(c.1528-c.1587) Caterina van Hemessen nació en 1528 en Antwerp, Flandes. Era hija de un pintor manierista muy conocido, Jan Sanders van Hemessen. Su padre le enseñó a pintar y ella colaboró con el en alguno de sus trabajos. Van Hemessen pintaba retratos de hombres y mujeres ricas de su época. Estas obras son a menudo pequeñas y representan personas con un fondo oscuro. Muchos de estos cuadros estan colgados en el Rijkmuseum en Amsterdam y en la National Gallery en Londres. Van Hemessen tuvo mucho éxito como pintora y la reina Mary de Hungría, Regente de los Paises Bajos, fue su principal valedora. En 1554, Caterina se casó con Chrétien de Morien, el organista de la catedral de Antwerp. Dos años mas tarde, cuando la Reina Mary cesó en la Regencia y volvió a España, Caterina y su marido fueron invitados a venirse a España. SE quedaron en España hasta 1558, pero volvieron a Antwerp cuando la Reina murió. La reina Mary le mostro su aprecio dejandole fondos para que pudiera vivir comodamente el resto de su vida.
Leopoldo Abadía (autor de "La crisis Ninja") dice en su artículo:
Me escribe un amigo diciendo que está muy preocupado por el futuro de sus nietos. Que no sabe qué hacer: si dejarles herencia para que estudien o gastarse el dinero con su mujer y que "Dios les coja confesados".
Lo de que Dios les coja confesados es un buen deseo, pero me parece que no tiene que ver con su preocupación. En muchas conferencias, se levanta una señora (esto es pregunta de señoras) y dice esa frase que me a mí me hace tanta gracia: "¿qué mundo les vamos a dejar a nuestros hijos?". Ahora, como me ven mayor y ven que mis hijos ya están crecidos y que se manejan bien por el mundo, me suelen decir "¿qué mundo les vamos a dejar a nuestros nietos?"
Yo suelo tener una contestación, de la que cada vez estoy más convencido:"¡y a mí, ¿qué me importa?!"Quizá suena un poco mal, pero es que, realmente, me importa muy poco.
Yo era hijo único. Ahora, cuando me reuno con los otros 64 miembros de mi familia directa, pienso lo que dirían mis padres, si me vieran, porque de 1 a 65 hay mucha gente. Por lo menos, 64.
Mis padres fueron un modelo para mí. Se preocuparon mucho por mis cosas, me animaron a estudiar fuera de casa (cosa fundamental, de la que hablaré otro día, que te ayuda a quitarte la boina y a descubrir que hay otros mundos fuera de tu pueblo, de tu calle y de tu piso), se volcaron para que fuera feliz. Y me exigieron mucho.
Pero ¿qué mundo me dejaron? Pues mirad, me dejaron:
1. La guerra civil española 2. La segunda guerra mundial 3. Las dos bombas atómicas 4. Corea 5. Vietnam 6. Los Balcanes 7. Afganistán 8. Irak 9. Internet 10. La globalización
Y no sigo, porque ésta es la lista que me ha salido de un tirón, sin pensar. Si pienso un poco, escribo un libro. ¿Vosotros creéis que mis padres pensaban en el mundo que me iban a dejar? ¡Si no se lo podían imaginar!
Lo que sí hicieron fue algo que nunca les agradeceré bastante: intentar darme una muy buena formación. Si no la adquirí, fue culpa mía. Eso es lo que yo quiero dejar a mis hijos, porque si me pongo a pensar en lo que va a pasar en el futuro, me entrará la depre y además, no servirá para nada, porque no les ayudaré en lo más mínimo.
A mí me gustaría que mis hijos y los hijos de ese señor que me ha escrito y los tuyos y los de los demás, fuesen gente responsable, sana, de mirada limpia, honrados, no murmuradores, sinceros, leales,.Lo que por ahí se llama "buena gente".
Porque si son buena gente harán un mundo bueno. Y harán negocios sanos. Y, si son capitalistas, demostrarán con sus hechos que el capitalismo es sano. (Si son mala gente, demostrarán con sus hechos que el capitalismo es sano, pero que ellos son unos sinvergüenzas.) Por tanto, menos preocuparse por los hijos y más darles una buena formación: que sepan distinguir el bien del mal, que no digan que todo vale, que piensen en los demás, que sean generosos. En estos puntos suspensivos podéis poner todas las cosas buenas que se os ocurran.
