Gerrit van Honthorst o Gerard van Honthorst

Gerrit van Honthorst o Gerard van Honthorst (Utrecht, 4 de noviembre de 1590 — Utrecht, 27 de abril de 1656)[1] fue un pintor caravaggista flamenco del siglo XVII, de historia, de género y retratista.

Nacido en una familia de artistas, van Honthorst fue alumno de Abraham Bloemaert. En la década de 1610 completó su formación en Roma, estudiando en particular la obra de Caravaggio. Posteriormente reside en Londres, acompañado de su discípulo Joachim von Sandrart, donde ejecuta para el rey Carlos I cuadros destacados. Regresa a su país, donde se convierte en el más destacado de los pintores de la «Escuela de Utrecht», seguidores holandeses del artista italiano Caravaggio.

En 1622, fue admitido en la cofradía de pintores de Utrecht. Fue pintor de Federico-Enrique de Orange-Nassau y de su hijo Guillermo II, ambos estatúderes y príncipes de Orange.

Destaca como pintor de escenas nocturnas y con luz artificial, lo que le vale el sobrenombre de «Gérard della Notte» («Gérard de la noche»).

En la década de 1630, Van Honthorst se dio a conocer como retratista, lo que le permitió establecerse en La Haya en 1637, y pintó sucesivamente en el castillo de Ryswick y en Huis ten Bosch. El tiempo que no empleaba en producir pinturas lo dedicaba a los retratos. Sus obras eran muy numerosas, y están ampliamente representadas en museos de toda Europa. Sus piezas más atractivas son aquellas en las que cultiva el estilo de Caravaggio, esto es, aquellas que representan tabernas, con jugadores, cantantes y comensales de escasos modales. Muestra gran habilidad al reproducir escenas iluminadas por una simple vela.

De gran interés son los retratos del Duque de Buckingham y familia (Hampton Court), El Rey y la Reina de Bohemia (Hanover and Combe Abbey), María de Médici (Ayuntamiento de Ámsterdam), 1628, Los estatúders y sus esposas (Ámsterdam y La Haya), Carlos Luis y Ruperto, sobrinos de Carlos I (Louvre, San Petersburgo, Combe Abbey y Willin), y Lord Craven (National Portrait Gallery, Londres).

En 1649, fue invitado a tomar parte, junto con otros artistas, en la decoración del Orange Hall en el Palacio del Estatúder de Huis ten Bosch. En 1652, regresó a Utrecht, donde murió cuatro años más tarde.

Honthorst fue sucedido por su hermano Guillermo, nacido en Utrecht en 1604, que murió, según se dice, en 1666. Vivió en su ciudad natal, y pasó alguna temporada en Berlín. Pero dejó poca obra.



Dunames ha dejado un nuevo comentario en su entrada "Gerrit van Honthorst o Gerard van Honthorst":

HOLA, VINE A DAR CON TU BLOG POR UNA ENTRADA K HICISTE DE FUSELI, ES MI PINTOR FAVORITO Y TAMBIN ESTA MUY INTERESANTE LA OBRA DE HONTHORST, MUY BUENA SELECCION QUE TIENES DE ARTISTAS.
TUS CREACIONES, LOS BOLSOS, TAMBIN SON MUY ORIGINALES Y PADRES.

ME RETIRO ESPERO VERTE POR MI BLOG

OK

ADIOS, BUENAS VIBRAS Y BUENA LUNA.



Publicado por Dunames para lembranzas a las 20 de abril de 2009 0:53


MI COMENTARIO:

Gracias. Añado tu blog

Pieter van Lint

Pieter van Lint fue un pintor barroco flamenco (Amberes, 28-6-1609 – Amberes 25-9-1690)

Durante sus primeros años fue discípulo de Arthur Wolffort, realizando numerosas copias de pintores reconocidos como Rubens o Marten de Vos.

En 1632 aprueba el examen que le permite ingresar en la Guilda de San Lucas (gremio de pintores) de Amberes como maestro, de este mismo año data su primer cuadro conocido "La Adoración de los Pastores".

En 1633 viaja a Italia, permaneciendo en Roma hasta 1640. Entra al servicio del Cardenal Ginnasio, obispo de Ostia, participando en la decoración pictórica de la catedral de esta ciudad. Realiza asimismo una serie de frescos por encargo de la familia Cibo para la Capilla de Santa María del Popolo en los que se representan diversas escenas relacionadas con la Historia de la Santa Cruz.

Durante su estancia en Italia, a pesar de su estilo academicista, realiza diferentes cuadros con escenas populares tomadas de la vida cotidiana.

