Cuarta edición del concurso 'Se busca comisario'

La Comunidad de Madrid convoca la cuarta edición de Se Busca Comisario, un concurso para la selección de un Comisario  encargado de realizar la programación expositiva de la Sala de Arte Joven para 2013.

Podrán participar comisarios y creadores españoles o extranjeros, residentes en  España, de forma individual o colectiva, menores de 35 años al cierre de la convocatoria. En el caso de colectivos al menos el 50 por ciento de sus miembros  deberá reunir este requisito. Asimismo deberán designar un representante.

El objeto de este programa de exposiciones es presentar a los profesionales y al  público una panorámica de la creación artística actual en la Comunidad de Madrid. El  comisario podrá realizar un mínimo de dos exposiciones y hasta un máximo de tres  exposiciones, y el formato de éstas, siempre dentro de los límites de calendario y presupuestarios definidos en esta convocatoria.

La dotación económica asciende a los 88.500 euros y el plazo de presentación de los proyectos finalizará el 28 de septiembre de 2012. 

La Vicepresidencia, Consejería de Cultura y Deporte y Portavocía del Gobierno de la Comunidad de Madrid convoca la selección de un comisario encargado de realizar la programación expositiva de la Sala de Arte Joven para 2013, destinado a presentar una panorámica de la creación artística actual en la Comunidad de Madrid.


La Vicepresidencia, Consejería de Cultura y Deporte y Portavocía del Gobierno de la Comunidad de Madrid, dentro de su política dinamizadora en materia de arte emergente que desde la Comunidad de Madrid se viene desarrollando, y con el objetivo de lograr la creación de un espacio de referencia, reflexión y debate sobre las manifestaciones artísticas más innovadoras en las que vienen trabajando los jóvenes creadores madrileños, convoca la selección de un comisario encargado de realizar la programación expositiva de la Sala de Arte Joven para 2013, destinado a presentar una panorámica de la creación artística actual en la Comunidad de Madrid
La presente convocatoria tiene por objeto la selección de un proyecto, elaborado por un comisario independiente, para desarrollar la actividad de la Sala de Arte Joven a lo largo de seis meses en el año 2013. El comisario elegido podrá llevar a cabo un mínimo de dos exposiciones y hasta un máximo de tres, y el formato de éstas, siempre dentro de los límites de calendario y presupuestarios definidos en esta convocatoria
Las propuestas presentadas, mayoritariamente con obras de artistas residentes o trabajando y exponiendo en la Comunidad de Madrid, podrán versar sobre cualquier disciplina artística y deberán demostrar un alto grado de conocimiento del panorama artístico madrileño. Se valorarán muy positivamente aquellas que experimenten con nuevos formatos expositivos, así como el desarrollo de actividades paralelas tales como: conferencias, visitas guiadas, mesas redondas, talleres…
Se establece un presupuesto de 88.500 euros para la realización del proyecto seleccionado.
El plazo de presentación de los proyectos finaliza el día 28 de septiembre de 2012.
Para más información consultar las bases.

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http://www.madrid.org/cs/Satellite?blobcol=urldata&blobheader=application%2Fpdf&blobheadername1=Content-Disposition&blobheadervalue1=filename%3DBASES+IV+CONVOCATORIA.pdf&blobkey=id&blobtable=MungoBlobs&blobwhere=1310982245862&ssbinary=true

Paul Gauguin. Los grabados

Este otoño -del 28 de septiembre al 20 de enero- el Museo de Arte Moderno de Zúrich (Suiza) exhibirá 50 grabados de Paul Gauguin, una rica colección todavía desconocida entre el público.

Paul Gauguin (1848-1903) es uno de los pintores más famosos de la era moderna. Sin embargo, es imposible comprender su producción artística sin apreciar primero su producción gráfica. Su colección de grabados en madera y zincografías (litografías sobre planchas de zinc en lugar de piedra) le abrieron un nuevo camino artístico que, en la actualidad, nos dice mucho sobre el carácter del hombre que los creó.

La producción gráfica de Gauguin creció durante sus largos períodos de enfermedad y se convirtió en el foco de su creación artística a su regreso de Tahití en 1895. Si examinamos sus grabados en madera, descubrimos un arte radical y sensible al mismo tiempo, un arte que revela el drama de una personalidad compleja atormentada por dudas, anhelos y temores.

Fechas: del 28 de septiembre al 20 de enero.
Lugar: Museo de Arte Moderno de Zúrich, Heimplatz 1, CH-8001 Zúrich. Suiza
Horario:  de miércoles a viernes de 10.00 a 20.00 horas. Sábados, domingos y martes de 10.00 a 18.00 horas.

