viernes, 31 de octubre de 2008
IN THE NAME OF SEALAND
¿Te has imaginado alguna vez como seria vivir en el principado?
Economia, Alimentacion, Cultura, Transportes,Telecomunicaciones,Medio Ambiente,COnsumo, Sanidad...
Desde Vivir en Sealand trataremos de dibujar como seria el dia a dia en el Principado
mas singular de todo el globo.
http://inthenameofsealand.blogspot.com/
Recuerda: Todos los Martes en este blog un nuevo capitulo de Vivir en Sealand. Estreno, Martes 4 de Noviembre.
Adolf Friedrich Erdmann von Menzel
Adolfo Erdmann Friedrich von Menzel, (8 de diciembre de 1815 Breslau - 9 de febrero, 1905 Berlín) fue un artista alemán conocido por dibujos, grabados y pinturas.
Su padre era el director de una escuela para niñas, y tenía intención de educar a su hijo como profesor, pero eso no frustró su gusto por el arte. Se quedó huérfano en 1832, y tuvo que mantener a su familia. En 1833 Sachse de Berlín, publicó su primer trabajo, un álbum a pluma y tinta con dibujos reproducidos en piedra, para ilustrar poemas de Goethe
Mediante estas obras Menzel estableció su derecho a ser considerado uno de los primeros, si no el primero, de los ilustradores de su tiempo en su propia línea.
Mientras tanto Menzel autodidacta en el arte de la pintura, pronto produjo un gran número y variedad de imágenes, mostrando siempre una observación honesta en temas relativos a la vida y a los logros de Federico el Grande. Entre las más importantes de estas obras están La Forja (1875) y el lugar en Verona. Invitado a pintar La Coronación de William I, en Königsberg, realizó una representación exacta de la ceremonia sin tener en cuenta las tradiciones de la pintura oficial.
En Alemania, ha recibido muchos honores, y fue el primer pintor que se premia con la Orden del Águila Negra en 1898 que incluye un título de nobleza, convirtiéndose von Menzel.
Su padre era el director de una escuela para niñas, y tenía intención de educar a su hijo como profesor, pero eso no frustró su gusto por el arte. Se quedó huérfano en 1832, y tuvo que mantener a su familia. En 1833 Sachse de Berlín, publicó su primer trabajo, un álbum a pluma y tinta con dibujos reproducidos en piedra, para ilustrar poemas de Goethe
Mediante estas obras Menzel estableció su derecho a ser considerado uno de los primeros, si no el primero, de los ilustradores de su tiempo en su propia línea.
Mientras tanto Menzel autodidacta en el arte de la pintura, pronto produjo un gran número y variedad de imágenes, mostrando siempre una observación honesta en temas relativos a la vida y a los logros de Federico el Grande. Entre las más importantes de estas obras están La Forja (1875) y el lugar en Verona. Invitado a pintar La Coronación de William I, en Königsberg, realizó una representación exacta de la ceremonia sin tener en cuenta las tradiciones de la pintura oficial.
En Alemania, ha recibido muchos honores, y fue el primer pintor que se premia con la Orden del Águila Negra en 1898 que incluye un título de nobleza, convirtiéndose von Menzel.
Barthélemy Menn
Barthélemy Menn (* 20 de mayo, 1815 en Ginebra; † 11 de octubre de 1893 en Ginebra) fue un pintor paisajista suizo.
De joven comenzó sus estudios de arte en Ginebra con Wolfgang Adam Toepffer y Leonard Lugardon.Se fue a París en 1833 y recibió formacion de Jean-Auguste-Dominique. En 1835 se fue a Roma. En 1838 regresó de nuevo a París, donde conoce a los paisajistas Charles-François Dumouriez, Théodore Rousseau y Jean-Baptiste Camille Corot. También tiene amistad con George Sand, Chopin y Eugène Delacroix. En 1843, finalmente se establece en Ginebra.
Barthélemy Menn es principalmente conocido por sus paisajes idílicos.
Fue durante largos años profesor en la Escuela de Arte de Ginebra (École des Beaux-Arts). Su más célebre alumno (1872-1878) fue Ferdinand Hodler.