De vuelta a Flandes, se establece de nuevo en Amberes, donde entra al servicio del monarca Christian IV de Dinamarca. En esta etapa salen de su pincel numerosas obras de pequeño formato, de temática religiosa, destinadas a ser vendidas en España o América. En 1640 pinta una de sus últimas obras conocidas, "Los Desposorios de la Virgen" que se encuentra expuesta en la Catedral de Amberes

BOLITA YA VISTE DE "HEY JUDDY"

ehhhhhhhhh


QUIERO SER UN CABALLEROOOOOOO!!! Asi, de traje y corbata



no quiero ser una bandolera


ni estar con Juddy


ni convertido en un chucho



Ahora vistiendo niños "ERA LO UNICO QUE ME FALTABA!!!"

OllosdeBotón vello can de palleiro que mudou branco e cego por mor dunha explosión
na cociña de Juddy...
www.heyjuddy.com

OllosdeBotón viejo chucho que se volvió blanco y ciego por culpa de una explosión
en la cocina de Juddy...
www.heyjuddy.com
Publicado por heyjuddy


RASCUDA DICE: Ummmm fantástico

TEO Y SU COMETA

Hay una corneta
que flota en el cielo,
muy lejos del suelo
ligera y coqueta.
Hay una corneta
que imita a una nube:
ya baja, ya sube,
jamás se está quieta.
Hay una corneta
de vivos reflejos:
parecen espejos
buscando una meta.
Hay una corneta,
serpiente de espuma,
que deja a la bruma
de sueños repleta.

Un intre no inverno

Anónimo ha dejado un nuevo comentario en su entrada ""L'Inverno" da Vivaldi a Van Gogh":

Gracias.

MI COMENTARIO. Gracias a ti por en entrar en mis blogs

Un beso

Buenas noches, MI amor

Arte y Tecnología convierten Bilbao en un referente internacional

Technarte, la Conferencia Internacional sobre Arte y Tecnología que celebrará en el Palacio Euskalduna de Bilbao los días 23 y 24 de abril de 2009, cuenta con un Programa repleto de innovadoras disciplinas artísticas, como puede ser el Nanoarte, la Robótica-vida artificial o las posibilidades creativas del efecto fotovoltaico.

Ludwig Zeller presentará su proyecto CubeBrowser, un cubo de seis caras conformado por pantallas digitales que permite navegar por Internet para consultar páginas de almacenamiento de fotos. CubeBrowser, mediante la combinación de interacción, diseño, arte y tecnología, hace posible recuperar la tradición de compartir un álbum de fotos, con la ventaja de que la cantidad de fotos es prácticamente ilimitada. Mediante un sistema interactivo de navegación –girar el cubo arriba o abajo, o hacia los lados- se salta de foto en foto, de forma casual, sin un destino definido.

Alessandro Scali y Robin Goode presentarán Más allá de los pilares de Hércules: Nanotecnología y Arte, un proyecto que representa un viaje a un universo desconocido, más allá de los límites de nuestro mundo: un viaje más allá de nuestra realidad, invisible para el ojo humano. El Nanoarte supera las fronteras del arte, pues supone un nuevo concepto: la paradoja de experimentar y sentir obras de arte invisibles, pero no por ello inexistentes o irreales.

Technarte contará con proyectos innovadores y sorprendentes, que fusionarán arte y tecnología y, en muchos casos, permitirán la interacción con los asistentes. Puedes encontrar más información acerca del Programa de Technarte en la página web oficial de la Conferencia (www.technarte.org)

XXXVI Premio Bancaja de Pintura, Escultura y Arte Digital

La Fundación Bancaja (España) convoca un año más su certamen destinado a apoyar la creación artística (en las categorías de pintura, escultura y arte digital). Un concurso abierto hasta el 15 de mayo a autores de cualquier nacionalidad o residencia que dispone de un fondo en concepto de premios de 45.000 €.


Ficha del certamen

Organiza: Bancaja

Categoría: Pintura, escultura y arte digital .

Plazo de recepción de solicitudes: Hasta el 15 de mayo de 2009

Límites de participación: Sin restricciones por nacionalidad ni residencia. Los artistas ganadores de ediciones anteriores podrán volver a presentarse y optar a
una de las distintas disciplinas, excepto en aquellas que fueron premiados con dotación económica.

Requisitos:

Cada participante deberá rellenar todos los campos del boletín de inscripción (www.bancaja.es/obra social), en el cual se detallará en cuál de las tres
disciplinas desea presentarse. Sólo será valido si toda la información que se completa o adjunta está escrita en uno de los 3 idiomas: castellano, valenciano o inglés.

El tema y la técnica son de libre elección. La obra deberá ser inédita/original y necesariamente no habrá sido presentada ni exhibida con anterioridad en ningún otro
certamen o convocatoria de premios. No se admitirán copias de obras de otros artistas.

