Feliu Elias (Barcelona, 1878-1948) Crítico e historiador del arte, pintor, caricaturista y escritor.Hacia 1899 asistía a la academia Hoyos de pintura;más tarde completó su formación en el Círculo Artístico de Sant Lluc y el Círculo Artístico de Barcelona.En 1910, huyendo de una condena de la ley de jurisdicciones, fue a París, donde estuvo dos años.
Fue profesor de historia del arte en la Escuela Superior de Artes y Oficios y en la Escuela Elemental del Trabajo.Más tarde fue profesor de la Escuela de Bibliotecarias.En 1922 fue a Portugal, y en 1923, a Holanda, lugares donde organizó exposiciones oficiales de arte catalán.Fugitivo de unas anunciadas represalias a los anarquistas, residió en París (1936-38), y volvió a ir en 1939 de donde ya no regresó. Dentro del campo del humor gráfico, fue el fundador de Papitu (1908), que dirigió hasta 1911.Reunió sus dibujos antialemanes, publicados durante la Primera Guerra Mundial en la revista Iberia de Barcelona, los cuales le valieron la gran cruz de la Legión de Honor francesa (1919) .
Estilísticamente, fue influido por los dibujantes del Simplicissimus, y se caracteriza por un trazo sintetista, duro y esquinado y una composición compleja y estructurada, a menudo con un gusto por lo grotesco y, especialmente al principio, teñido de un cierto aire decadentista.Como pintor fue miembro del grupo Las Artes y los Artistas, y se dio a conocer en 1910 al ganar una medalla de honor en la Exposición Internacional de Bellas Artes de Barcelona.
A pesar de que se lo consideró a menudo desfasado, su arte, fruto de su admiración por Vermeer y por Chardin, se inscribe de lleno en la línea neoobjectivista aparecida en Europa y en EEUU después de la primera ola vanguardista: la similitud de su pintura con la del alemán Hans Mertens -típico representante de la corriente Neue Sachlichkeit-, por ejemplo, es remarcable.Durante su última estancia en diversos lugares de Francia (1939-47) pintó numerosos paisajes, género que anteriormente casi nunca había cultivado.Buenas muestras de su obra, no muy numerosa, se conservan en el Museo de Arte Moderno de Barcelona.Publicó libros de historia del arte, algunos de los cuales, aunque metodológicamente acusan su formación autodidacta, han permanecido como clásicos (La escultura catalana moderna, 1926-28), y otros son aún monografías no superadas sobre Benet Mercadé (1921), Simón Gómez (1923), Enrique Monserdà (1927) y Francesc Soler Rovirosa (1931).
Publicó también La catedral de Barcelona (1926), El mueble de China (1927), Barcelona, guía práctica y artística de la ciudad (1929), El arte de la caricatura (1931), De la enseñanza de las bellas artes (su discurso de ingreso en la Academia de Bellas Artes de Sant Jordi, 1932), la vida de Damià Campeny (1938). Fundó la entidad Amigos del Arte Viejo e impulsó la restauración de Poblet (1928).Se opuso, siempre en nombre de la objetividad, al vanguardismo experimental (La moderna pintura francesa hasta el cubismo, 1917), actitud que dio origen a polémicas ruidosas con Sebastià Gasch y Josep Llorens y Artigas.Defendió su ideario desde Revista Nueva, Viejo y Nuevo, La Publicidad y Mirador y el sintetizó en el folleto Una nueva etapa de las artes (1932) -conferencia leída en una exposición de Pidelaserra-, donde se manifestó contrario al arte comprometido.
Arthur Hughes nació en Londres el 27 de enero de 1832 . Ingresó en la Escuela de Gramática del Arzobispo Tenison aproximadamente en 1838, y aunque allí mostró un talento temprano para el dibujo; en 1846 ingresó en la Escuela de Diseño de Somerset House, donde estudió con Alfred Stevens . En 1847 se matriculó en las Escuelas de Antigüedades en la Royal Academy, ganando una medalla de plata en 1849 y en ese mismo año exhibió su primera pintura en la Royal Academy. 1850 fue el año más importante de su vida: descubrió el prerrafaelismo; conoció a Tryphena Foord , su futura esposa y madre de sus seis hijos; y conoció a Alexander Munro , Dante Gabriel Rossetti , y Ford Madox Brown , de allí en adelante se convirtieron a su causa. En 1857 se unió a Rossetti , Morris , Edward Burne-Jones y otros para pintar murales en las paredes del Oxford Union Debating Hall (ahora la Biblioteca), un esfuerzo que tal vez inspiró sus últimas obras artúricas.
