Abstract Expressionist New York

El término "expresionismo abstracto" recoge una de las corrientes más productivas y conocidas de todo el arte americano del s.XX. Un movimiento que engloba nombres de la talla de Jackson Pollock, Robert Motherwell, Arshile Gorky, un mucho más sosegado Mark Rothko, o el siempre inquietante Willem de Kooning. Ahora, el Museo de Arte Moderno ( MoMA ) de Nueva York ( EE.UU. ) acoge una excepcional retrospectiva conjunta donde podrán visionarse algunas de las principales piezas de los autores más representativos del movimiento.

Bajo el título "Expresionismo abstracto de Nueva York" el MoMA presenta ahora un discurso que centra el movimiento en torno a un espacio específico y tan relevante como es esta metrópoli americana, que, en los años inmediatamente previos a Warhol, y posteriores, se convertirá en el centro cultural de referencia en el mundo. La corriente supondrá la victoria de la forma sobre el contenido, rompiendo las reglas clásicas de la representación de modo completamente directo: un expresionismo que ahora se expone en una muestra que toma distancia y, al tiempo, bucea en los entresijos de la propia sociedad norteamericana a través de algunos de sus más relevantes representantes pictóricos de todos los tiempos.


Más información: MoMA

Humano, demasiado humano. Arte español de los años cincuenta y sesenta. Colección de Arte Contemporáneo

Picasso, Dalí o Tàpies son los partenaires de artistas como Saura, Oteiza y Millares, integrantes de la Colección de la Fundación 'la Caixa', que ahora, por primera vez, se exponen de forma conjunta para ofrecer una lectura muy personal de la pintura ejecutada en España en la década de los cincuenta y los sesenta. CaixaForum Barcelona ( España ) es el receptor de la treintena de piezas y las siete películas destinadas a ofrecer una visión crítica de las aportaciones y valores del arte de posguerra español, "existencial e inconformista".


La muestra pone en relación por primer vez fondos de la Colección de Arte de la Fundación 'la Caixa' con una serie de préstamos de otras instituciones veladoras del arte español del s.XX para ofrecer una visión de conjunto que supere las consideraciones de tipo metafórico y dramático para alcanzar otros temas importantes, obviados hasta el momento. Así, el propósito final de esta reunión es "relacionar los autores presentes en los fondos de la entidad con las obras de los artistas que fueron sus referentes (Dalí, Tàpies, Picasso) y presentar una imagen de unidad de lo que en aquella época se dio a conocer como «pintura española», más allá de los grandes nombres conocidos internacionalmente".



Una apuesta que se estructura en base a tres hilos temáticos principales: la destrucción de los iconos generados por la historia del arte (podemos encontrar obras como las revisiones de Picasso sobre Las Meninas, Saura en base a Goya o El Equipo Crónica acerca de El Guernica), la representación del ser humano mediante una clase de figuración que incide y evidencia lo irreverente y cotidiano, lo esotérico y lo irracional (con las obras de Dalí sobre la guerra como ejemplo, o la inquietante Historia natural de Tàpies), y la reflexión metodológica en torno a la propia disciplina (integrada por obras significativas de autores como José Guerrero o Antoni Clavé).


Más información: Obra Social 'la Caixa'

Amazonas. Guerreras misteriosas

Valientes, hembristas y legendarias, las Amazonas han originado desde el misterio de su nacimiento y existencia ríos de tinta que vendrían a generar o descartar hipótesis. Procedentes según la Historia Antigua de una franja indeterminada de Eurasia que habría abarcado fronteras turcas y rusas, su organización respondería a la de una nación matriarcal en la que el hombre poseería funciones casi meramente reproductivas. De orígenes divinos, su estirpe guerrera habría sido el rasgo más destacado de una sociedad cuya única prueba de existencia es, a día de hoy, prácticamente artística. El Museo Histórico del Palatinado en Speyer ( Alemania ) recoge ahora, en una interesante exposición que aúna historia y leyenda, una selección de piezas de gran valor arqueológico y plástico protagonizadas por estas "guerreras misteriosas".


