Frances Hodgkins

Frances Hodgkins nació en Dunedin Nueva Zelanda.

A los veinte años estudió con Girolamo Nerli, un pintor italiano que visitaba Dunedin. Bajo la guía de Nerli, Hodgkins comenzó a desarrollar un estilo que se concentraba en el paisaje.

En 1901 se fue a Europa. Viajó extensamente por el continente y  norte de África, y durante este tiempo produjo muchas acuarelas. En 1902 expuso en Londres por primera vez y al año siguiente fue aceptada para exhibir en la Royal Academy.

Más tarde, ese año, regresó a Nueva Zelanda y se estableció en Wellington, donde su familia también se había establecido. Produjo obra en este período y regresó a Europa, decidida a seguir una carrera como artista.

Tuvo su primera exposición individual en Londres, ganó dos concursos de arte y sus pinturas fueron aceptadas por prestigiosas instituciones en París: el Salón y la Sociedad Internacional de Acuarelistas.

En 1908 se instaló en París, donde pintó y enseñó, convirtiéndose en la primera mujer en ser instructora en la Academia Colarossi, una de las principales escuelas de arte de la ciudad. Hodgkins regresó a Nueva Zelanda en 1912, principalmente para visitar a sus padres, pero también organizó exposiciones de su trabajo. Después de la visita regresó a Europa para establecerse de manera permanente, con la intención de reanudar su vida como artista y maestra.

El estallido de la Primera Guerra Mundial obligó a Hodgkins a mudarse de París a St Ives, un pequeño pueblo de pescadores en Cornwall, Inglaterra. Allí tenía muchas dificultades sin embargo  experimento con obra en formatos grandes y pintura al óleo.  Sus trabajos de esta época muestran la influencia del post impresionismo.

Los años posteriores a la guerra estuvieron marcados por dificultades y falta de éxito. Su exposición de 1923 en Londres fue un fracaso financiero, y en 1925  trabajó en Manchester durante seis meses.

Sin embargo, en 1926 se exhibieron ochenta cuadros de Hodgkins en Manchester, su exposición individual más grande hasta la fecha. La exposición tuvo un éxito moderado y, en 1927 probó en Londres.

En 1929 fue invitada a unirse a  Seven and Five Society, un  grupo de jóvenes artistas ingleses. Esta fue una salida importante para el trabajo de Hodgkins.

Durante la década de 1930 expuso en muchas galerías importantes de Londres.  Sus exposiciones en esta época tuvieron mucho éxito.
 En 1939 fue invitada a representar a Gran Bretaña en la prestigiosa Bienal de Venecia de 1940. Este fue un gran honor; Sin embargo, las restricciones de viaje en tiempos de guerra significaron que nunca llegó a Venecia.



 Cuando murió en 1947 a la edad de setenta y ocho años, Frances Hodgkins era considerada como una de las artistas más importantes de Gran Bretaña.

Victor Vasarely

Hungría 1908–1997

Vásárhelyi Győző, rebautizado en Francia como Victor Vasarely, fue el padre del Op art, una tendencia artística de corte abstracto desarrollada sobre todo en los años 60, que se basa en jugar con nuestros ojos para conseguir imágenes que simulan movimiento y toda suerte de ilusiones ópticas.

Vasarely comenzó a estudiar medicina en Hungría, pero eso no era lo suyo. Se interesó más bien por el arte abstracto de Mondrian y Malévich, gente muy interesada por lo que la geometría podría aportar al arte.

A principios de la década de 1930 se fue a París y empezó su investigación artística principal: un tipo especial de arte abstracto geométrico, que proporciona efectos ópticos de movimiento, y así juega con nosotros, pobres espectadores engañados por formas y perspectivas extrañas, e imágenes inestables. Utilizó para ello una pintura nada gestual.

Al parecer, estas obras estaban influenciadas por las paredes de azulejos blancos de la Denfert París, que creaban una sensación óptica especial.

Vasarely llamó a todo esto cinética visual (cinétique plastique) y se basaba en la percepción del espectador que al final, se considera el único creador de la obra. O más bien el ojo del espectador, un miembro del cuerpo humano muy fácil de engañar.

El arte de Vasarely es pues un timo, una estafa, un engaño. Un engaño en el buen sentido de la palabra, si es que la palabra tenía buen sentido. Al menos Vasarely se lo dio.