Al acabar una conferencia la semana pasada, se me acercó una señora joven con dos hijos pequeños. Como también aquel día me habían preguntado lo del mundo que les vamos a dejar a nuestros hijos, ella me dijo que le preocupaba mucho más qué hijos íbamos a dejar a este mundo.
A la señora joven le sobraba sabiduría, y me hizo pensar. Y volví a darme cuenta de la importancia de los padres. Porque es fácil eso de pensar en el mundo, en el futuro, en lo mal que está todo, pero mientras los padres no se den cuenta de que los hijos son cosa suya y de que si salen bien, la responsabilidad es un 97% suya y si salen mal, también, no arreglaremos las cosas.
Y el Gobierno y las Autonomías se agotarán haciendo Planes de Educación, quitando la asignatura de Filosofía y volviéndola a poner, añadiendo la asignatura de Historia de mi pueblo (por aquello de pensar en grande) o quitándola, diciendo que hay que saber inglés y todas estas cosas. Pero lo fundamental es lo otro: los padres. Ya sé que todos tienen mucho trabajo, que las cosas ya no son como antes, que el padre y la madre llegan cansados a casa, que mientras llegan, los hijos ven la tele basura, que lo de la libertad es lo que se lleva, que la autoridad de los padres es cosa del siglo pasado. Lo sé todo. TODO. Pero no vaya a ser que como lo sabemos todo, no hagamos NADA.
P.S. 1. No he hablado de los nietos, porque para eso tienen a sus padres. 2. Yo, con mis nietos, a merendar y a decir tonterías y a reírnos, y a contarles las notas que sacaba su padre cuando era pequeño. 3. Y así, además de divertirme, quizá también ayudo a formarles.
Marietta Robusti, a veces conocida como Tintoretta (Venecia, c. 1554 - Venecia, 1590), fue una pintora italiana, hija del celebérrimo Jacopo Tintoretto. Aprendió a pintar en el taller de su padre. Carlo Ridolfi, en su Vitta di Tintoretto (1642) nos cuenta que seguía a su progenitor a todas partes vestida de muchacho. Siendo la preferida de éste, la caso con un orfebre y joyero local, Mario Augusta, para mantenerla cerca de sí. Ridolfi es la única referencia bibliográfica contemporánea que nos cuenta algún detalle de su vida.
Víctima de su época, Marietta nunca recibió ningún encargo público que le permitiera demostrar su valía como artista. Se especializó en pinturas de pequeño formato, principalmente retratos, de uso privado. Muy pocas obras pueden serle atribuídas con seguridad, tal vez sólo el Autorretrato conservado en los Uffizi. En el Museo del Prado se conservan tres retratos de dama, uno de los cuales podría ser un autorretrato. En la Gemäldegalerie de Dresde tenemos la que podría ser su única obra firmada ‹MR›, el Retrato de Dos Hombres.
Algunas pequeñas obras religiosas podrían serle atribuídas: dos Virgen con el niño, ambas en el Museo de Cleveland. También tenemos rastros de una importante colaboración en obras firmadas por su padre, la más evidente sería Santa Inés resucitando a Licinio (Santa Maria dell'Orto, Venecia, 1578-79). En la Colección Rassini de Milán se guardan dos diseños probablemente ejecutados en el taller de Tintoretto.
Según Ridolfi, parece que su talento como artista llamó la atención de soberanos como Maximiliano II de Austria o Felipe II de España, que reclamaron sus servicios como pintora de cámara. Sin embargo, el profundo amor que su padre le tenía, que le llevaba a no querer separarse jamás de ella, impidieron la realización de estos proyectos. Posible Autorretrato, Museo del Prado.
Marietta murió por causas desconocidas en 1590, y fue enterrada en la iglesia veneciana de Santa Maria dell'Orto.
Fede Galizia ( Milán, 1578 - 1630) fue una pintora italiana del barroco, pionera del género del bodegón.
Fede Gallizi, mejor conocida como Galizia, nació en Milán en 1578. Su padre, Nunzio Galizia, quien se mudó a Milán desde Trento fue un pintor de miniaturas . De él aprendió Fede a pintar , y se dice que a la edad de doce años era suficientemente considerada artista como para ser mencionada por Giovanni Paolo Lomazzo, pintor y teórico del arte amigo de su padre, de la siguiente forma: «Esta joven se ha dedicado a imitar a nuestros más extraordinarios artistas».