El Museo Histórico del Palatinado intenta ahora, en una exposición internacional única, arrojar un poco de luz sobre las Amazonas en todas sus facetas desde la Antigüedad hasta hoy día. Para ello, ha previsto un recorrido que conducirá al espectador desde las tumbas de mujeres escitas armadas hasta los hallazgos arqueológicos concretos de las montañas Altai de Siberia, donde fueron descubiertos enterramientos de jóvenes mujeres guerreras bajo otras sepulturas. Unos restos que abren la puerta a la suposición real de la posibilidad de la existencia de un pueblo de mujeres amazonas y que se complementan con un completo conjunto de armas, joyería y elaboradas monturas de caballo. Una reunión que ha sido posible gracias a la colaboración de importantes museos de Europa y Asia, el British Museum de Londres, el National Museum of History of Ukraine en Kiev, la Ny Carlsberg Glyptothek de Copenhague, la Russian Academy of Sciencies y el Basel Museum of Ancient Art.

Entre el mito y la suposición, la leyenda de las Amazonas extiende sus garras hasta hitos históricos como la Guerra de Troya y es posible encontrar en narraciones de autores como Herodoto e Hipócrates descripciones que validarían su existencia. Los restos arqueológicos parecen indicar que las mujeres sármatas podrían haber asumido un papel defensivo en ausencia de los hombres, organizando su reproducción de forma anual con pueblos vecinos, lo que ratificaría parte de la leyenda. Pero, existieran o no, lo que es innegable y pone de manifiesto la presente muestra es que las amazonas fueron tomadas como temas artístico en determinados periodos de la historia. Así, ahora, el Museo del Palatinado expone ante los visitantes un número de pinturas y esculturas que lo corroboran, junto con una selección de vasijas griegas pintadas con motivos de héroes y leyendas, de vida y muerte, amor e infortunio. Grandes piezas maestras que desde la Antigüedad hasta el presente enlazan una historia de fantasía, esplendor y belleza.


Más información: Historisches Museum der Pfalz Speyer

Ramón Gaya. Homenaje a la pintura

Otro aniversario, en este caso el centenario del nacimiento del murciano Ramón Gaya, es el que celebra el IVAM ( Valencia, España ) en una muestra organizada en colaboración con la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales ( SECC ). La exposición recoge la profunda admiración que Gaya sintió por muchos de sus precedentes y su materialización en una serie de obras homenaje que ahora se exponen ofreciendo un personal viaje por la producción de los grandes maestros del pasado.

El homenaje de Ramón Gaya va más allá de una escuela o cultura determinadas y "reúne" a pintores chinos y japoneses junto a españoles, holandeses o italianos, sobreponiéndose a las consideraciones de tipo meramente formal para abarcar un espíritu pictórico. La esencia es recogida por Gaya en unas obras en las que maestros como Tiziano, Rembrandt, Velázquez o Rubens son reinterpretados y recordados por medio de reproducciones que se convierten así en, más que simples testimonios históricos, un ejemplo de la plena vigencia de una producción realizada siglos atrás


Así, el amor del artista por la pintura se constata en la delicadeza y el respeto de unas creaciones "que harán honor a una obras que consideraba [...] plenamente vivas, pues años después de su alumbramiento siguen conmoviendo al que las contempla".

La muestra presente en el IVAM viene a completar la que la institución dedicó al autor en 2000, con una selección en esta ocasión de las piezas realizadas por Gaya mientras permaneció exiliado en México, alejado de los museos europeos, punto de partida éste, curiosamente, de la producción ahora expuesta. Además, con ocasión de esta conmemoración, se ha editado un catálogo que contiene las obras mostradas, así como una serie de textos relativos a la vida y obra de Ramón Gaya escritos por Andrés Trapiello, Pascual Masiá y Consuelo Císcar, junto con una selección de poemas de diversos autores.



Más información: IVAM

El arte que viene...