Anton Raphael Mengs
Alemania
Bohemia 1728 - 1779
Mengs estaba determinado desde su nacimiento a ser el pintor de la línea, el equilibrio y la composición clásica. Su padre, pintor y dibujante excelente, le bautizó con los nombres de aquellos pintores que serían los modelos del joven Mengs: Antonio Allegri, conocido por Correggio, y Rafael de Sanzio. Su etapa de formación no sólo se orientó a las técnicas sino a la teoría del arte, que estaba en sus inicios como ciencia, abanderada por Wincklemann, de quien fue alumno destacado.Fue pintor de corte en Dresde desde 1745, adquiriendo fama universal. En 1752 marchó a Roma, como todo pintor que deseara completar su formación en el terreno clásico. Pero su época de esplendor le llegó en la corte española, en la cual alcanzó sin esfuerzos el título de pintor del rey Carlos III, que le encargó renovar el panorama pictórico madrileño.Su difícil carácter hizo que se enemistara con casi todos los personajes de la corte, lo cual le hizo acortar su estancia. Sin embargo, algunas de sus grandes obras permanecen aún hoy día en Madrid, especialmente en el Museo del Prado, de donde destacamos el retrato de la reina Mª Amalia de Sajonia, un estupendo ejemplo del Neoclasicismo Español
Hans Memling
Memling (c.1433-1494) es considerado por algunos estudiosos como uno más de los primitivos flamencos, compartiendo estilo con genios como Jan van Eyck, Hugo van der Goes o Roger van der Weyden. Precisamente, algunos historiadores creen que Memling pudo haber sido discípulo de este último durante su estancia en Bruselas, aunque no existe ninguna evidencia documental que permita atestiguarlo, exceptuando una cita de Vasari en ese sentido un siglo después. En cualquier caso, algunos años después de la muerte de Van Der Weyden, Hans Memling dirigió sus pasos a la ciudad de Brujas, donde se estableció en 1465. Fue allí donde recibió sus encargos más importantes, a menudo procedentes de instituciones religiosas.
jueves, 30 de octubre de 2008
Francesco Melzi
Nacido en Milán, alrededor de 1490, murió en 1568. Fue un misterioso personaje. Fue un amigo de Leonardo da Vinci, y Vasari nos dice que fue un noble milanés, un joven muy apuesto, y que poseía la parte principal de los dibujos de anatomía de Leonardo. Él heredó los manuscritos, instrumentos, libros y dibujos de LEONARDO. Si fue un pintor, sin embargo, no somos capaces de asegurarlo. Realmente no hay una obra que se pueda confirmar como suya. Vasari no dice una palabra acerca de su talento artístico. Lomazzo lo felicita en un lenguaje extravagante, como un maravilloso pintor de miniaturas , y se sugirió en 1523, en una carta de Bendedei, el embajador en Milán, a su maestro Alfonso , Duque de Ferrara, que Melzi fue un hábil pintor, pero la carta sólo implica que pinta como un aficionado. Sin embargo fue exaltado por algunos escritores como el favorito de Leonardo y su mejor alumno, el mas eminente y el más habil
Melozzo da Forlì
Italia
Forli 1438 - 1494
Michelozzo degli Ambrogi fue uno de los más directos seguidores de Piero della Francesca, estudiando sus obras en la corte de Urbino donde inició su carrera de pintor, interesándose también por la pintura flamenca. Tras este periodo de formación en Urbino se trasladaría a Roma, donde realizó un buen número de trabajos, llevando al escorzo a su máxima expresión y empleando una perspectiva de "sotto in sú" tomada de Mantegna. En 1484 trabajará en la decoración de la capilla del Tesoro de la basílica de Loreto retomando su afición hacia la perspectiva arquitectónica al igual que en los destruidos frescos de la capilla Feo en San Biagio in Forli.
Luis Eugenio Meléndez
Luis Egidio Meléndez (Nápoles, 1716-Madrid, 1780) pintor español de origen italiano.
Hizo casi toda su carrera en Madrid y se le considera uno de los mejores pintores de naturalezas muertas del siglo XVIII. En contraste con su actual reputación, conoció una gran miseria.
Su padre y Louis Michel van Loo (1707-1771) lo formaron como pintor. Fue asistente de Van Loo de 1742 a 1748. A fin de paliar sus penurias, la Casa Real le encargó una extensa serie de bodegones, de la que se conservan varias decenas en el Museo del Prado. Dejó un extraordinario autorretrato (Louvre de París), con el que demostró que era igualmente diestro pintando la figura humana; de hecho, el estudio de desnudo que sostiene en su mano se interpreta como una demostración de sus facultades. De todas formas, su especialidad fueron los bodegones, que actualmente alcanzan cotizaciones astronómicas en el mercado internacional.
Bodegón, Museo del Prado
Ernest Meissonier
(1815-1891).
frances
Ernest Meissonier nacido en Lyon el 21 de febrero de 1815. Alumno de Cogniet, su primera producción notable se fechó en 1834 con un cuadro llamado "La visita al ayuntamiento". Al año siguiente, con la edad de 20 años, hace sus principios en Mgasin Universel. Gloria oficial de la pintura académica en el siglo XIX, Meissonier se cuenta entre los artistas que han asegurado, hacia 1860, el renuevo de el agua-ardiente original. Meissonier siguió con su carrera de ilustrador, colaborando con munerosos editores, entre los que podemos citar Hetzel.