Cuando Fede estuvo preparada y establecida como pintora de retratos, comenzó a recibir muchos encargos. Posiblemente por influencia de su padre como miniaturista, tuvo tendencia al detalle en sus pinturas. Su tratamiento de las joyas y la vestimenta la convirtieron en una retratista muy buscada. También se dedicó a la pintura religiosa y profana, por ejemplo varias versiones de Judith y Holofernes como la del Museo Ringling de Florida. También pintó miniaturas y retablos para conventos.
El estilo de sus retratos deriva de las tradiciones naturalísticas del Renacimiento italiano, con una aproximación muy realística. El estilo de retrato de Fede Galizia resulta muy evidente en su Retrato de Paolo Morgia, un estudioso jesuita que fue uno de sus primeros mecenas. Morgia era escritor e historiador y quedó muy satisfecho con el trabajo de Fede, en el que lo retrata mientras escribe un poema sobre las obras de la artista.
Fede Galizia recibió además varios encargos públicos para iglesias, como por ejemplo el retablo que pintó para el altar de Santa María Magdalena en Milán (1616).
Cuando no pintaba retratos, la artista se interesó primordialmente en pintar bodegones, un género en el que fue pionera y alcanzó excelentes resultados. Aunque pocas fuentes mencionan este tipo de obras, representan la mayoría de su autoría que se conservan: se han catalogado sesenta y tres trabajos de Galizia, de los que cuarenta y tres son bodegones. Uno de ellos, de 1602 está considerado el primer bodegón firmado por un artista italiano, probando su compromiso con este -en aquella época- nuevo estilo de pintura.
Fede nunca contrajo matrimonio, y se dice que vivió una vida feliz con éxito en su carrera artística. Murió en Milán en 1630.
Fede Galizia pintó retratos, miniaturas y retablos, pero su obra más importante -por la que ganó un lugar en la historia del arte- son sus bodegones. Aunque sus pinturas no ganaron el merecido reconocimiento hasta bien entrado el siglo XX, a través de estudios efctuados entre 1963 y 1989, su obra fue rescatada del olvido.
Su obra muestra un estilo emparentado con el manierismo lombardo de fines del siglo XVI, basado en Mantua y reconocido internacionalmente y especialmente en Francia. Los bodegones de Galizia están entre los primeros ejemplos de pintura en un género en el que una mujer, en parte por estar excluida de otros tipos de obras, alcanzó la excelencia.
Sus bodegones son extremadamente detallados y muy diferentes de los trabajos de su padre: usó colores más vibrantes y detallados. Casi todos sus trabajos de este género incluyen bandejas de frutas, con un tratamiento bien proporcionado que por lo general muestran un mismo tipo de fruta en una canasta o bandeja, con unas pocas caídas alrededor. Algunas incluyen flores frescas u otras especies como forma de marcar un contraste relevante de forma y color, por ejemplo en su Bodegón con duraznos y una porcelana y un cuenco. La obra de Fede Galizia muestra la influencia de Canasta de frutas de Caravaggio. No exploró las composiciones y formas más esplendorosas usadas por muchos contemporáneos, prefiriendo en su lugar un estilo estrictamente simple como el de Francisco de Zurbarán.
Sus pinturas están plenas de talles, perfectamente balanceadas, y su tratamiento de las luces, sombras y texturas no tiene rival en aquella época. Fue particularmente buena en crear espacios acogedores en sus pinturas, en composiciones equilibradas y poco cargadas. Parec como si uno pudiera tocar las frutas, sentirlas, y quitarlas de la pintura sin estropear el resto del trabajo. A diferencia de sus artificiosos predecesores, sus arreglos son graciosos, naturales y poéticos.
El tratamiento estético de sus bodegones no se vería nuevamente hasta bien avanzado el siglo XVI, e incluso la percepción de los modernos bodegones se basa principalmente en su obra. Muchas de las obras actuales del género muestran directamente la influencia de sus ideas originales. Actualmente no se sabe a ciencia cierta cuantas obras pintó, ya que muchas de sus posibles obras han sido atribuidas a su contraparte masculina, Panfilo Nuvolone, que tomó significativa inspiración de ella.