Grandes nombres y una tendencia en materia expositiva que se consolida en España son las notas dominantes de un 2011 que se prevé cargado de interesantes propuestas y supone la consecución de un año formado por un calendario que aún deparará sorpresas, como un otoño encabezado por Renoir en El Prado, Mario Testino y los impresionistas en el Thyssen, flamencos y holandeses copando el Guggenheim Bilbao, o Lorca y Dalí en Madrid como protagonistas de las exposiciones de La Caixa. Por lo demás, autores de prestigio para el 2011, entre los que se encuentran unos esperados Jean-Léon Gérôme, Antonio López, Brancusi y Serra, Feldmann, Lartigue, Delacroix, y, fuera de nuestras fronteras, Gauguin, Miró, Leonardo, Canaletto, Gossaert o Muybridge como la oferta más interesante.


Así, la pinacoteca más grande de España, el Museo del Prado (Madrid), tiene previsto enlazar este año que se cierra con el que ha de llegar con dos grandes exposiciones, una en itinerancia, que recogerán tradiciones tan distintas como el retrato español ('El retrato español en El Prado. Del Greco a Sorolla' podrá visitarse entre octubre de 2010 y enero de 2011) y el impresionismo ('Pasión por Renoir' llegará a Madrid en octubre de 2010 y permanecerá hasta febrero de 2011). El movimiento francés se presenta en doblete en la capital con la muestra 'Jardines impresionistas' organizada por el Thyssen (noviembre 2010-febrero 2011), institución que a lo largo del próximo año presentará asimismo grandes nombres como el peruano Mario Testino ('Mario Testino. Todo o Nada', septiembre 2010-enero 2011), por primera vez en España, el clásico Jean-Léon Gérôme (marzo-mayo 2011) o el reconocido hiperrealista Antonio López (junio-septiembre 2011). Una propuesta en la que tiene cabida la producción femenina, representada en la muestra 'Heroínas' (marzo-junio 2011), y que encuentra su réplica en el panorama internacional en exposiciones como la que permanecerá abierta en el MoMA de Nueva York (EE.UU.) hasta marzo de 2011: 'Pictures by Women: A History of Modern Photografphy'.


El clasicismo continuará siendo uno de los temas recurrentes en esta temporada que se abre, explorado en periodos tan diferentes como los propuestos por el Guggenheim Bilbao (País Vasco) en 'La edad de oro de la pintura holandesa y flamenca del Städel Museum' (octubre 2010-febrero 2011) o la muestra 'Caos y clasicismo' (2011), en la que se realizará un recorrido por la obra de autores de entreguerras como Léger, Picasso, de Chirico o Dix, y que encuentra su contrapunto en 'Pintura americana y europea de los años 50 y 60' (2011), exposición en la que se ampliará este cupo de autores de vanguardia con la inclusión de nombres como Pollock, de Kooning, Rauschemberg, Burri, Tàpies, Klein, Tinguely o Manzoni, y 'Brancusi y Serra' (octubre 2011).


Junto con esto, puede decirse que el resto de las propuestas de mayor interés (con honrosas excepciones) vendrán ofertadas desde la Obra Social 'la Caixa', entidad que tiene previsto presentar a figuras de la talla de Dalí y Lorca, de forma conjunta, como satélites de la famosa Residencia de Estudiantes ('Dalí, Lorca y la Residencia de Estudiantes', CaixaForum Madrid, septiembre 2010-febrero 2011), o de forma individual ('Salvador Dalí y las revistas' llegará a CaixaForum Lleida, tras su paso por Málaga y Tarragona, en octubre 2010-enero 2011).

