POCOMOCO NAMORADO

Martin van Heemskerck

(Heemskerk, Alkmaar, 1498-Haarlem, 1574) Pintor y grabador neerlandés. Discípulo de J. Van Scorel, sobresalió por su habilidad en el trato de diferentes técnicas artísticas. Durante su estancia en Roma (1532-1536) conoció la obra de Miguel Ángel y de la antigüedad clásica; establecido definitivamente en Haarlem desde 1637, su obra posterior hace de él el primer manierista holandés.

Biografías y vidas

Jan van Amstel

Jan van Amstel ( 1500, Amsterdam - 1542 Amberes) fue un pintor renacentista holandés.

En o antes de 1528, van Amstel se trasladó a Amberes, cuando se unió al gremio de San Lucas. Se casó con Adriane van Doornicke, quien después de su muerte se volvió a casar y dió a luz en 1544 al futuro pintor Gillis van Coninxloo. También es probable que el hermano mayor de Pieter Aertsen fuese el cuñado de Pieter van Aelst.

YORKSHIRE PUDDING

Mañana tengo una cena. Bueno, la cosa no tendría importancia si no fuera en mi casa y los comensales no fueran expertos culinarios. QUE NO HE DORMIDO. ¿Que hago?

La hija de mi madre no queda mal ante ninguna circunstancia, así que me decidí por UN SUNDAY LUNCH. A ver, que el nombre suena bien y no deja de ser una carne asada, con un poco de amor... pero pensé ¿Que es un Sunday Lunch sin un YORKSHIRE PUDDING? Asi que decidi buscar una receta y probarla hoy para que mis invitados no se me mueran en casa mañana. Vi varias "recipes", al fin y al cabo, comprobé que todo se limita a huevo, harina, leche, agua, sal, mantequilla y un poquito de pimienta. Lo más aburrido de una receta es eso de medir y pesar, yo prefiero innovar, así que puse en la thermomix todos los ingredientes, pero " a ojo", despues deposité aquella especie de gachas en un recipiente de cristal y lo metí en el horno a 240 grados. De vez en cuando observaba como "aquello" iba tomando un precioso color dorado, hasta el punto que casi pudieras confundirlo con un flan. A la media hora, cuando ya me pareció que estaba en su punto lo saqué de horno y observé la parte de abajo.¡ Horror! Aquello tenía una pinta de engrudo que espantaba. Decidí desmoldarlo y ponerlo otra vez en el horno pero "patas arriba". Otra media hora y voila! a la mesa

Teo pregunta timidamente ¿Que es eso? YORKSHIRE PUDDING cariño ¿Quieres probarlo? Si, dice el niño inocente. De reojo lo observo- "no está mal dice la criatura" - Otro comensal, este ya con espolones, me dice "bueno, voy a probarlo"- El jodio mete un trozo en la boca y se pone a hablar en inglés... "con este delicioso manjar inglés he adquirido don de lenguas, no puedo dejar de hablar la lengua de albion". Teo atónito me pregunta si eso puede pasar- Teo le digo, con el tiempo te darás cuenta que la maldad humana no tiene límites, imaginate que eso pudiera ocurrir, nosotros acabamos de tomar pechuga de pavo, ¿Como estaríamos? Con el cuello azul o más bien morado como se ponen los pavos al enfadarse y haciendo unos sonidos guturales horribles, y con las patas golpearíamos el suelo, y........ bueno dejemoslo aqui

Johan Christian Dahl

Noruega
Bergen 1788 - Dresde 1857
Johan Christian Clausen Dahl ejerció, a través de su pintura fuertemente imbuida de sentimientos patrióticos y románticos, una profunda influencia sobre el paisajismo alemán y noruego. Vino al mundo en Bergen, Noruega, en febrero de 1788. De 1803 a 1809 fue aprendiz de un pintor y decorador de interiores en su localidad natal, al tiempo que recibía clases particulares de dibujo. Su talento artístico fue pronto reconocido, y un grupo de acaudalados ciudadanos de Bergen le pagaron sus estudios en la Academia de Copenhague, en donde permaneció de 1811 a 1817, enseñando desde 1813 en la escuela de pintura de C. A. Lorentzen (1749-1828). Mientras estuvo en la Academia, Dahl también se preparó por libre, copiando de maestros holandeses y realizando numerosos estudios sobre la naturaleza. Con algunas de estas copias se ganaba la vida: Claudio de Lorena influyó en sus primeras pinturas italianizantes, mientras basaba sus obras de tipo 'noruego' en Jacob van Ruisdael. Estos maestros también influyeron en sus dibujos de la naturaleza, realizados en los alrededores de Copenhague. De esta época es 'Castillo de Frederiksborg a la luz de la luna' (1817).

En septiembre de 1818, Dahl marchó a Dresde, en donde permaneció hasta 1820. Allí causó sensación su trabajo entre los pintores más jóvenes, por el realismo de su aproximación a la naturaleza. Conoció a Caspar David Friedrich, con el que había de compartir casa, en la calle 'An der Elbe 33', hasta 1823. La actitud subjetiva y contemplativa de Friedrich le hizo comprender las posibilidades existentes más allá del realismo de la tradición danesa. Dahl fue invitado por el príncipe Christian Frederik (luego rey Christian VIII de Dinamarca) a la villa Quisisana en Nápoles, en donde residió hasta 1821, y aprovechó para hacer numerosas excursiones artísticas por la región. Regresó, pasando por Roma, a Dresde, en donde permaneció ya hasta su muerte en octubre de 1857, salvo ciertos cortos viajes a Noruega. Su estancia en Italia influyó sobremanera en su obra: los estudios al óleo, como 'Marina, Golfo de Nápoles', de 1821, demuestran una factura suelta y confiada, más atrevida. También le proporcionó una gran cantidad de temas para los cuadros ejecutados en Dresde: muy popular fue su 'Vesubio en erupción', de 1823, del que pintó varias versiones. Desde la capital de Sajonia realizó varios viajes en busca de motivos naturales a Bohemia, Silesia y el Riesengebirge. En 1824 recibió un puesto en la Academia, aunque no de tipo docente. Desde mediados de los años veinte, dominan los paisajes de tema noruego, tendencia que ya no abandonará hasta su muerte. En 1826 retornó a su patria, de la que realizó una serie de paisajes bien diferentes de los primeros de su juventud.