Referencias
* Ilya Sandra Perlingieri, Sofonisba Anguissola,, Rizzoli International, 1992 ISBN 0-8478-1544-7 on Questia * Whitney Chadwick|Chadwick, Whitney, Women, Art, and Society, Thames and Hudson, London, 1990 ISBN 0-500-20354-7 * Anne Sutherland Harris y Linda Nochlin, Women Artists: 1550-1950, Los Angeles County Museum of Art, Knopf, New York, 1976 ISBN 0-394-41169-2
El ingreso en los conventos de mujeres con cualidades para el arte, o que tenían parientes artistas, no era un hecho extraordinario en la época de la Contrarreforma. Las monjas pintoras no sólo podían embellecer el convento con sus obras; también podían proveer ingresos a la institución con la realización de sus encargos. Tal fue el caso de una pintora manierista nacida bajo el nombre de Giustina Fetti, quien al ingresar a la orden del Convento franciscano de Sant’Orsola de Mantua, el 3 de diciembre de 1614, tomó el nombre de Suor Lucrina Fetti. Su fecha de nacimiento está calculada, basándose en ese dato, cerca del año 1590. Su padre fue un pintor poco conocido llamado Pietro Fetti y su hermano Domenico también fue pintor.
Lucrina vivió su infancia en Roma, y es probable que recibiera su educación artística de su hermano Domenico, quien fue invitado a pintar en la corte del duque Ferdinando I Gonzaga en Mantua, donde fue acompañado por ella. El duque aportó la dote para que la pintora pudiese ingresar al convento de Sant’Orsola. Luego de la partida de su padre a Venecia en 1622, Lucrina se dedicó a la actividad artística por completo.
Trabajó en el estudio de su hermano, pintó retratos de la familia Gonzaga y se dedicó especialmente a la representación de temas religiosos para el convento. En los retratos femeninos de la familia Gonzaga se destacó en la elaboración de los suntuosos vestidos de brocado, enriquecidos con finas joyas. Es característica la postura en tres cuartos de las modelos, y sus rostros son realistas, aunque sin llegar a indagar en la expresión al punto de hundirse en la psicología de los personajes, como puede verse en otras obras del período barroco.
Aunque Lucrina no tuvo las mismas oportunidades para estudiar la figura humana que su hermano Domenico, su pintura demuestra lo que ella pudo aprender a través de la atenta observación. Sus obras religiosas se circunscriben a un manierismo tardío y muestran una teatralidad emotiva acorde con el espíritu de la contrarreforma religiosa.
Lucrina Fetti se mantuvo activa en la pintura hasta la fecha de su muerte, según manifiesta el biógrafo Filippo Balducinni en su obra Notizie de’professori del disegno da Cimabue in qua (1681-1728). Falleció alrededor de 1650. Una prueba del respeto que tuvo la familia Gonzaga por Lucrina es el hecho de que Giovanni Alessandro Martinelli, quien disertara en los funerales de algunos de los duques de Mantua, fuese el encargado de leer la oración fúnebre en homenaje a la pintora, como también lo hiciera en el funeral de Domenico en 1623.
La Feria de arte Latinoamericano ETNIA abre su plazo de inscripción en esta sexta edición dedicada a Joaquín Torres García. Referente del arte latinoamericano en Europa, la feria se ha constituido en una cita habitual de todos los expertos e interesados en la materia que, durante el mes de octubre en Bruselas ( Bélgica ), asisten a la presentación de la obra de prometedores artistas emergentes de América Latina.
El Espace Wallonie en Bruselas será el lugar de encuentro que acoja esta nueva edición de ETNIA que, en 2010, tiene prevista la participación de alrededor de cien artistas de origen latinoamericano, residentes tanto en Europa como en América Latina. Una convocatoria que este año además rinde homenaje a Joaquín Torres García, artista uruguayo-catalán fundador del universalismo constructivo, por medio de la muestra de un conjunto de las acuarelas que elaboró durante la época en la que residía en la capital belga.