Ludovico Mazzolino
Louis Bouquet (Ferrara, 1480 - Ferrara, 1528) fue un pintor italiano, activo en la zona de Ferrara.
Louis Bouquet fue un pintor activo en Ferrara y Bolonia. Nació y murió en Ferrara, y probablemente estudió en Lorenzo Costa, con Dosso Dossi y Cosme Tura. La mayor parte de su trabajo fue encargado por el duque de Ferrara Ercole I d'Este. Mazzolino tiene influencia de Garofalo y Boccaccino. Él es conocido por sus pinturas religiosas en un estilo algo "primitivo o regresivo en comparación con el clásico moderno entonces emergentes.
Juan Bautista Martínez del Mazo
Juan Bautista Martínez del Mazo (Cuenca (Castilla-La Mancha), 1605 - Madrid, 1667) es un pintor español, yerno y ayudante de Velázquez.
Fue bautizado el 22 de mayo de 1605 en la iglesia de San Martin de Cuenca, según documentación del Archivo Diocesano de Cuenca (Parroquia de San Martín, Libro 2 de bautismos, folio 35 vuelto. Signatura: Libro P nº153).
Se sabe muy poco de la vida de este pintor hasta que en agosto de 1633 contrajo matrimonio con Francisca Velázquez y Pacheco, una de las hijas de Diego Velázquez. Ambos, Velázquez y Martínez del Mazo, fueron compañeros del pintor, arquitecto y escultor granadino Alonso Cano en el taller sevillano de su maestro Francisco Pacheco.
Su suegro Velázquez le tuvo en gran aprecio y echó siempre mano de él como su mejor ayudante. De hecho, se suelen atribuir a Mazo algunas pinturas velazqueñas que no encajan en la técnica del maestro. Velázquez ayudó mucho a Mazo en su carrera artística dentro de la Corte española, e incluso emprendió gestiones para conseguirle algún empleo.
Mazo fue nombrado pintor de cámara en 1661 a la muerte de su suegro Velázquez. Se creía que fue Mazo quien a la muerte de Velázquez terminó y retocó el retrato La infanta doña Margarita de Austria, pero las últimas investigaciones efectuadas en el Prado tienden a dar la autoría total del cuadro a Mazo. La infanta doña Margarita, protagonista de Las Meninas, fue esposa del emperador Leopoldo I de Austria y murió muy joven.
Durante bastante tiempo las obras de Del Mazo fueron atribuidas a Velázquez. La crítica moderna con las nuevas técnicas y conocimientos han podido restituir la autoría de dichas obras. Entre su mejores obras destacan la Vista de Zaragoza, La cacería del tabladillo y el Arco de Tito.
Su obra más sorprendente es La familia del pintor Juan Bautista Martínez del Mazo (1665) del Museo de Historia del Arte de Viena, un retrato colectivo en el que se puede ver a Juan Bautista, su esposa Francisca (hija de Velázquez), los hijos de ambos y sirvientes. La ambientación del lugar y la disposición de varios elementos remiten a Las Meninas.
Fue bautizado el 22 de mayo de 1605 en la iglesia de San Martin de Cuenca, según documentación del Archivo Diocesano de Cuenca (Parroquia de San Martín, Libro 2 de bautismos, folio 35 vuelto. Signatura: Libro P nº153).
Se sabe muy poco de la vida de este pintor hasta que en agosto de 1633 contrajo matrimonio con Francisca Velázquez y Pacheco, una de las hijas de Diego Velázquez. Ambos, Velázquez y Martínez del Mazo, fueron compañeros del pintor, arquitecto y escultor granadino Alonso Cano en el taller sevillano de su maestro Francisco Pacheco.
Su suegro Velázquez le tuvo en gran aprecio y echó siempre mano de él como su mejor ayudante. De hecho, se suelen atribuir a Mazo algunas pinturas velazqueñas que no encajan en la técnica del maestro. Velázquez ayudó mucho a Mazo en su carrera artística dentro de la Corte española, e incluso emprendió gestiones para conseguirle algún empleo.
Mazo fue nombrado pintor de cámara en 1661 a la muerte de su suegro Velázquez. Se creía que fue Mazo quien a la muerte de Velázquez terminó y retocó el retrato La infanta doña Margarita de Austria, pero las últimas investigaciones efectuadas en el Prado tienden a dar la autoría total del cuadro a Mazo. La infanta doña Margarita, protagonista de Las Meninas, fue esposa del emperador Leopoldo I de Austria y murió muy joven.
Durante bastante tiempo las obras de Del Mazo fueron atribuidas a Velázquez. La crítica moderna con las nuevas técnicas y conocimientos han podido restituir la autoría de dichas obras. Entre su mejores obras destacan la Vista de Zaragoza, La cacería del tabladillo y el Arco de Tito.
