viernes, 20 de febrero de 2009

Frederick Childe Hassam









Frederick Childe Hassam (b. October 17, 1859, Dorchester, Boston, Massachusetts – d. August 27, 1935, East Hampton, New York)

Nacido de linaje impecable bostoniano, su nombre era Frederick Childe Hassam. Después de firmar sus primeras obras como "Fred C. Hassam," eliminó "Fred C." y empezó a utilizar "F. Childe" a instancias de una artista amiga, Celia Thaxter, quien consideró su segundo nombre, más memorable y comercial. A partir de 1883, todos los derivados de "Frederick" desaparecieron, y fue estrictamente "Childe Hassam" de allí en adelante.

Hassam, que había mostrado una temprana vocación por el arte, escapó de la vida de un simple contable después de semanas en esa carrera. Se formó en el grabado en madera, pero pronto se pasó a la acuarela y posteriormente a la ilustración. Sus estudios en París, en la Académie Julian dejó un impacto mínimo en su arte, ya que el estaba mucho más interesado en los impresionistas. Aunque no se consideraba a sí mismo un impresionista, es más conocido por el mismo uso del color, la luz y la pincelada

Spain : Marbella



miércoles, 18 de febrero de 2009

HEY JUDDY

http://hey-juddy.blogspot.com



LALIN PORK ART


Esta vaca la pinté ya hace tiempo, en el 2007, en la Cow Parade que se hizo en Vigo.
Aún no la había puesto en el blog, lo hago porque al poner el cerdo de la Lalín Pork Art me trajo recuerdos de esta otra exposición animal:)
Esta en concreto fue patrocinada por Coca-Cola.









¿Sabías que existe una corriente artística que prohíbe las imágenes?


Su nombre es iconoclastia y su génesis se vincula con la idea religiosa que concibe la sustitución del objeto por la representación o icono (en este caso de la divinidad) como una idolatría u ofensa. A pesar de que sus orígenes se remontan a la época bizantina -en el mundo occidental- en nuestra modernidad más reciente han existido artistas que, como Malevich, han empleado esta teoría de pensamiento, fundamentando con su reacción las bases de nuevas corrientes artísticas.

Los iconoclastas consideran una falta para dios la veneración de su imagen, puesto que si éste es omnipresente su representación física en objeto limita esta cualidad y la heretiza, y, en el caso más extremo, incluso pueden llegar a la destrucción de las imágenes religiosas. El primer caso de iconoclastia presente en la historia del arte se remonta al dictamen del emperador bizantino León III quien, en un arranque de ortodoxia extrema en el s.VIII, prohibió el culto a las imágenes religiosas, mandando eliminar todos los iconos cristianos. No será hasta un siglo después cuando Teodora (esposa del emperador Teófilo) acabe con la lucha entre detractores y partidarios de las representaciones, posicionándose a favor de estos últimos (los llamados iconódulos).
No es el único caso, ya en el Corán es posible encontrar directrices que alertan contra la representación y veneración de figuras humanas en las mezquitas; elementos que han sido sustituidos con profusión en el arte islámico por una barroca decoración compuesta por formas geométricas.
Y ya en pleno s.XX encontramos iconoclastas como Malevich quien sustituirá el componente habitual de una manifestación típica en la cultura rusa, el icono, por una superficie de color blanco, en señal de protesta y como forma de dar a entender que, puestos a ejercer la representación, frente a ésta sería posible venerar cualquier cosa imaginable a la que la abstracción remita en cada caso (crea sus propios códigos, considerándolos tan válidos como los anteriores).

Conoce en 5 pasos a Manet



El pintor del exuberante París de mediados del s.XIX, el gran perturbador de las conciencias burguesas, es sólo el reflejo inicial que devuelve el nombre de Manet. Pero no es el único: para descubrirlo bastan cinco claves, las de un pentagrama que pendula entre la tradición, el escándalo o la bohemia:

Antigüedad: gran conocedor de los clásicos, que estudiará y visitará en su época de formación, Manet logrará alcanzar una magnífica síntesis entre la tradición conocida (temas, formatos, iconografía) y la modernidad deseada. Su estilo, nuevo por completo, deja atrás el envaramiento de los grandes clásicos y opta por un modelo mucho más libre pero de razonados y estrictos códigos.

