El artista noruego Frits Thaulow nacido en Oslo en 1847, era hijo de un químico acomodado. Asistió a clases en la Academia de Arte de Copenhague de 1870 a 1872. También fue instruido durante dos inviernos por Hans Gude, uno de los principales paisajistas de Noruega, en Karlsruhe, Alemania. Vivió en París durante cuatro años a partir de 1875. Pasó parte de 1879 en Dinamarca adquiriendo conocimientos de pintores escandinavos antes de regresar a casa. A su regreso a Noruega en 1880 ya era reconocido como líder de la comunidad artística de Noruega.
El período de 1880 a 1892, coincidiendo con el regreso de Thaulow a Noruega, fue un período de tiempo fundamental para el arte noruego. Durante estos años, la forma de arte realista fue aceptada en su tierra natal. Gran parte de esto se basó en lo que había aprendido durante su residencia en París. Esto le permitió a Thaulow combinar sus impresiones muy personales del paisaje de Noruega para crear una nueva forma de paisaje impresionista.
Sus interpretaciones de los jardines públicos y las áreas circundantes de Oslo fueron ampliamente elogiadas. Uno de sus temas favoritos fue el de los esquiadores en las pistas invernales de Oslo. Muchas de sus creaciones representan Asgardstrand, una ciudad a 100 kilómetros al sur de Oslo. Sus obras que utilizan óleos y pasteles en la década de 1890 contribuyeron a la naturaleza poética de ese período de tiempo.
Thaulow se mudó a Francia en 1892, donde produjo aproximadamente 50 pinturas por año mientras residía allí. Muchas de estas pinturas se exhibieron en las Galerías Georges Petit y Cie en París. Se hizo amigo de personas como Rodin y Monet. Después de su fallecimiento en 1906, las pertenencias de su estudio fueron subastadas un año después en París.
El arte bizantino fue un período significativo en la historia del arte occidental. Conocido por sus mosaicos y su deslumbrante uso del oro, este estilo está profundamente entrelazado con el auge del cristianismo en Europa.
El arte bizantino surgió después de que el emperador Constantino I declarase tolerancia al cristianismo en el antiguo imperio romano. En 330, trasladó la capital de Roma a Bizancio, que pasó a llamarse Constantinopla (la actual Estambul) en su honor. Luego, los artesanos romanos fueron trasladados a la ciudad para decorar las iglesias cristianas en una variación de la antigua tradición romana del mosaico. El estilo floreció durante cientos de años y se extendió por Turquía, Italia y España. El arte bizantino continuó en el siglo XV hasta que Constantinopla cayó ante el imperio otomano en 1453.
Este brillante estilo de arte medieval tuvo efectos duraderos en la historia del arte occidental, inspirando a artistas incluso cientos de años después, como el pintor El Greco. Todavía se pueden ver algunos de sus mosaicos más famosos en Hagia Sophia y en partes de Italia.
La historia de la pintura romana es esencialmente la historia de las pinturas murales sobre yeso. Aunque las referencias literarias antiguas nos informan de pinturas romanas sobre madera, marfil y otros materiales, las obras que han sobrevivido se encuentran en el medio duradero del fresco que se utilizó para adornar los interiores de las casas particulares en las ciudades romanas y en el campo.
La mayoría de los frescos romanos se encontraron en Campania, en la región alrededor de la bahía de Nápoles. El Monte Vesubio entró en erupción y las ciudades de Pompeya y Herculano, y residencias privadas en las inmediaciones quedaron enterradas.
Como sucede a menudo en la arqueología, un desastre sirvió para congelar un momento en el pasado, lo que permitió a las excavadoras ahondar en la vida de los antiguos habitantes de esta región. Los frescos de las villas proporcionan un registro sin precedentes de la vida de los romanos ricos durante este período
Los historiadores del arte y los arqueólogos describen el desarrollo de la pintura romana en cuatro estilos. El primer estilo (ca. 200-60 aC) fue en gran medida una exploración de la simulación de mármol de varios colores y tipos de yeso pintado.Los artistas de la época se basaron en ejemplos de principios helenísticos.
El declive del Primer Estilo coincidió con la colonización romana de Pompeya en el 80 a. C., que transformó lo que había sido esencialmente una ciudad itálica con influencias griegas en una ciudad romana. Más allá de la simple representación de más costosos materiales de construcción, los artistas comenzaron a tomar prestado del repertorio de figuras de la pared pintura helenística, que representa a dioses , mortales y héroes en diversos contextos
Bajo el emperador Augusto en la segunda mitad del siglo I a. C., hubo un nuevo impulso de innovar, en lugar de recrear, en arquitectura, escultura y pintura.