Superada la fase de preselección, las obras seleccionadas se presentarán ajustándose a los siguientes formatos:

* Pintura: las medidas no serán inferiores a 65 cm. ni superiores a 200 cm en cualquiera de sus lados. (Se presentarán sin enmarcar y con bastidor)
* Escultura: las medidas no podrán exceder de 200 x 120 x 120 cm, ni de 200 Kg. de peso, y estarán realizadas en material definitivo.
* arte digital: las medidas no serán inferiores a 65 cm ni superiores a 200 cm en cualquiera de sus lados. (Se presentarán en soporte autosostenible, no virtual, y no se
aceptarán soportes magnéticos (vídeo) ni digitales (Cd-rom, Web, etc).

Dotación: Pintura: Primer Premio: 12.000 € - Accésit: 6.000 €; Escultura: Primer Premio: 12.000 € - Accésit: 6.000 €; arte Digital Primer Premio: 6.000 € - Accésit: 3.000 €

Porta}Zush. 1961-1979

La obra del artista anteriormente conocido como Zush, hoy Evru -cambio de milenio mediante-, puede visitarse hasta el 27 de junio en la Fundación Suñol (Barcelona, España). Una retrospectiva que presenta, a través de la selección de 114 creaciones, en muchos casos inéditas, el rico imaginario de este "peculiar" artista.


Los inicios: Porta-Zush-Evru

La obra de este extraño artista de múltiples personalidades, nacido Alberto Porta, va pareja a una obra cambiante, donde el eclecticismo recoge las diversas experiencias y puntos de vista de, en muchas casos, una mitología propia. La presente exposición hace hincapié en uno de sus periodos artísticos menos conocidos, el de sus comienzos; los años anteriores a la transformación de Porta y los primeros años de Zush (personalidad previa a Evru).

Recorriendo etapas

La exposición, compuesta por obras pertenecientes a la Coleccion Josep Suñol, está dividida en tres principales apartados temáticos: la "Suite erocomida", donde las reminiscencias mediterráneas y el clasicismo se combinan en unas obras que aúnan erotismo y alimento; "Ibiza: una isla que crea desde una isla" recoge las lisérgicas obras creadas por Zush tras su estancia en un frenopático y sus posteriores vivencias como hippie en la isla balear de Ibiza; y "De Jude a Nasha", obras de la década de los años 70 centradas en la concepción del cuerpo humano a partir de una visión astral, una sexología astral que recurre como base iconográfica a las cartas del Tarot, también presente en "la muerte de su vida pasada", obras donde la escritura y la pasión por las culturas no occidentales son los grandes protagonistas.

Fazal Sheikh, www RevistadeArte com, LOGOPRESS

Zabaleta 101. Centenario de Rafael Zabaleta

Entre el arte naïf y el cubismo , Rafael Zabaleta reivindicó su labor de creador en la España de principios de siglo XX. Ahora, el Caixaforum Barcelona (España) recoge su obra hasta el 17 de mayo en una impresionante antológica que conmemora el centenario del nacimiento del autor.


Tradición y modernidad

Pintor formado al trasluz de las vanguardias, en la obra de Rafael Zabaleta se conjugan el lenguaje plástico con el que se estaba experimentando en su momento (de hecho, varios de ellos) con temas influidos por su Jaén natal. Los ambientes rurales, gentes y paisajes, son recurrentes en unos cuadros donde una mirada personalísima lo sobreimpregna todo. La presente exposición recupera la memoria de este autor, uno de los más singulares y valorados de la pintura española de posguerra, por medio de una treintena de obras procedentes de diversas colecciones públicas y privadas.

Del expresionismo a la geometría

La muestra del Caixaforum de Barcelona muestra la evolución sufrida por el pintor desde un temprano expresionimo hasta el postcubismo heredado de autores como Picasso, una geometría que, según avance en el tiempo, se ira intensificando. Junto con esto, la exposición remarca la estrecha relación que Zabaleta tuvo con la ciudad de Barcelona por medio de Eugenio d'Ors. Varias claves para acercarse a la obra de este autor reconocido en la época, que poseyó una fuerte conciencia de autor y que nos ha legado una producción de formalidad tan insólita como cercana temática.

Opera interrupta

Las obras de la Sagrada Familia en 1928, tal como pudo verlas Gaudí antes de morir.