Impresionismo: para muchos fue un pintor "inacabado", que apenas comulgó con los postulados de la corriente impresionista, sin embargo, Manet, cumplirá con los presupuestos del movimiento a base de un arte de pinceladas necesitadas de la unión retiniana, lumínicamente muy experimental y, sobre todo, asentado en el tratamiento del color.

Dandy: de carácter urbanita y pictórico espíritu bohemio, Manet será uno de los corresponsales plásticos del París de mediados de siglo. Sus ambientes habituales, como sucede con el famoso Folies-Bergère de Montmatre, están repletos de personajes en actitudes festivas, en ocasiones, e indolentes las más de las veces, casi de espera, como sucede con sus camareras-prostitutas. No son los únicos ejemplos en los que puede adivinarse el carácter mundano del artista: retratos de retadoras mujeres sedentes y escenas taurinas completan el compendio de obras que reflejaban la "otra" realidad, siempre vista a través de la serena cualidad de un observador de educado ojo.

Naturaleza: pero a pesar de ello, como sucede con todos los impresionistas, la relación de Manet con los espacios exteriores fue uno de los fundamentos de su pintura. La naturaleza, el color y la luminosidad dictaminan las guías de unas composiciones que, extrañamente sin embargo, no abrigarán una fidelidad completa con su ejercicio al aire libre. Además, será la naturaleza la gran protagonista de muchos de sus cuadros (algunos muy polémicos, como el conocido Almuerzo sobre la hierba), aunque en contadas ocasiones la única.

Desconcierto: ésta es la principal reacción que pudo haber experimentado Manet a lo largo de su carrera al conocer las impresiones provocadas en el espectador; su caso es curioso, si bien durante toda su carrera será un pintor que busque la respetabilidad, sus obras poseerán, ya desde sus comienzos, la capacidad de provocar reacciones de escándalo entre quienes las visionen. Y es que el público al que iban dirigidas, aún a pesar de encontrarse en los umbrales de la modernidad, no estará preparado para un arte donde los protagonistas caminen al borde de la consideración social burguesa.

1ª Becas Cajasol para proyecto de artes visuales 2008-2009


La Obra Social Cajasol, con el objetivo de fomentar el desarrollo de la actividad artística en Andalucía, presenta 125.000 euros destinados a subvencionar proyectos fotográficos presentados por artistas de cualquier edad y nacionalidad hasta el 31 de marzo de 2009. Se trata de una iniciativa que se suma a la proliferación de convocatorias a nivel nacional, dando continuidad y apoyo a la actividad de creadores emergentes pero, esta vez, con visos a internacionalizar la propuesta.


Requisitos


Podrán participar artistas de todas las edades y de cualquier nacionalidad, de forma individual o colectiva, pese a que se destinará una de las becas para artistas naturales o residentes en Andalucía. Los participantes deberán adjuntar un currículum, la fotocopia del DNI o documento equivalente, la descripción del proyecto con 15 o 20 fotografías que lo ilustren en formato compatible con pc, así como un presupuesto estimativo para la elaboración del proyecto presentado a concurso.
Premios

Se destinan 125.000 euros para las propuestas ganadoras; 25.000 euros para cada proyecto y 5.000 euros en concepto de honorarios. Dentro de la dotación económica otorgada entran los gastos de producción: viajes, alojamiento, materiales, etcétera. Asimismo, los proyectos premiados se expondrán en una muestra colectiva en las Salas Cajasol de Sevilla en marzo de 2010.