Además de ser el mejor de los seguidores prerrafaelistas Hughes fue uno de los principales ilustradores de libros.
La única publicación oficial de Hughes fue Art Examiner en las escuelas de South Kensington, aunque enseñó de enero a agosto de 1877 en el Working Men's College. En 1912 fue galardonado con una Pensión de la Lista Civil, y el 23 de diciembre de 1915 murió en Kew Green, Londres, habiendo producido aproximadamente 700 pinturas y dibujos conocidos y 750 ilustraciones de libros durante su vida.
Mottez, uno de los discípulos más dotados de Ingres, vivió en Roma .Tomó parte activa en la decoración de las iglesias de París ( San Martín compartiendo su manto, 1862, en Saint-Sulpice, Saint-Séverin); pero la decoración más importante, el pórtico de Saint-Germain-l'Auxerrois, ejecutado sobre un fondo de oro, ahora está destruida. El Louvre también conserva el retrato de Henri Mottez, niño, Salón de 1879.
ARISTIDES FERNANDEZ VAZQUEZ (1904-1934). PINTOR Y CUENTISTA CUBANO.
Arístides Fernández , es una de las figuras más destacadas de la vanguardia artística en Cuba. Nació en Güines, el 20 de julio de 1904. En 1915 su familia paso a residir en la La Habana. Arístides mostró temprana inclinación por la pintura, en 1917 tomó un curso de dibujo elemental y en 1925 logró matrícula en la Academia San Alejandro con la ayuda de Víctor Manuel.
No tardó en perder interés por los patrones académicos y buscar las propias vías a su expresión, en consonancia con las transformaciones estéticas que supunían las vanguardias históricas y deviene autodidacta, con una formación limitada, pero que enriquece con encuentros en su vivienda con jóvenes pintores como Jorge Arche, Domingo Ravenet y el propio Víctor Manuel, lo que avivó una plena libertad creadora, al margen de pautas academicistas. Nunca viajó fuera de Cuba. Era asiduo visitante en las tertulias de Emilio Rodríguez Correa en La Habana. Leía con interés autores de la talla universal de Honoré de Balzac o Fiódor M. Dostoievski y escuchaba a Beethoven con deleite.
Falleció tempranamente, el 21 de agosto de 1934. El exigente espíritu autocrítico que lo movía a destruir continuamente sus cuadros para rehacerlos y su temprana muerte a la edad de treinta años, hicieron que Arístides Fernández legara un conjunto reducido de obras que nunca fueron expuestas en vida del artista. Todas sus exposiciones se realizaron póstumamente. La primera muestra fue organizada por su amigo Jorge Arche en la Sociedad Lyceum el 19 de diciembre de 1934, apenas cuatro meses después de morir Arístides. En ella se presentaron 15 óleos y 19 dibujos.
Después de la época azul, Picasso se fue recuperando del duelo por la muerte de su amigo Carles Casagemas y empezó su época rosa. El período rosa duró desde 1904 hasta 1907, justo antes de empezar sus experimentos con el cubismo.
El pintor empezó a ver la vida con más optimismo y alegría y lo reflejó en su arte. Se instaló en París y se enamoró de Fernande Olivier (conocida como “la belle Fernande”), con quien estuvo durante siete años.
Ella trajo la belleza y el compañerismo a la vida de Picasso. Vivían en el barrio de Montmartre, muy frecuentado por escritores y pintores de la época, tales como Guillaume Apollinaire y André Salmon.
La relación entre Picasso y Olivier comenzó casi inmediatamente, justo al principio del Periodo Rosa del pintor. Olivier se convirtió en una importante fuente de inspiración para él. Entre 1905 y 1906 Picasso le dedicó obras como el retrato con mantilla negra, que se conserva en el Museo Guggenheim de Nueva York.
Durante esta época conoció y retrató a los miembros del Circo Medrano, a los que pintó felices con sus familias. A Picasso le gustaba la agilidad y la valentía de los artistas de circo, así que les dedicó muchos cuadros: pintó máscaras, arlequines, domadores y payasos.
En 1906, Picasso consigue vender la mayoría de sus cuadros “rosa” a un mismo comprador, y, por primera vez, puede disfrutar de una posición económica desahogada. Ese mismo año visita a sus padres en Barcelona, acompañado de su amante Fernande. Después, ambos parten a Lérida, donde el artista pinta
El aseo, y Autorretrato con paleta, dando fin a el Periodo Rosa, que abrirá el camino hacia un nuevo ciclo El Cubismo.