¿Cuándo una obra de arte está finalizada? Ésta es una de las preguntas que todo creador se ha hecho alguna vez a lo largo del proceso de ejecución de una pieza, entre la indecisión, el perfeccionismo y el reparo a realizar añadidos innecesarios. A lo largo de la historia pueden encontrarse múltiples ejemplos de obras inacabadas, en unos casos debido al fallecimiento del autor, por decisión propia en muchos otros (respondiendo a una forma de concebir la plasticidad aún muy adelantada a su época). Gaudí, Rembrandt, Goya, Rodin o Miguel Ángel son tan sólo algunos de los socios del club de las "opera interrupta" que, muchas veces gracias a ello, dejaron en herencia excepcionales muestras artísticas.
La Sagrada Familia en 1915.
Al igual que sucede con muchos otros aspectos, los procesos y límites asociados al mundo del arte difieren de los de la "vida corriente", si se quiere decir así. De este modo, lo acabado, la corrección y la perfección son términos que no siempre aseguran la génesis de una obra de arte. Existen casos incluso de obras que sin ser su destino último la no finalización han adquirido una identidad propia principalmente por esta característica; un buen ejemplo de ello es el Templo Expiatorio de la Sagrada Familia, en Barcelona (España), obra del Antoni Gaudí, famoso por no haber llegado a ser concluido debido a la temprana muerte del arquitecto (quien fue construyéndolo además sin planos). Algo semejante a lo que sucederá con el más monumental de los encargos realizados a Rodin, dos grandes puertas -las Puertas del Infierno- comisionadas para el Museo de Artes Decorativas de París e inacabadas debido al fallecimiento del escultor; o a los cartones encargados por Carlos III a Goya, quien no puedo finalizarlos por culpa igualmente de su muerte.

En estos casos, la "obra inacabada" fue por accidente, pero existen muchas otras cuyo carácter inconcluso fue buscado ex profeso por el autor: quizá uno de los casos más famosos sea el de Miguel Ángel, quién dejó inacabados con intención los tondos Taddei y Pitti, así como - aunque en este caso también por causas ajenas- algunas de las esculturas de su última etapa (destacan sus pietás rondanini). Miguel Ángel ya adelantó algo que posteriormente será más común: la experimentación, tanto con técnicas como con el lenguaje plástico. Rembrandt dejó muchos de sus grabados sin finalizar, recurriendo tan sólo a una suerte de esbozo de líneas entrecruzadas; Duchamp no terminará su obra El Gran vidrio, en la que trabajó durante ocho años, hasta que la dé definitivamente "por inacabada" y Munch realizará múltiples variaciones y obras inacabadas de su famoso cuadro "El Grito".

VUELVO AL TRABAJO

Acabo de volver y mañana mismo me pongo a trabajar en el blog. Lo he dejado con un mes

Un beso a todos

6º Certame SecuenciaCero

6º Certamen de Video
SecuenciaCero


Datas : 22, 23 e 24 de Outubro do 2009



Lugar: O Verbum, Vigo.




Prazo de recepción das obras, do 1 de Abril ao 1 de Setembro,
no apartado de correos 86.
36200, Vigo, Pontevedra.

¿CUAL ES LA MAS ANTIGUA JUDDY?

doorstopper

Hello, este e un PocoMoco de pana e fieltro, está deseñado como doorstopper,
ou en cristián para parar as portas cando queremos que queden abertas:)
É pesadiño para que a porta non se peche. Pero claro podeselle dar o uso que
se queira!

Hello, este es un PocoMoco de pana y fieltro, está diseñado como doorstopper,
o en cristiano, para parar las puertas cuando queremos que se queden abiertas:)
Es pesado, para que la puerta no se cierre. Pero claro, se le puede dar el uso que
que se quiera:)

Certamen de pintura para jóvenes europeos

La Agencia Comunitaria de Control de Pesca (Vigo, España) presenta este certamen de pintura abierto a todos los jóvenes -15 a 30 años- miembros de la Unión Europea que deseen presentar una obra relativa a la actividad humana en el entorno marítimo, con especial enfoque en la pesca. Dotada con un único premio de 10.000 euros, esta convocatoria ofrece además la posibilidad a los diez últimos finalistas de integrar una exposición conjunta.


Ficha del certamen

Organiza: Agencia Comunitaria de Control de Pesca (CFCA)

Categoría: Pintura

Plazo de recepción de solicitudes: Hasta el 15 de abril de 2009

Límites de participación: Ciudadanos Unión Europea con una edad comprendida entre los 15 y los 30 años.

Requisitos obra: Las obras deberán adecuarse al tema propuesto ("Human activity in the maritime environment, in relation to Fishing");
las dimensiones máximas de cada pieza de arte no deberán exceder 1,80 x 2,50 m (alto x ancho) y no deberán ser menores de 1,25 x 1,80 m.

Dotación: Un único premio de 10.000 €; una exhibición conjunta integrada por los diez últimos finalistas.


Más información: CFCA

Becas de Artes Plásticas Marcelino Botín 2009-2010

Un año más regresan las becas de artes plásticas de la Fundación Marcelino Botín (Cantabria, España), una de las convocatorias más esperadas que cuenta con una dotación total de 220.000 € para formación, investigación y realización de proyectos personales en el ámbito de la creación artística, destinada a artistas de cualquier nacionalidad.


