John James Audubon

John James Audubon, hijo natural de un capitán mercante, Jean Audubon y una sirvienta de una plantación de azucar en Haiti. Su madre Jeanne Rabin murió cuando el tenía apenas un año. Su padre lo crió durante un par de años y luego lo envió a Francia para que lo criara su esposa, una mujer de mediana edad, Anne, que tenía catorce años mas que su marido. Esta mujer crió amorosamente a John y tambien a su media hermana con sus propios hijos.  Tenía 58 años, le proporcionó educación y los alimentó durante toda su niñez. John tenía un enorme respeto por su madrasta.

Cuando era niño le encantaba andar por los bosques, recogiendo cosas de la naturaleza y observar los pájaros

Cuando Jean Jacques (asi se llamaba) cumplió ocho años su padre fue a buscarlo y se lo llevó con el a América. Tenía miedo que el niño fuese reclutado para el ejército de Napoleón y quería llevarselo a un sitio seguro 

Al llegar a America el chico cambió su nombre por John James que le sonaba mas a nombre americano. Su padre había hecho algunos negocios y compró la granja  Mill Grove cerca de Filadelfia

Empezó a dibujar, cambió el uso del pastel por la acuarela. Como autodidacta cometía errores, y volvía a probar, se especializo en pájaros. 

 Conoció a una joven llamada Lucy.  Se casaron y ella fue una constante animadora para el. El decía: "Con ella ¿no soy siempre rico? Tuvieron cuatro hijos. Las dos niñas murieron siendo bebés, pero los dos hijos llegaron a adultos.  Los niños, Victor y  John, se convirtieron en artistas y ayudaron a su padre a pintar los fondos para los pájaros. Tambien publicaron libros
  

Cuando cumplió 35 años hizo un viaje de ocho meses por el  Mississippi para pintar pájaros 

 Lucy, profesora, pudo mantener la familia mientras Audubon perseguía su sueño de publicar un libro de dibujos de  pajaros

Audubon fue la primera persona en anillar aves para su estudio en America.  Les ponía unas ligeras tiras en las patas y podia estudiar sus viajes para anidar, cuando dejaban la zona y volvían a los nidos 

No tuvo mucho exito en ventas en America, asi que se fue a Inglaterra para vender suscripciones.   Los clientes tenían que suscribirse y luego el les enviaba cinco grabados cada vez. Uno grande, otro medio y tres pequeños. Los grabados estaban impreson en platos de cobre y luego pintadas con acuarela a mano. Una suscripción costaba mil dolares, lo que representaba mucho dinero en  la década de 1800 

Mientras estuvo en Inglaterro se vestía de leñador y se dejó el pelo largo.  Trabajaba largas horas y pintaba en publico para que la gente pudiese observar su  trabajo 

Audubon pasó periodos financieros duros. Si Lucy  no hubiera sido una mujer tan independiente, quizas él no habría podido realizar su sueño. Daba clases de arte para poder mantenerse e incluso clases de baile  mientras esperaba que alguien publicase sus dibujos

Al principio de su carrera dejo 200 cuadros de sus pájaros a un amigo. Cuando volvió meses despues, descubrió que un par de ratas habían roto los dibujos para hacer un nido y criar a sus hijos en una caja. Para él fue una tragedia porque había pasado años haciendo esos dibujos. Lo único que podía hacer es volver a empezar. Eso es lo que hizo, mejorandolos, y  a los tres años ya habia llenado la carpeta de nuevo

Otro artista Alexander Wilson,  ya había publicado una colección de grabados AMERICAN ORNITHOLOGY, pero Audubon pensó que el lo podría mejorar  y así fue. Sus cuadros eran mas vivos y a tamaño real. Su colección se llamó BIRDS OF AMERICA.  Esos enormes libros se vendieron por 1.070 dolares en  1826. Alguna gente compraba los libros y luego arrancaban las hojas para venderlas individualmente. Pocos libros quedaron intactos.  En 2003  uno fue vendido por mas de 8.000.000

Luego publicó un gran libro de animales THE VIVIPAROUS QUADRUPEDS OF NORTH AMERICA.  Durante este periodo Audubon sufrió un ataque y se le descubrieron los primeros sintomas de la enfermedad de Alzheimer. Murió cuatro meses antes de cumplir los 66 años. Lucy murió doce años mas e intentó ayudar a las familias de sus dos hijos que tambien habían muerto

This biography by Patsy Stevens, a retired teacher, was written in 2006.