El tercer estilo (ca. 20 a. C. - 20 d. C.), que coincidió con el reinado de Augusto, rechazó la ilusión en favor de la ornamentación de la superficie. Las pinturas murales de este período generalmente comprenden un solo fondo monocromático, como rojo, negro o blanco, con elaborados detalles arquitectónicos y vegetales. Pequeñas escenas de figuras y paisajes aparecen en el centro de la pared como parte del esquema decorativo general, no como el elemento dominante.
Caracterizado como una reacción barroca al manierismo del tercer estilo, el cuarto estilo en la pintura mural romana (ca. 20-79 d. C.) es generalmente menos disciplinado que su predecesor. Revive la pintura narrativa a gran escala y las vistas panorámicas, al tiempo que conserva los detalles arquitectónicos del tercer estilo.
Algunas de las mejores pruebas de las técnicas de la pintura mural romana se encuentran en Historia natural de Plinio y en el manual De Architectura de Vitruvio . Vitruvio describe los elaborados métodos empleados por los pintores de paredes, incluida la inserción de láminas de plomo en la pared para evitar que la acción capilar de la humedad ataque el fresco, la preparación de hasta siete capas de yeso en la pared y el uso de polvo de mármol en las capas superiores para producir un brillo similar a un espejo en la superficie. Dibujos preliminares o incisiones ligeras en la superficie preparada guiaron a los artistas a decorar las paredes con un fresco (sobre yeso fresco) con colores primarios llamativos. Los colores pastel más suaves a menudo se agregaban (sobre yeso seco) en una fase posterior. Vitruvio también nos informa sobre los pigmentos utilizados por el artista romano. El negro se extrajo del carbón creado al quemar matorrales o astillas de pino. El ocre se extrajo de las minas y se sirvió para el amarillo. El rojo se deriva del cinabrio, del ocre rojo o del plomo blanco calentado. El azul se hizo mezclando arena y cobre y luego horneando la mezcla. El tono más profundo de púrpura era, con mucho, el color más precioso, ya que generalmente se obtenía de los buccinos marinos.
Department of Greek and Roman Art. “Roman Painting.” In Heilbrunn Timeline of Art History. New York: The Metropolitan Museum of Art, 2000–. http://www.metmuseum.org/toah/hd/ropt/hd_ropt.htm (October 2004)
En su sentido específico, el realismo se refiere a un movimiento artístico de mediados del siglo XIX caracterizado por temas pintados de la vida cotidiana de manera naturalista; sin embargo, el término también se usa generalmente para describir obras de arte pintadas de una manera realista casi fotográfica
Hasta el siglo XIX, el arte occidental estuvo dominado por la teoría académica de la pintura histórica y el arte superior (a lo grande). Las convenciones artísticas gobernaron el estilo y el tema, lo que resultó en obras de arte que a menudo parecían artificiales y alejadas de la vida real.
Entonces, el desarrollo del naturalismo comenzó a ir de la mano con un énfasis creciente en el realismo del sujeto, es decir, sujetos fuera de la alta tradición artística.
El término realismo fue acuñado por el novelista francés Champfleury en la década de 1840 y en el arte se ejemplificó en la obra de su amigo el pintor Gustav Courbet. En la práctica, la temática realista significó escenas de la vida campesina y obrera, la vida de las calles de la ciudad, cafés y entretenimientos populares, y una franqueza creciente en el tratamiento del cuerpo y los temas sexuales. El término generalmente implica cierta dureza en la elección del tema. Tal tema combinado con el nuevo naturalismo del tratamiento causó conmoción entre las audiencias predominantemente de clase alta y media por el arte.
(Filadelfia, Pennsylvania, 1 de mayo de 1855 – 7 de septiembre de 1942) fue una retratista de sociedad estadounidense, del tipo de John Singer Sargent. Sus amables representaciones de la aristocracia estadounidense hicieron de ella una de las más exitosas retratistas de su época.´
Era la hija menor de un fabricante de seda llamado Jean Adolphe Beaux y de la maestra e institutriz Cecilia Kent Leavitt, quien murió no mucho después de parir. Beaux y su hermana Etta fueron por tanto criadas por su abuela y tías maternas. A los dieciséis años de edad, Beaux comenzó a recibir lecciones de arte con una pariente, Catharine Ann Drinker, luego estudió durante dos años con el pintor Francis Adolf Van der Wielen. A los dieciocho años de edad estaba enseñanzo en la Escuela de la señorita Sanford, dando clases de arte rpivadas, y produciendo arte decorativo y pequeños retratos.