ETNIA continúa así con la labor desarrollada hasta el momento de difusión del arte latinoamericano mediante la promoción de sus artistas más noveles en pleno corazón europeo. De esta manera, tras el éxito de la última edición, que reunió a más de 5.000 visitantes, ETNIA propone este año una nueva cita a todos los artistas que deseen participar en una de las ferias más destacadas del calendario artístico. Los autores que deseen formar parte de esta nueva convocatoria tendrán que inscribirse en el registro de artistas de ETNIA (con tasa de inscripción) y subir fotografías de sus obras para que un jurado pueda hacer una selección, que se llevará a cabo en el mes de agosto.
La entidad financiera Cajastur ( España ) convoca ocho becas dirigidas a artistas asturianos o residentes en la provincia que deseen ampliar estudios dentro de su especialidad plástica fuera de Asturias. Una convocatoria sin límite de edad que dispone de un total de 80.000 € a dividir equitativamente entre todas las becas.
La Fundación Juan March ( Madrid, España ) continúa su línea de selectas muestras de formato reducido en su recién remodelada sala de exposiciones con una nueva cita que, en esta ocasión, presenta la obra gráfica de Giorgio Morandi, artista de la vanguardia histórica. Una selección que, en este caso, adquiere especial sentido dado el trabajo de grabador que Morandi desarrollará como profesión y que revela una iconografía cercana a autores como Cézanne o Chirico.
El conjunto de obras expuesto está fechado en el periodo comprendido entre 1927 y 1962, y se integra por un total de tres acuarelas y doce aguafuertes. Las piezas representan todas ellas naturalezas muertas y ofrecen un ejemplo de la producción de Morandi, quien será profesor de grabado al aguafuerte en la Academia de Bellas Artes de su Bolonia natal entre los años 1930 y 1956. Muy cercano al futurismo italiano y, posteriormente, al cubismo , en sus inicios Cézanne supondrá una gran influencia, que se mantendrá a lo largo de toda su carrera y que puede apreciarse en los temas plásticos escogidos.
Ahora, la Fundación Juan March, y tras la clausura el pasado mayo de la muestra dedicada al pintor y escritor británico Wyndham Lewis, ha decidido dedicarle una exposición breve en la recién habilitada sala autónoma de su espacio de exposiciones dedicada a formatos reducidos. De esta manera, ofrece la posibilidad de realizar un acercamiento a un artista tan poco pródigo en el calendario expositivo español como Giorgio Morandi (aun considerando su vinculación con la modernidad), que recupera la sencillez y la belleza de un arte de corte, a pesar de todo, comúnmente académico.
El recuerdo de la visita de Le Corbusier a la famosa Residencia de Estudiantes de Madrid ( España ) en 1928 es el nexo empleado como excusa para realizar un recorrido por sus obras y proyectos de aquellos años. La exposición, que puede visitarse en la propia Residencia, se articula en torno a una de las dos conferencias que daría el autor en la institución y ofrece un muestrario de las diversas opciones de construcción desarrollados por este pionero de la arquitectura moderna.
Le Corbusier es una de las grandes figuras de la arquitectura del s.XX, al lado de autores como Wright o van der Rohe. Su concepto del género se ubica en un racionalismo innovador que sentará las bases del desarrollo posterior. Al tiempo, Le Corbusier será un importante teórico que, al modo clásico, fundamentará las bases de la arquitectura en publicaciones como El Espíritu Nuevo y enunciados como "la máquina para vivir" o "los cinco puntos de una nueva arquitectura", adalides de la depuración, la integración y la simplicidad funcional.
En mayo de 1928, Le Corbusier será invitado por la Sociedad de Cursos y Conferencia pata dar dos conferencias en la Residencia del Estudiantes. Las ponencias, "Arquitectura, mobiliario y otras obras de arte" y "Una casa-un palacio", supondrán un hito en la historia de la institución. Ahora, una exposición recuerda la segunda de ellas por medio de una muestra donde se recogen ejemplos de la arquitectura de la casa (la Casa Cook o la villa Stein), de instituciones públicas (el palacio de la Sociedad de Naciones de Ginebra), o algunos de los proyectos urbanos de este hito de la Historia del arte .
Malba – Fundación Costantini ( Buenos Aires, Argentina ) presenta la primera retrospectiva del fotógrafo Mapplethorpe en el país latinoamericano. Una selección de 130 imágenes, tomadas entre 1975 y 1988, ofrecen un acercamiento a la obra de este artista transgresor y visionario, famoso por sus series y retratos de artistas y celebridades como Patti Smith, Arnold Schwarzenegger, William Burroughs, Susan Sontag, Carolina Herrera, Louise Bourgeois, Andy Warhol , Annie Leibovitz y Cindy Sherman, entre otros.