Y en CaixaForum Madrid, Lartigue completa el calendario de muestras fotográficas (la exposición 'Jacques-Henri Lartigue. Imágenes de un mundo flotante' podrá verse en la capital entre marzo y junio de 2011, después de dejar Barcelona), junto con Isabel Muñoz ('Infancia. Fotografías de Isabel Muñoz', septiembre 2010-enero 2011), cuyas obras suponen una marcada diferencia con el arte de carácter casi arqueológico de las muestras 'Teotihuacan, Ciudad de los dioses' (julio-octubre 2011) o 'Arte sumerio' (julio 2011-noviembre 2012), exposiciones que itinerarárán desde CaixaForum Barcelona (así como la muestra dedicada a la vanguardia rusa 'Lost Vanguard') y donde, asimismo, podrá disfrutarse de los tesoros del reino de Arabia Saudí ('Rutas de Arabia', noviembre 2010-febrero 2011), la Belle Époque ('Retratos de la Belle Époque', julio-septiembre 2011) o un genio de la talla de Delacroix ('Eugène Delacroix', octubre 2011-febrero 2012).


El panorama nacional lo completan Durand, con un monográfico en la Fundación Juan March (Madrid) entre octubre de 2010 y enero de 2011 ('Los Paisajes americanos de Asher b. Durand. 1796-1886'), Ramon Llull en el Senado, Madrid, en septiembre de 2010 ('Interpretant Ramon Llull, L'amic i l'amat'), Xavier Mascaró en el IVAM (Valencia) entre septiembre y octubre de 2010 (el museo acogerá también dos colecciones de importancia: la Stein y la Rothschild entre finales de año y principios de 2011), Feldmann en Madrid, en el Museo Reina Sofía ('Una exposición de arte. Hans Peter Feldmann', septiembre 2010-febrero 2011) y Davidovich en Bilbao, en Artium ('Bitting the hand that feeds you. Jaime Davidovich', octubre 2010-enero 2011).


Un conjunto que se remata a nivel internacional con artistas de la talla de Muybridge ('Eadweard Muybridge', septiembre 2010-enero 2011), en la Tate Britain (Londres), y 'Gauguin' (septiembre 2010-enero 2011), 'Joan Miró' (abril-septiembre 2011) o Ai Weiwei ('The unilever series: Ai Weiwei', octubre 2010-mayo 2011) en la Tate Modern. Canaletto ('Venice: Canaletto and his rivals', octubre 2010-enero 2011), Gossaert ('Jan Gossaert's Renaissance', febrero-mayo 2011) y Leonardo da Vinci ('Leonardo da Vinci: painter at the court of Milan', noviembre 2011-febrero 2012), presentes en la National Gallery (Londres), suponen la guinda renacentista de un pastel en el que tan sólo falta el siempre excepcional Matisse (ahora y hasta octubre de 2011 en el MoMA de Nueva York).

¿Sabías que Picasso bate récords en Nueva York?

Nada más que 17 semanas han hecho falta para que Picasso, de nuevo, haya reventado marcas: en este caso, en el Metropolitan de Nueva York ( EE.UU. ). El museo, que ha acogido a lo largo de los últimos meses la exposición 'Picasso in The Metropolitan Museum of Art', finalizada este agosto, ha visto cómo por sus salas desfilaban más de 700.000 personas. Un récord de visitantes para un artista en exhibición, que reafirma nuevamente al malagueño como el autor más famoso y valorado de nuestra contemporaneidad.




Un promedio de 6.700 asistentes diarios a la exposición, con unos máximos de 10.000 en fines de semana, ha hecho posible la consecución de una cifra total semejante, que ha posicionado a esta muestra en el séptimo puesto en el ranking de exposiciones realizadas en los últimos cincuenta años en el Met. Unos números que no se veían desde hacía ya quince años, cuando el museo celebró una gran cita basada en los orígenes del impresionismo . En esta ocasión, la institución neoyorquina presentó 300 obras de Picasso procedentes de sus propios fondos, lo que ha supuesto una oportunidad única para ver reunida una de las colecciones del mundo más importantes sobre la obra de este artista, con grandes piezas como Arlequín sentado, Gertrude Stein o Cabeza de mujer.