YO SOY TONTA

En una reunión de amigos, gente importante ¡eh!, artistas, empresarios y hasta  un rector de universidad, mi amiga Cris, mirando para mi exclamó "es tonta"- Mi amiga Cris me conoce muy bien, así que para que no hubiera dudas, dejé caer la mandíbula ostensiblemente...Otra amiga que tambien estaba alli y que me conoce desde antes que Cris dijo:" de tonta no tiene nada"- Antes de que hubiera una pelea y no queriendo dejar una impresión equivoca dejé caer más la mandíbula quedandome la boca suficientemente abierta como para que entrase un pájaro.

 Es que creo que casi he logrado lo que he soñado toda la vida ser "una señorita tonta"...son esas cosas que se te ocurren de niña y que te quedan como una meta para siempre- ¿Y por que me viene todo esto ahora a la cabeza? Por dos razones, la primera porque una EX-AMIGA me dijo:"tu eres muy lista" Joer! si fuera lista tendría chalé, barco, Mercedes y todas esas cosas que tienen los listos asi que la metí en la casilla de las EX y la otra razón viene de VIGOBLOG- un anónimo me describió como: "Frívola que no sabe hacer la O con un canuto"...Bueno frívola... yo que sé pero eso de que no sé hacer la O con un canuto tío ¿Tu que sabes?  Te aseguro que con cigarro de tabaco es más fácil, con el canuto lo he intentado y cuesta, cuesta mucho, me mareo...Pero tampoco me voy a meter mucho con ANONIMO porque yo antes  le había llamado CRACK TURIFERARIO

FRIDA KAHLO

FRIDA KAHLO-Pintora Mejicana nacida en Goyocán el 6 de julio de 1907- A los seis años sufrió una poliomelitis que le produjo problemas de movilidad y a consecuencia de un accidente de tranvía quedó incapacitada para tener hijos. Muchos se ha hablado y escrito sobre la "atormentada vida de esta pintora" y es cierto que a lo mejor no atormentada pero si llena de tormentos pues las secuelas del accidente y de la polio le producían tremendos dolores. "Nunca pinto sueños o pesadillas. Pinto mi propia realidad" declaró la artista sobre su obra.

 Se cree que aquella imágen: labios rojos, pobladas cejas, pelo color azabache recogido en un moño adornado con flores, traje tradicional mejicano y joyería exótica- ese "distintivo"  fue creado por Diego Rivera. Diego y Frida se casaron, matrimonio que duró diez años. "Quizá esperen oir de mi lamentos de "lo mucho que se sufre" viviendo con un hombre como Diego. Pero yo no creo que las márgenes de un río sufran por dejarlo correr", comentó la artista. Entiendo que la palabra "fidelidad" como muchos la interpretan no existía en la vida de estos dos personajes por lo tanto descarto muchos interpretaciones de "lo que sufrió Frida por las infidelidades de su marido"

  La pareja vivió en  los Estados Unidos desde  1931 hasta 1934, Frida creó allí una serie de obras "Nunca antes una mujer había puesto semejante atormentada poesía sobre la tela como Frida en esta época de Detroit" expresó Dievo Rivera

"No sé si  mis pinturas son o no surrealistas pero de lo que estoy segura es que son expresión franca de mi ser"- El último año de la vida de la artista fue un verdadero sufrimiento. Tuvieron que amputarle  una pierna por debajo de la rodilla por gangrena y sumandole los terribles dolores que sufría en la espalda le crearon una dependencia al alcohol y un temperamento depresivo..."Espero alegre la salida y espero no volver jamás". Los más allegados creen que se suicidó, Diego Rivera rechazó hacerle la autopsia. El parte de defunción dice:  Goyoacán, 5 de julio de 1907-Ciudad de México, 13 de julio de 1954, fallecida a consecuencia de una embolia pulmonar.