Su obra más sorprendente es La familia del pintor Juan Bautista Martínez del Mazo (1665) del Museo de Historia del Arte de Viena, un retrato colectivo en el que se puede ver a Juan Bautista, su esposa Francisca (hija de Velázquez), los hijos de ambos y sirvientes. La ambientación del lugar y la disposición de varios elementos remiten a Las Meninas.
miércoles, 29 de octubre de 2008
Franz Anton Maulbertsch
Franz Anton Maulbertsch (Langergen, Lago de Constanza, 1724 - Viena, 1796) fue un pintor austriaco de la época rococó. Es la figura más destacada de esta tendencia en Viena.
Su principal influencia fue la Academia de Viena, los frescos ejecutados por Paul Troger y la escuela veneciana de Piazzetta. Fue ante todo un pintor que decoraba edificios con frescos; no obstante, también se le conocen bocetos al óleo. Combina curvas encadenadas, escorzos vertiginosos y un colorido exquisito y variado. Al final de su vida, se adaptó al predominante estilo neoclásico. Su trabajo se desarrolló en Austria, Hungría y la República Checa.
Georg David Matthieu
Berlín, 20 Nov 1737; Ludwigslust, 3 noviembre 1778). Pintor Alemán y grabador. Recibió su formación como pintor de su padre, el pintor de corte prusiano David Matthieu (1697-1755), y su tía y madrastra, la pintora Anna Rosina Lisiewska (? 1713/16-83). Al parecer viajó fuera de Alemania y se sabe que fue a Stralsund con el pintor Philipp Hackert en 1762. Sus retratos de este período, uno de ellos de la princesa Carlota de Mecklemburgo-Strelitz, que se casó con el rey George III de Inglaterra, recuerda el estilo de Antoine Pesne.
Matteo di Giovanni
Matteo Di Giovanni nació en Borgo San Sepolcro, c.1435, pero trabajó principalmente como artista en la ciudad de Siena. En el siglo XIV los maestros de la escuela de Siena rivalizaron con los pintores de Florencia, en el XV, la antigua escuela, resistiendo los avances logrados en Florencia, le permitió ser superado por su rival. Aunque en este período da la impresión de un arte anticuado, la pintura de Siena sobrevive con sus encantos y una línea de cualidades tradicionales - la sinceridad de su sentimiento, la refinada gracia de sus figuras, su atención a minucias del vestido y del fondo arquitectónico, y su fascinante franqueza de la ejecución. Por estas cualidades tiene Matteo su sitio, pero además se distingue por la dignidad de sus figuras femeninas, la amable presencia de sus ángeles, y la armonía de un esquema de color a la vez rico y brillante. Por esta razón los críticos dicen que es el pintor del siglo XV de Siena.
OS SEÑORES DO VENTO
Anónimo ha dejado un nuevo comentario en su entrada "OS SEÑORES DO VENTO":
¡Ay Xermana! Que suerte la mía, encontrarte, ha sido algo tan hermoso, que expresar con letras o palabras no puedo, solo sé, que llegastes en el momento oportuno, cuando más necesitaba encontrar una buena persona, por que eres tan buena que no tienes que esforzarte para serlo, te gustan las gentes sencillas, te codeas con las de alto copete, pero siempre sigues siedo tú, Inés mi xermana, postiza, mi xermana del alma, compañera de mis noches de dolor, de mis largos días inertes, esos días, que hacen que sienta rabia y de pronto apareces tu y llenas de alegria esta alma mía.
Lo que se puede hacer con tan solo desperdicios, la imaginación, es algo que maravilla, se da entre las gentes sencillas, no hay que ser un ribombante nombre, tan solo humanamente, buena gente donde la alegría se hace arte con tan solo algo que solo sirve para desperdicio, han hechoi dos cosas buenas, alegrar la vista y no dejar que tanto plastico se deslice por rios que limios debieran estar si las "grandes" industrias no vertieran, todo lo que a estos contaminan, quizas, si alguno echa una mirada se decida a poner en practica algo tan sencillo y hermoso.Boa noites, Xermana.
Un trabajo en el que mezcla «ópera con berzas»
El mundo de la bata es otro pañuelo. Una vez abierto, surgieron más casualidades a su alrededor. El encuentro con la austríaca que llegó a Galicia, se enamoró de esta imaginería y la enlazó con el feminismo y la filosofía del grupo de pensadoras italianas Diotima para crear una reflexión razonada no es el único. Las chicas del equipo de fútbol sala Vigo Vello ¡tenían porterías hechas con tela de bata!