Carles Casagemas se quitó la vida en el L'Hippodrome Café en París , Francia pegándose un tiro en la sien derecha en 17 de febrero 1901 - Picasso más tarde recordó, "Empecé a pintar en azul. cuando me enteré de la muerte de Casagemas" .
Los dos amigos viajaron a París para visitar una exposición, donde Picasso exponía su cuadroÚltimos momentos. Se instalaron en el estudio que Isidre Nonell les prestó, donde pocos días después se les unió Manuel Pallares, compañero de estudios de Picasso. Los tres pintores se hicieron amigos de tres modelos francesas que posaban habitualmente para los expatriados españoles: Laure Gargallo, conocida como Germaine, su hermana Antoinette Fornerod y una amiga de ambas, Louise Lenoir, llamada por sus amigos Odette. Se acoplaron Casagemas con Germaine, Pallares con Antoinette y Picasso con Odette.
Casagemas se enamoró perdidamente de Germaine y le pidió matrimonio, pero Casagemas no era un buen partido: bebía como un cosaco, estaba enganchado a la morfina, tenía un serio problema de impotencia y para colmo de males, físicamente no era atractivo. Además Germaine mostraba predilección por Picasso.
La negativa de Germaine dejó a Casagemas devastado. En navidad, Picasso lo llevó a Barcelona y luego a Málaga, con la esperanza de que su amigo olvidase a Germaine. El plan no funcionó.
Como Germaine le repetía siempre que no quería saber nada de él, Casagemas invitó a sus amigos a una cena de despedida en el Hippodrome café. Estando allí reunidos, se puso de pie como para dar un discurso, sacó una pistola del bolsillo y se pegó un tiro en la sien derecha.
Picasso estaba muy triste y melancólico, empezó a pintar en colores fríos, y, en su mayor parte, azules. La muerte de su amigo dio lugar a la época azul. Los cuadros de esta época muestran la compasión de Picasso por las personas pobres y desvalidas. El color azul le pareció a Picasso adecuado para expresar sus sentimientos de pena y de dolor. Utilizó este color durante más de cuatro años, y de año en año sus cuadros se fueron haciendo más monocromos. En este cuadro, "El entierro de Casagemas" Picasso conmemora la muerte de su amigo. En la parte inferior aparecen varias mujeres de luto velando el cadáver, mientras que en la parte superior no encontramos ángeles, santos o figuras religiosas sino prostitutas, niños y mujeres. Una de las mujeres se despide de Casagemas, que aparece montado en un caballo blanco. Se ve la influencia de El Greco que Picasso había visto en Madrid y Toledo.
Los personajes de la época azul son vagabundos, pobres, prostitutas, bohemios y otras víctimas de la sociedad que frecuentaban los bares en Montmartre o las calles de Barcelona. Las figuras expresan abandono, soledad y melancolía.
Pintor, dibujante y grabador francés (1803 - 1869)
Huet estudió en el estudio del pintor Pierre-Narcisse Guérin, pero desarrolló la mayor parte de sus habilidades artísticas cuando era niño pintando en París en el Parc Saint-Cloud y el Ile Séguin. También fue enseñado por el pintor Antoine-Jean Gros y asistió a la Ecole des Beaux-Arts.
Se hizo amigo del artista Richard Parkes Bonington en 1820. Pintaron juntos en Normandía con otros artistas paisajistas ingleses, incluido John Constable, quien se convirtió en una influencia clave para Huet. Hizo su debut en el Salón de París en 1827. Continuó exhibiendo allí hasta su muerte. Fue galardonado con una medalla de oro en la Exposición de Bellas Artes de Lille y más tarde lo nombraron Chevalier de la Legión de Honor en 1841. También expuso en la Exposición Universal de París en 1855.
Viajó extensamente por Francia la mayor parte de su vida, dibujando áreas rurales y la costa. También visitó Italia entre 1841 y 1843 y viajó a Londres, Bélgica y los Países Bajos a principios de la década de 1860. Trabajó principalmente en acuarela, lápiz y pastel, pero experimentó con diferentes técnicas y estilos para tratar de capturar el ambiente y la atmósfera de Europa.
1819- 1881 Nació en Polonia de padres alemanes como Anna Maria Elisabeth Lisinska Baumann.