Los dibujos que realizaba en estas ocasiones, con un cuidadoso acabado, demuestran el importante papel que Dahl les concedía. Fueron raras las veces en que accedió a vender alguno. En Dresde, por el contrario, su principal método era el estudio directo al óleo, algunos de los cuales pueden considerarse obras acabadas en sí mismas. Hacia 1830 Dahl se decidió a tratar un tema habitual: 'Naufragio en la costa de noruega', en el que, a pesar del poderoso tratamiento de los elementos naturales, no prescinde de las figuras humanas, introducidas para dar un toque sentimental, emocional, a la escena. En este periodo lleva a cabo varias obras de figuras contemplando la luna, en la línea de Friedrich, así como una serie de vistas de ciudades a la luz de la luna, como 'Kronborg a la luz de la luna' o Vista de Dresde a la luz de la luna. En su época de madurez, Dahl dio forma material a los fuertes sentimientos patrióticos que ya animaban sus paisajes noruegos. Participó en la protección de monumentos históricos de su país y luchó por conseguir la creación de una galería nacional de arte noruego en Christiania (actual Oslo), a la que contribuyó con buena parte de sus obras y dibujos. Su influencia en el paisajismo noruego es definitiva, y también es importante en la pintura alemana, en la que encontró discípulos sobresalientes como Carl Blechen.

ArteHistoria

Gotthard Schuh en la Fundación Mapfre

Gotthard Schuh en la Fundación Mapfre

La Fundación Mapfre (Madrid, España) presenta, por primera vez en España, la obra del fotógrafo Gotthard Schuh.

La muestra, abierta al público hasta el 19 de febrero, comprende 113 fotografías, noventa y tres de ellas de Gotthard Schuh, que datan entre 1929 y 1956, y veinte fotografías adicionales de Robert Frank, Werner Bischof, Jakob Tuggener y René Groebli, presentando a Gotthard Schuh al lado de los fotógrafos suizos más importnes de su tiempo, todos ellos miembros del Kollegium de Fotógrafos Suizos en los años cincuenta.

Gotthard Schuh (1897-1969) fue uno de los fotógrafos suizos más importantes del siglo XX, un autor que partició con entusiasmo en la revolución estética que tuvo lugar en el mundo de la fotografía a finales de los años veinte y que postulaba una "nueva visión".
En el floreciente fotoperiodismo descubrió una oportunidad para poner en práctica sus ideas plásticas.

Junto a su actividad de reportero, Schuh siempre buscó posibilidades de escapar de la cotidianeidad. La expresividad emocional, la densidad de ambientes y la sensibilidad psicológica se convirtieron en elementos centrales de su fotografía.

Fecha: hasta el 19 de febrero
Lugar: Fundación Mapfre. Avda. General Perón, 40. Madrid 28020. España.
Horario: lunes de 14.00 a 21.00 horas. De martes a sábado de 10.00 a 21.00 horas. Domingos de 12.00 a 20.00 horas. 6 de enero de 12.00 a 20.00 horas.

Turner: una luz en la oscuridad

Turner: una luz en la oscuridad

Siguiendo una tradición anual, la Galería Nacional de Irlanda abrió, el pasado 1 de enero, su galería de acuarelas de J.M.W. Turner, bajo el título Una luz en la oscuridad. Las obras del pintor podrán verse solamente hasta el 31 de enero de acuerdo con las exigencias de Henry Vaughan, coleccionista de la época victoriana que dejó 31 acuarelas a la galería con la condición de que sólo podrían exhibirse en enero para protegerlas de los efectos dañinos del sol

Aunque la tecnología moderna de iluminación ha hecho esta estipulación innecesaria, la galería continúa respetando la exigencia de Vaughan y ha convertido la exposición de estas acuarelas es una ocasión especial.

Este año, las obras de Turner se complementarán con la muestra de siluetas y miniaturas pertenecientes al legado de Mary A. McNeill (1985).

Fecha: hasta el 31 de enero.
Lugar: Galería Nacional de Irlanda.Merrion Square West. Dublín 2, Irlanda.
Horario: de lunes a sábado, de 9.30 a 17.30 horas. Jueves, 9.30 a 20.30 horas. Domingos, de 12.00 a 17.30 horas.

Berthe Morisot en el Museo Thyssen

"Berthe Morisot era claramente la pintora del blanco"

La exposición Berthe Morisot. La pintora impresionista, que presenta una selección de obras, en su mayor parte pertenecientes al Musée Marmottan Monet de París, es la primera monográfica que se le dedica en España y que puede verse en el Museo Thyssen hasta el 12 de febrero. Paloma Alarcó, comisaria de la muestra, nos acerca a la figura de la pintora.

Esta exposición es posible gracias a un importante acuerdo de préstamo con obras procedentes del Musée Marmottan Monet de París ¿qué dificultades conlleva organizar una exposición temporal de estas características?

Tenemos una buenísima relación de 20 años con el museo de Marmottan por lo que [la organización] ha sido relativamente sencilla, no es lo mismo que organizar una exposición en la que tienes que pedir cuadros a todos los museos del mundo. La intención de esta exposición no es sólo la de enseñar quién fue Morisot sino también mostrar el legado de Morisot que tiene el Museo Marmottan y unirlo a nuestras propias colecciones. La exposición tiene un cariz especial porque son "los Morisot de la propia Morisot": se trata de la colección de Morisot que está depositada en el museo Marmottan.

En la obra de Morisot, la representación del universo de los sentimientos femeninos fue un asunto permanente. De las obras en exposición ¿cuál o cuáles reflejan mejor este universo?