LOS AMORES DE FRIDA

 Cuenta alguna biografía de Frida que en 1935, un año despues del regreso de la pareja de Estados Unidos,  ésta descubre que Diego le está siendo infiel con su propia hermana y que a partir de ahí deciden tener una relación abierta...

 En 1937 llegó a Méjico huyendo de Rusia una de las principales figuras de la revolución Rusa, LEON TROTSKI que se había enfrentado a Stalin. Las gestiones para llevarlo a Mejico las hizo Diego Rivera, gran admirador del lider ruso. 

Frida invitó al matrimonio León Trotski y su mujer Natalia Sedova a quedarse a vivir en su "casa azul" en Ciudad de México-  En 1937 Frida regala a Trotski, con motivo de su cumpleaños,  un autorretrato y éste lo colocó en la pared de su estudio.

 Se cuenta que Frida  se sentía muy atraída por la personalidad, inteligencia  y pensamiento político de su huésped y comenzaron un romance

 

 Trotsky sería asesinado por Ramón Mercader en 1940

En una carta de la pintora dirigida al poeta Carlos Pellicer dice " Hoy conocí a Chavela Vargas, extraordinaria, lesbiana, es más se me antojó eroticamente. No sé si ella sintió lo que yo. Pero creo que es una mujer lo bastante liberal que, si me lo pide, no dudaría un segundo en desnudarme ante ella...Ella, repito, es erótica. Acaso es un regalo que el cielo me envía"

En 1939 durante la Feria Mundial de Arte que se celebró en  San Francisco, Heinz Berggruen fue asignado como ayudante del pintor Diego Rivera, que estaba allí pintando un mural. Diego solo hablaba español y francés y como Heinz hablaba perfectamente francés podía comunicarse con Rivera.

Cuando Diego presentó a su esposa Frida a Heinz Berggruen, éstos se enamoraron inmediatamente y huyeron a Nueva York en un autobus. El romance duró un mes, ella volvió con su marido a Méjico y el amante regresó a Alemania y ahí acabo su historia de amor

 Frida Kahlo y Jaqueline Lambra, pintora y esposa de André Breton, se conocieron en París. Frida le escribió esta carta:

Desde que me escribiste, en aquel día tan claro y lejano, he querido explicarte que no puedo irme de los días, ni regresar a tiempo al otro tiempo. No te he olvidado - las noches son largas y difíciles. El agua. El barco y el muelle y la ida, que te fue haciendo tan chica, desde mis ojos, encarcelados en aquella ventana redonda que tú mirabas para guardarme en tu corazón. Todo eso está intacto. Después vinieron los días, nuevos de ti. Hoy, quisiera que mi sol te tocara. Te digo que tu niña es mi niña, los personajes títeres arreglados en su gran cuarto de vidrio, son de las dos.
Es tuyo el huipil con listones solferinos. Mías las plazas viejas de París,  sobre todas ellas, la maravillosa - Des Vosges tan olvidada y tan firme. Los caracoles y la muñeca-novia, es tuya también - es decir, eres tú -. Su vestido el mismo que no quiso quitarse el día de la boda con nadie, cuando la encontramos casi dormida en el piso sucio de una calle. Mis faldas con olanes de encaje, y la blusa antigua que siempre llevaba hacen el retrato ausente, de una sola persona. Pero el color de tu piel, de tus ojos y tu pelo cambia con el viento de México. Tú también sabes que todo lo que mis ojos ven y que toco conmigo misma, desde todas las direcciones, es Diego. La caricia de las telas, el color del color, los alambres, los nervios, los lápices, las hojas, el polvo, las células, la guerra y el sol, todo lo que se vive en los minutos de los no-relojes y los no-calendarios y las no-miradas vacías, es él. Tú lo sentiste, por eso dejaste que te trajera el barco desde el Havrem donde tú nunca me dijiste adiós.
Te seguiré escribiendo con mis ojos, siempre.
Besa a xxxxxx, la niña…

 

Nickolas Muray era un fotografo húngaro que emigró a los Estados Unidos en 1913. Se estableción en la ciudad de Nueva York y se hizo famoso como autor de retratos. Su círculo de amigos en el mundo del arte abarcaba desde Miguel Covarrubias, Rufino Tamayo, Diego Rivera y  especialmente... Frida Kahlo, con quien intercambió cartas de amor en  1939

" Todo mi ser estará eternamente agradecido por la felicidad que la mitad de ti tan generosamente me ha dado" 




Y ya para acabar con los famosos amores de Frida tenemos a ...