Ficha del certamen

Organiza: Fundación Marcelino Botín

Categoría: Artes Plásticas

Plazo de recepción de solicitudes: Hasta el 8 de mayo de 2009

Límites de participación: Sin restricciones por nacionalidad ni edad, a excepción de las becas de formación (23-40 años).

Requisitos:

Ficha de solicitud debidamente cumplimentada
Fotocopia del N.I.F. o NIE Residentes, Pasaporte o Documento Identificativo de la Hacienda de su país
Fotografía tamaño carnet.
Dirección completa y teléfono, email, tanto de origen como de posible país de destino.
Curriculum vitae, con indicación de estudios realizados, actividades profesionales, exposiciones, premios, becas, etc. (máximo 3 DIN A4).

* Para Proyectos Personales e Investigación:
Título del proyecto y resumen del mismo (máximo de cien palabras).
Memoria del proyecto: objetivo, plan de actuación (fases de desarrollo y fechas) y justificación personal de la conveniencia de llevarlo a cabo. Máximo 10 DIN A4.

* Para las becas de formación:
Información sobre el Centro de Formación o Residencia elegido (lugar, plazos, tasas, etc.).
Justificación personal sobre la conveniencia de su estancia y relación con sus proyectos actuales. (máximo 3 DIN A4).

Documentación gráfica, impresiones o fotocopias en color del trabajo del artista (no se aceptarán originales, ni documentación adjunta como catálogos, folletos, obras originales, etc.).

Dotación: Sin cambio de residencia: 16.000 €; Con traslado a otro país, distinto al de su residencia actual: 24.000 €; Con traslado a Estados Unidos: 28.000 €.


Más información: Fundación Marcelino Botín

Jacques Lipchitz. Dibujos

Escultor cubista de origen lituano, exiliado durante la II Guerra Mundial, e integrante de los grupos de la vanguardia francesa (junto con Picasso, Modigliani o Juan Gris), Jacques Lipchitz amplía ahora su memoria de la mano de la Bilbao Bizkaia Kutxa (País Vasco, España), en una exposición que muestra hasta el 16 de abril algunos de los dibujos y pruebas de artista inéditos realizados por el autor desde los comienzos de su trayectoria.


Los dibujos de un escultor

La exposición "Jacques Lipchitz. Dibujos", presente en el Aula de Cultura bbk de Elcano (Bilbao), se compone de 152 papeles con dibujos y grabados que permanecieron ocultos en una carpeta desde la muerte del artista hasta principios del año 2009. Estos dibujos componen una muestra de los diferentes estilos y etapas artísticas que Lipchitz atravesó y, en su mayoría, son bocetos de esculturas o ideas rápidas anotadas en el primer papel que el artista tuvo a mano. Junto con esto se pueden encontrar los dibujos preparatorios que el autor hizo de algunas de sus obras, en los que la evolución se aprecia con mayor claridad.

"A la renacentista"

Por medio de las piezas de la muestra se puede entrar en conocimiento de la cultura renacentista que tenía el artista, poseedor de una enorme colección de dibujos pertenecientes a esta corriente. Una influencia apreciable tanto en el empleo del lápiz azul para realzados (a la manera del clarión empleado por los antiguos artistas) como en sus tintas y aguadas (donde "saca el volumen de las reservas, del fondo del papel sin utilizar" y "[...] el blanco del papel sirve de luz, no de forma")

Fazal Sheikh-EXPOSICION

La Fundación Mapfre (Madrid, España) presenta hasta el 31 de mayo una retrospectiva de la obra de uno de los más reconocidos documentalistas del s.XX: el norteamericano Fazal Sheikh. Un fotógrafo en constante equilibrio entre la denuncia y el arte que convierte a los menos favorecidos en los protagonistas de una historia donde la serenidad y la dignidad reclaman su sitio a golpe de cámara.


Solidaridad y estética

Fazal Sheikh lleva años recorriendo el mundo retratando a personas en circunstancias desfavorecidas, aportando con su lente una mirada cercana que convierte a los implicados, supervivientes de la tragedia, en personas que han dejado de lado el carácter de víctima con el que se les suele asociar para dar paso al testimonio. Todo ello a través de imágenes de cuidada composición donde la combinación blanco-negro genera unos contrastes de extrema belleza. La presente muestra es la primera gran retrospectiva dedicada en España al fotógrafo y recoge desde los primeros trabajos en África hasta sus últimos documentos, en los que denuncia la situación de discriminación que sufren las mujeres indias.