También desarrolló habilidades como ilustradora científica, creando dibujos de fósiles para Edward D. Cope. Beaux acudió a la Academia de Bellas Artes de Pennsylvania y estudió con William Sartain hasta principios de la década de los años 1880, cuando pintó Les derniers jours d'enfance, un retrato de su hermana y sobrino cuya composición revelaba su deuda con James McNeill Whistler. Su éxito, primero cuando se expuso en Nueva York y Filadelfia, seguido de su entrada en el Salón de París de 1887, animó a Beaux a estudiar en París. Allí estuvo formándose en la Academia Julian y la Academia Colarossi, estudiando con los pintores Tony Robert-Fleury y William-Adolphe Bouguereau. En el verano de 1888 trabajó en Concarneau con los pintores estadounidenses Alexander Harrison y Charles Lasar, tiempo en el que ella expresó su decisión de convertirse en pintora de retratos.
Al volver a Estados Unidos en 1889, Beaux procedió a pintar retratos en el gran estilo, tomando como protagonisyas a miembros de la familia de su hermana, así como a la élite de Filadelfia. En 1890 mostró cuadros en la Exposición de París, obteniendo en 1893 la medalla de oro del Philadelphia Art Club, y también el premio Dodge en la Academia Nacional de Dibujo de Nueva York. En 1895 Beaux se convirtió en la primera mujer que tuvo una posición académica regular en la Academia de Pennsylvania, donde enseñaba dibujo y pintura de retrato durante los siguientes veinte años. Obtuvo la Medalla Logan de las Artes en el Instituto de Arte de Chicago, y se convirtió en miembro de la Academia Nacional en 1902.
Para el año 1900 la demanda de obras de Beaux atrajo a clientes de Washington, D.C. a Boston, lo que hizo que la artista se trasladara a la ciudad de Nueva York; allí fue donde pasó los inviernos, mientras veraneaba en Green Alley, la casa y estudio que hizo construir en Gloucester, Massachusetts. Entre sus retratos están los de Georges Clemenceau; Edith Roosevelt y su hija; y el almirante Sir David Beatty.
Sus retratos Fanny Travis Cochran, Dorothea y Francesca, y Ernesta y su hermanito, son buenos ejemplos de su habilidad a la hora de pintar niños. Ernesta con su aya, una de una serie de ensayos de un blanco luminoso, fue una composición muy original, aparentemente sin precedente. Sita y Sarita le logró la alabanza de los críticos en Estados Unidos y Francia, y con el tiempo entró a formar parte de la colección del Museo de Orsay.
Beaux quedó inválida después de romperse la cadera mientras paseaba por París en 1924, y de allí en adelante pintó poco. En 1930 publicó una autobiografía, Background with Figures («Fondo con figuras»). Su vida posterior estuvo llena de honores. En 1930 fue elegida miembro del Instituto Nacional de las Artes y las Letras; en 1933 se convirtió en miembro de la Academia Estadounidense de las Artes y las Letras, que dos años más tarde organizaron la primera gran retrospectiva de su obra. También en 1933 Eleanor Roosevelt honró a Beaux como «la mujer estadounidense que hizo la mayor contribución a la cultura mundial». En 1942 el Instituto Nacional de las Artes y las Letras le otorgó la medalla de oro por los logros de toda una vida.
Cecilia Beaux murió en Green Valley a la edad de 87 años, y fue enterrada en Bala-Cynwyd, Pennsylvania.
"Pintar é um exercício de grande verdade comigo mesma e com o mundo"
"A minha aldeia está presente em tudo o que faço"
"Não abri as portas docemente, tive que as empurrar"
Nace en 1948 en Vieiro, Tras-os-Montes, en el nordeste de Portugal. En 1957-58 vive en Mozambique. Regresa a vieiro al año siguiente. En 1961 ingresa en el colegio Vila Flor y comienza a pintar. En 1967 ingresa en la Escuela Superior de Bellas Artes de Oporto. En 1970 viaja a Londres, Amsterdam, Roterdam y París y queda deslumbrada por Rembrant, Van Gogh y descubre la obra de Francis Bacon.