Una muestra que, dada sus peculiaridades, auguraba una asistencia excepcional que, en palabras del propio director del Museo Metropolitano, Thomas P. Campbell, "es un testimonio no sólo de la popularidad de este artista icónico, sino también de la riqueza y profundidad que el museo otorga a sus obras en materia de exhibición, además de una muestra de la paciente labor de conservación ejercida por el personal profesional del museo a la hora de estudiar y montar una exposición que, como ésta, sucede una sola vez en la vida".



Más información: Met Museum

Egon Schiele's 'Portrait of Wally

Última oportunidad para disfrutar en Estados Unidos de una de las obras más famosas de Egon Schiele antes de que regrese a Austria, tras doce años de litigios. La obra estará expuesta aún durante unos días en el Museo de la Herencia Judía, en Nueva York ( EE.UU. ), gracias al acuerdo establecido entre los dueños originales del cuadro expoliado por los nazis y el Museo Leopold de Viena, propietario de la obra. Una larga historia para un cuadro que arrastra tras de sí una amante y un sin fin de batallas judiciales.


Aunque no está considerada por los críticos como la mejor obra de Schiele, Retrato de Wally es una de las piezas más conocidas del autor: pintada en 1912, en ella se representa a Valerie (Wally) Neuzil, amante y modelo del propio artista de 17 años de edad. Este cuadro arrastra consigo desde los comienzos de su creación la polémica y le valió ya en su época a Schiele un periodo en la cárcel, debido a que la corta edad de su compañera provocaría un rechazo en sus vecinos que azuzó una fama de corruptor de menores por la que acabó siendo arrestado.


Egon Schiele's 'Portrait of Wally

El litigio parece haber sido, así pues, la esencia que acompaña a un cuadro que, a día de hoy, por fin parece haber encontrado un destino final: después de años batallando por demostrar la propiedad ilegal de la obra por parte del Museo Leopold, un acuerdo económico ha calmado a los herederos de la propietaria original, Lea Bondi Jaray, una marchante de arte judía de Viena que fue despojada de su patrimonio por los alemanes durante la II Guerra Mundial. Entre sus propiedades se encontraba la obra de Egon Schiele, que fue a parar a la Galería Nacional de Austria. En un intento de recuperar la pieza, Bondi recurrió al coleccionista Rudolf Leopold, quien logró finalmente comprar el cuadro, que pasó a engrosar la colección del propio Leopold en lugar de ser devuelto a su dueña legítima. Durante más de una década la familia de Bondi ha reclamado una obra maestra que, ahora, y acuerdo millonario extraoficial mediante, permanecerá de forma legal en el Museo Leopold y que, tan sólo por los próximos días, aún podrá ser disfrutada en un museo norteamericano antes de partir rumbo a Europa.



Más información: Museum of Jewish Heritage

Star Trek. Bienvenidos a bordo

La Nave Enterprise ha aterrizado en Valencia ( España ), en la Ciudad de las Artes y las Ciencias, como parte de una exposición que recoge todo el universo trekkie: diversas piezas originales y películas de 'Star Trek' se muestran, por primera vez en Europa, envueltas en una cuidada escenografía. Así, el visitante puede realizar un recorrido por la mítica serie de la mano de maquetas, trajes, personajes y simuladores, e incluso teletransportarse al puente de mando de la famosa nave en una divertida propuesta que aúna cine, ciencia y juego. ¡Bienvenidos a bordo y Larga Vida y Prosperidad!



El Museo de las Ciencias 'Príncipe Felipe' es la sede que acoge esta peculiar muestra en la que se homenajea a uno de los más famosos hitos de la historia de las series de ciencia ficción: Star Trek. Abierta hasta febrero de 2011, la exposición presenta una réplica de parte de la Nave Enterprise y abarca, en palabras del director general de la Ciudad de las Artes y las Ciencias, Pedro García Ribot, "una extraordinaria selección de algunos de los más importantes elementos de los capítulos de la serie, así como de sus películas.