Romanticismo oscuro: de Goya a Max Ernst

Este otoño, una exposición investigará en Alemania el lado oscuro del movimiento romántico y su continuación en el Simbolismo y el Surrealismo. Compuesta por más de 130 pinturas, esculturas, trabajos gráficos, fotografías y películas, la muestra Romanticismo oscuro: de Goya a Max Ernst se encargará de explorar la fascinación de muchos artistas por el reino del mal, de lo insondable, de lo misterioso. La muestra estará abierta al público del 26 de septiembre al 20 de enero en el Museo Städel de Frankfurt.

Romanticismo oscuro reunirá en una sola exposición obras maestras de Francisco de Goya, Heinrich Füssli (Henry Fuseli), William Blake, Eugène Delacroix, Caspar David Friedrich, Carl Blechen, Victor Hugo, Arnold Böcklin, Gustave Moreau, Odilon Redon, Félicien Rops, James Ensor, Max Klinger, Franz von Stuck, Edvard Munch, René Magritte, Hans Bellmer, Salvador Dalí y Max Ernst.

Las pinturas son importantes préstamos de museos y colecciones privadas de varios países, entre ellos el Museo d'Orsay de París, la Pinacoteca Nueva de Munich, la Royal Academy de Londres, la Kunsthalle de Hamburgo, el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid y el Art Institute de Chicago.

Fechas: del 26 de septiembre al 20 de enero.
Lugar: Museo Städel Schaumainkai 63, 60596 Frankfurt, Alemania.
Horario: de viernes a domingo de 10.00 a 18.00 horas. Miércoles y jueves de 10.00 a 21.00 horas.

El arte del Londres olímpico

Con motivo de la celebración los Juegos Olímpicos, todas las miradas están puestas en Londres. La ciudad, que luce sus mejores galas para acoger a deportistas de todo el mundo, es también epicentro de numerosas exposiciones de gran calado:

La National Gallery presenta Metamorfosis: Tiziano 2012, un evento que muestra la respuesta de varios artistas contemporáneos (coreógrafos, compositores, poetas y artistas visuales) a la pintura del maestro renacentista Tiziano. Esta colaboración artística se centra en torno a tres de las obras maestras de Tiziano en el Reino Unido: Diana y Acteón, La muerte de Acteón, y Diana y Calisto. El propósito del proyecto es la demostración de que las grandes obras del maestro renacentista continúan inspirando a los artistas de hoy en día.

La Tate Modern acoge una exposición que homenajea a Edvard Munch y en la que se exhiben 140 de sus trabajos, entre los que se incluyen 60 pinturas, 30 trabajos en papel y 50 fotografías vintage. La muestra recoge además una serie de películas y una de las escasas esculturas del artista, Edvard Munch l’oeil modern que arroja nueva luz sobre la creación del pintor noruego (1863-1944).

La National Portrait Gallery organiza una muestra centrada en la figura de Isabel II.  La Reina: Arte e Imagen recorre los 60 años de reinado de la monarca británica más longeva de la historia.

Por útlimo, la Tate Britain expone una selección de 180 imágenes de reconocidos fotógrafos del siglo XX. Bajo el título Otro Londres, la exposición destacará la vitalidad de una metrópolis dinámica, diversa y llena de contrastes.

Johann Heinrich Füssli

Johann Heinrich Füssli (Zürich, 7 de febrero de 1741 – Putney Hill, Londres, 16 de abril de 1825) fue un dibujante, pintor, historiador del arte y escritor suizo, posteriormente establecido en Gran Bretaña, donde es conocido como Henry Fuseli.
Pintor de difícil clasificación, se le ha calificado de neoclásico, neomanierista y prerromántico. En sus imágenes confluyen corrientes que provienen de las tradiciones clasicista y manierista con otras que son específicas de la pintura inglesa y nórdica, reflejando una concepción de lo sublime que se manifiesta en el arte y la literatura inglesas del siglo XVIII. En su estancia en Italia alcanzó su estilo definitivo, basado en el manierismo, con rasgos clasicistas, pero más dramáticos que los de sus contemporáneos. Su apasionamiento, emocionalismo y subjetividad —lo que llamamos «romanticismo»— llevó su estilo hacia lo irracional. La obra de Füssli tiene un marcado carácter teatral, no sólo por los temas, sino por su sentido plástico de las imágenes, en cuya representación huye de la perspectiva renacentista. Las formas de sus figuras se apartan de las reglas de las lecciones de anatomía y dan lugar a nuevas criaturas fantásticas y sensuales.

Temáticamente, pese a su establecimiento en Inglaterra, Füssli representa un sentido del romanticismo plenamente alemán: su mundo nocturno y terrorífico es paralelo al del «romanticismo oscuro» de Novalis, Hölderlin, Jean Paul y Hoffmann. Todo ello sitúa a Füssli como una figura fundamental para la transición entre el neoclasicismo y el romanticismo, y como uno de los artistas pioneros en la exploración de lo irracional, hecho por el que algunos historiadores del arte lo comparan con Goya.³ Aunque poco después de su muerte su obra cayó en un relativo olvido, su figura fue reivindicada por los expresionistas y surrealistas, que lo consideraron un predecesor.