Implicación personal

El método de trabajo de Seikh conlleva una implicación que va más allá del mero interés por documentar una situación, o generar una serie artística: el fotógrafo convive durante meses con las personas que más tarde retratará, tiempo durante el cual éstas le cuentan su experiencia y en el que va generándose un clima de confianza que hace que, llegado el momento de la fotografía, el protagonista se muestre al artista con confianza: El resultado de esta metodología es la personalización de un conflicto a través de una imagen individual, una metonimia que, además, genera en el espectador la posibilidad de experimentar la misma mirada que tuvo el fotógrafo
en su momento. Junto con ello, el texto es el acompañamiento indispensable en la obra de este fotógrafo, cuyas imágenes se acompañan de una narración donde el contexto de cada fotografía contribuye a esclarecer cada uno de los rostros retratados, que, así, dejan de ser anónimos.

De viaje por Grecia

"La belleza del Cuerpo. Arte y pensamiento en la Grecia Antigua" MARQ Alicante


A pesar de la fama que suelen arrastrar los museos arqueológicos, el MARQ de Alicante (España) es un excepcional ejemplo de centro interactivo y didáctico, que no suele perder de vista, además, la calidad de sus exposiciones. En esta ocasión, vuelve a asombrar: ha logrado, por primera vez, que el famosísimo Discóbolo de Mirón pise España, en una impresionante retrospectiva que recoge el mejor legado de la Antigua Grecia y cuenta con el aval del British Museum (Londres, Inglaterra). Una oportunidad única para realizar en estos días de Semana Santa un recorrido por los orígenes de nuestra cultura de la mano de "la belleza del cuerpo". HASTA SEPTIEMBRE DE 2009.


Dioses, héroes y ninfas

En colaboración con el Museo Británico, de donde parte la exposición originariamente, y con el patrocinio de Caja Sur y Asisa, un total de 125 piezas correspondientes a todas las épocas del arte griego ha recalado en España, en el Museo Arqueológico Provincial de Alicante. Una muestra que recoge algunas de las más famosas obras del periodo helenístico y que cuenta como principal atracción con El Discóbolo de Mirón, la famosa copia romana de la Villa de Adriano en Tívoli.
Junto con ella, puede apreciarse todo un muestrario de esculturas que permiten un acercamiento, no sólo al ideal de belleza de la Antigua Grecia, sino, asimismo, a sus costumbres y mitología. A destacar la presencia de los kouroi y las korai de la muestra, en representación del arcaísmo de los primeros tiempos, junto con obras de una delicadeza formal impresionante, como sucede con las esculturas de Afrodita, Hera, la Esfinge o Eros, entre otras.


Ideal de belleza

Junto con la gran cantidad de piezas destinadas a la primera de las salas de la exposición, donde el ideal de belleza clásico es el protagonista, se han seleccionado un número determinado que remiten al arte realista, entre las que pueden apreciarse muestras de la pericia retratística griega y que conforman un hilo conductor que invita a un viaje por los diferentes estadios de la vida, desde la infancia hasta el sexo, la guerra o el muerte. Un conjunto que se completa con una tercera opción que invita al espectador al Olimpo, sala en la que puede disfrutarse además del visionado del Discóbolo (junto con imágenes de dioses, sus metamorfosis, vencedores-héroes de los Juegos Olímpicos y un buen muestrario de los personajes pertenecientes al mundo mítico griego).

Pablo Serrano. Las Huellas del Caminante.EXPOSICION

La obra del escultor Pablo Serrano ha salido de su sede habitual zaragozana para acercarse hasta el Museo de Teruel (Aragón, España), gracias a una iniciativa conjunta de esta institución con otra serie de entidades. Una ocasión para disfrutar, hasta el 13 de abril, de algunos de sus trabajos menos conocidos al lado de obras como sus famosas unidades-yunta.



Un artista internacional

A pesar de no ser quizá tan conocido como su coetáneo Pablo Gargallo, Serrano fue uno de los escultores aragoneses más importantes, con una labor artística reconocida a nivel internacional. Una buena parte de su trayectoria se desarrollará en los países latinoaméricanos de Uruguay y Argentina, donde obtendrá premios nacionales, regresando a España con un bagaje que le permitirá fundar, ya desde su posición de artista "en edad adulta", el Grupo El Paso, junto con artistas como Canogar, Luis Feito, Saura, Manuel Millares o Juana Francés, entre otros. Una agrupación que supondrá, en un momento de postguerra y crisis económica y social, aires de renovación en el terreno creativo y el surgimiento de la vanguardia española.

La unión de contrarios

La exposición presente en el Museo de Teruel, posible gracias a la colaboración de instituciones como el Museo Pablo Serrano, el Gobierno de Aragón y la Obra Social de Ibercaja, reúne alrededor de una cincuentena de obras del autor. Una selección de entre la que cabe destacar piezas como "Hombre andando por la playa", única recuperada de su periodo de estancia en Uruguay, sus conocidas unidades-yunta, que suponen el culmen a todo un proceso de abstracción y que introducirán el concepto de imbricación (y cuya formalidad ha sido imitada hasta la saciedad posteriormente), o sus series "bóveda" (especialmente relevantes son sus magníficas "Bóvedas para el hombre", con las que represento a España en la Bienal de Venecia de 1962).