La exposición ha sido posible gracias al trabajo de la curadora de fotografía del Museum of Fine Arts de Houston (Estados Unidos), Anne Tucker, y a la Fundación Mapplethorpe de Nueva York, institución de procedencia de las fotografías. Entre éstas pueden apreciarse las famosas series de naturalezas muertas con flores del artista, así como sus desnudos, retratos de celebridades y sus conocidos autorretratos. Una característica de su producción, la variedad de temas, que queda bien documentada en una muestra que supone un hito en Argentina, tan sólo precedido de la individual que la Galería Klemm dedicó en junio de 1992 al artista.
Alejada del tratamiento marginal que muchos de sus temas demandaban, la obra de Mapplethorpe se caracteriza por composiciones controladas meticulosamente que acentúan la belleza formal de la imagen. Controvertido y reconocido, su carrera comenzará con una Polaroid en la mano, con la que recogerá instantáneas únicas de su círculo de amigos y conocidos, entre los que contaban artistas, músicos y personajes anónimos que visitaban los clubes más underground de Nueva York. Será a partir de 1975, con el paso al uso de una Hasselblad, cuando sus fotografías adquieran este control mencionado. La exposición que ahora inaugura el Malba se centra en su trabajo posterior al paso de la cámara Polaroid a la Hasselblad: una obra de madurez.
Clara Peeters es sin duda la mujer pionera en el desarrollo de la pintura de bodegones del siglo XVII, y uno de los más grandes artistas de esta especialidad. La mayoria de sus cuadros combina flores y jarrones con elementos de banquetes y piezas de comida o bebida, que son suntuosamente dispuestos para dar un conjunto armónico. Cada elemento está distribuido de tal manera que contraste, bien por su color, forma o textura.
Fue una de las primeras artistas en practicar el arte de pintar naturalezas muertas. Las pinturas de Garzoni gustaban tanto, de acuerdo con un escritor, que ella podía vender por el precio que deseara. Una de las primeras obras de Garzoni, un libro de caligrafía de 1625, incluye letras mayúsculas iluminadas con frutas, flores, aves e insectos.
Estos temas se convirtieron en su especialidad, y la témpera sobre pergamino era su medio preferido. La refinada interpretación de Garzoni de plantas y animales adaptados al gusto de sus mecenas de la aristocracia, como la familia Medici, cuyas casas eran decoradas con sus obras.
Los eruditos han especulado sobre la formación temprana de Garzoni, y aunque ninguno ha llegado a ninguna conclusión firme, todos ellos citan a Jacopo Ligozzi como su influencia. Al igual que Garzoni, Ligozzi pintaba botanica y especímenes zoológicos para la corte de los Medici.
En 1666, Garzoni hizo testamento legando su patrimonio al gremio de pintores de Roma, la Accademia di San Luca, a condición de que erigieran su tumba en su iglesia. Murió cuatro años más tarde, después de disfrutar de una vida de trabajo y éxito constante.
Alargo enfermo el paso, y vuelvo, cuanto alargo el paso, atrás el pensamiento; no vuelvo, que antes siempre miro atento la causa de mi gozo y de mi llanto.
Allí estoy firme y quedo, mas en tanto llevado del contrario movimiento, cual hace el extendido en el tormento, padezco fiero mal, fiero quebranto.
En partes, pues, diversas dividida el alma, por huir tan cruda pena, desea dar ya al suelo estos despojos.
Gime, suspira y llora dividida, y en medio del llorar sólo esto suena: ¿Cuándo volveré, Nise, a ver tus ojos?
Henrietta de Beaulieu Dering Johnston (ca. 1674 – 1729), pintora de retratos en pastel, es reconocida como la primera mujer artista profesional de la cual se tiene registro en Norteamérica. Vivió en las colonias inglesas de América del Norte aproximadamente desde 1708. No se conocen ni el lugar ni su fecha de nacimiento, aunque se cree que fue cerca de la ciudad de Rennes, en el noroeste de Francia. Sus progenitores fueron franceses.