Murakami EXPOSICION



Pinturas, esculturas, instalaciones y filmes de animación del “Warhol japonés”, Takashi Murakami, se expondrán en una gran retrospectiva en el Guggenheim de Bilbao. El popular artista se ha implicado directamente con el montaje de la exposición y ha confesado que “va a ser muy espectacular” puesto que está poniendo “mucha alma” para ello. Su obra, una síntesis particular entre el arte tradicional japonés, las corrientes contemporáneas de su país exportadas internacionalmente –como el anime, el manga- y el pop americano, promete crear controversia, reabrir el eterno debate posmoderno sobre la asociación del arte con el negocio y, sobretodo, fascinar a los asistentes con un intento de superar el mundo bidimensional del arte japonés y el tridimensional del arte occidental.

Síntesis entre oriente y occidente


Murakami se ha instituido como uno de los artistas nipones con mayor proyección internacional. En ello a contribuido la mezcla conceptual y técnica producida en sus obras, a caballo entre oriente y occidente. A los motivos, aspectos y temas más tradicionales de la cultura japonesa, ha unido elementos tan alejados de ésta como el pop art, bebiendo del manga y del anime para conformar una personalidad única, de una originalidad que ha calado hondo en la estética popular. Tal y como comenta el propio artista, su anhelo ha sido penetrar en la formalidad artística europea y americana sin por ello perder su orientalidad, creando motivos que actuasen como nexo entre ambos lados: “Para entrar en el mundo del arte occidental y expresar mi identidad como japonés, pero de forma que se entienda en el mundo occidental, la fórmula que busqué fue crear una serie de personajes, como las flores sonrientes o la simpática hélice de ADN, entre otros”. Según el propio Murakami, con la exposición presentada en el Guggenheim de Bilbao, pretende mostrar su intento de trascender la bidimensionalidad del arte japonés y superar, asimismo, las tres dimensiones del arte occidental. En una síntesis cultural y artística aspira superar estas cárceles, utilizando para ello el concepto de superflat: “por ejemplo, cuando ustedes ven un paisaje en una pantalla o abren las distintas ventanas en un ordenador, eso es un mundo superflat".

Arte y mercado


La elaboración de un arte popular, recurrente y de argumentos comerciales, ha impactado al ciudadano de a pie, identificado con la temática tratada y con el revestimiento del mensaje, hecho que ha llevado a famosas marcas, como la lujosa Loewe, a interesarse por la atracción y admiración que la obra de Murakami produce en la gente. Incluso el título de la exposición, Copyright Murakami, parece ser un guiño a la correspondencia entre arte y mercado sostenida por el artista japonés. Sin embargo, el comisario de la muestra explica que se trata de un apodo que atribuyó al artista dadá su insistencia por asegurarse continuamente de que el copyright estuviese indicado en todas sus fotografías. Pese a todo, el filón de Murakami y su explotación comercial son un hecho. Algunos se sentirán congraciados con sus creaciones cercanas y a la vez originales y exóticas, otros verán en ellas una prosaica forma de vender más. Sea cual sea la posición al respecto, © Murakami no es una exposición tibia que pase inadvertida.

LA SOMBRA exposición


La sombra como elemento imprescindible en la tradición del arte occidental constituye el eje de la exposición organizada por el Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid, la primera gran muestra de esta temática. 144 obras de más de un centenar de artistas variopintos que van del siglo XV hasta finales del siglo XX: desde el renacentista Giovanni di Paolo hasta Picasso, Dalí o Warhol, dando voz a los grandes creadores que utilizaron la sombra proyectada como motivo principal de sus composiciones. Se trata de una exposición ambiciosa y arriesgada que se articula en base a un núcleo inusual y poco tratado en las exhibiciones de los principales museos; sin embargo, la sombra supone un tema capital en el transcurso de la historia del arte: un personaje fundamental que a menudo ha quedado desatendido.