Gao Xingjian: Después del Diluvio / After the Deluge -exposicion

El Museo Würth La Rioja (España) acoge hasta el 30 de abril una muestra retrospectiva de la obra pictórica del Premio Nobel de Literatura Gao Xingjian. Un artista multidisciplinar cuya incursión en las artes plásticas viene marcada por una depuración y una unidad al servicio de una profunda sensibilidad.


Entre Oriente y Occidente

Nacido en China en 1940, la vida de Gao Xingjian se ha mantenido en un constante equilibrio entre sus orígenes y su adopción europea; hijo de la Revolución Cultural, la censura le terminará por obligar a trasladarse a vivir a París al tiempo que sus obras teatrales de denuncia le valdrán la declaración de persona non grata en su país. Esta dualidad entre oriente y occidente, que se encuentra presente a lo largo de toda su trayectoria, es una cualidad apreciable en sus obras, donde pueden encontrarse aunadas la tradición pictórica europea y el sentido artístico chino. En sus creaciones los elementos occidentales -como la perspectiva, o la carga matérica- se disponen al servicio de una concepción plástica sutil e intimista, a caballo entre la figuración y lo abstracto.

El Diluvio: recorriendo mundo

Conocido principalmente por su labor como dramaturgo y por ser el ganador del Premio Nobel de Literatura en el año 2000, Gao Xingjian es, sin embargo, un creador que ha abordado diferentes disciplinas y que presenta una perfecta complementariedad entre literatura y artes plásticas. Sus obras son una traslación condensada de contenido narrado al lienzo; algo apreciable en el visionado de la serie de obras que componen la exposición (alrededor de 80 piezas) y que suponen el contrapunto a su labor de escritor, bien definido por él mismo en la frase "pinto cuando no puedo seguir escribiendo, escribo cuando no puedo seguir pintando".
Una muestra que cuenta con un buen número de obras realizadas expresamente para la ocasión (entre las que hay que destacar la pieza central, homónima de una de sus obras teatrales, La Huida, adquirida por el Museo Würth para su colección) que podrá verse en el museo riojano hasta el mes de abril, fecha en la que comenzará una itinerancia internacional.

Conoce en 5 pasos a Friedrich

Al igual que Bécquer lo fue a la literatura (en un primer plano española), Caspar David Friedrich supondrá la cara pictórica más representativa del Romanticismo, inicialmente alemán y más tarde del movimiento. Un artista de personajes solitarios, paisajes agrestes y depurada formalidad que ahora te presentamos por medio de cinco claves básicas.


Paisaje: Tal y como sucede en el resto de las manifestaciones artísticas de esta corriente, la naturaleza será un elemento indispensable en la obra del pintor romántico, quien hallará en la misma el medio de trasmisión de sus sentimientos. En el caso de Friedrich, la representación del paisaje será una constante y llegará incluso a establecer una nueva modalidad, posteriormente muy imitada: el paisaje sublime. Sus obras recogen elementos diversos esbozados a lo largo de sus viajes, cuya composición engendrará una naturaleza nueva, reconocible pero distinta a la realidad, donde el protagonismo se destaca por medio de lo abrupto y lo melancólico y el hombre se encuentra perdido en la inmensidad.

Muerte: Como buen romántico Friedrich estará obsesionado con el fin de la vida, una preocupación derivada de su infancia, época en la que se sucederán varios fallecimientos en su familia. Este hecho, unido a un carácter depresivo, dará como resultado una obra donde la soledad y los simbolismos referidos a la muerte abunden. El duelo -color violeta- y el final de la vida -los barcos que se acercan al mar- están presentes de forma constante en unos cuadros donde el hombre se enfrenta a este camino en soledad.

Religiosidad: Pero, frente a la desesperanza que imprime la condición humana, Friedrich habrá de encontrar algo de consuelo en la religión. Criado en el protestantismo, mantendrá una fuerte religiosidad a lo largo de toda su vida, plasmada en sus lienzos en elementos como las firmes rocas de sus composiciones (símbolo de fe) sobre las que ubica a sus personajes, o la selección de la época invernal (que antecede al renacer de la naturaleza y, por extensión, apela a la idea cristiana de la resurrección).

Patriotismo: Friedrich vivirá en plena época de transición de un siglo a otro, asistirá a la caída de Prusia y Sajonia y a la llegada de Napoleón; un clima inestable reflejado en sus obras. A diferencia de lo que sucede con otros autores romanticos, las referencias políticas que se puedan encontrar en la obra de este pintor serán contemporáneas. No hay evasión en este sentido: su crítica es dura y su postura se mantendrá firme a lo largo de toda su vida, abundando en sus cuadros las alusiones a un nacionalismo que rechaza la ocupación francesa.