A lo largo del recorrido propuesto podrán observarse más de diez maquetas de naves, dos de ellas de gran tamaño, y alrededor de 20 piezas pertenecientes al vestuario original de esta serie de culto. Un compendio al que se suman algunos de los objetos utilizados tanto en los capítulos como en los largometrajes de Star Trek, una colección de 15 cabezas de personajes y el simulador de transbordador espacial, entre diversos gráficos y audiovisuales destinados a contextualizar al público visitante que, de esta manera, podrá ir adentrándose en las diferentes etapas de creación de una serie mítica y premonitoria, partícipe de un mundo científico e ilusoriamente imaginativo. Así, las diferentes razas -Klingon, Borg, Romulanos, Ferengis, Vulcanos- coexisten con la tecnología y la particular iconografía de este universo de ficción creado por Gene Rodenberry y seguido por miles de personas en todo el mundo que, ahora, recala en Valencia en una propuesta única.



Más información: Ciudad de las Artes y las Ciencias

Keith Haring: los años de experimentación

Veinte años después de su muerte, el Kunsthalle Wien ( Austria ) presenta en una muestra histórica las obras tempranas de Keith Haring, uno de los artistas más icónicos y "populares" del s.XX. Organizada en colaboración con el Contemporary Arts Center ( Cincinnati, EE.UU. ), la exposición comprende las piezas creadas en el periodo correspondiente a la llegada de Haring a Nueva York, ciudad que tan decisiva será para la génesis de su imaginario, su lenguaje como artista y su propia conciencia política, social y vital.


Tras su paso por la Ivy School of Art de Pittsburgh, en su Pennsylvania natal, donde comenzará a experimentar con medios propios de la cultura popular como la serigrafía, Keith Haring recalaría en 1978 en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York, donde continuará aún durante dos años una formación académica previa al descubrimiento del arte callejero, volcándose a partir de este momento en el grafiti, medio que le hizo mundialmente famoso. La exposición que ahora recoge el Kunsthalle Wien explora estos primeros años experimentales de Haring, en los que comienza su carrera como artista público y políticamente involucrado, pasando a engrosar la lista de autores contemporáneos outsiders, como Basquiat o Kenny Scharf, con quienes mantendrá una relación de amistad, junto con buena parte de los más innovadores músicos, artistas de performance y grafiteros del momento.

La muestra presenta ahora algunas de las obras menos expuestas del artista correspondientes a este periodo gestacional, al tiempo que hace hincapié en una faceta que hasta el momento ha recibido escasa atención: Haring como un pensador y "facilitador", responsable de una obra altamente experimental y representativa. Las obras sobre papel y videos ahora expuestos remiten, asimismo, a algunas de las principales influencias de Haring, desde Dubuffet hasta Matisse o los dibujos animados; herencias todas ellas que darán pie a la génesis de la particular iconografía de una obra en la que los límites tratan de disolverse, aunando ritmo, geometría, humor y narrativa.


Así, dibujos, videos, fotografías, grafitis, collages, textos y diarios, entre otros, ofrecen ahora una idea del proceso múltiple del artista en el Kunsthalle Wien, demostrando que Haring fue un precursor en el arte social y político que, a través de la filosofía y diferentes estrategias estéticas, tomó el pulso a la cultura de su tiempo.


Más información: Kunsthalle Wien

De Durero a Morandi. Grabados de la Fundación William Cuendet & Atelier de Saint-Prex

En el s.XV una nueva herramienta vendría a revolucionar el mundo: la imprenta de caracteres móviles. Un sistema que generaría su correspondiente manifestación plástica: el grabado; técnica que, si bien existía con anterioridad, conocerá a partir de esta "invención" su mayor desarrollo, con grandes representantes, como Durero. Ahora, la Obra Social 'La Caixa' presenta en Gijón ( Asturias, España ), en su Centro de Cultura Antiguo Instituto, una muestra que realiza un recorrido por la historia del grabado, desde sus inicios en Europa hasta la actualidad.