Una obra que refleja ese universo es el cuadro que aparece en la portada de nuestro catálogo y que se llama En el baile: en ella se ve a una guapa mujer con un abanico mirando de una forma introspectiva, muy delicada. En esta obra Morisot plasma su fascinación e interés por el blanco, color que transmite un aura de elegancia, melancolía e introspección, elementos que siempre se han vinculado al mundo femenino

Otra obra sería El espejo de vestir o La Psyché, donde vemos a una mujer probándose un traje delante un espejo que sería el espejo de la propia Morisot, estamos dentro de la habitación de la pintora. Este cuadro podría ser un autorretrato de la propia Morisot donde se refleja su mundo familiar. También destacaría todas las versiones que hizo de su hija Julie, a la que pinta en muchas ocasiones mostrando de esta manera su mundo maternal y familiar.

El carácter independiente y con cierto punto de rebeldía se deja ver en la obra de Morisot, ¿podría especificar cómo?

Lo más importante es que cuando ella decide dedicarse a la pintura y convertirse en artista, adopta una postura muy radical vinculándose al grupo de los impresionistas, el arte más rompedor de entonces. Existe una doble radicalidad: en primer lugar, Morisot decide convertirse en artista a pesar de su condición de gran dama, no va a dedicarse a la pintura como sus amigas, de forma aficionada, no va a ser una "pintora de domingo". En segundo lugar, se va vincular a la vanguardia del momento, el Impresionismo.

¿Cómo describiría el arte de Berthe Morisot en general?

Creo que se trata de una pintura de gran delicadeza, Mallarmé la definia como "polvo volátil": una pintura etérea, con figuras muy introspectivas y melancólicas pero que al mismo tiempo transmiten una alegría de vivir que produce satisfacción a quien las contempla. Morisot fue una pintora fiel al estilo rompedor del Impresionismo, no evoluciono a otras formas sino a una factura más suelta, más acuarelada. Me fascina sobre todo el dominio que tiene del blanco. Es claramente la pintora del blanco.

¿Cree que, en la actualidad, los museos y centros de arte hacen suficientes esfuerzos por mostrar al público el arte realizado por mujeres?

Creo que existe esa mala conciencia de que las mujeres han sido olvidadas y relegadas injustamente y, precisamente por haber sido apartadas de la historia del arte, existe un esfuerzo por sacarlas a la luz, esfuerzo que añade un interés a la propia obra. Estamos asistiendo a la revelación de algo que antes se había mantenido oculto y que proporciona un interés adicional por la propia obra.

Como jefa de conservación de pintura moderna del Thyssen ¿qué futuros proyectos tiene en mente?

Estamos trabajando al margen de la colección, que es un trabajo constante, en las exposiciones del año que viene que ya están muy consolidadas. El departamento de pintura moderna prepara una gran retrospectiva de Marc Chagall en febrero que va a tener mucho interés para nuestro público y, para el otoño, tenemos prevista la exposición Viaje a lo exótico, homenaje a Claude Lorrain que refleja a aquellos artistas de vanguardia que viajaron a tierras lejanas en busca de inspiración. En 2013 pondremos en marcha el proyecto Al aire libre, dedicado al comienzo de la salida de los artistas a pintar al aire a finales del siglo XVIII, durante todo el XIX y principios del siglo XX.

LEY DE REFORMA PARA LOS POLITICOS

LOS POLITICOS ESTAN TRAMITANDO LEYES PARA QUE NOS "APRETEMOS EL CINTURON"- LOS CIUDADANOS PEDIMOS TAMBIEN REFORMAS


Ley de Reforma del Congreso de 2011 (enmienda a la Constitución) DESPIERTA ESPAÑA !


1. El diputado será asalariado solamente durante su mandato. Y no tendrá jubilación proveniente solamente por el mandato. 2. El diputado contribuira a la Seguridad Social. Todo el mundo (pasado, presente y futuro) actualmente en el fondo de jubilación del Congreso pasará al régimen vigente de la Seguridad Social inmediatamente. El diputado participará de los beneficios dentro del régimen de la S.Social exactamente como todos los demás ciudadanos. El fondo de jubilación no puede ser usado para ninguna otra finalidad.

3. El diputado debe pagar su plan de jubilación, como todos los españoles.

4. El diputado dejará de votar su propio aumento de salario.

5. El diputado dejará su seguro actual de salud y participará del mismo sistema de salud que los demás ciudadanos españoles

6 El diputado debe igualmente cumplir las mismas leyes que el resto de los españoles

7. Servir en el Congreso es un honor, no una carrera. Los diputados deben cumplir sus mandatos (no más de 2 legislaturas), después irse a casa y buscar empleo.
ADEMAS DE LO ANTERIOR HAY QUE PREDICAR CON EL EJEMPLO, POR LO QUE ANTES DE ADOPTAR NINGUNA MEDIDA DE SUBIDA DE IMPUESTOS, EL GOBIERNO DEBERIA:

• Revisar a la baja los salarios de diputados, senadores y altos cargos del Gobierno Central y de las Autonomías.
• Reducir en un 50% las dietas y gastos de representación de diputados y senadores.
• Suprimir el 90% de los vehículos oficiales tanto en el Gobierno, como en las Autonomías y Ayuntamientos.

y podríamos añadir muchas más cosas

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Antoni Muntadas. Entre/Between

Fechas: 23 de noviembre de 2011 - 26 de marzo de 2012
Lugar: Edificio Sabatini, Planta 4, Sala de Protocolo y Edificio Nouvel, entreplantas
Comisariado: Daina Augaitis
Organización: Museo Reina Sofía

Actividades relacionadas: Encuentro Antoni Muntadas. Entre/Between

Considerado como unos de los pioneros del media art y del arte conceptual en España, Antoni Muntadas (Barcelona, 1942) lleva más de cuatro décadas realizando proyectos en los que plantea una reflexión crítica sobre cuestiones claves en la configuración de la experiencia contemporánea. Su objetivo es detectar y decodificar los mecanismos de control y poder a través de los cuales se construye la mirada hegemónica, explorando el papel decisivo que en este proceso juegan los medios de comunicación de masas. En sus obras, que tienen siempre una clara dimensión procesual y en las que a menudo se apela directamente a la participación de los espectadores, Muntadas recurre a múltiples soportes, lenguajes y estrategias discursivas, desde las intervenciones en el espacio público al vídeo y la fotografía, desde la edición de publicaciones impresas a la utilización de Internet y las nuevas herramientas digitales, desde las instalaciones multimedias a la puesta en marcha de proyectos de investigación multidisciplinares y colaborativos.