En 1971 se casa con el pintor Jaime Silva y comienza a dar clases de pintura en la Escuela de Artes Decorativas Soares dos Reis en Oporto. Desde 1972 hasta 1974 reside en Guimaraes, donde da clases de Educación visual y realiza su primera exposición en el Museo Alberto Sampaio. En 1975 participa en la II encuentros internacionales de Arte en Viana do Castelo.
Entre 1976-78, funda con otros ocho artistas el Grupo Puzzle, con el cual, durante ocho años, presenta numerosas exposiciones dentro y fuera de Portugal. En 1977 viaja a París con una beca de la fundación Calouste Gulbenkian. Conoce a Arroyo y a Rancillac y profundiza en el estudio de la obra de Picasso, Matisse y Cezanne. Al año siguiente hace una exposición individual "A Caça" en el centro Cultural Portugués en París. Regresa a Portugal en 1979 y se establece en Lisboa. En 1981 regresa a Vieiro acompañada de su hija Joana y durante dos años pinta y dibuja intensamente.
En 1982 visita Westkunst, Kassel y la Bienal de Venecia y participa en la exposición "Dessin Contemporain Portugais" en Bona, Osnabruck y Lausanne. Al año siguiente regresa a Vieiro y comienza una relación profesional con Manuel Brito, realizando una exposicion en la Galería 111 de Lisboa . En 1984, en un taller improvisado, en Lisboa, realiza 20 0bras sobre lienzo que serían expuestas en el Museo de Arte Moderno de S. Paulo en Brasil y al año siguiente expone "Mapas e o Espirito da Oliveira" en el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro.
Se separa de Jaime Silva en 1985 y expone "erotismo e Morte" en la Universidad de Granada. Participa en "Feminie 85", expone en la casa de la UNESCO en París y expone en el World Trade Center en Nueva York. Al año siguiente visita Italia y participa en las exposiciones "Kunstler aus Nordportugal" en Alemania y en Luxemburgo, en Arco, en la XII Bienal de Pontevedra y expone en Southampton.
En 1987 ilustra un libro de José Saramago y expone en Portugal, Francia, Brasil y Estados Unidos
En 1988 se va a Cabo Verde. Expone en 1990 en Macau y participa en la exposición "A survey of Portuguese Art" en Nueva York-
En 1991 recibe el premio SOCTIP y al año siguiente expone en Washington y visita Japón...
Hasta el momento- porque la biografía se va a hacer muy larga- ha expuesto en todo el mundo, es miembro de la Academia Nacional de Bellas Artes, de diversas fundaciones culturales y ha recibido numerosos premios
Maria Aurélia Martins de Sousa nació el 13 de junio de 1866 en la ciudad de Valparaíso, Chile, hija de un emigrante portugués. Con tan solo tres años llegó a Portugal con su familia, que se instaló en la Quinta da China, una propiedad a orillas del río Duero en Oporto.
Su formación artística comenzó con lecciones privadas de dibujo y pintura de Caetano Moreira da Costa Lima. Ya tenía 27 años cuando se matriculó en la Academia Portuense de Bellas-Artes, a la que asistió entre 1893 y 1898. En 1899 se fue a París, con el apoyo económico de su familia. Allí permaneció unos tres años, asistiendo a cursos impartidos por Jean-Paul Laurens y Benjamin Constant en la Acádèmie Julien. Antes de regresar a Portugal viajó por varios países europeos en compañía de su hermana Sofía, también pintora, que se había unido a Aurélia en París.
Una vez de regreso en Oporto, a pesar de su participación regular en exposiciones colectivas, desarrolló una carrera reservada, algo apartada de los círculos artísticos de la ciudad. Su producción artística se basa en una estrecha gama de temas que trabajó a lo largo de su carrera; el retrato, el paisaje y las escenas íntimas de la vida doméstica. Además de su propio rostro, buscó los motivos de sus cuadros en el universo familiar, fuente inagotable de inspiración: personas, rincones de la casa, aspectos del jardín, paisaje con el río como telón de fondo.
Uno de los referentes del arte portugués del cambio de siglo, el “Autorretrato” de la colección del Museu Nacional de Soares dos Reis, fue pintado por Aurélia de Sousa hacia 1900.
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