Nació en Zürich en 1741, hijo de un anticuario y pintor retratista, Johann Caspar Füssli. Su padre, amigo del famoso crítico de arte Johann Joachim Winckelmann, escribió un libro sobre pintura suiza, y reunió una gran colección de dibujos y grabados suizos de los siglos XVI y XVII. Su hermano, Johann Kaspar Füssli, fue también pintor y entomólogo. Los inicios de Heinrich fueron en el terreno de la literatura, y tan solo a partir de 1764, en Inglaterra, se dedicó de lleno a la pintura. De hecho, él mismo no se consideraba un artista, sino un ilustrador de temas literarios.

En su juventud en Zürich se vinculó al Sturm und Drang, movimiento prerromántico que, en contraposición al racionalismo de la Ilustración, retornó a la emoción y la fantasía, a la expresión de los sentimientos, los instintos y las pasiones del hombre. En casa del padre de Füssli se reunían los fundadores del movimiento en Suiza: Johann Jakob Bodmer y sus discípulos Johann Caspar Lavater —gran amigo de Füssli durante toda su vida—, Johann Heinrich Pestalozzi y Johann Jakob Breitinger. Bodmer tradujo El paraíso perdido de John Milton, que junto a la traducción de Shakespeare al alemán por parte de Wieland influyeron en Füssli, que empezó a interesarse por la literatura inglesa (Shakespeare, Milton, Young, Shaftesbury). Las enseñanzas de Bodmer fueron la base estética del estilo artístico de Füssli, especialmente su concepción de los poetas como genios transmisores de la pasión y el sentimiento, así como su defensa de la ambivalencia pasional del arte y la poesía entre la alegría y la tristeza, el placer y el dolor, que otorgaba a la temática dramática y pasional un mismo nivel de validez artística que los serenos y equilibrados argumentos del racional y clasicista movimiento ilustrado.

La iniciación artística de Füssli fue temprana: de pequeño copió algunos de los grabados de la colección de su padre (de autores como Niklaus Manuel Deutsch, Urs Graf, Christoph Stimmer o Gotthard Ringli), escogiendo con frecuencia temas violentos, con fuertes claroscuros, figuras estilizadas y monumentales (Caída de los Titanes, 1752, Öffentliche Kunstsammlung, Basilea).  En su adolescencia cambió de temática, pasando a lo macabro y grotesco, a veces con intención satírica y un cierto aire caricaturesco, y a menudo con ciertos toques eróticos, como se evidencia en su copia del Narrenbuch de Rudolf y Conrad Meyer, serie de dibujos sobre la estupidez humana. Surgió entonces una dualidad en su obra: por una parte los temas eróticos y violentos, por otra una virtud y sencillez influidas por Rousseau.

Hacia 1755 comenzó a afianzarse su estilo: en sus grabados de 1755-57 sobre Till Eulenspiegel refleja un estilo entre manierista y barroco influido por Durero, que combinaba a la vez expresividad y realismo. Ese primer contacto con el manierismo suizo, combinado con las ideas del Sturm und Drang, marcó el estilo futuro de Füssli. Durante un corto período ejerció de pastor zwingliano, con influencia de una teología emocional que marcó alguna de sus obras. En ese tiempo comenzó a surgir en Füssli un pesimismo, una actitud trágica proveniente de las ideas de Rousseau sobre que la civilización había corrompido a la humanidad, y desde entonces tuvo una preferencia temperamental por la visión trágica de la humanidad.

Entre 1763 y 1764 viajó a Alemania, exiliado por un tiempo debido a un panfleto que publicó contra el gobierno oligárquico de Zürich. Allí contactó con los escritores Friedrich Gottlieb Klopstock y Johann Joachim Spalding, y escribió poemas líricos influidos por Young, además de realizar algunos dibujos de temas morales. Por aquel entonces defendía la utilidad moral del arte, como se demuestra en dos obras realizadas en la casa de campo de Spalding en Barth, Destino del hombre e Instrucciones para mis hijas. Por lo general, sus dibujos de esa época se inspiran en Nicolas Poussin y William Hogarth, como en Muerte de un húsar húngaro (1764, Kunsthaus, Zürich

Entre 1764 y 1770 se estableció en Inglaterra, donde empezó a ilustrar a Shakespeare, y tradujo Macbeth al alemán. Allí conoció a Thomas Coutts, banquero de Jorge III y uno de los hombres más ricos del país, que sería uno de sus máximos benefactores y que lo introdujo en los ambientes aristocráticos. En esa época empezó a alejarse de Rousseau, quizá influido por el ambiente mundano y cosmopolita de la sociedad inglesa, y frente a la idea rousseauniana de la bondad natural del hombre empezó a aceptar el carácter corrupto y depravado de la humanidad, reafirmando su sentido trágico del hombre. Por otro lado, empezó a relativizar la moralidad, que de tan idealizada que la tenía pasó a volverse ilusoria, algo inalcanzable para el humano mortal. Al tiempo, y pese a sus ideas liberales, empezó a considerar el arte como algo propio de genios y solo asequible a élites intelectuales, por lo que su pensamiento osciló entre el progresismo social y el reaccionarismo intelectual.