Historia-Arte

Kristian Zahrtmann

Peder Henrik Kristian Zahrtmann, conocido como Kristian Zahrtmann, (31 de marzo de 1843 - 22 de junio de 1917) fue un pintor danés. Formó parte de la generación artística danesa de finales del siglo XIX, junto con Peder Severin Krøyer y Theodor Esbern Philipsen, quienes se separaron de las restricciones del académicismo tradicional y la herencia de la Edad de Oro de la pintura danesa, en favor del naturalismo. y el realismo.

Era conocido especialmente por sus pinturas de historia, y especialmente por aquellas que representan a mujeres fuertes, trágicas y legendarias en la historia danesa. También produjo obras de muchos otros géneros, incluidos paisajes, escenas callejeras, escenas populares y retratos.

Tuvo un efecto de gran alcance en el desarrollo de su arte. Además, su uso audaz del color ha sido considerado como una anticipación del expresionismo por los historiadores del arte.

Nació en Rønne, Dinamarca, en la isla de Bornholm. Después de graduarse de Rønne Realskole a los diecisiete años, fue enviado a la Academia Sorø, donde estudió pintura con el paisajista Johannes Georg Harder Smith (también conocido como Hans Harder).

Después de graduarse, llegó a Copenhague, donde durante el invierno, de 1863 a 1864, estudió dibujo en el Instituto Técnico con Christian Hetsch y el arquitecto Ferdinand Vilhelm Jensen. También recibió instrucción privada del pintor Wenzel Ulrich Tornøe durante este mismo tiempo. Luego comenzó sus estudios en octubre de 1864 en la Royal Danish Academy of Art. 

Ya se estaba interesando en la historia de la heroica hija de una rey danesa del siglo XVII, Leonora Christina Ulfeldt (también conocida como Eleanor Christine), antes de la publicación póstuma en 1869 de su relato autobiográfico de 1674 Jammers Minde ("Remembrance of Misery"), que había recibido como regalo de cumpleaños de Haslund y Krohn.

Interesado en la  condesa Leonora Christina de Schleswig-Holstein, hija del rey Christian IV Zahrtmann conmemoró su historia en una serie de 18 grandes pinturas.

Viajó a  a Italia en diciembre de 1875 con la financiación de su padre, antes de recibir una beca de la Academia. 1875-1878 residió en Italia (Roma, Siena, Amalfi y Saracinesco), donde produjo una serie de pinturas. 

Viajó por primera vez a la ciudad de montaña de Civita d'Antino en junio de 1883, una ciudad que llegó a considerar su segundo hogar. Pasó todos los veranos de 1890 a 1911 en Civita d'Antino, donde vivió con la familia Cerroni, y reunió a amigos y estudiantes en una colonia anual de artistas. Fue nombrado ciudadano honorario de la ciudad en 1902.

También viajó a Grecia varias veces, a Francia y Portugal.

Expuso en la Exposición Mundial en París 1878, 1889, 1900 y en Chicago 1893.

August Eiebakke

August Eiebakke procedía de una familia de agricultores y, en un principio, quiso ser escultor. Recibió su formación en la Escuela Real de Dibujo de Christiania, si bien fue cautivado gradualmente por la pintura, contándose entre sus maestros Christian Krogh y Eilif Peterssen. Se estrenó en la Exposición de Otoño de 1887, y se le reconocieron sus escenas de género realistas, de las que la más famosa, Poniendo la mesa (1891, Nasjonalgalleriet, Oslo), lleva un motivo del hogar de sus padres


Durante un período, sus obras mostraron influencias de las enseñanzas del pintor danés Kristian Zahrtmann, y, a raíz de una serie de viajes por Europa, en especial varios a Italia, cambió su pintura hacia una forma más neorromántica. Inspirada por las enseñanzas del danés N.F.S. Grundtvig, pintó retablos y motivos religiosos en Italia, en el invierno de 1895-1896. Después, sin embargo, volvió al estilo más naturalista que había empleado antes, creando una serie de paisajes, retratos e interiores con figuras. En 1897, Eiebakke, junto con Halfdan Egedius y Erik Werenskiold, ilustró la obra La expedición noruega al polo Norte de Fridtjof Nansen.
Aurora Boreal 2002