Henrietta contrajo matrimonio con Robert Dering en 1694 y se mudó con él a Irlanda, donde tuvieron dos hijas; allí fue que comenzó a desarrollar la técnica del pastel, pintando a gente importante a la cual estaba relacionada por su matrimonio, entre ellos Jonh Percival, quien más tarde se convirtió en Conde de Egmont y uno de los Condes de Barrymore.
Su marido murió hacia 1704, y Henrietta se casó de nuevo al año siguiente con un clérigo anglicano, Gideon Johnston, graduado del Trinity College de Dublin, vicario en Castlemore. Dos años más tarde, fue nombrado por la Sociedad para la Propagación del Evangelio en el Extranjero para servir como comisario de la Iglesia de Inglaterra en Carolina del Sur y se lo nombró ministro de la Iglesia Episcopal St. Philip's en Charles Town, (ahora llamada Charleston). En las colonias llevaron una vida de dificultades económicas debido al retraso en los pagos del salario de su esposo. Se conoce por medio de las cartas escritas por él que no hubieran podido subsistir sin la ayuda de Henrietta con la venta de sus obras, y en una de ellas relata que se quedó sin materiales de dibujo y cayó enferma. Continuó realizando retratos de la aristocracia de Charles Town luego de la muerte de Gideon en 1716.
Poco se conoce sobre la vida de esta artista en las colonias. Se sabe que viajó a algún lugar de Nueva York, donde hay cuatro retratos fechados en 1725. Regresó a Charles Town algún tiempo antes de su muerte en 1729.
No se sabe mucho sobre su aprendizaje artístico; en la pose y el color muchos de sus retratos recuerdan a los de Sir Godfrey Kneller, de moda en aquel tiempo en el Reino Unido y las colonias. Sus pasteles de Irlanda están realizados en profundos tonos tierra, mientras que los hechos en Carolina del Sur son generalmente más claros y más pequeños, pudiendo notarse la calidad de los materiales, probablemente importados. Cada personaje es retratado de la cintura para arriba, en pose erguida, con la cabeza un poco girada en dirección el espectador, los rostros con grandes ojos ovalados y detalles bien delineados de pestañas, rizos y adornos.
Utilizaba normalmente hojas de papel de 22,5 x 30 cm y un armazón simple de madera, en cuya parte posterior anotaba su nombre, además del lugar y fecha de realización de la obra.
Se conoce la existencia de aproximadamente cuarenta retratos. Algunos se encuentran en el Gibbes Museum of Art en Charleston, otros en el Museum of Early Southern Decorative Arts, y el Museo Metropolitano de Arte y el Museo de Arte de Greenville County.
ref-Henrietta Johnston, por Anne Douglas
Henrietta Johnston, Wikipedia
Henrietta Johnston en la Enciclopedia de Carolina del Sur
Un punto del Pleno de la Corporación Municipal de Vigo celebrado hoy sobre una modificación de crédito para pagar unas facturas de los servicios prestados por el arquitecto Rafael Moneo --a quien se ha encargado el proyecto de remodelación del entorno de Praza do Rei, donde se ubica el Consistorio_- ha dado lugar a un debate con cruces de acusaciones entre ediles del PP y el PSdeG sobre derroches de dinero.
31-5-1010
MI COMENTARIO- Estoy de acuerdo que una de las barbaridades urbanísticas de esta ciudad es el propio edificio del concello y que derrumbandolo no perderiamos nada lo que me indigna es esa necesidad que tienen algunos políticos "megalómanos" de traer ARQUITECTOS ESTRELLA para que hagan proyectos inviables y llenarles los bolsillos de pasta - DEL DINERO DE LOS VIGUESES- ¿No tenemos aqui buenos arquitectos? ¿No conocerá mejor nuestra idiosincrasia el "de aqui" que el foráneo?
Y el remate es el momento. Claro que cuando la crisis se niega y se niega se creen que se puede permitir el despilfarro...¿Y ahora que? Pues.... A PAGAR LOS DE SIEMPRE
Una vez más los ciudadanos asistimos, entre la indignación y el pesimismo, a una nueva barbarie. En Israel la maquinaria de la hasbará (propaganda), combinada con la censura, ya está en marcha y TODOS LOS GOBIERNOS "ACHANTARÁN" haciendonos creer a los estúpidos ciudadanos que los pacifistas atacaron al ejército israelí ....CON PATATAS