A lo largo de su carrera, Antoni Muntadas, que concibe sus obras como "artefactos" (en el sentido antropológico del término, es decir, como algo que puede ser activado de diferentes formas según el contexto y el momento en el que se presenta), ha abordado temas como las relaciones cambiantes entre lo público y lo privado, la naturalización de la lógica consumista, los procesos de homogeneización cultural que impone la globalización, el uso de la arquitectura como herramienta de legitimación del poder político y económico, la importancia de los mass media en la expansión del capitalismo financiero, el funcionamiento del ecosistema artístico o la utilización del miedo al "otro" como estrategia de control social.

Entre/Between, que se estructura en nueve bloques o "constelaciones temáticas" -Microespacios, Paisaje de los media, Esferas de poder, Territorios de lo público, Espacios de espectáculo, La construcción del miedo, Ámbitos de la traducción, El archivo y Sistemas del arte- trata de ofrecer una lectura compleja, exhaustiva y no lineal de la trayectoria de Muntadas. En la muestra se incluyen desde algunas de sus primeras propuestas, centradas más en la experiencia corporal y sensorial que en la reflexión conceptual, o varias piezas que nos revelan información autobiográfica sobre el artista, hasta sus proyectos más emblemáticos, como Exposición-Exhibition (1985-1987), The Board Room (1987), The File Room (1994) o una selección de los trabajos que forman parte de su serie On Translation (1995-2011). Además, Muntadas ha realizado un proyecto específico para esta exposición, Situación 2011, donde tomando como punto de partida una intervención que hizo en el Museo Reina Sofía cuando este se inauguró, examina críticamente el proceso de ampliación y expansión que en los últimos años han experimentado las principales instituciones museísticas internacionales.

Con la colaboración de:

España aumenta la venta de armamento a países “muy preocupantes”

ESTO OCURRIO CON EL GOBIERNO SOCIALISTA.... A VER QUE OCURRE AHORA

El Gobierno autorizó la exportación a países convulsos como Sri Lanka, Colombia o Guinea Conacry

Las operaciones se deciden en una comisión del Ministerio de Comercio donde también está el CNI

Aviones, buques de guerra, material antidisturbios, rifles, obuses, cañones, morteros, armas contracarro, lanzaproyectiles, lanzallamas, bombas, torpedos, granadas, botes de humo, cohetes, minas, misiles, visores, gases lacrimógenos. España ha autorizado en un año y medio la venta a al menos 17 países donde se violan sistemáticamente los derechos humanos o donde existe un conflicto latente o permanente. Sri Lanka, Tailandia, Marruecos o Guinea Conakry son algunos ejemplos que organizaciones como Greenpeace, Amnistía Internacional, Intermón Oxfam o Fundación per la Pau han definido como “muy preocupantes” en un documento de análisis.

Demostración del Ejército de Sri Lanka (Eranga Jayawardena / AP)

Paso atrás. ¿Cómo funciona la venta de armas? ¿No obedece al libre mercado? No solamente. La fabricación de armamento y la negociación con sus compradores sí corresponde a empresas privadas, pero la venta solo se produce con autorización directa del Gobierno. Existe una comisión, cuyas deliberaciones son secretas y cuyas decisiones se conocen hasta con un año de retraso, que depende del Ministerio de Industria y Comercio (no del de Defensa; no del de Exteriores) y donde también se sienta el director de Inteligencia del Centro Nacional de Inteligencia (CNI), además de otros altos representantes de Interior o Defensa.

Las organizaciones de derechos humanos habían “acogido con satisfacción” la ley de 2007 que regulaba la venta de armamento porque, entre otras cosas, el artículo 8 explicita en qué casos se deben rechazar los acuerdos. Sin embargo, si ponemos el texto de ese artículo 8 junto al balance de operaciones realizadas, asoman las contradicciones. La ley deja claro que no se autorizará las exportaciones de armas “cuando existan indicios racionales de que…”

(…) perturben la paz, la estabilidad o la seguridad en un ámbito mundial o regional, (…)

Las empresas españolas han ganado 15 millones de euros, con autorización del Gobierno, en la venta de armas “de caza” y munición a Ghana. Las organizaciones sociales consideran que hay un “preocupante desfase” entre las estadísticas oficiales y los registros aduaneros y temen que las armas exportadas a Ghana puedan terminar en países vecinos con altísimo riesgo de una escalada de violencia, como Nigeria, Níger o Togo.

(…) puedan exacerbar tensiones o conflictos latentes, (…)

El caso de Sri Lanka es el que más escandaliza a las ONG. En mayo de 2009, la ofensiva militar final del Gobierno contra la insurgencia tamil dejó por el camino siete mil civiles muertos y trece mil heridos, ejecuciones, torturas, reclutamientos forzoso y violencia sexual. “Esto es con diferencia lo más atroz que he visto”, dijo el secretario General de la ONU Ban Ki-moon cuando visitó algunos de los campos de los cientos de miles de refugiados. La eclosión de violencia en Sri Lanka no ocurrió de la noche a la mañana, pero el comercio de armas de España con este país no se detuvo hasta mayo. De enero a mayo, España autorizó 1,1 millones de euros en exportaciones de “bombas, torpedos, cohetes y misiles” a Sri Lanka.
“No tiene sentido solo cesar las autorizaciones de las exportaciones cuando hay una ofensiva grave y mediatizada”, denuncian las ONG, “sin haberse cuestionado anteriormente el haber alimentado durante años el conflicto con exportaciones de material de defensa”.