Isamu Noguchi, hijo de un poeta japonés y de una editora y profesora irlandesa-americana
 Frida y Noguchi se conocieron en la escena artística mejicana. Tuvieron un apasionado romance al que puso fin Diego Rivera, pero Kahlo y Noguchi siguieron siendo amigos hasta la muerte de Frida

Y FRIDA DIJO

"Pies para que os quiero si tengo alas para volar"

 "A veces prefiero hablar con obreros y albañiles que con esa gente estúpida que se hace llamar gente culta"

"Pinto autorretratos porque estoy mucho tiempo sola" "Me pinto a mi misma, porque soy a quien mejor conozco"

"Intenté ahogar mis dolores, pero ellos aprendieron a nadar"

"Amurallar el propio sufrimiento es arriesgarte a que te devore desde el interior"

"¿Que haría yo sin lo absurdo y lo fugaz?"

 "Doctor si me deja tomar este tequila le prometo  no beber en mi funeral"

 "Yo solía pensar que era la persona mas extraña en el mundo, pero luego pensé,  hay mucha gente así en el mundo, tiene que haber alguien como yo, que se sienta bizarra y dañada en la misma forma en que yo me siento- Me la imagina, e imagino que ella tamien debe estar por ahí pensando en mi. Bueno, yo espero que si tú estás por ahí y lees esto sepas que, si, es verdad, yo estoy aqui, soy tan extraña como tú"

SERAFIN AVENDAÑO

El tránsito del romanticismo al impresionismo tiene, en el gran paisajista vigués, un ejemplo por completo definidos. Avendaño comienza a pintar muy joven y tiene una formación clásica, de academia, que sin embargo no estropeará su modo personal, alcanzando a edad tan temprana que convendría replantearse si no hay un claro impresionismo español antes de que en 1873 el cuadro titulado ocasionalmente “impresión” de Manet, definiera el gran movimiento luego universal e imperecedero.

Curiosamente, a Avendaño le influye mucho más Italia, donde vive un cuarto de siglo y logra extensa fama, que Francia. Estamos, todavía, en los años en que los españoles sienten la necesidad de ir a Italia, a Roma, para reafirmar su condición de artistas.

Manuel Murguía, tan sutil y adivinador, dice ya cosas muy perspicaces de Avendaño en su obrita “Los percusores” por el erudito publicista sabemos de las inquietudes juveniles del vigués de su estancia en Madrid con otros jóvenes igualmente deseosos de innovaciones. Italia, la luz mediterránea darán a Serafín Avendaño la conciencia de que el paisaje no es naturaleza más luz más naturaleza, dentro de la concepción impresionista a la que, insistimos, se anticipa.

La ejecución de sus obras es minuciosa, a veces preciosista, pero jamás insistida y minimizada. Por el contrario, sorprende su pincelada nerviosa y breve, la capacidad para captar ambientes. Su paleta es alegre aunque finalmente atemperada. En sus carmines, bermellones, rosas, hay siempre esa casi imperceptible envoltura azulada o gris que se funde con amarillos y verdes y que alcanza a los azules atenuados.

El paisajismo de Avendaño, que llegó a crear escuela propia e interesó a famosos coleccionistas y testas coronadas de toda Europa y América, tiene una personalidad propia, únicamente comparable, aunque con muy diferente hacer, al que nos llegó otro gran impresionista español, casi contemporáneo suyo, Aureliano de Beruete, si bien el vigués atendió menos al ensayo y más, mucho más, el resultado final del cuadro como objeto bello y atractivo.

No poseen los museos gallegos la representación de Serafín Avendaño que nuestro gran pintor merece. Y convendría preocuparse cuanto antes de esa deficiencia, porque las obras de vigués están alcanzando elevadísimas cotizaciones e incluso se falsifican ya con harta frecuencia, lo que reitera el interés internacional que por él existe.