Maqbool Fida Husain

1915-2011 Pintor y director de cine indio. La Carrera de Husain, realmente comenzó con la independencia de su país en 1947. Fue tambien el año de su primera exposición y tambien el de la muerte de su padre. Formó un grupo con otros jóvenes artistas que se llamaron The Bombay Progressive Artists´group con el deseo de fomentar el arte moderno en el nuevo país. Viajó a Europa por primera vez en 1953 y conoció a Picasso, y Matisse, pero fue Paul Klee el que ejerció mayor influencia en él..."estaba tan influido por la filosofía india que hacía de él casi un pintor indio"

José Clemente Orozco

José Clemente Orozco, 1883, Ciudad Guzmán, Mejico.—1949, Mexico City
Comenzó a interesarle por el arte en 1890, cuando su familia se trasladó a Ciudad de Méjico.  Pasó de escuela en escuela hasta que 
entró en el taller de José Guadalupe Posada, autor de caricaturas grotescas e ilustraciones. A Orozco le gustaban aquellas imágenes fuertes y siempre reconoció la influencia de este maestro grabador.

Comenzó a ir a clases nocturnas de dibujo en la Academia de San Carlos hasta que a finales de la década de 1890 su devoción por el arte fue interrumpida por su padre que deseaba que se hiciera agrónomo y delineante. A los 17 años perdió su mano izquierda y abandonó los estudios. Volvió a la Academia de San Carlos en 1905

Uno de sus profesores en la Academia era un artista radical llamado Gerardo Murillo que adopto el nombre azteca de Doctor Atl. Este le pidió a Orozco que rechazara la dominación cultural europea y que se preocupara por la mejicana, así que Orozco comenzó a explorar temas mejicanos y pintó escenas de la vida cotidiana que encontraba en los barrios.

Cuando estalló la gerra civil en Méjico en 1914, se unió a las fuerzas de Venustiano Carranza como artistas del periodico revolucionario La vanguardia, editada por Atl.

En 1917, ante la reacción negativa de la crítica y de los moralistas ante una exposición suya, emigró a los Estados Unidos, donde vivió años infelices en San Francisco y Nueva York. Cuando volvió a Méjico en 1920, se econtró con el gobierno de Alvaro Obregón, gran defensor de su obra y de las sus colegas Rivera, Alfaro Siqueiro y otros, a los que encargó murales. Esto dio comienzo al movimiento muralista mejicano.

En 1927 el gobierno dejo de apoyar a los muralistas y los ataques de la crítica conservadora comenzaron de nuevo así que volvió a los Estados Unidos. Humillado en su propio país, en Nueva York intentó ganarse una reputación. Poco a poco comenzó a conseguir fama y le encargaron un mural para Pomona College en Claremont, California. Temporalmente abandonó la crítica social. 

En 1932 hizo un breve viaje  a Europa. Aunque quedó impresionado por la obra de Picasso le causaron aún más admiración los mosaicos bizantinos de Roma y Ravenna. 
En 1934 regresó triunfalmente a Mejico para pintar el mural Catharsis para el Palacio de Bellas Artes

Orozco se convirtió en un héroe local en sus últimos tiempos, recibiendo grandes honores de las autoridades

Per Ekström

(1844-1935)
Después de estudiar en la Real Academia de Bellas Artes de Suecia, en Estocolmo, Ekström fue a París en 1876. Permaneció en Francia durante 13 años, cinco de los cuales, que él llamó años de perro, en estado de suma pobreza en la alejada Carolles, en el límite entre Normandía y Bretaña. Cuando volvió a Paris, su reunión con sus amigos, el suave paisaje arbolado, y la luz de un gris plateado sobre la ciudad, condujeron a una profunda vitalización de su arte.

Los trabajos de los impresionistas, recientemente establecidos, también contribuyeron a esa renovación, pero dentro del marco de la visión artística de Ekström disfrutó de un éxito importante en la Exposición Universal de París en 1889, y en 1890, pudo volver a Suecia un reconocido pintor. El original pintor del sol, de la isla báltica de Öland, siguió su propia senda y no desempeñó más que un papel pasivo en el movimiento de los Oponentes, permaneciendo inconsciente de las aspiraciones estilísticas de los partidarios del romanticismo nacional.

