos y estudiantes en una colonia anual de artistas. Fue nombrado ciudadano honorario de la ciudad en 1902.

También viajó a Grecia varias veces, a Francia y Portugal.

Expuso en la Exposición Mundial en París 1878, 1889, 1900 y en Chicago 1893.



jueves, 24 de enero de 2019

August Eiebakke



August Eiebakke procedía de una familia de agricultores y, en un principio, quiso ser escultor. Recibió su formación en la Escuela Real de Dibujo de Christiania, si bien fue cautivado gradualmente por la pintura, contándose entre sus maestros Christian Krogh y Eilif Peterssen. Se estrenó en la Exposición de Otoño de 1887, y se le reconocieron sus escenas de género realistas, de las que la más famosa, Poniendo la mesa (1891, Nasjonalgalleriet, Oslo), lleva un motivo del hogar de sus padres

Resultado de imagen de August Eiebakke
Durante un período, sus obras mostraron influencias de las enseñanzas del pintor danés Kristian Zahrtmann, y, a raíz de una serie de viajes por Europa, en especial varios a Italia, cambió su pintura hacia una forma más neorromántica. Inspirada por las enseñanzas del danés N.F.S. Grundtvig, pintó retablos y motivos religiosos en Italia, en el invierno de 1895-1896. Después, sin embargo, volvió al estilo más naturalista que había empleado antes, creando una serie de paisajes, retratos e interiores con figuras. En 1897, Eiebakke, junto con Halfdan Egedius y Erik Werenskiold, ilustró la obra La expedición noruega al polo Norte de Fridtjof Nansen.

Aurora Boreal 2002

miércoles, 23 de enero de 2019

Maqbool Fida Husain




1915-2011 Pintor y director de cine indio. La Carrera de Husain, realmente comenzó con la independencia de su país en 1947. Fue tambien el año de su primera exposición y tambien el de la muerte de su padre. Formó un grupo con otros jóvenes artistas que se llamaron The Bombay Progressive Artists´group con el deseo de fomentar el arte moderno en el nuevo país. Viajó a Europa por primera vez en 1953 y conoció a Picasso, y Matisse, pero fue Paul Klee el que ejerció mayor influencia en él..."estaba tan influido por la filosofía india que hacía de él casi un pintor indio"

martes, 22 de enero de 2019

José Clemente Orozco








José Clemente Orozco, 1883, Ciudad Guzmán, Mejico.—1949, Mexico City
Comenzó a interesarle por el arte en 1890, cuando su familia se trasladó a Ciudad de Méjico.  Pasó de escuela en escuela hasta que 
entró en el taller de José Guadalupe Posada, autor de caricaturas grotescas e ilustraciones. A Orozco le gustaban aquellas imágenes fuertes y siempre reconoció la influencia de este maestro grabador.

Comenzó a ir a clases nocturnas de dibujo en la Academia de San Carlos hasta que a finales de la década de 1890 su devoción por el arte fue interrumpida por su padre que deseaba que se hiciera agrónomo y delineante. A los 17 años perdió su mano izquierda y abandonó los estudios. Volvió a la Academia de San Carlos en 1905
Uno de sus profesores en la Academia era un artista radical llamado Gerardo Murillo que adopto el nombre azteca de Doctor Atl. Este le pidió a Orozco que rechazara la dominación cultural europea y que se preocupara por la mejicana, así que Orozco comenzó a explorar temas mejicanos y pintó escenas de la vida cotidiana que encontraba en los barrios.

Cuando estalló la gerra civil en Méjico en 1914, se unió a las fuerzas de Venustiano Carranza como artistas del periodico revolucionario La vanguardia, editada por Atl.

En 1917, ante la reacción negativa de la crítica y de los moralistas ante una exposición suya, emigró a los Estados Unidos, donde vivió años infelices en San Francisco y Nueva York. Cuando volvió a Méjico en 1920, se econtró con el gobierno de Alvaro Obregón, gran defensor de su obra y de las sus colegas Rivera, Alfaro Siqueiro y otros, a los que encargó murales. Esto dio comienzo al movimiento muralista mejicano.
En 1927 el gobierno dejo de apoyar a los muralistas y los ataques de la crítica conservadora comenzaron de nuevo así que volvió a los Estados Unidos. Humillado en su propio país, en Nueva York intentó ganarse una reputación. Poco a poco comenzó a conseguir fama y le encargaron un mural para Pomona College en Claremont, California. Temporalmente abandonó la crítica social. 
En 1932 hizo un breve viaje  a Europa. Aunque quedó impresionado por la obra de Picasso le causaron aún más admiración los mosaicos bizantinos de Roma y Ravenna. 
En 1934 regresó triunfalmente a Mejico para pintar el mural Catharsis para el Palacio de Bellas Artes

Orozco se convirtió en un héroe local en sus últimos tiempos, recibiendo grandes honores de las autoridades

viernes, 18 de enero de 2019

Per Ekström




(1844-1935)
Después de estudiar en la Real Academia de Bellas Artes de Suecia, en Estocolmo, Ekström fue a París en 1876. Permaneció en Francia durante 13 años, cinco de los cuales, que él llamó años de perro, en estado de suma pobreza en la alejada Carolles, en el límite entre Normandía y Bretaña. Cuando volvió a Paris, su reunión con sus amigos, el suave paisaje arbolado, y la luz de un gris plateado sobre la ciudad, condujeron a una profunda vitalización de su arte.
Los trabajos de los impresionistas, recientemente establecidos, también contribuyeron a esa renovación, pero dentro del marco de la visión artística de Ekström disfrutó de un éxito importante en la Exposición Universal de París en 1889, y en 1890, pudo volver a Suecia un reconocido pintor. El original pintor del sol, de la isla báltica de Öland, siguió su propia senda y no desempeñó más que un papel pasivo en el movimiento de los Oponentes, permaneciendo inconsciente de las aspiraciones estilísticas de los partidarios del romanticismo nacional.

Aurora Boreal