Si el paisaje es, en la pintura, un rectángulo con la representación de un fragmento de la naturaleza, más o menos idealizado, los de Serafín Avendaño son todo lo que hubiera querido alcanzar, e indudablemente inició en España, Carlos de Haes.

Hendrick Avercamp

Hendrick Avercamp fue un pintor y dibujante holandés barroco, que nació en Ámsterdam en enero de 1585 y murió el 15 de mayo de 1634 en Kampen, se convirtió en el máximo exponente del paisaje invernal. Hendrick Avercamp era conocido como el mudo de Kampen porque era sordomudo.

Nació en una casa cercana a Nieuwe Kerk (iglesia nueva), pero fue bautizado en la Oude Kerk (iglesia antigua) de Ámsterdam el 27 de enero de 1585, aunque al año siguiente su familia se trasladó a Kampen, donde su padre, Barent Hendricksz Avercamp (c. 1557 - 1603), era el boticario de la ciudad. Su madre, Beatrix Pietersdr Vekemans (1560/62 -1634), la hija de un director de escuela latina donde él enseñaba, y nieta del erudito Petrus Meerhoutanus. El hermano de Hendrick Avercamp, Lambert, siguió los pasos de su padre y se hizo boticario, y otro hermano estudió medicina.

Avercamp parece haber estudiado con Pieter Isaacsz en Ámsterdam, que fue un pintor de escenas históricas, retratista y dibujante con un elegante estilo manierista tardío muy diferente al de Avercamp. Entre sus alumnos también están los pintores de Amberes Adriaen van Nieulandt (1587 - 1658) y Willem van Nieulandt (1584 - 1635). En una venta en1607 antes del regreso de Pieter Isaack a Dinamarca para trabajar cerca de Cristián IV de Dinamarca, los compradores identifican Avercamp como "el mudo de Pieter Isaack".

En 1633 su madre, considerando que su hijo mayor, "mudo y miserable", que está soltero, puede ser incapaz de vivir con su parte de la herencia, estipula que debe recibir toda su vida una suma anual de cien coronas provenientes del capital de la familia.

Las primeras obras de Avercamp están fechadas de 1601. Durante sus años de formación fue influenciado por la pintura paisajista en Ámsterdam practicada por los holandeses seguidores de Pieter Bruegel el Viejo establecidos en dicha ciudad, Gillis van Coninxloo (1544 - 1607) yDavid Vinckboons (1576 - 1633), que por su estilo presumiblemente podría haber sido otro profesor de Avercamp. Los primeros diseños conocidos de Avercamp, en efecto, siguen esta tradición y también recuerdan al estilo de Hans Bol (1534 – 1593). También existen relaciones entre sus primeras obras y las de su compañero de Kampen, Gerrit van der Horst (1581/2 -1629).

Avercamp vuelve a Kampen probablemente en 1613. Los historiadores han desarrollado la hipótesis de un viaje por el Mediterráneo, lo que parece poco probable. Avercamp experimentó una gran popularidad durante su vida. Vendió sus dibujos, muchos coloreados con una mezcla de acuarela y gouache, utilizando una técnica ya utilizada por Pieter Bruegel el Viejo, como imágenes para pegar en álbumes de colección.

En Kampen vivió y trabajó hasta su muerte en 1634, y fue enterrado en la iglesia de San Nicolásde dicha ciudad el 15 de mayo de dicho año

Avercamp es uno de los grandes pintores de la escuela holandesa del siglo XVII, especialista como ningún otro en paisajes o escenas de invierno, cerca de Kampen y el río Ijsel. Los cuadros son vivos y coloridos de Avercamp, sobre formatos reducidos y de todas las anchuras, con muchos personajes de todas las clases bien representados, en sus diversiones o sus trabajos diarios. Por sus evocaciones de los efectos sutiles de la luz invernal y la minucia de sus representaciones, Avercamp está considerado como un gran observador, a pesar de que probablemente nunca, o muy rara vez, estuvo en los lugares que se consideran estrictamente una reproducción realidad.