La directora y guionista define su documental como «un trabajo muy experimental en el que mezclo ópera con berzas, como dice una de las actrices». Personajes reales junto a otros de ficción se pasean ante la cámara para esta película rodada en gallego y alemán que ha recibido críticas que encantan a la autora, como la que la define como «deliciosamente imperfecta».
En la banda sonora hay colaboraciones de músicos como El Puto Coke, y precisamente ahora, Claudia prepara un documental sobre la cultura urbana del hip-hop en Vigo, para el cual, los que crean que pueden aportar algo pueden ponerse en contacto con ella a través de la web de su empresa. Claudia Brenlla es licenciada en Derecho y dejó su trabajo como funcionaria para probar suerte en la creación audiovisual. Su primer contacto con el sector fue a través de un curso de guión del Cine Club Lumière. Y poco a poco, se ha convertido en su profesión. Produce sus propios proyectos documentales en vídeo (ha grabado varios, en Cabo Verde, Santo Tomé y Príncipe y Brasil) y ahora dirige la productora Laturmadocus, con sede en Vigo.
La figuración narrativa. París 1960-1972
Más de cien objetos de naturaleza muy diversa trazan un recorrido por el camino que, en los setenta, llevó a una nueva figuración marcada por el desarrollo del pop art y la sociedad de consumo. Una exposición organizada en colaboración con la Reunión des musées nationaux y el Centro Pompidou de París que ahora puede verse en el Institut Valencià d’Art Modern (España).
La Figuración Narrativa
En los años 60 surgirá en Francia una corriente artística que, en la línea de la nueva concepción que comenzaba a darse en buena parte del mundo, abogará por una vuelta a la figuración, en oposición a un arte abstracto que había comenzado a sentirse como carente de significado. Este movimiento propugnaba un regreso a la objetualidad y a la realidad, y se beneficiará en un primer momento de las influencias compartidas por el pop art (cultura de masas), forzándolas por medio de un sentido del humor procaz y una postura de reivindicación política.
Del lobo feroz al asesinato de Duchamp
La presente exposición reúne ahora a algunos de los más conocidos exponentes de esta nueva revolución conceptual a través de alrededor de un centenar de obras, plenas de imágenes tomadas de la prensa, el cómic o la publicidad, constituidas en una crónica social donde abunda la ironía, la parodia e, incluso, la violencia. Eduardo Arroyo, Equipo Crónica, Valerio Adami, Erró, Hervé Télémaque o Jan Voss son sólo algunos de los nombres que pueden encontrarse en esta exposición peculiar como pocas.
Sorolla. Visión de España- exposición
El Museo de Bellas Artes de Bilbao (País Vasco, España) acoge esta muestra itinerante, organizada por Bancaja a través de su Obra Social, compuesta por catorce grandes paneles realizados por Sorolla para la Hipanic Society of America a principios de s.XX. Una oportunidad para ver unas obras de difícil traslado que por primera vez salen de su emplazamiento original.
Pintor de la realidad
Tras su paso por París en 1885, Sorolla regresará a España cargado de dos de las características principales que habrán de definir el estilo de su obra: el manejo de la luz y la temática de carácter costumbrista, teñida de un tono no exento de denuncia social. Su pintura entronca con un Naturalismo donde la luminosidad es la gran protagonista; pintor de exteriores, recorrerá la geografía española tomando apuntes del natural y, al modo impresionista, tratando de captar los diferentes estadios del paisaje dados por el avance del día.
La Hispanic Society de Nueva York
En 1911 el hispanista norteamericano Archer M. Huntington encargará al pintor la decoración de la biblioteca de la Hispanic Society, para lo cual Sorolla viajará a lo largo de todo el año siguiente captando imágenes de tipos que más tarde reproducirá en los paneles, antes de decantarse por la ejecución directa del natural. En estas obras, destinadas a dar a conocer la cultura española en Estados Unidos, se recogen escenas características de diversos puntos de nuestra geografía, constituyéndose en la colosal y última herencia del pintor valenciano.
Becas Colección CAM Artes Plásticas VI Convocatoria 2008
Seis categorías -pintura, escultura, dibujo, fotografía, vídeo y técnicas digitales- compiten por los 38.000 euros totales reunidos por Caja Mediterráneo para premiar la labor artística de todos aquellos artistas nacidos o residentes en España. Pueden presentarse las solicitudes a concurso del 17 de noviembre al 5 de diciembre de 2008.
Requisitos
Pueden optar a las Becas CAM Artes Plásticas 2008 los artistas españoles o residentes en España que tengan entre 23 y 40 años en la fecha de envío de la solicitud. Los proyectos a concurso pueden ser tanto individuales como grupales, debiéndose en este segundo caso nombrar a una sola persona responsable del trabajo y cumplimentar con sus datos el Impreso de Solicitud que, junto con el resto de la documentación exigida (D.N.I., dirección, currículum vitae, etc.), podrá remitirse hasta el 5 de diciembre de 2008 a Caja Mediterráneo.