Resiguiendo la sombra


Plinio el Viejo, en un relato poético, ubicó el origen de la pintura en el trazo que la hija del alfarero Butades de Sición delineó resiguiendo el contorno de la sombra proyectada por el rostro de su amado. Esta interpretación teórica y mítica expresa la indivisibilidad entre la sombra y el arte plástico, unión que ha sido tamizada según los conceptos estéticos y las formas de pensamiento de cada época. En un principió la sombra iba asociada indefectiblemente a la figura plasmada en tanto prolongación de ésta, dotando de verosimilitud a la representación, pero su función y presencia ha ido variando hasta copar, en algunas ocasiones, el protagonismo de la obra creada. Siguiendo el tratamiento que de este elemento ha hecho el arte, la exposición pretende trazar un hilo conductor que una diferentes periodos y épocas, que muestre las similitudes y divergencias entre ellos, así como los aspectos distintivos de los movimientos surgidos a lo largo de la historia. La sombra se usa para crear nuevas perspectivas en el Renacimiento, transita por el tenebrismo Barroco, se incorpora como elemento narrativo en el Romanticismo y se usa como juego en la fotografía del siglo XX.
Procesión de sombras


La exposición La sombra se divide entre el Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid, y se organiza cronológicamente en secciones correspondientes a los periodos y movimientos artísticos por los que discurre el tema principal de la sombra. Un primer espacio expone a modo de prólogo el mito narrado por Plinio el Viejo, para ello se exhiben obras de Joseph Wright of Derby, Joseph-Benoîte Suveé o una pintura de los contemporáneos Vitaly Komar y Alexander Melamid que revisa el mito desde una perspectiva actual; la segunda sección versa sobre el Renacimiento, con obras de Giovanni di Paolo y Jan van Eyck; el Barroco queda representado por George de la Tour, Jean Leclerc y diversos tenebristas; obras de Goya y Millet, entre otros, muestran la concepción romántica de la sombra; el simbolismo cobra protagonismo con las escenas de interior de Claude Monet, enfatizando el estudio sobre la luz y la sombra como fenómenos plásticos; el impresionismo queda situado en la última sección expuesta en el Museo Thyssen-Bornemisza, también con piezas tempranas de Monet, Sorolla o Santiago Rusiñol; el primer espacio en la Fundación Caja Madrid se dedica a los realismos modernos; el surrealismo, con Dalí, Magritte, Paul Delvaux o Yves Tanguy, se sitúa en la segunda sección; en la tercera, dedicada al pop art, pueden encontrarse obras de Warhol y Lichtenstein; las dos restantes se destinan al tratamiento que la fotografía y el cine han hecho de la sombra a lo largo del siglo XX.

Un futuro de hace 100 años MARINETTI

Probablemente Marinetti no estaría muy contento de conocer que, un siglo después, el movimiento surgido a partir de su famoso ideario "contrasistema" terminaría engrasando la rueda del establishment artístico. Pero es que el Futurismo, a pesar de sus críticas a museos, conservadurismos y tradición, tuvo "la mala suerte" de generar en primer lugar buenos artistas y, en segundo, la aceptación pública. Así las cosas, esta semana celebramos en buena parte de Europa que, un 20 de febrero de hace 100 años, Filippo Tommaso Marinetti publicara su "Manifiesto futurista", sentando las bases de un movimiento anárquico, veloz y, sobre todo, tremendamente moderno.


Un manifiesto visionario

El Futurismo fue concebido como una reacción al pasado -anquilosado y constrictivo- y, su arte, como una manifestación para y del futuro. Sus miembros, encabezados por Marinetti y entre los que se contarán posteriormente artistas como Giacomo Balla, Umberto Boccioni o Carlo Carrà (por citar a los más famosos), encabezarán una lucha en favor de la subversión estética, preconizando la superioridad y el advenimiento inevitable de un mundo dominado -sin ningún sentido peyorativo- por las máquinas, la velocidad, la violencia y la revolución de las formas. El Futurismo loará en su manifiesto de 1909 "al coraje, la audacia y la rebeldía", "a la belleza de la velocidad" y "al hombre que tiene el volante", sentando la polémica con sus declaraciones partidarias de la guerra (pronto sus postulados serán estandartes del fascismo) y la destrucción de los centros institucionales de cultura (como museos y bibliotecas), así como mediante la muestra de una enconada oposición a los representantes de dichos centros y a las mujeres. Sin embargo, acertó con algunas de sus principales claves, como fueron la visión de un mundo mecanizado, saturado de impresiones y movimiento, de una agresividad pareja, cuya posible representación estaría necesitada del desarrollo de nuevas formas plásticas.