Pintó principalmente escenas de invierno realizando muchas acuarelas con esas escenas además de otras que incluían pescadores y campesinos: un gran número de estas acuarelas se encuentra en la Colección Real.

Sus primeras obras muestran su interés por los detalles narrativos dentro del gusto de Pieter Brueghel el Viejo, el creador, en la tradición de los calendarios de ilustrados, del género particular del paisajismo invernal. Avercamp tuvo que ver en Ámsterdam el “Paisaje invernal con patinadores y trampas para aves” de Brueghel el Viejo (1565, hoy en los Museos reales de Bellas Artes de Bélgica) o alguna de sus copias hecha en el taller de Pieter Brueghel el Joven. Así reunió con frecuencia dispersados entre la multitud de paseantes, patinadores y jugadores de golf representados, algunos elementos triviales familiares a la tradición flamenca como son los hombres en realizando sus necesidades, mujeres que caen en una posición impúdica, parejas abrazadas. Existen igualmente en las pinturas de Avercamp semejanzas entre los elementos característicos de la técnica de Pieter Brueghel el Viejo, la perspectiva a vista de pájaro y los altos horizontes, aves que decoraran las ramas de los árboles desnudos y muy grandes, ritmos de la progresión espacial desde los primeros planos, el esparcimiento del color en la composición. También posee un refinado sentido del color, exponiendo cuidadosamente rosas, rojos, blancos y negros con toques de amarillo y verde para crear efectos sutiles y delicados.

Hay pinturas de Avercamp fechadas a partir de 1608 hasta 1632, pero muestran un desarrollo relativamente escaso de su estilo: las primeras son más pinturas ‘aflamencadas’, es decir, más cerca al estilo de Brueghel y sus seguidores, pero una vez que lo dominó con éxito Avercamp vio poca necesidad a cambiarlo sustancialmente.

También es probable que Avercamp se inspirara, en la forma de granjas y graneros, en una serie de aguafuertes de Jerome Cock (1507-1570) publicado en Amberes en 1559 y1561 sobre la base de diseños del Maestro de los Pequeños Paisajes, reeditado por Theodor Galle en Amberes en 1601 y por Claes Jansz Visscher (sobre 1550 - 1681) enÁmsterdam en 1612. También tuvo que ver las escenas dibujadas por Visscher que ilustraban los bordes de los mapas de Holanda publicados en 1608 por Willem Jansz. Blaeu(1571 - 1638) y en 1610 por Pieter van den Keer en Ámsterdam.

Los buques atrapados en el hielo, fábricas, granjas y graneros, cervecerías, castillos (el pintor fue el primero en integrar el motivo flamenco en sus composiciones), casas e iglesias, son los elementos que aparecen regularmente en las pinturas Avercamp. Muchos de ellos están realizados en paneles y tablas redondas. Avercamp fue tal vez el primer artista holandés que adoptó, probablemente antes de 1610, esta innovación, popular en el siglo XVI en Flandes.

En su madurez, mientras que el horizonte de sus pinturas se reduce desde 1609 y los árboles desaparecen para dejar paso a las casas que rodean el espacio de sus pinturas, Avercamp presta mayor atención a la evocación de la luz invernal, dorada o rosácea, filtrada a través de las nieblas que disuelven los extremos. Su contribución se considera esencial en el desarrollo de la pintura paisajista holandésa.

Avercamp realizó numerosos dibujos de figuras y paisajes que a menudo le sirvieron como estudios preparatorios. El pintor Jan van de Cappelle (1619-1679) tenía en su colección en el momento de su muerte, de novecientos dibujos de Avercamp.

Barent Avercamp (Kampen, 1612-1672 ó 1679), fue sobrino y alumno de Hendrick Avercamp, trabajó con el mismo estilo que él, sobre temas también similares, pero con menos espíritu. Arent Arentsz apodado Cabel (1585/6 - 1635) y Dirck Hardenstein II (1620 - después de 1674) son algunos de sus otros seguidores, como también lo fueron Adam van Breen (sobre 1585 - 1642/8), Esayas van de Velde (sobre 1590 - 1630), Aernout van der Neer(1603/4 - 1677) y Christoffel Van Berghe (sobre 1590 - 1645).

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