Premios
Se ha dispuesto un máximo de seis becas de doce meses de duración en cualquiera de las siguientes disciplinas: pintura, escultura, dibujo, fotografía, vídeo y técnicas digitales. La dotación económica asignada es de 14.000 euros sin cambio de residencia y de 24.000 con traslado a otro país distinto al de la residencia habitual; cada becado recibirá un 35% de la cuantía total al inicio del disfrute, 25% en cada uno de los dos siguientes trimestres, y 15% a la entrega de la memoria final. Además, la CAM tiene previsto un calendario de exposiciones de periodicidad bienal con las obras de aquellos artistas que hayan sido becados por la Caja.
El arte de la muerte
Alguien dejó escrito una vez que la diferencia entre Jorge Manrique y cualquier otra persona es que éste convirtió una circunstancia tan habitual como la muerte de un ser querido en una obra de arte. Y, si los casos en la literatura son múltiples, los que se pueden encontrar en el campo de las artes plásticas no les van a la zaga: desde los túmulos prehistóricos, pasando por las catacumbas paleocristianas, las pietàs y mementos mori barrocos o las grandes pirámides faraónicas, la muerte es un elemento que, como parte de la vida, ha sido entendido y "celebrado" de muy diversas maneras a lo largo de la Historia del Arte. Ningún otro momento mejor para revisarlos que estos días, en los que en medio mundo celebramos la festividad de Todos los Santos.
La conmemoración de la muerte tendrá en los primeros tiempos de la existencia humana un fuerte carácter arquitectónico, derivado de la inevitable necesidad de hallar para los decesos que tengan lugar en el seno de estas comunidades ya sedentarias formas adecuadas de enterramiento. Así, junto con las primeras viviendas, aparecerán también los primeros espacios y rituales de culto asociados a la muerte. En el Neolítico podemos encontrar ya monumentos funerarios en la forma de grandes megalitos que reflejan la existencia de una sociedad organizada y jerárquica. Y, según hablemos de determinados poblados o regiones, las tipologías varían enormemente, desde el sencillo menhir hasta construcciones mucho más complejas, como los famosos crómlechs en círculo de Stonehenge o las sepulturas colectivas indicadas por los dólmenes.
Este primer nivel en la concepción de la muerte como una circunstancia rodeada de un significado supravital alcanzará una magnificencia, aún no superada, en las civilizaciones del antiguo Egipto, en las que el culto a los dioses y las teorías acerca de la vida más allá de la muerte serán una constante que impregne todos los estratos de la vida. Las pirámides faraónicas y las grandes mastabas de sus dignatarios más importantes se conciben y construyen en base a la creencia de una funcionalidad como espacios de transición a la vida de ultratumba: no suponen la materialización del punto final a una vida, sino la posibilidad de comenzar otra distinta. Todo en estas dos tipologías está pensado para que el difunto alcance un nuevo estadio en la manera prevista y sin dificultades: las pinturas son un recordatorio de lo vivido, las esculturas recipientes donde puede descansar el alma, y los objetos materiales -el ajuar- que acompañan al cuerpo monedas de cambio indispensables para poder pagar el costo del paso al más allá y llevar una vida sin estrecheces. La simbología que inunda estos espacios, por primera vez propiamente arquitectónicos dado que son transitables, es riquísima (como las calidades estéticas) y cada elemento posee un significado individual y otro grupal en relación a un conjunto cosmogónico de una gran complejidad.
Esta es la idea en la que se basarán todas las formas posteriores de rito funerario, desde persas, griegos, micénicos y romanos, hasta las sociedades actuales: la vida no finaliza con la muerte, de una manera u otra según las distintas creencias. Un concepto importante para poder comprender las manifestaciones artísticas asociadas a esta circunstancia, divisibles en dos grandes grupos, dados por la conmemoración y el recuerdo de la mortalidad humana. Existe sin embargo algo capaz de retrasar el olvido de lo que una persona fue, y es la historia (entendida como hechos o la consecución de una serie de actos). Así, y en la estela de los grandes faraones, multitud de personajes han deseado dejar constancia de lo que fueron, de lo que hubieron deseado ser, o de lo que llegaron a obtener; un legado que hoy día conocemos sólo a través de las manifestaciones asociadas al nombre de figuras de relevancia, ya que, por lo general, son éstas mucho más imperecederas que las de las clases inferiores (principalmente por la calidad de los materiales, más resistentes al paso del tiempo). De este modo, podemos encontrar en Persia las tumbas de Ciro y Darío, deudoras de dos tipologías tan diferentes como los iniciales ziggurat y el modelo de hipogeo, o la Tumba de Agamenón, buen ejemplo de tumba de corredor, en Micenas.