Velocidad y máquinas de vapor

El Futurismo, junto con el Cubismo, fue la puerta de entrada de los grandes istmos de la llamada vanguardia histórica, aún a pesar de que su duración en el tiempo fue corta. Su lenguaje formal comparte con el ya citado cubismo la superposición y alternancia de planos, no sólo espaciales, a diferencia de éste, sino también temporales. A principios del s.XX los nuevos medios de locomoción habrán de modificar por fuerza las tradicionales formas de percepción, imprimiendo un dinamismo desconocido hasta el momento a la realidad visionada; de este modo, la proximidad entre ambos conceptos, espacio y tiempo, se reducirá. La exaltación del movimiento, del trabajo y de la urbe son temas recurrentes en las obras futuristas, caóticas en color y saturadas de líneas compositivas, anárquicas abanderadas de una ideología dispuesta a cambiar el mundo y que, algo más tarde, dará la réplica a movimientos como el Orfismo y el Constructivismo ruso.



No te pierdas...

Para conmemorar el centenario del movimiento son varias las exposiciones que se han organizado tanto en el país mater del movimiento, Italia, como en diversos países europeos. Así que si estás durante las próximas semanas en alguno de ellos te aconsejamos que te acerques a ver cualquiera de las muestras organizadas para la ocasión: Milán ha inaugurado el año del futurismo en la ciudad con la exposición "Futurismo 1909-2009. Velocidad+Arte+Acción", Rovereto presenta en su Museo de Arte Moderno y Contemporáneo "Futurismo 100: Illuminations. Avant-gardes compared. Italy, Germany, Russia", en Roma podrá verse "“El futurismo en París - una vanguardia explosiva”, una exposición que ha podido verse en el Pompidou francés y que más tarde itinerará por diferentes puntos de Europa (como Londres), y la tercera edición de Performa (Nueva York) rendirá un homenaje al Manifiesto futurista de Marinetti en el mes de noviembre.


MANIFIESTO FUTURISTA

1-Queremos cantar el amor al riesgo, el hábito de la energía y de la temeridad.

2-El coraje, la audacia y la rebeldía serán elementos esenciales de nuestra poesía.

3-La literatura ha magnificado hasta hoy la inmovilidad del pensamiento, el éxtasis y el sueño, nosotros queremos exaltar el movimiento agresivo, el insomnio febril, la carrera, el salto mortal, la bofetada y el puñetazo.

4-Afirmamos que el esplendor del mundo se ha enriquecido con una belleza nueva: la belleza de la velocidad. Un coche de carreras con su capó adornado con grandes tubos parecidos a serpientes de aliento explosivo... un automóvil rugiente que parece que corre sobre la metralla es más bello que la Victoria de Samotracia.

5-Queremos alabar al hombre que tiene el volante, cuya lanza ideal atraviesa la Tierra, lanzada ella misma por el circuito de su órbita.

6-Hace falta que el poeta se prodigue con ardor, fausto y esplendor para aumentar el entusiástico fervor de los elementos primordiales.

7-No hay belleza sino en la lucha. Ninguna obra de arte sin carácter agresivo puede ser considerada una obra maestra. La poesía ha de ser concebida como un asalto violento contra las fuerzas desconocidas, para reducirlas a postrarse delante del hombre.

8-¡Estamos sobre el promontorio más elevado de los siglos! ¿Por qué deberíamos protegernos si pretendemos derribar las misteriosas puertas del Imposible? El Tiempo y el Espacio morirán mañana. Vivimos ya en lo absoluto porque ya hemos creamos la eterna velocidad omnipresente.

9-Queremos glorificar la guerra - única higiene del mundo-, el militarismo, el patriotismo, el gesto destructor de los anarquistas, las bellas ideas para las cuales se muere y el desprecio de la mujer.