Junto con Durero, algunos de los grabadores más famosos de la historia serán también pintores muy reconocidos: así, Rembrandt, Canaletto, Goya o Degas, entre tantos otros, encontrarán en el grabado un medio que se ajustará a sus necesidades expresivas y de experimentación (especialmente cierto en los autores del s.XX). Fundación 'La Caixa', a través de su Obra Social, y dentro de su labor de promoción del arte de colecciones de prestigio, ha organizado, en colaboración con la Fundación Municipal de Cultura del Ayuntamiento de Gijón. una selección de 120 obras de estos autores, procedentes de la colección suiza Fundación William Cuendet & Atelier de Saint-Prex, que ofrece una historia del grabado de la mano de los mayores representantes del arte europeo de los últimos cuatro siglos.

Piranesi, Lorrain, Morandi, Daumier, Henri Fantin-Latour o Eugène Carrière completan una muestra que supone una oportunidad única para adentrarse en el mundo del grabado: sus técnicas, orígenes, usos e iconografías. La muestra se ha dividido en seis grandes apartados, con una finalidad didáctica, que responden a los inicios del grabado en las ediciones de la Biblia, el papel de éste en la transmisión de conocimientos científicos y geográficos, y la progresiva conquista de la subjetividad, que lleva a los artistas a estudiar los efectos de la luz sobre el paisaje o explorar la psicología de los personajes que retratan.

Así, la aproximación a estos grandes del arte se podrá realizar en un entorno contextualizado, en el que la técnica adquiere todo su significado y comprensión al abarcarse sus usos: desde las rudimentarias estampas del s.XV, momento en el que el grabado aún adeudaba su tipología a su función y a los muestrarios iconográficos circulantes, hasta las progresivas imágenes cada vez más refinadas de los siglos posteriores, litográficas en el XIX y masivas y eclécticas del XX. Ejemplos todos ellos de una técnica que ha posibilitado la multiplicación de la imagen por medio de un peculiar sistema que aúna un gran conocimiento técnico y la sensualidad y espiritualidad del arte y el proceso.



Más información: Fundación 'La Caixa'

Jessica Stockholder. Peer Out to See (Atisbar para ver)

El Museo Reina Sofía presenta, en el Palacio de Cristal del Parque de El Retiro ( Madrid, España ), una instalación que altera los límites de la percepción rutinaria para ofrecer al público la oportunidad de acercarse a la realidad de una forma no conocida. Un proyecto, tan conceptual como estético, que se ofrece para los "fines propios" de cada visitante y que, en palabras de la propia autora, se concibe a partir de la máxima de que "el conocimiento de que hemos inventado nuestro mundo no borra la posibilidad de que podamos creer en él".

Catalogada como "una de las escultoras más influyentes de su generación", Jessica Stockholder (1959, Seattle) realiza instalaciones para lugares específicos, en las que se combina lo concreto (materializado en la especificidad de los componentes empleados ) con lo abstracto (de los colores vivos y las ricas texturas). Sus obras, estos trabajos temporales, se convierten en "lugares para la conversación casual, el juego improvisado y lo trivial"; casi espacios de transición donde "deambular y pasar el rato mientras se producen descubrimientos casuales e inesperados"


De este modo, la instalación presente en el Palacio de Cristal se convierte, a través de los diversos elementos que la componen y su rica paleta cromática, en un paréntesis; un lugar en la realidad pero alejado de la realidad, que permite una concentración única de pensamientos, intuiciones y sensaciones. La obra rodea, así, al visitante, permitiendo que éste, por medio de la peculiaridad de los materiales que la conforman, obtenga una percepción de su posición en el mundo. Y, en esta atmósfera vibrante, lo lúdico se convierte en un hilo conductor que ayuda y seduce, deslizándose suavemente los juegos de palabras, visuales y verbales, y las rimas, "de lo literal a lo metafórico y de lo físico a lo figurativo".

Una propuesta que, en esencia, parte de una premisa tan interesante como es la idea de que para poder examinar algo a fondo se hace necesario indagar, probar y escrudiñar, atisbar en suma, antes de poder alcanzar aquello que está más allá de lo que simplemente vemos.