En Inglaterra pudo conocer de primera mano la obra de sus autores favoritos, Milton y Shakespeare: el ambiente intelectual de esa época comenzaba a interpretar a Shakespeare de forma más apasionada, no tan realista como hasta entonces, y Füssli se hizo eco de esa corriente a través de una serie de dibujos inspirados en los dramas del autor inglés, escogiendo por lo general las escenas más crueles y horripilantes, a las que a veces daba un toque erótico (lamentablemente, la mayor parte de sus obras de esa época se perdieron en un incendio en 1769). Su estilo fue derivando cada vez más hacia el manierismo —pese a algunas obras de tono más realista, como su ilustración del Peregrine Pickle de Tobias George Smollett—, mientras que sus temas esbozaban los que serían temas típicos del romanticismo: en 1769 pintó Bardo tocando el arpa (Colección Bollag, Zürich), inspirado en el incipiente romanticismo escocés —aparecido entonces con el Ossian de James Macpherson—, donde refleja rasgos de Rembrandt y de Salvatore Rosa, y una moda medieval inspirada en Pontormo y Baccio Bandinelli. Ese mismo año realizó El sueño de Arturo (colección privada, Oberhofen), una escena del Faerie Queene de Edmund Spenser, inspirada en el Marte y Venus de Rosso Fiorentino.

Entre 1770 y 1778 se estableció en Roma, donde se concentró más que nunca en el arte, ya que en esas fechas decidió definitivamente dedicarse a la pintura de forma profesional.  En Italia alcanzó su estilo definitivo, basado en el manierismo y abandonando totalmente el realismo, con un estilo más abstracto, imaginativo, monumental, severo y esquemático, con predilección como hasta entonces por escenas dramáticas y violentas, e inspirándose, como había hecho hasta entonces, en temas literarios. Aun sí, mantuvo en su obra ciertos rasgos clasicistas —por influencia de Winckelmann—, si bien reinterpretados de forma personal, adoptando los componentes que más convenían a su estilo, que en última instancia se podría considerar como un manierismo de raíz clasicista.

Recibió entonces la influencia de Miguel Ángel, al que consideraba el mayor genio del arte, al igual que Shakespeare lo era en la literatura. Sus figuras pasaron a ser alargadas, estilizadas, destacándolas sobre el conjunto, sin apenas espacio ni perspectiva, con horizontes bajos y pronunciados contrastes de luz y sombra.  También se inspiró en los manieristas italianos, como Baccio Bandinelli, Rosso Fiorentino, Parmigianino, Domenico Beccafumi, Luca Cambiaso o Battista Franco. De Parmigianino tomó especialmente su sentido estilizado del erotismo, con figuras de formas curvadas y alargadas, que sería su prototipo femenino en adelante, por lo general recreando una figura cercana a la femme fatale, altiva y sensual, con insistencia en la expresividad del rostro, donde destacan unos ojos muy abiertos.  

En cambio, para los desnudos masculinos se solía inspirar en los frescos del Juicio Final de la Catedral de Orvieto de Luca Signorelli, con figuras musculosas en actitudes tensas y dramáticas, que usaba generalmente en figuras de carácter violento, como verdugos y gladiadores.  Asimismo, durante su estancia en Roma estudió el arte antiguo, del que tomó alguna referencia puntual, especialmente del grupo escultórico de los Domadores de caballos de Monte Cavallo (siglos IV-V), del que tomó una figura que sería típica en su producción, en el rol de joven héroe, de postura erguida, con las piernas separadas y un brazo en alto.

En esos años hizo copias de Miguel Ángel (Antepasados, Profetas y Sibilas de la Capilla Sixtina), e ilustró temas de Dante, Shakespeare, Milton y Thomas Gray. En 1772 realizó Muerte del cardenal Beaufort (British Museum, Londres), inspirado en la Muerte de Germánico de Poussin. En 1772-74 ilustró la Divina Comedia, en una línea manierista-barroca. En una visita a Venecia recibió igualmente la influencia del manierismo tardío de Tintoretto (Moisés predicando en el Monte Sinaí, 1776, Kunsthaus, Zürich; Traslado del cadáver de Sarpedón, 1778, Kunsthaus, Zürich). En una composición de 1778-80, El artista desesperado ante la grandeza de las ruinas antiguas, reflejó el sentimiento característico de la época de admiración por las ruinas clásicas, proveniente de Winckelmann —cuya obra Reflexión sobre la imitación de las obras de arte griegas (1755) tradujo al inglés—. Sus obras en esos años son dinámicas, generalmente con escenas de grupos en movimientos tensos, forzados, en composiciones muchas veces diagonales o piramidales (Lear abrazando a Cordelia agonizante, 1777, Kunsthaus, Zürich; Ricardo III visitado por espectros, 1777, British Museum, Londres), a veces con un marcado componente erótico (Perseo y Andrómeda, 1778, British Museum, Londres). Durante su estancia en Italia elaboró una serie de imágenes eróticas llamada «dibujos de simplegma» (entrelazamiento), donde el sexo se relaciona con la pasión y el sufrimiento —entroncando con el antiguo concepto de pathos—, en láminas que evocan los antiguos ritos báquicos y priápicos, con un erotismo crudo y realista alejado de la galantería rococó.