Soldados de la junta militar de Guinea Conakry, uno de los destinos más "preocupantes" del armamento fabricado en España (Rebecca Blackwell / AP)

España autorizó en los primeros meses de 2009 la venta de armas y cartuchos de escopeta por valor de 2,4 millones de euros a Guinea Conakry, donde en 2008 hubo un golpe de Estado condenado por toda la comunidad internacional, incluída la Unión Africana, con masacres que se cebaron especialmente con brutalidad contra las mujeres. En septiembre de 2009, con parte de las armas españolas ya en circulación, la policía mató a 150 personas en una manifestación, que obligó a la UE a suspender la venta de armas a este país. Para las organizaciones sociales, España y otros países han hecho “caso omiso del preocupante historial de las fuerzas de seguridad guineanas, que ha empeorado si cabe desde el golpe de estado de 2008″.

(…) puedan ser utilizados de manera contraria al respeto debido y la dignidad inherente al ser humano, con fines de represión interna (…)

En periodismohumano hemos podido leer esta misma semana casos de represión en Marruecos, uno de los grandes compradores de armas a España, en su permanente conflicto con el Sáhara Occidental. El reino de Mohamed VI compró a empresas españolas armas, aviones y munición por valor de 145 millones de euros entre enero de 2008 y junio de 2009.

Lo mismo ocurre con Tailandia y la lucha de poder en sus calles que estamos contando en El gran juego, a la que las empresas españolas vendieron 50 millones de euros en aeronaves. O con Indonesia o Malasia, donde se ha documentado “numerosos casos de uso excesivo de la fuerza por parte de las fuerzas de seguridad”. O con Cuba, donde han ido a parar 0,5 millones de euros en materiales antidisturbios.

(…) o en situaciones de violación de derechos humanos”

Colombia es uno de los países más críticos en opinión de las organizaciones de derechos humanos. “Todas partes implicadas en el conflicto colombiano – fuerzas de seguridad, paramilitares y grupos guerrilleros – son responsables de graves violaciones y abusos contra los derechos humanos y del Derecho Internacional Humanitario”, según su análisis. España envió a Colombia bombas, torpedos y aviones, cohetes, misiles, aviones por valor de 142 millones de euros en 2008. En la primera mitad de 2009 consta la venta de un avión valorado de 31 millones.

A la vecina Venezuela, que ha escenificado varias veces en los últimos meses su tensión con Colombia, llegaron 95 millones euros en buques de guerra, material antidisturbios y agentes químicos en 2008 y apenas 0,4 millones en la primera mitad de 2009.

El análisis también pone el foco sobre las empresas privadas que Estados Unidos contrata para descargar de trabajo y riesgos a sus soldados y que han sido muy criticadas tanto dentro como fuera de su propio país. La más importante, Blackwater, hasta se ha tenido que cambiar el nombre y ahora se llama Xe Services. Las organizaciones exigen saber si esas subcontratas usan armas españolas y si Estados Unidos las revende. En la lista de países “preocupantes” están también y por diferentes motivos Turquía, Pakistán, Angola, Irán, Sudán o Israel.

Lo que piden las ONG en todos estos casos es garantías: que se explique en qué se ha basado España para decidir que todas esas operaciones no debían ser rechazadas. Que se dé detalle sobre qué compra-ventas han sido desautorizadas, algo que actualmente queda en secreto. Que se explique en qué informes o fundamentos internacionales se asientan las decisiones, ya que la propia ley establece que para tomarlas “se tendrán en cuenta la información facilitada por organizaciones y centros de investigación de reconocido prestigio en el ámbito del desarrollo, el desarme y los derechos humanos”.

“¿Cuántos civiles palestinos habrán matado nuestras armas?”

El 27 de enero de 2009, en el programa de televisión Tengo una pregunta para usted, el presidente del Gobierno de España contestaba sobre la venta de armamento a Israel: “Es absolutamente insignificante el volumen de ventas [a Israel], que no llega o pasa de un millón de euros (…) Estoy convencido de que nuestros componentes no se han utilizado para eso [matar palestinos] Nuestro Gobierno ha hecho de la lucha por la paz y la seguridad en muchos países del mundo una acción permanente”. Al consultarse los datos definitivos de 2008, meses después, se comprueba que España había exportado a Israel 2,5 millones de euros en armas, bombas, torpedos, cohetes, misiles, sistemas de dirección de tiro, aeronaves o equipos electrónicos. Sin embargo, durante los primeros 6 meses de 2009, tras la invervención de Zapatero en este programa, la operación más importante de venta a Israel autorizada por España es la venta de ordenadores a Israel por valor 0,8 millones.

Dirck van Baburen

Dirck van Baburen (Wijk bij Duurstede, h. 1595 - Utrecht, 21 de febrero de 1624) fue un pintor barroco holandés, uno de los líderes de la escuela pictórica de Utrecht, que estuvo influenciada por el dramático estilo tenebrista del pintor italiano Caravaggio (1571 – 1610). También fue conocido como Teodoer van Baburen y Theodor Baburen.

Con toda probabilidad, Dirck van Baburen nació en Wijk bij Duurstede a 1595, pero su familia pronto se trasladó a Utrecht. Su padre, Jasper van Baburen había estado al servicio de la Vizcondesa de Utrecht, Geertruijd van Bronckhorst van Battenburg.

La primera referencia del artista se encuentra en los registros de 1611 de Utrecht del Gremio de San Lucas como un discípulo de Paul Moreelse (1571 – 1638), un retratista y pintor de escenas históricas.

En algún momento entre 1612 y 1615 viajó a Roma. En 1615 realizó un San Sebastián mártir (actualmente perdido) para la Iglesia del Servicio en Parma; es posible que la imagen fuese pintada en Roma, donde van Baburen pasó varios años.