Si bien en las manifestaciones asociadas a la arquitectura funeraria de estas civilizaciones –esculturas, pinturas- puede advertirse una cierta intención naturalista, la tónica dominante será el hieratismo, junto con la simplificación volumétrica y compositiva, debiéndose al arte etrusco el naturalismo asociado a la retratística funeraria que aún hoy se mantiene en todo el Mediterráneo. Deja de lado la idealización previa para centrarse en los rasgos del difunto y asume la constatación de la realidad de la muerte como un hecho individual. En los sarcófagos y en las tapas de los vasos canopes encontramos ya el precedente de representaciones posteriores, como los sepulcros góticos, renacentistas y barrocos (el Sepulcro de Don Alfonso de la Cartuja de Miraflores o el Sepulcro del Cardenal Richelieu, obra de Girardon, son buenos ejemplos), así como la prueba de un modelo que encontramos en la Roma antigua: la incineración. Una práctica que cesará con la llegada del estoicismo, a partir del cual prosperará nuevamente la inhumación, más tarde extendida por el cristianismo en el mundo entero. Esta circunstancia va a conllevar la consiguiente proliferación y desarrollo de la tipología de sarcófago, gran protagonista de los más famosos espacios de enterramiento del arte paleocristiano: las catacumbas.
Los temas evolucionarán y, junto con la representación del difunto, será habitual encontrar la presencia de alegorías, o una iconografía específica, que relacionen a la persona con su pasado o procedencia. Algo que será muy habitual a lo largo del barroco posterior en las grandes tumbas de papas y emperadores, como sucede en el caso de los panteones de la familia Médici o en El Escorial, un caso, este último, dedicado por completo a la gloria de un emperador y toda su saga, Felipe II y los Austria.
Es en época barroca cuando podremos encontrar también excepcionales ejemplos de algo que hasta el románico resultaba impracticable: la representación del dolor y la mortalidad de lo divino. Las crucifixiones y las piedades serán algo común en el arte, alcanzándose verdaderos niveles de maestría (algo que no es de extrañar dado el carácter teatral y expresivo del movimiento) y un increíble verismo dentro de la imaginería asociada al culto religioso.
El Neoclásico abrirá, extrañamente, el camino de la idealización dentro de las representaciones de la defunción, del que resultará icónica la obra La Muerte de Marat de David. A partir de aquí el paso quedará libre para románticos (La muerte de Sardanápalo, Delacroix), realistas (El testamento de Isabel la Católica, Rosales), prerrafaelitas (La muerte de Ofelia, Dante Rossetti) y un largo etcétera, que alcanzará desde Goya hasta Picasso (muy relacionados ambos, además, en lo que respecta a su cualidad de artífices de grandes obras que mostrarán el tema de la muerte debida a la guerra) y posteriores (como Salvador Dalí o Ignacio Zuloaga).
Y no es posible finalizar un recorrido por el arte funerario de toda la Historia del Arte sin detenernos en el monumento más famoso de todos: el Taj Mahal. Conjunto de tradición islámica, persa e india, erigido por el Sha Jahan en honor de su favorita, Mumtaz Mahal, cuyo fallecimiento provocará tanto dolor en el emperador mongol que decidirá edificar el mausoleo que consiga la permanencia del recuerdo de su esposa y su inmortalidad por los siglos venideros.
UNA PITON EN EL PUB
Menuda sorpresa se debió llevar este fin de semana una joven viguesa que estaba en un pub de la calle Lepanto cuando se encontró en el aseo una serpiente pitón de más de un metro.
Bueno, aqui hay varias versiones, dependiendo del periodico que leas.
Por lo visto, un graciosillo se llevó su mascota de copas y ya estando un poquillo alegre se dedicó a meterse la "bicha" por arriba y sacarla por la pernera del pantalón. Una chica la rescató de lo que ella estaba considerando "malos tratos", la llevó al baño y allí encontraron a ambas, el ofidio enroscado en el cuello de la dama mientras esta le daba "aloumiños"
CAZADORES DESAPRENSIVOS
Cotorredondo recibe las primeras aves tiroteadas de esta temporada
Azores y ratoneros son las especies más proclives a ser víctimas de los perdigones de cazadores desaprensivos
Álbum de la semana
Benach retirará el televisor de su vehículo y pide perdón por la imagen dada
Descripción:
Ell presidente del Parlament se gastó 9.276 euros en equipar su vehículo, una nueva versión del A-8, con un televisor, una mesa de trabajo y un reposapiés.
Autor:
Alberto Estévez
Díaz Pardo, Leiro y Portela elegirán la nueva imagen del pazo de Baión
Condes de Albarei organiza un concurso de ideas dotado con 10.000 euros para definir la nueva marca.