En 1779 volvió a Zürich en camino de regreso a Inglaterra. Allí pintó el Juramento en el Rütli (Rathaus, Zürich), un encargo de la Federación Suiza para conmemorar el alzamiento de los tres cantones (Uri, Schwyz, Unterwalden) contra la dominación austríaca. En esta obra las figuras llenan el espacio, sin fondo, en posturas violentas, resueltas con un contrapposto, y reflejan un moralismo heroico que tiene cierto paralelo con el Juramento de los Horacios de Jacques-Louis David (1782-84)

En 1779 regresó a Inglaterra, donde se centró más que nunca en el arte, al tiempo que sus ideas políticas se iban suavizando, y pese a unas primeras muestras de simpatía por la Revolución Francesa, pronto derivó hacia posiciones más moderadas, y se movió en círculos más intelectuales que no políticos. Sus obras fueron compradas en su mayoría por sus amigos de esos círculos, como el banquero Thomas Coutts, el historiador William Roscoe, el millonario y artista aficionado William Lock, o el artista y presidente de la Royal Academy Thomas Lawrence. En 1788 se casó con Sophia Rawlins, con la que no tuvo hijos. Aunque por lo general su arte no fue muy apreciado a nivel popular, sí gozó de fama y honores como experto erudito en arte: en 1788 ingresó como socio en la Royal Academy, de la que posteriormente fue miembro ordinario (1790), profesor de pintura (1799) y, por último, conservador vitalicio. En 1816 fue nombrado miembro honorífico de la Accademia di San Luca por Antonio Canova, de visita en Inglaterra, junto a John Flaxman y Thomas Lawrence, según Canova los «tres mayores artistas ingleses».

En esta época pintó sus cuadros más importantes, ilustrando temas de Shakespeare, Milton, Cowper y Homero, así como diversas obras como el Cantar de los Nibelungos y el Oberon de Wieland. Además, recibió el encargo de John Boydell para ejecutar unas pinturas basadas en la obra dramática de Shakespeare, las cuales fueron utilizadas como base para ilustrar una gran edición impresa de este dramaturgo, que se exhibieron por varios años en la Galería Boydell Shakespeare. De igual forma, sus ilustraciones sobre Milton fueron expuestas en el Pall Mall de Londres con el nombre Milton Gallery (1799). En estas obras Füssli remarca lo erótico e insiste cada vez más en lo demoníaco y satánico. No utiliza mucho el color —que subordina al dibujo—, que suele ser gris o marrón, en tonos fríos y de tiza. Por lo general, enfatiza más las figuras principales de la escena, mientras que las secundarias aparecen difuminadas. En sus dibujos, utiliza más el lápiz y la tiza que no la pluma y la aguada, que anteriormente empleaba con más profusión, y los claroscuros, antes más violentos y forzados, aparecen ahora más suavizados.

También comenzó a componer temas inventados, generalmente de carácter fantasmagórico: Miedo (1780-82, Kunsthaus, Zürich), cuya composición apunta al expresionismo; La pesadilla, de la que hay varias versiones (1781, Institute of Arts, Detroit; 1790-91, Goethes Elternhaus, Fráncfort del Meno), probablemente su obra más conocida, quizá inspirada en el Sueño de Hécuba de Giulio Romano o en el Sueño de Rafael de Marcantonio Raimondi, es donde presenta su torturado fondo psicológico de una manera más intimista; Soledad en el ocaso (1795-1800, colección privada, Zürich), ilustración del Lycidas de Milton, donde reproduce una de las figuras de los Antepasados de Miguel Ángel (Naason); Silencio (1800, Kunsthaus, Zürich), también reproduce otra figura de Miguel Ángel (Aminadab)

Meleagro sugiere tanto al Polifemo de Tibaldi (de Odiseo deja ciego a Polifemo, Palazzo Poggi, Bolonia) como al Heliodoro de Rafael (de La expulsión de Heliodoro del templo, en las Estancias Vaticanas). En Odiseo escapando de Polifemo (1805, Colección Ulrich, Zürich), la composición recuerda tanto a Tibaldi como a los frescos de Primaticcio de la Galerie d'Ulysse de Fontainebleau; en esta obra Füssli cambió la composición, monumental y maciza, pero no tan violenta. En otra ilustración para la Ilíada, Aquiles sacrificando su cabello en la pira funeraria de Patroclo (1795-1800, Kunsthaus, Zürich), la figura de Aquiles es una versión del Marte de Rosso Fiorentino, de su serie de los Dioses.