10-Queremos destruir los museos, las bibliotecas, las academias variadas y combatir el moralismo, el feminismo y todas las demás cobardías oportunistas y utilitarias.

11-Cantaremos a las grandes multitudes que el trabajo agita, por el placer o por la revuelta: cantaremos a las mareas multicolores y polifónicas de las revoluciones en las capitales modernas; cantaremos al febril fervor nocturno de los arsenales y de los astilleros incendiados por violentas lunas eléctricas; a las estaciones ávidas devoradoras de serpientes que humean, en las fábricas colgadas en las nubes por los hilos de sus humaredas; en los puentes parecidos a gimnastas gigantes que salvan los ríos brillando al sol como cuchillos centelleantes; en los barcos de vapor aventureros que huelen el horizonte, en las locomotoras de pecho ancho que pisan los raíles como enormes caballos de acero embridados de tubos y al vuelo resbaladizo de los aviones cuya hélice cruje al viento como una bandera y parece que aplauda como una loca demasiado entusiasta.

Es desde Italia donde lanzaremos al mundo este manifiesto nuestro de violencia atropelladora e incendiaria, con el cual fundamos hoy el "futurismo", porque queremos liberar este país de su fétida gangrena de profesores, de arqueólogos, de cicerones y de anticuarios.

Ya durante demasiado tiempo Italia ha sido un mercado de antiguallas. Nosotros queremos liberarla de los innumerables museos que la cubren toda de cementerios innumerables.

Filippo Tommaso Marinetti, "Le Figaro", 20 de febrero de 1909

martes, 17 de febrero de 2009

ANUNCIO SEGUROS AXA SEGÚN: BUENAFUENTE

XOSE GUILLERMO DEIXOUNOS





Este soy yo, retocado con fotoshop, al natural gano mucho...








HASTA LUEGO.
Dicen que somos energía. El cáncer pudo conmigo, pero no fue capaz de quitármela. Algún átomo mío pintará una estrella y cuando la cosas vayan muy mal, me pelearé con alguien para que la estrella tenga un rayo extra de esperanza. Algún cacique quedará jodido por ello. Algún amigo lo verá.
Cuentan que me pasé los últimos días dopado, clamando contra el dopaje. "Esto es un coñazo, con estas mierdas no me entero de nada", y otra vez a dormir.
El artista ve el mundo a través de ojos que los demás no tienen, y se lo enseña a quien quiera verlo. Para ser artista hay que ser ojocéntrico, que es como tener el mundo en la pupila. Lamento haber molestado a algunos por mi ojocentrismo, pero lo tenían merecido.
Amé a los mios y los que han vivido y bebido conmigo, saben cuanto. Quedáis todos despedidos.

MEU COMENTARIO-

ALA ONDE VAIAS TES XENTE DABONDO PARA PASALO BEN, BEBER UN GROLO A NOSA SAUDE OU MANDARNOS A TODOS A TOMAR POLO CU (como dicía Laxeiro). UNHA APERTA DA MIÑA PARTE PARA TODOS OS AMIGOS COMÚNS E UN ALOUMIÑO ESPECIAL PARA XA SABES QUEN. UNHA APERTA AMIGO

Maurice Prendergast






Maurice Brazil Prendergast (10 de octubre,1858-1 de febrero, 1924) pintor postimpresionista estadounidense, que usaba sobre todo acuarela. Al contrario que los impresionistas, su obra es algo más que luz y color. Fue miembro de The Eight.

Maurice Brazil Prendergast nació en St. John's. en el año 1868 la familia se marchó a Boston, donde el joven Maurice fue aprendiz de un artista comercial, haciendo carteles.
Las estructuras brillantemente coloreadas de los panfletos publicitarios ejercieron una profunda influencia en su estilo, caracterizando incluso sus obras de madurez.

Para estudiar arte, en los años 1880 se marchó a París, donde encontró a algunos artistas ingleses de vanguardia como Walter Sickert y Aubrey Beardsley.