En Roma colaboró con David de Haen (¿? – 1622) originario de Rotterdam, y con Nicolas Régnier. Baburen también llamó la atención de los coleccionistas de arte y los mecenas Vincenzo Giustiniani (1564 – 1637) y el cardenal Scipione Borghese (1576 - 1633) y, posiblemente, bajo sus influencias recibió la comisión junto a su compañero de Haen para realizar las decoraciones de la capilla de la Piedad en el monasterio de San Pietro in Montorio, donde Baburen pintó el retablo de El Entierro alrededor de 1617.

En 1619, Van De Haen y Baburen comparten un apartamento en la parroquia de San Andrea della Fratte, parroquia donde vive Bartolomeo Manfredi (1582 – 1622), cuyo estilo está estrechamente relacionado con ellos, y con quien Baburen entabló una estrecha amistad.

En la "Ciudad Eterna", Baburen fue uno de los primeros miembros del grupo Bentvueghels ("Pájaros de una pluma"), un grupo de artistas de habla holandesa activos en Roma en el siglo XVII. En este grupo el apodo de Baburen era "Biervlieg" ("Mosca cervecera", o "el que bebe demasiado").

Una carta sobre arte dirigida por Teodoro Amayden a Giustiniani en 1620, incluye una clasificación de los artistas en orden de importancia; en ella aparece el nombre de "Teodoro", probablemente refiriéndose a Van Baburen, en la undécima posición entre los más grandes.

A finales de 1620, Baburen regresó a Utrecht, y vivió con su madre y hermana en la Jansdam. Recibió encargos y pintó algunas escenas de género.

Entre 1622-3 compartió estudio con Hendrick ter Brugghen (1588 – 1629). Ambos pintores, junto con Gerard van Honthorst (1592 – 1656), ayudaron a establecer el estilo y la temática de las innovaciones caravaggistas ahora conocida como la Escuela de Utrecht.

Aún estaba soltero cuando murió repentinamente en 1624, sin cumplir los 30 años, probablemente víctima de la peste. El 28 de febrero de 1624 fue enterrado en Buurkerk, una iglesia medieval de Utrecht, que hoy alberga el Museo van Speelklok tot Pierement.

Alrededor de 1629, Constantijn Huygens (1596 – 1687) señaló a Baburen como uno de los pintores holandeses importantes activos en las primeras décadas del siglo XVII.

Su reputación disminuyó rápidamente después de su muerte, y no fue hasta el siglo XX que su trabajo volvió a salir a la luz.

El arte de Baburen se caracteriza por una cierta tosquedad en la concepción, ritmos irregulares en la composición y una baja calidad atmosférica, pero su manera de pintar se puede decir que se amplia y fortifica. Su estilo está ligado al de Hendrick Ter Brugghen, pero tiene una menor personalidad.

La carrera de Dirck van Baburen fue corta, y sólo unas pocas de sus pinturas son conocidas hoy en día. La mayoría de las que pintó en Roma de temas religiosos, incluida la de San Pietro in Montorio, Entierro, están en deuda con las versiones del mismo tema que Caravaggio presentes en los Museos Vaticanos. Baburen también pintó una Captura de Cristo (Galería Borghese, Roma) para Scipione Borghese y Cristo lavando los pies de los Apóstoles (Gemäldegalerie, Berlín) para Vincenzo Giustiniani. La influencia de Caravaggio también se puede ver en sus dos versiones de Cristo coronado con espinas, sobre la base de una pintura pérdida del maestro italiano.

Las obras de Utrecht realizadas entre 1621-4, los últimos años de la carrera de Baburen, se fusionan las características visuales aprendidas de Caravaggio y Manfredi en el género mitológico y de la pintura histórica. Prometeo siendo encadenado por Vulcano (Rijksmuseum, Ámsterdam), por ejemplo, adapta la figura de Caravaggio de San Pablo de La conversión de San Pablo (Basílica de Santa Maria del Popolo, Roma) a la posición caída de Prometeo, que fue castigado por robar el fuego de los dioses y dárselo a los mortales.

Él fue uno de los primeros artistas en popularizar géneros con temas como músicos y jugadores de cartas. Una de sus obras más conocidas es La procuradora (Museo de Bellas Artes, Boston), que representa a un hombre que ofrece una moneda para los servicios de una tocadora mientras una prostituta vieja, la procuradora de la dama, inspecciona su dinero. Este cuadro (o una copia) era propiedad de la suegra de Johannes Vermeer (1632 – 1675) y parece en dos de las obras del artista, El concierto (robado de Museo Isabella Stewart Gardner, Boston) y Mujer sentada en un virginal (National Gallery, Londres).

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HOXE NOS DEIXOU ISAAC DIAZ PARDO

QUE BOAS LEMBRANZAS NOS DEIXAS ISAAC! DESCANSA EN PAZ

Isaac Díaz Pardo (1920-2012). Biografía

Isaac Díaz Pardo naceu o 22 de agosto de 1920 na casa da Tumbona, na rúa das Hortas de Santiago de Compostela.

Intelectual galeguista, pintor, ceramista, diseñador, editor e empresario, Díaz Pardo tivo unha educación multidisciplinar e moi marcada polo contacto que mantivo cos máis importantes galeguistas que durante a súa infancia frecuentaban o taller de seu pai, o pintor e escenógrafo Camilo Díaz Valiño. Seu pai era un membro activo das Irmanades da Fala que foi asasinado en 1936, pero ata ese momento polo seu taller pasaron amigos da talla de Otero Pedrayo, Castelao, Cabanillas, Risco, Asorey, Blanco Amor e Anton e Ramón Vilar Ponte, entre outros.

Cando seu pai foi asasinado polos sublevados ao pouco de comezar a Guerra Civil, Isaac Díaz Pardo estudaba bacharelato e pretendía estudar Arquitectura. Os acontecementos racharon os seus soños e para salvar a vida tivo que esconderse na casa de seu tío Indalecio e despois traballar como rotulista nunha empresa de pintura industrial da Coruña.

Ao rematar a Guerra, consegue unha bolsa da Deputación da Coruña coa que poido estudar na Real Academia de Bellas Artes de San Fernándo en Madrid, entre 1939 e 1942, e complementa a súa información cunha viaxe a Italia ao rematar a carreira.