Continuó igualmente con los temas eróticos, en los que se solía basar en grabados de Hendrick Goltzius y Bartholomeus Spranger, en obras como: Teseo y Ariadna (1787, Kunsthaus, Zürich), Titania y Bottom (1790, Tate Gallery, Londres), Caída de Ícaro con mujeres bañándose (1795, Kunsthaus, Zürich), Desnudo echado mientras una mujer toca el piano (1800, Colección Ganz, Chicago) —inspirado en Venus recreándose en la música de Tiziano—, Cortesana con adorno de plumas (1800-1810, Kunsthaus, Zürich) y Pesadilla (1810, Kunsthaus, Zürich). También recreó temas fantásticos, como las ilustraciones para el Sueño de una noche de verano de Shakespeare y el Faerie Queene de Edmund Spenser, en escenas de gran dinamismo donde una multiplicidad de personajes de tipo fantástico (duendes, hadas, gnomos), vuelan en el espacio en complejos remolinos, en composiciones ondulantes y vigorosas

 Con el cambio de siglo se introdujo en nuevos géneros como el paisaje, en cuadros y dibujos resueltos de forma expresionista con unas pocas líneas principales: hizo dibujos del Támesis y de Hastings y Ramsgate, sus lugares de veraneo. Continuó con los dibujos eróticos, especialmente de cortesanas vestidas o medio desnudas, donde enfatizaba los componentes eróticos de la moda, tanto en vestidos como en peinados, con unos trazos estilizados que recuerdan la obra de Parmigianino. Entre 1805 y 1806 ilustró un volumen de poemas de Cowper, donde muestra una mayor influencia de Hogarth, especialmente en la expresión facial —Füssli tenía mucho interés por la fisiognomía, e ilustró el Physiognomische Fragmente de su amigo Lavater—. A partir de 1810 se intensifican las tendencias romántico-realistas, con un mayor sentido de lo pintoresco, en obras como Chriemhild sentada junto a una espineta mientras Siegfried la besa (1813, Kunsthaus, Zürich), Muchacha peinándose contemplada por un joven (1815, Kunsthaus, Zürich), Víctima de herida de daga sostenida por monjes (1816, Colección Bollag, Zürich), o Joven encarcelada con un esqueleto, observada por un anciano con armadura (ilustración del Heptameron de Margarita de Navarra, colección privada, Zürich).

 Algunas de estas obras parecen prefigurar a Delacroix o Géricault, que en la década de 1820 coincidieron en estilo y temática con la œuvre de Füssl
En sus últimos años dibujó menos temas históricos y más de inspiración propia, con un tratamiento más realista, aportando una representación más humana de los sentimientos: Liberación de una doncella (1810-20, colección privada, Basilea), El abrazo (1815, Öffentliche Kunstsammlung, Basilea), El duende (1822, Öffentliche Kunstsammlung, Basilea). En especial, el nuevo realismo en su obra se pone de manifiesto en sus dibujos de desnudos, en aguada o con un lápiz muy difuminado, con un tono sereno y equilibrado, con cierta tendencia a la monumentalidad de las formas, pero tratadas con mayor naturalismo. Se percibe la influencia de la escuela veneciana, especialmente Tiziano y Tintoretto.  En esa época, sus dibujos eróticos, especialmente de prostitutas, tienen un carácter más íntimo, por lo general en figuras aisladas —no como anteriormente en escenas—, en actitudes menos agresivas que en composiciones anteriores. En un retrato de 1820, Retrato de la señorita Otway-Cave (colección privada, Zürich), el tratamiento de la figura recuerda la actitud altiva de sus dibujos de cortesanas, con un alargamiento del cuello que recuerda nuevamente a Parmigianino. Una de sus últimas obras de relevancia fue Huída del círculo familiar (1822, Kunsthaus, Zürich), quizá inspirado en La maldición del padre de Jean-Baptiste Greuze, aunque como era habitual en él exagerando los gestos y la tensión dramática.

Füssli murió en Londres en 1825, en la casa de Susan Coutts, condesa de Guildford, hija de su antiguo mecenas Thomas Coutts. Tuvo pocos discípulos directos (Benjamin Haydon, William Etty, John Martin), pero la obra de Füssli influyó en algunos artistas en los años situados entre los siglos XVIII y XIX, si bien con un tono más moderado y menos manierista, como Alexander Runciman, John Brown, Prince Hoare, George Romney, Thomas Banks, Johan Tobias Sergel y Nicolai Abraham Abildgaard. Pero el artista más sobresaliente en la línea iniciada por Füssli fue William Blake, que llevó el romanticismo de corte manierista a cotas de gran emocionalidad y misticismo, con un fuerte sello subjetivo, casi onírico. 