Independencia: Aún a pesar de que tras la restauración del Antiguo Régimen el tema de sus obras dejará de ser del gusto público, Friedrich pertenecerá a la primera generación de artistas independientes, sin encargo, cuya producción estará pensada para ser destinada a un circuito de galerías. Un "profesional liberal" que contará en su momento con clientes de la talla de la Casa real prusiana y que obtendrá en sus inicios la acogida del público coetáneo.

II Premio Jesús Bárcenas de Pintura

La entidad "Jesús Bárcenas" (Ciudad Real, España) convoca un certamen de pintura dirigido a artistas tanto españoles como extranjeros, dotado con un premio único e indivisible de 18.000 euros y un fondo para adquisición de obras.


Ficha del certamen

Organiza: Empresa Jesús Bárcenas

Categoría: Pintura

Plazo de recepción de solicitudes: Hasta el 30 de abril de 2009

Límites de participación: Sin restricciones por nacionalidad.

Requisitos obra: Obra original, de dimensiones especificadas (mín. 100x81 y 250 cm. máx.).
Podrán presentarse un máximo de 2 obras por autor.

Dotación: Un único premio de 18.000 €; Menciones de Honor que determine el jurado (sin dotación económica);
Fondo de Adquisición creado por la organización del certamen.

Weegee’s New York

Arthur Felling, "Weegee", fue el fotógrafo de la América neoyorkina de los años 30 y 40 del siglo pasado; ahora la Fundación Telefónica (Madrid, España) recupera su obra para el gran público en una retrospectiva donde pueden visionarse algunas de sus imágenes más famosas. Una muestra compuesta por 270 fotografías representativas del mejor fotoperiodismo del s. XX que estará abierta hasta el 17 de mayo de 2009.


El cronista nocturno

El caso de Arthur Felling podría responder muy bien al tópico de "hombre hecho a sí mismo"; hijo de inmigrantes polacos, su trayectoria se iniciará por los derroteros de una infancia como vendedor de caramelos y fotógrafo ambulante hasta alcanzar una madurez consagrada al fotoperiodismo profesional, coronada por la inclusión de sus obras en museos de la importancia del Guggenheim de Nueva York. Así las cosas, su obra sólo podía responder a la cara más realista del Nueva York que le tocará vivir, alejada de la pose de icono de modernidad y progreso que sí captarán autores como Abott o Stieglitz. Sin embargo, sus instantáneas en blanco y negro suponen un reflejo muy estético de la vida en las calles: de cuidada composición y contraplanos casi cinematográficos, hacen uso de lo que él mismo llamaba una "luz a lo Rembrandt".

Una colección privada

La Fundación Telefónica ha traído a España, dentro de su labor de promoción de la obra de grandes fotógrafos, una selección de imágenes pertenecientes a la colección privada M+M Auer, una de las más importantes en fondos fotográficos de toda Europa. Un total de 270 imágenes, muchas de ellas internacionalmente conocidas, que permiten el acercamiento al trabajo de un fotógrafo de singular vida, procedimiento (no en vano le apodaron en su época "ouija") y producción.

Settecento veneciano. Del Barroco al Neoclasicismo EXPOSICION

La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (Madrid, España) es el escenario donde se ha llevado a cabo la presentación de una de las muestras sobre pintura italiana más importantes del año. La exposición, abierta hasta el 7 de junio, realiza un recorrido por el arte veneciano del s.XVIII y cuenta con obras imprescindibles de Canaletto, Sebastiano Ricci, Marieschi o Tiepolo.


Un Barroco de luz y color

El Settecento veneciano ofrecerá al arte una de las corrientes pictóricas italianas más interesantes desde el s.XVI, en la que las peculiaridades propias del estilo de tradición bizantina -minuciosidad y riqueza cromática- se mezclarán con las notas generales del barroco dando como resultado un arte armonioso y profundamente intenso (donde el tratamiento aéreo de la luz, el detallismo y el color serán los grandes protagonistas). Esta centuria traerá consigo la nueva puesta en valor de la pintura veneciana y el surgimiento de grandes maestros que desarrollarán un estilo propio para un arte al servicio de la corte y la burguesía enriquecida, de sutil sensualismo y galante reflejo cosmopolita.

Breve "diccionario" de la época

La diversidad ha obligado a realizar una minuciosa selección de obras que pudieran constituirse en reflejo representativo de la pintura veneciana del s.XVIII; el resultado ha sido medio centenar de piezas, de contrastada calidad, que componen un "precioso diccionario" de la pintura de la época (según palabras de la propia comisaria de la exposición, Annalisa Scarpa) y que pueden visitarse en la Academia de Bellas Artes de San Fernando por primera vez reunidas gracias a la promoción de la Fundación Banco Santander.