Ao regreso de Italia, logra unha plaza de profesor auxiliar de debuxo na Escola Superior de Bellas Artes de San Jordi de Barcelona e comeza a expoñer nas principais cidades españolas.

No ano 1948, abandona as artes plásticas e comeza a súa obra de ceramista montando unha planta industrial en O Castro de Samoedo, preto de Sada. Alí, ensaiando con materias primas utilizadas no antigo Sargadelos, produce unha porcelana de excelente calidade.

En 1955 viaxa por primera vez a Arxentina, onde coñece os intelectual galegos exiliados. Será alí onde inicia outra experiencia industrial de cerámica: La Magadalena. Co apoio de Luis Seoane e outros intelectuais galegos exiliados crea o Laboratorio de Formas en La Magadalena, a uns 100 quilómetros de Bos Aires, e proxecta unha serie de empresas recuperadoras da memoria histórica de Galicia que anos máis tarde podería converter en realidade, como a restauración de Sargadelos o seu Seminario de Investigación, o Museo Carlos Maside, Ediciós do Castro, o Seminario de Estudos Galegos, o Laboratorio de Industria e Comunicación ou o Instituto Galego de Información.

No eido literario, Díaz Pardo non se limitou a manter unha editorial. Díaz Pardo tamén era un escritor que cultivou diferentes xéneros: teatro, crítica, ensaio ou cartaces de cegos, sen esquecer unha continúa prenza nos medios de comunicación a través de colaracións con diferentes xornais para os que elaboraba artigos de opinión.

Como entre a súa produción literaria habería que detacar entre outros libros: Xente do meu rueiro, Buenos Aires 1954, Midas. O ángulo de pedra, Buenos Aires; El ceramista Arranz y su escuela, A coruña, 1960; Galicia Hoy, en colaboración con Luís Seoane, París, 1965; Paco Pixiñas, en colaboración con Celso Emilio Ferreiro, cartel de cego, A Coruña, 1970; A Nave espacial, cartel de cego, A Coruña, 1970; El Marqués de Sargadelos, cartel de cego, A Coruña, 1970; Castelao, cartel de cego, A Coruña, 1985; Galicia hoy y el resto del mundo, A Coruña, 1987," además de diversos trabajos periodísticos, principalmente de historia contemporánea".

En 2009, recibiu a “Medalla de Ouro al Mérito en las Bellas Artes de España”. Este non foi o único galardón; súa longa, fructífera e variada creación levouno a recibir moitas distincións e recoñecementos: Pedrón de Ouro (1976), Medalla de Oro e Hijo Predilecto de la ciudad de Santiago de Compostela (1988), Premio Otero Pedrayo de las Diputaciones Provinciales (1990), Insignia de Oro (1991) y Doctor Honoris Causa (1992) por la Universidad de Santiago de Compostela, Premio Trasalba de la Fundación Otero Pedrayo (1993), Vieira de Plata del Patronato de la Cultura Gallega de Montevideo (1995), Doutor Honoris Causa pola Universidade da Coruña (2007), entre outros moitos.

Giovanni Migliara

Alessandria, 05 de octubre 1785; Milán, 18 de abril 1837. Pintor y profesor italiano. Comenzó su carrera como para escenarios con Gaspare Galiari (1761-1823) en Milán, trabajando en el Teatro Carcano en 1804 y en La Scala desde 1805 hasta 1809. Debido a una enfermedad, a partir de 1810 se dedicó a pequeñas obras en acuarela o al óleo en diferentes soportes, inluyendo la seda y el marfil. En esta epoca, la pintura de Milán estuba dominada por Andrea Appiani y Luigi Sabatelli, importantes artistas neoclásicos. Sin embargo, Migliara se mantuvo al margen de este movimiento dominante y en su lugar se basó en temas medievales e históricos con tintes románticos. Su precisión, como la de un orfebre y la elección de los temas consiguió el favor de los mecenas de la aristocracia en Milán. Sus personajes son generalmente artificiales y parecen agobiados por sus trajes, aunque en el cuadro " la multitud en el saqueo de la casa de Ministro de Prina" (1814,.. Milán, Gal A. Mod) se representa con inusual soltura. En 1822 Migliara fue nombrado profesor de perspectiva en la Accademia di Belle Arti de Milán, y en 1833 fue nombrado pintor de la corte de Carlos Alberto, rey de Cerdeña (REG 1831 hasta el 49). La más típica de sus escenas históricas es la entrada al Castillo de Plessis-la-Tour (Turín, Gal. Civ. A. Mod.), Que se exhibió en Brera en 1833. Tambien realizó muchos cuadros con imágenes topograficamente precisas de intereriores de iglesias en los cuales combinó su formación como pintor de escena con su conocimientos de técnicas de intaglio. En dichos trabajos como la iglesia y la tumba gótca (1831, Turisn. Cal. Civ. A MOd) mostró una mayor sensibilidad a la luz y al tono que en sus óleos (e.g. Vestibule of a Convent, 1833; Alessandria, Pin. Civ.). Particularmente destacó como pintor en los interiores de una pequeña iglesia medieval, al igual que varios de sus alumnos, incluida su hija Teodolinda Migliara (1816-66), Frederico Moja (1802 a 1885), Calvi Pompeo (1806-84), Luigi Bisi (1814-86) y Angelo Inganni (1806 - 1880).

history of art

Jan Vermeer

Holanda
Delft 1632 - Delft 1675
No son muchos los datos que tenemos de la vida de Vermeer y su entorno familiar. Sabemos que su abuelo materno, Balthasar Claesz. Gerrits era relojero y participó en un negocio de falsificación de moneda que llevó a la muerte a dos de sus cómplices, consiguiendo Balthasar huir primero a La Haya y después a Gorinchen, donde vivió sin ser perseguido.Su padre, Reyner Janszoon Vos, había nacido en 1591, posiblemente en Amberes, trasladándose a los 20 años a Amsterdam para especializarse en el tejido de la seda. Se casó en 1615 con Digna Baltens y al poco tiempo se instalaron en Delft, donde alquilaron una hostería de nombre "Vos" -el zorro, en referencia a su apellido-, sin abandonar los trabajos de tejedor.