Aurora Boreal

Adiós a Sam Savage

Adiós a Sam Savage, el Quijote que escribió «Firmin»

Firmin es una rata americana. No es de las que escucha el himno con la mano en el pecho ni defendería con su vida el estilo de vida americano.

Su madre, una borracha, se refugia en una librería y pare allí a Firmin y a sus nueve hermanos.Firmin tiene que pelear desde el primer día por una teta y se alimenta de un liquido que contiene más proporción de alcohol que de leche.

El primer alimento sólido que mastica son hojas de libros pero pronto se da cuenta que ademas de alimentar el estómago, aquellas hojas pueden alimentar su cerebro y empieza a leer y a comprender. Lo lee todo. Todos los temas le interesan. Sabe donde está colocado cada libro, conoce todos los autores. Deja de ser Firmin la rata y se convierte en algo más.

Confía en el ser humano, hasta que a fuerza de golpes, va distinguiendo las miradas y las protuberancias. No sigue a su madre y a sus hermanos, prefiere quedarse en la librería, en su mundo.

 Firmin un día que se ve en un espejo sufre un impacto que lo marca para el resto de su vida: Es una rata, y además una rata fea.

A Firmin no le queda otra solución que soñar vidas. Su capacidad intelectual se lo permite. El puede ser cualquiera y enamorarse de cualquier beldad que ve en las películas del Rialto. Firmin puede bailar con Ginger Rogers con el mismo estilo de Fred Astaire, sabe tocar el piano como Ignacy Jan Paderewski y disfrutar de la música de los mejores compositores del mundo

Andrew Wyeth

Chadds Ford, 1917-2009

El pintor norteamericano Andrew Wyeth, miembro de una familia de artistas, sufrió durante su infancia de una frágil salud. Por este motivo, su padre, famoso ilustrador, fue su principal maestro y le introdujo en el mundo del dibujo. En 1933 conoció las acuarelas de Winslow Homer y la fuerte impresión que le causaron hizo que Wyeth emulase al viejo maestro, y que este mismo medio se convirtiese en su preferido durante sus primeros años de dedicación a la pintura. 
Su obra se vio por primera vez en la exposición The Wyeth Family, organizada por la Art Alliance de Filadelfia en 1936, y un año más tarde se celebró su primera muestra individual. El éxito fue tal, que todas las obras expuestas se vendieron durante el primer día. Firmemente decidido a dedicarse a la pintura, en 1943 rechazó un contrato del The Saturday Evening Post para realizar sus portadas, algo que había hecho su padre anteriormente. 
Wyeth llevó una vida tranquila, viajó poco y pasó la mayor parte del tiempo entre los estados de Maine y Pennsylvania. Su estilo pictórico apenas varió a lo largo de su carrera. Su gusto por plasmar lo inmediato le llevó a que su factura fuese rápida en ocasiones, a lo que se contraponía su deseo de captar hasta los detalles más mínimos. Su gama cromática se caracterizó por su tendencia a la austeridad, predominando los colores de la tierra. Durante la década de 1940 incorporó la técnica del temple al huevo, que aprendió de su cuñado, el también pintor Peter Hurd, y gracias a la que logró crear unas superficies muy mates. 
La temática también inmutable se relaciona con la de los pintores de la American Scene, interesados por representar la esencia de lo norteamericano. A los paisajes de Maine se unió su gusto por representar la figura humana. Dentro de su carrera destacó el papel ocupado por dos modelos femeninos a las que dedicó un gran número de obras: Christina Olson, a la que retrató hasta 1969, fecha de su muerte, y que fue protagonista de la obra que catapultó a Wyeth a la fama: Christina’s World, de 1948 (Nueva York, The Museum of Modern Art), y Helga Tesford, una vecina a la que retrató a escondidas entre 1971 y 1985. 
Andrew Wyeth gozó de una gran popularidad en los Estados Unidos: fue el primer artista vivo al que el Metropolitan Museum of Art, de Nueva York, organizó una exposición retrospectiva en el 1976. Sin embargo, este gusto del público no se vio acompañado por el beneplácito de la crítica, que no valoró con unanimidad su obra.

 Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

Thomas Eakins

Thomas Cowperthwait Eakins (25 de julio de 1844 - 25 de junio de 1916) fue un pintor realista, fotógrafo, escultor y profesor de bellas artes. Es ampliamente reconocido como uno de los artistas más importantes en la historia del arte estadounidense.

A lo largo de su carrera profesional, desde principios de la década de 1870 hasta que su salud comenzó a fallar unos cuarenta años más tarde, Eakins trabajó con gran rigor desde la vida, eligiendo como sujeto a la gente de su ciudad natal, Filadelfia. Pintó varios cientos de retratos, generalmente de amigos, familiares o personas prominentes en las artes, las ciencias, la medicina y el clero. Tomados en masa, los retratos ofrecen una visión general de la vida intelectual de Filadelfia a finales del siglo XIX y principios del XX;  Además, Eakins produjo una serie de grandes pinturas que sacaron el retrato de la sala y las oficinas, calles, parques, ríos, arenas y anfiteatros  de su ciudad. Estos lugares activos al aire libre le permitieron pintar el tema que más lo inspiró: la figura desnuda o ligeramente vestida en movimiento. En el proceso, pudo modelar las formas del cuerpo a plena luz del sol y crear imágenes del espacio profundo utilizando sus estudios en perspectiva.

GUIZMO LA INTERNAUTA

Guizmo es una gata muy femenina, presumida y huraña. No soporta a las féminas de su especie y no ha conocido macho en su vida, pero, los animales como en la vida misma! Un día me olvidé de apagar el ordenador por la noche y... He descubierto que tiene cuentas en todas partes: amigos.com, Twitter, Meetic, are you interested?...de todo, cosas que ni yo conocía. Esto es increible! El caso es que en alguno de esos sitios conoció a Chulo...

Gato malvado, pendenciero, forajido, es decir un "canalla"... que se me ha enamorado y no la puedo soportar. ¿Que hago? Le he presentado felinos, limpios, de buena familia y ante su mirada de desprecio, permanecieron debajo de la cama hasta que sus amos vinieron a buscarlos. ¡Que disgusto!

No sé como vamos a salir de esta. Amigo mio, el otro día me dijiste que ignoras el paradero de Chulo y por otra parte...a ver, tu sabes que soy una persona de mente abierta pero tanto como para permitir la entrada de ese "individuo" en mi casa- CREO QUE NO-

Ya lo he pensado, lo vamos a olvidar James. Es un proscrito, siempre lo ha sido, pero al fin y al cabo, es un tío simpático. A ti siempre te ha guardado la casa. Vale, ha hecho sus orgías cuando estabas fuera, pero lo único que te faltaba era el whisky y volver a hacer las camas tampoco era tanto trabajo pero lo de ahora YA NO ES LO MISMO. Lo de mi gata GUIZMO, mira ella se lo ha buscado porque en la pagina web de Chulo lo dice bien claro "GOLFO EMPEDERNIDO", así que ella misma se metió en el charco...

EL ROBO DE POCOMOCO

Gracias a Olga la panadera que gritó: "Ehhhhhhh que os jonkis están roubando o boneco". Inés asomó la cabeza y vió como POCOMOCO bajaba en volandas por Elduayen. Inés echó a correr, el electricista de Electricidad Vidal salió corriendo de su establecimiento tambien. Yo me partía de risa imaginando aquel muñeco de dos metros, piel de pana rosa corriendo por las calles de Vigo. Cuando consiguieron parar a las rateras solo se atrevieron a decir "Que pasa tía, o le echas valor o no te comes un rosco"

Ahora PocoMoco sigue estando en la calle, pero está atado con una cadena...El Paseo de Alfonso tiene su propia personalidad. Los niños gitanos pasan son sus triciclos y piden paso con un megáfono, unas señoritas minifalderas de largas melenas piden pitillos a los mozos y estos no se los niegan al escuchar aquellas voces y la nuez de la garganta, pero lo mas surrealista  es cuando veo pasar un chico paseando una palmera.

La planta iba sobre una maceta de ruedas atada con correa de perro. Inés me dice ¿Salgo y le digo que no es un perro?- No, le contesté ¿Hay alguna ley que prohiba pasear palmeras? Ademas mucho mejor para la humanidad, ¿O no? Que una palmera no deja sus "huellas" por las aceras...