Más información: Museo Reina Sofía

ARTE DEL SIGLO XX

Miralda. De gustibus non disputandum

Retrospectiva del artista catalán que propone "un recorrido por su amplia trayectoria partiendo de un contexto histórico y artístico global"; así, la muestra presenta un periodo que abarca desde los años setenta, en los que el autor produciría sus primeras obras y ceremoniales públicos en París, hasta la actualidad, que recoge tanto sus grandes intervenciones como sus proyectos más recientes. La exposición se compone de instalaciones, montajes fotográficos, proyecciones de películas, esculturas/monumentos, objetos y dibujos preparatorios que conducen al espectador "del espacio privado al público, de lo íntimo a lo monumental y de lo local a lo universal", a partir de la premisa propuesta por el propio título de la muestra (que, en sí misma, ya es una declaración de intenciones).

Retrospectiva del artista catalán que propone "un recorrido por su amplia trayectoria partiendo de un contexto histórico y artístico global"; así, la muestra presenta un periodo que abarca desde los años setenta, en los que el autor produciría sus primeras obras y ceremoniales públicos en París, hasta la actualidad, que recoge tanto sus grandes intervenciones como sus proyectos más recientes. La exposición se compone de instalaciones, montajes fotográficos, proyecciones de películas, esculturas/monumentos, objetos y dibujos preparatorios que conducen al espectador "del espacio privado al público, de lo íntimo a lo monumental y de lo local a lo universal", a partir de la premisa propuesta por el propio título de la muestra (que, en sí misma, ya es una declaración de intenciones).


De este modo, las piezas exhibidas deben comprenderse como "puntos de referencia que jalonan un recorrido por los temas más complejos y vitales de nuestra sociedad": una diversidad para la que Miralda ha desarrollado un iconografía propia, singular y especialmente rica, que se apoya en la percepción y la imaginación. Un autor fuera de esquemas que, ahora, se reúne por primera vez en retrospectiva en un espacio tan alejado de sus habituales espacios de expresión como un museo.


Más información: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Basquiat: la leyenda trágica

El enfant terrible del arte contemporáneo, protegido del icónico Warhol y malogrado por defunción, llega a Basilea en una muestra que conmemora los 50 años que el artista hubiera cumplido en este 2010. La Fundación Beyeler ( Riehen, Suiza ) presenta más de 100 pinturas, obras sobre papel, y objetos de famosos museos y colecciones privadas de todo el mundo pertenecientes a Jean-Michel Basquiat ( 1960-1988 ), en una exposición donde el expresionismo y el pop se hacen eco de una forma de entender la sociedad de consumo aún hoy día completamente moderna.

Tan sólo ocho años fueron necesarios para que Basquiat triunfara con una obra que introduciría un nuevo repertorio figurativo y expresivo en el Arte Contemporáneo . Una carrera que se verá truncada por una muerte prematura por sobredosis que, sin embargo, le introdujo de cabeza, al igual que sucede con todas las promesas fallecidas a temprana edad, en la leyenda y el mito

Ahora, con ocasión del cincuenta aniversario de su nacimiento, la Fundación Beyeler ha organizado la mayor exposición del artista en Europa: alrededor de 100 obras que permitirán redescubrir y ratificar la obra de una de las personalidades más fascinantes del arte del último siglo. Así, desde sus piezas más tempranas hasta sus creaciones monumentales o sus colaboraciones con Warhol, la muestra de Riehen presenta a un autor repleto de vigor y energía creativa, deudor de la pintura rápida de sus comienzos como grafitero, que encontraría en el color y la violencia del trazo los mejores aliados de sus criaturas de extrañas formas.

Sus obras, pobladas por figuras que tanto recuerdan al mundo del cómic, y plenas de figuras de trazos esqueléticos y lemas poéticos, se sitúan en el espectro del espectador, con una injerencia directa y asumible. Una producción cercana que, a partir de los propios elementos de la cultura de masas, desarrollará un lenguaje nuevo en crítica e ironía de la propia sociedad de consumo -como buen arte en línea con el pop- y la injusticia social derivada de su estructura.



Más información: Fondation Beyeler