El intelectual Isaac Díaz Pardo, el arquitecto César Portela, el pintor ??????? (este nombre no lo puedo poner, ESTA BORRADO DE MI VOCABULARIO), el escultor Francisco Leiro y el director de la escuela técnica superior de arquitectura, Xosé Manuel Casabella, serán los encargados de elegir la nueva imagen corporativa del emblemático pazo de Baión. La bodega Condes de Albarei presentó ayer las bases del concurso de ideas que permitirán redefinir la marca asociada a estas instalaciones. Y para elegir la mejor de las propuestas, la bodega cambadesa ha seleccionado a este jurado de lujo, en el que estarán representados los más destacados artistas e intelectuales gallegos.
El propio Díaz Pardo participó ayer en la presentación de este certamen. «Esta é unha cousa moi importante e aquí van facer moi bo viño», explicó el intelectual gallego de 88 años de edad. Se mostró encantado de participar en un jurado formado «por vellos amigos» y felicitó a la cooperativa por la iniciativa. Reconoció que nunca antes había visitado el pazo de Baión y vaticinó un gran éxito a Condes de Albarei, «porque esto vai ser moito máis que unha adega, vai ser unha empresa de prestixio internacional que xa quixeran para si os cataláns».
Junto a Díaz Pardo, en el jurado estará el arquitecto César Portela, que ayer asistió también al acto. El pintor ......(UMMMMM)y el escultor cambadés Francisco Leiro serán otros de los integrantes de un jurado en el que también participará Xosé Manuel Casabella. Todos ellos deberán elegir el programa de imagen corporativa tanto para el vino que se comercializará, como para el proyecto de enoturismo que se pondrá en marcha en estas instalaciones.
Un premio, dos accésits
Al certamen podrán concurrir todas las personas físicas y jurídicas que así lo deseen, pudiendo presentar cada una de ellas una única obra. El plazo para entregar los trabajos finaliza el próximo 31 de diciembre, pues la bodega prevé fallar el galardón antes del próximo 31 de enero. Todas las obras deben ser depositadas en la sede de la bodega, ubicada en la cambadesa parroquia de Castrelo, donde también pueden recogerse las bases. Condes de Albarei concenderá tres galardones. El primero, dotado con 10.000 euros, será para el ganador. Pero, además, se han creado otros dos accésits, dotados con 2.000 euros cada uno.
Una rapera viguesa derrota a 1.300 músicos
Aíd, de 18 años, se impone en un certamen nacional celebrado en Valencia
Cuando, hace dos meses, el padre de la joven rapera viguesa Aida Alonso Iglesias, conocida como Aíd, la animó a anotarse en el certamen musical de Heineken Greenspace seguro que soñaba que sería la ganadora. Y, finalmente, así ha sido. Su hija se ha llevado el primer premio, que le garantiza 9.000 euros para su próximo disco y varias actuaciones como telonera de artistas de renombre.
Al certamen, en el que podían participar músicos de cualquier estilo, se presentaron unos 1.300 temas. Entre todos, el jurado seleccionó a los cincuenta finalistas. Se abrió un período de votaciones en Internet en el que Aíd apenas superó los treinta votos, por lo que ya no contaba con seguir en la competición. Hace dos semanas, después de una de sus primeras clases en la Facultad de Telecomunicaciones de Vigo, recibió la llamada que la avisaba de que el jurado la había seleccionado como una de las tres finalistas y tenía que actuar en Valencia. «No me lo podía creer, no contaba ni con estar entre los cincuenta seleccionados por el jurado».
Cada uno de los finalistas tenía diez minutos para conquistar al jurado. Aíd iba acompañada de Dj Liha y B-boy Rubén. «Nuestro show quedó muy original porque además de la música incluía una demostración de breakdance ». Se enteró de que era la ganadora de una forma curiosa. Antes de que se publicase el veredicto, la llamaron para entrevistarla en una radio y ya la presentaron como ganadora. Al día siguiente ocupó de nuevo el escenario, pero esta vez con una actuación de veinte minutos como telonera de Lagartija Nick y Enrique Morente. «Fue increíble. El recinto estaba lleno y la gente se portó genial», sobre todo cuando Aíd trató de explicar con su música el significado de xeito , comparándolo con el flow americano y el duende andaluz.
A pesar de la repercusión del certamen y de su edad, 18 años, Aíd se lo ha tomado con mucho escepticismo. Como aún no sabe mucho sobre el premio, solo las felicitaciones de conocidos y amigos le recuerdan el triunfo. Aun así, reconoce que está muy feliz y orgullosa, sobre todo, por que el hip-hop gallego haya conseguido un reconocimiento tan importante en el ámbito nacional.
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