 Blake fue un gran admirador de Füssli, del que dijo que su capacidad para el dibujo era comparable a la de Miguel Ángel; en su Public Address (Discurso público, 1810), dijo de Füssli que «se ha adelantado cien años a la generación actual», y mencionó como mejores pintores de la historia a Miguel Ángel y Füssli, así como de la poesía a Shakespeare y Milton.
Sin embargo, el estilo iniciado por Füssli tuvo escasa aceptación a nivel general, frente a una línea de corte clasicista más realista defendida en Francia, o frente al neobarroco de gusto burgués en Inglaterra, donde triunfaba la obra de Joshua Reynolds. La obra de Füssli, visionaria y adelantada a su tiempo, fue mejor valorada tras su muerte, en los años de esplendor del romanticismo, así como en el siglo XX por expresionistas y surrealistas

Füssli destacó —especialmente en su juventud— tanto como artista como poeta, con una poesía prerromántica muy cercana al Sturm und Drang. En 1774 Lavater lo comparó a Goethe, e incluso lo consideraba superior en ciertos aspectos. Sus poemas tenían un tono profundamente lírico, inspirados en el poeta inglés Edward Young. Interesado en la finalidad moral de la poesía —concepto que tomó de Klopstock—, su temática se centraba a menudo en la fe y la virtud, así como en la patria y la libertad, como se evidencia en sus Klagen (Lamentaciones, 1763), rapsodias en prosa escritas durante su exilio en Alemania tras criticar públicamente el gobierno cantonal de Zürich. Otro de sus poemas más famosos es Ode an das Vaterland (Oda a la patria, 1765), donde defiende la figura del político liberal inglés John Wilkes. En 1767 escribió el panfleto Remarks on the Writings and Conduct of J.J. Rousseau (Observaciones sobre los escritos y conducta de J.J. Rousseau), que se publicó de forma anónima, donde reflexiona sobre el filósofo ginebrino a través de una serie de aforismos de gran calidad literaria, que fueron atribuidos inicialmente a Laurence Sterne.

Otro prolífico campo literario de Füssli fue el arte: el zuriqués tenía unos enormes conocimientos de arte que reflejó en varios tratados, como Lectures at the Royal Academy (Conferencias en la Real Academia, 1801), A History of Art in the Schools of Italy (Historia del arte en las escuelas de Italia) y Aphorisms (Aforismos, 1831); también contribuyó en el Dictionary of Artists (Diccionario de artistas) de Pilkington (1805). Por lo general, solía ser bastante crítico con la mayoría de artistas, incluso con los que más le gustaban; algunos de sus opositores le reprochaban estas críticas a su vanidad, a no querer reconocer la deuda contraída con algunos de ellos que habían influido en su obra. En el terreno de la teoría del arte, Füssli era más conservador que en su propia obra, y defendía más el arte clasicista que no otras tendencias menos realistas. Sin embargo, en sus escritos muestra rasgos que serían típicos de la teoría del arte romántica, en especial en su concepción del artista como genio, así como en la importancia de la expresión aun por encima de la belleza.
Se conservan igualmente diversas cartas y manuscritos del artista, muchos de ellos recogidos en la primera biografía que se publicó sobre él en 1831, The Life and Writings of Henry Fuseli (Vida y escritos de Henry Fuseli), de John Knowles. También participó asiduamente en la revista literaria Analytical Review, editada por Joseph Johnson.

 

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Apollonio di Giovanni

Las aventuras de Ulises

El triunfo de Escipión el Africano

El triunfo del amor

The continence of Scipio

Asesinato y funeral de Julio Cesar

La violación de las Sabinas

Apollonio di Giovanni (también conocido como Apolo, de Juan  nació En Florencia entre el año  1415-1417 y murió en  1465. Fue un pintor y miniaturista italiano 

Fue un decorador de tiendas importantes de su época.  Por los libros de contabilidad de dichas tiendas se nos permite conocer cuales son obras suyas. Su estilo sufre a lo largo de su carrera varias influencias, desde Fra Angelico a Filippo Lippi, Paolo Veneziano, Paolo Uccello y Gentile da Fabriano. 

Las miniaturas de la Divina Comedia de Dante Alighieri y del Triunfo de Petrarca aparecen datadas en   1442. Entre sus últimas obras, ejecutadas en los ultimos quince años de vida, tenemos las imágenes para las  Bucólicas, las Geórgicas y la Eneida de Virgilio  y las dos cajas de Odyssey

Galicia, refugio temporal para los niños saharauis

El conflicto del Sáhara es el de un pueblo sin tierra. La invasión de Marruecos hace ya 30 años obligó a decenas de miles de saharahuis a huir hacia Argelia, donde levantaron campos de refugiados.El 80% de los exiliados son mujeres y niños, y la mayoría nunca han salido del campamento. La ONG "Solidariedade galega co pobo saharaui" les da la oportunidad de conocer Galicia.