También se dedicó al comercio de objetos artísticos, por lo que ingresó en el gremio de San Lucas de la ciudad. Hacia 1625 Reyner utilizaba ya el apellido VermeerJan Vermeer fue bautizado en Delft el 31 de octubre de 1632 como segundo hijo y único varón del matrimonio. Cuando el pequeño tiene nueve años, sus padres adquieren la hostería "Mechelen", situada en una zona privilegiada de Delft, en el norte del Marktvelde, contando entre sus clientes con la burguesía distinguida de la ciudad. Entre estos clientes se encuentran también un buen número de artistas como Balthasar van der Ast o Pieter Groenewengen, contactos que serán decisivos para la formación del joven pintor. Sin embargo, no disponemos de ningún documento que haga referencia al aprendizaje de Jan. Sólo conocemos que el 29 de diciembre de 1653 era admitido como maestro en el gremio de San Lucas de Delft. Los estatutos exigían un periodo de aprendizaje de seis años de duración con uno de los artistas reconocidos por la "guilda", por lo que se barajan diversas hipótesis sobre quién fue su maestro. Algunas opiniones apuntan a Leonaert Bramer (1594-1674) aunque las diferencias estilísticas son mayores que las razones que les unen. La mayoría de los expertos apuntan a Carel Fabritius como el pintor que dirigió el aprendizaje de Vermeer, ya que Fabritius se instaló en Delft en 1650, ingresando en el gremio de San Lucas dos años más tarde.

En algunos documentos de la época se hace referencia a Jan como el sucesor de Fabritius, dato en el que se basan los especialistas para afirmar la existencia de este aprendizaje.Jan contrae matrimonio el 20 de abril de 1653 con Catharina Bolnes, en Schipluy, pequeño pueblo cercano a Delft. Catharina era hija de Maria Thins, mujer que disfrutaba de una aceptable posición económica, que en un primer momento se opuso al matrimonio, tanto por razones financieras como religiosas, ya que ella y su familia profesaban el catolicismo mientras que los Vermeer eran calvinistas. Algunos expertos han apuntado a que Jan se convirtió al catolicismo para contraer matrimonio con Catharina, dato que no está documentado.Los recién casados se instalaron en un primer momento en la pensión "Mechelen" pero siete años después se trasladaban a la casa de Maria Thins, sita en el barrio católico, en Oude Langendijk. Las situación económica de los Vermeer parece bastante buena ya que no presenta dificultades para alimentar a sus quince hijos, aunque cuatro de ellos fallecieran a edad temprana. Los especialistas consideran que Jan no sólo vivía de los ingresos de la pintura, ya que no ejecutaba más de dos obras al año. Se apunta a la regencia de la hostería como segunda actividad, a pesar de no estar documentado, e incluso al comercio de obras de arte, siguiendo también el negocio familiar. Su prestigio social llegará a su punto culminante cuando sea elegido síndico del gremio de San Lucas en 1662, cargo que también ocupó ocho años más tarde.Maria Thins, la suegra de Vermeer, tenía también una más que aceptable posición económica al obtener importantes rentas de sus inmuebles,


fincas de labranza y los créditos que concedía. Un inventario notarial de 1676 da cuenta de una amplia lista de ropa, pinturas, muebles y objetos de uso doméstico, aludiendo a las once habitaciones de la casa en la que habita, casa que era compartida con los Vermeer. El pintor y su familia vivían en las habitaciones inferiores, habilitando las superiores como estudio, donde se ubicaba la maciza mesa de roble que aparece en muchas de sus telas.El conocimiento del arte manifestado por Jan le valió el encargo de verificar una colección de cuadros italianos -entre los que se incluían varios supuestos trabajos de Miguel Angel y Rafael- vendidos a Friedrich Wilhelm, Gran Elector de Brandeburgo, por el marchante Gerard Uylemburgh. Vermeer viajó a La Haya en 1672 para impugnar las atribuciones a los grandes genios del Renacimiento, declarando que la colección valdría una décima parte de lo solicitado por el marchante.Ese mismo año de 1672 estalla la guerra entre Francia y las Provincias Unidas, al penetrar Luis XIV con un ejército de 100.000 hombres en los Países Bajos.


La defensa holandesa pasaba por abrir sus diques de contención, lo que provocará la ruina de los propietarios de tierras y una crisis generalizada. Vermeer empieza a vender cada vez menos cuadros y el negocio de la hostería decae hasta el punto de tener que alquilarla por 180 florines anuales. En 1875 Jan hace un viaje a Amsterdam para solicitar un crédito de 100 florines. Su propia mujer alude a la situación del pintor: "Por esta razón -la guerra contra Francia- y a causa de los grandes gastos ocasionados por los niños, que él ya no podía afrontar, cayó en un estado de melancolía tan profundo y sus fuerzas le abandonaron hasta tal punto, que en el plazo de día y medio cayó enfermo y murió".Jan Vermeer era enterrado el 15 de diciembre de 1675 en el panteón familiar de la Oude Kerk de Delft, dejando once hijos menores de edad y a una viuda en una pésima situación financiera, por lo que Catharina Bolnes hubo de solicitar ante el Tribunal Supremo de La Haya la renuncia de su herencia a favor de sus acreedores y la gestión de sus bienes. Antoni van Leeuwenhoek era nombrado administrador de los bienes de los Vermeer. El 24 de febrero del año siguiente, Catharina vendía uno de los dos cuadros que poseía de su esposo: el Arte de la pintura. En 1688 Catharina Bolnes fallecía sin poder contemplar la venta de la mayoría de los cuadros de su esposo, celebrada en una subasta en 1696, alcanzando precios muy elevados como los 200 florines por la Vista de Delft o los 150 florines de la Tasadora de perlas.

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