Conoce el estilo de James Abbott McNeill Whistler, de los impresionistas y de los puntillistas.
Pero fueron sobre todo las influencias de Édouard Vuillard y de Pierre Bonnard las que acercaron su estilo hacia el postimpresionismo, en el que amplias formas radicalmente simplificadas, coloreadas de modo luminoso y vigoroso, se disponen de manera casi rítmica sobre la tela.
Varios críticos de arte describieron sus obras como parecidas a los tapicerías y mosaicos.

En 1898 Prendergast viajó a Venecia donde admiró las deliciosas escenas de género de Vittore Carpaccio, que lo animaron hacia disposiciones aún más complejas y rítmicas.
Se convirtió en uno de los primeros pintores estadounidenses que se inspiraron en la labor de Paul Cézanne, en relación con el uso expresivo de la forma y del color.
Áunque trabajó principalmente con las acuarelas, en su madurez se orientó hacia obras al óleo que partían de esbozos hechos con acuarela.

Maurice Prendergast murió en Nueva York el 1 de febrero de 1924.

LOS INCAS Y MACHU PICCHU



lunes, 16 de febrero de 2009

William McGregor Paxton





William McGregor Paxton (1869–1941) Pintor del impresionismo americano, conocido sobre todo como retratista e identificado con la Escuela de Boston. Nacida en Baltimor, la familia Paxton llegó a Newton Corner a mediados de la década de 1870, donde James, padre de William, se estableció como proveedor. A los 18 años, William ganó una beca para asistir al Cowles Art School, donde comenzó sus estudios con Dennis Bunker. Más tarde estudió con Gérõme en París y, a su regreso a Boston, con Joseph DeCamp en Cowles. Allí conoció a su futura esposa, Elizabeth Okie, que también estudiaba con DeCamp. Después del matrimonio, William y Elizabeth vivieron con sus padres en el 43 de Elmwood Street, y más tarde compraron una casa en el 19 de Montvale Road en Newton Centre. Dio clases en el Museum School de 1906 a 1913. Junto con otros conocidos artistas de su época, incluyendo Edmund Tarbell y Frank Benson. Paxton estaba trabajando en su última pintura, una vista de su sala de estar en el 19 de Montvale Road, mientras su esposa posaba para él, cuando sufrió un ataque al corazón y falleció a la edad de 72 años.

O KIKIRIKI FODEDOR


Un paisano de Lugo consiguió unas gallinas pedresas aunténticas, as mellores do noso pais. Preocupado por continuar mejorando la raza puso un anuncio en el periódico solicitando un gallo. Despues de comprobar varias ofertas se decidió por un macho mejicano de gran cresta roja. Cuando llegó el animal, lo metíó en el gallinero pero a la cuarta gallina se tumbó a dormir. Viendo que el mejicano no cumplía volvió a poner otro anuncio. De esta vez solicitó información de expertos y despues de haber comprobado los análisis de todo tipo se trajo un gallo americano. Lo metió en el gallinero...el animal empezó a repasar gallinas y el granjero miraba contento a través de una ventana. Cuando el ave llegó a la décima gallina se desmayó.

Desesperado iba murmurando por un camino cuando se encontró al Indalecio- ¿Que che pasa? Preguntoulle

Indalecio escuchó pensativo y dijo: "Mira, eu che teño un kiriko, que non che é de raza nin nada. E pequeno, pelado e morriñento, pero foder fode de medo."

El paisano metió al kiriko en el gallinero, desconfiado, pero ya como última tentativa. El bicho entró en el gallinero y en un par de horas ya se había "cepillado" a las gallinas un par de veces. Al acabar salió corriendo, se lanzó sobre las ocas y los patos y tambien los dejó servidos.

El granjero no podía creer lo que veían sus ojos y muerto de curiosidad buscó al kiriko. Lo encontró tumbado en un prado, con las alas detras de la cabeza, mirando unos cuervos que estaban posados en un cable de la luz. El paisano se acercó a el y dijo: "Coño, pensé que te habías muerto"

- EHHHHHHH VETE QUE ME ESPANTAS A LAS MORENAS-

Gritó el kiriko