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Galicia

Diputaciones y grandes concellos pagan 5 millones a sus 160 asesores

Las ocho mayores ciudades de Galicia suman un centenar de cargos de confianza

redacción / la voz

30 de julio de 2012 11:33

 

Los 160 asesores y asistentes de libre designación de las cuatro diputaciones provinciales y los ocho grandes concellos gallegos suponen un gasto anual en sueldos superior a los cinco millones de euros, sin contar la cotización social a cargo de esos organismos. Esa cantidad se suma a los 8,4 millones en sueldos de los alcaldes gallegos y a los cerca de 265.000 euros que cobran los cuatro presidentes de diputación. En total, 13,7 millones, más de lo que ha ahorrado la Xunta este año con el nuevo catálogo de medicamentos.

Diputaciones

A Coruña. El organismo que preside Diego Calvo (PP) dispone de 31 plazas de libre designación, 23 en la presidencia y ocho en los grupos (PSOE y PP). Son unos 900.000 euros, aunque el gabinete de Calvo subraya que han reducido el gasto en asesores en 85.000 euros al año.

Lugo. Cuenta con 13 asesores con nóminas por valor de 395.426 euros. Ocho están adscritos a la presidencia del socialista José Ramón Gómez Besteiro (suman 280.393 euros), y otros cinco (115.033 euros) a la vicepresidencia primera de Antonio Veiga Outeiro (BNG).

Ourense. La Diputación de José Manuel Baltar (PP) dice tener solo dos asesores: un jefe de prensa que coordina también la información del PP (41.742 euros) y un asesor en materia deportiva que también es concejal en la capital (24.007 euros).

Pontevedra. Rafael Louzán (PP) tiene 13 contratados como asesores por 532.044 euros. La oposición alerta de un «maquillaje» por el paso de personal de confianza a otros departamentos como personal eventual.

Ayuntamientos

A Coruña. El concello que preside Carlos Negreira (PP) es el que más gasta en sueldos de asesores (son 19, entre consejeros, asesores y secretarios técnicos) de entre los ocho grandes de Galicia. Cobran casi 620.000 euros.

Ferrol. José Manuel Rey (PP) cuenta con un jefe de gabinete (48.909 euros), un jefe de comunicación (38.935 euros), un redactor (22.493 euros), un gerente (38.712 euros) y un asesor jurídico de urbanismo (38.712 euros). Además, el concello tiene, con cargo al presupuesto, cinco secretarios, uno para cada grupo municipal (22.493 euros cada uno).

Santiago. En el Ayuntamiento de la capital de Galicia trabajan 15 personas como personal de confianza. El Concello que preside Ángel Currás (PP) les paga nóminas de casi 560.000 euros.

Lugo. El equipo de José Clemente López Orozco dice que el Concello gasta «menos de 600.000 euros», sin contar el recorte de la extra de diciembre, en 16 asesores: cuatro del grupo A, cuatro del B y ocho del C.

Ourense. El concello de Francisco Rodríguez (PSOE) gasta más de medio millón en sueldos de asesores. Nueve por el PSOE (274.166 euros), tres por el BNG (70.254 euros) y dos por el PP (54.821 euros). Además, hay una concejala no electa (54.892 euros) y un director de rehabilitación (48.828 euros). 

Pontevedra. Miguel Anxo Fernández Lores (BNG), dispone de un jefe de protocolo y dos asesores (115.000 euros). Además, hay uno para cada uno de los tres grupos políticos, por 69.000 euros en total.

Vilagarcía. Solo tiene dos asesores, que suponen un gasto anual de 55.350 euros. 

Vigo. Hay 12 adscritos a los grupos, que cuentan con dos asesores con sueldos de 30.079 euros cada uno, y dos auxiliares administrativos a 21.473 euros por cabeza. Además, el alcalde, Abel Caballero (PSOE) dispone de una secretaria particular con salario de asesor, una directora de comunicación (35.312 euros) y un director de gabinete de la alcaldía que gana 43.671 euros anuales.

Información elaborada por Gabriel Lemos (A Coruña), Ana de Antonio (Ferrol), Rosa Martínez (Santiago), Enrique Gómez y Benigno Lázare (Lugo), Pepe Seoane y Miguel Ascón (Ourense), Christian Casares (Pontevedra), Serxio González (Vilagarcía), Ángel Paniagua (Vigo) y Juan Oliver.

Gioacchino Assereto

 

 

Gioacchino Assereto (1600 - 28 de junio de 1649) fue un pintor italiano de principios del Barroco, activo en Génova.
Inicialmente fue discípulo de Luciano Borzone y después de Giovanni Andrea Ansaldo. Pintó dos frescos en una bóveda de la iglesia de Santissima Annunziata del Vastato

 Junto con Bernardo Strozzi, es uno de los mejores representantes de la escuela genovesa del s. XVII. Su obra sintetiza la tradición genovesa, el manierismo italiano y el realismo derivado de Caravaggio.