A la edad de diecinueve años, comenzó sus estudios en la Kunstakademie Düsseldorf y está asociada con la escuela de pintura de Düsseldorf. Comenzó a exhibir allí y en 1844 atrajo la atención del público por primera vez. Después de mudarse a Roma, sus pinturas eran principalmente de la vida local. Fue aquí donde conoció a su futuro esposo, el escultor Jens Adolf Jerichau, con quien se casó en 1846.
La pareja se mudó a Copenhague en 1849, donde su esposo se convirtió en profesor en la Real Academia Danesa de Bellas Artes. Elisabeth no fue bien recibida por el mundo del arte danés. Pintó retratos de daneses importantes e hizo varios de la Reina Luisa de Dinamarca. En 1858 fue galardonada con la Medalla del Jubileo de la Academia y se convirtió en miembro en 1861.
Sin embargo, tuvo un gran éxito en el extranjero y tuvo un seguimiento especial en Francia donde estuvo representada dos veces en la Feria Mundial de París, primero en 1867 y nuevamente en 1878. En 1852 exhibió algunas de sus pinturas en Londres, y la Reina Victoria solicitó una presentación privada en el Palacio de Buckingham. Entre los retratos presentados a la reina estaba su pintura de Hans Christian Andersen, completada en 1850.
En 1869-1870 viajó por el Mediterráneo oriental y Medio Oriente, y nuevamente en 1874-1875 acompañada por su hijo Harald. Pudo acceder a los harenes del Imperio Otomano y, como resultado, pudo pintar escenas de la vida del harén. Su trabajo de este período es a veces decorativo y con frecuencia sentimental, pero con un fino sentido del color y la iluminación. El sensualismo en algunas de estas pinturas todavía se consideraba tabú en algunas partes de Europa y el mundo del arte danés trató de mantener estas obras fuera de la vista.
Nacimiento: 2 de Enero, 1462 - Muerte: 12 de Abril, 1522
Piero di Cosimo, conocido a veces como Piero di Lorenzo, nació en Florencia, hijo de un orfebre, y estudió con Cosimo Rosselli (1439-1507), de ahí el nombre por el que es conocido. Ayudó Rosselli en los trabajos para la Capilla Sixtina, en 1481. En su primera fase, fue influenciado por el naturalismo holandés de Hogo van der Goes (1440-1482), cuyo Tríptico Portinari había llevado la pintura florentina en nuevos caminos. De él Cosimo Cosimo aprendió el amor para los paisajes y por el profundo conocimiento del crecimiento de las flores y de la vida natural. La manera de van der Goes es evidente especialmente en la Adoración de los pastores por Cosimo, ahora en Berlín.
En 1482 se trasladó a Roma con Rosselli, y demostró ser un verdadero hijo del Renacimiento, pintando temas de la mitología clásica, como Venus, Marte y Cupido, y la Muerte de Procri. Recordamos también la serie de Perseo y Andrómeda, cuya La liberación de Andrómeda se encunetra ahora en los Uffizi. Inspirado por Vitruvio y por su acercamiento a la evolución del hombre, construyó sus obras mitológicas con apariciones extrañas, formas híbridas de hombres y animales, y los hombres que aprendieron a utilizar el fuego y las herramientas. Los numerosos desnudos en sus obras revelan la influencia de Luca Signorelli (1445-1523).
A lo largo de su vida, Cosimo se hizo una reputación de excéntrico. Parece haber sido asustado por las tormentas, y el fuego, hasta el punto de que raramente cocinaba. Comía sobre todo huevos hervidos, que preparaba 50 a la vez, mientras cocinaba el pegamento para su trabajo. No quería que su taller fuera limpio, o que sus árboles frutales fueran podados. Según Vasari (1511-1574), vivía casi como una bestia.
Si, como dice todavía Vasari, vivió los últimos años en un triste aislamiento, el cambio fue probablemente debido al reformador religioso Savonarola (1452-1498), bajo cuya influencia dirigió su atención a un arte más religioso. La muerte de Rosselli, su maestro, podría haber más oscurecido sus últimos años. Su Encarnación, expuesta en los Uffizi y la Sagrada familia de Dresda, bien ilustran el fervor religioso con el que era estimulado por el rígido predicador.
Cosimo tenía una gran reputación como retratista: la más conocida de estas obras suyas es el retrato de una mujer de la nobleza florentina, Simonetta Vespucci (1453-1476), la amante de Giuliano de' Medici (1453-1478). Según Vasari, Cosimo se destacaba en el diseño de los concursos y desfiles triunfales para la juventud florentina amante de los placeres. Cosimo tuvo una influencia importante sobre los compañeros del taller de Rosselli, como Albertinelli (1474-1515) y Fra Bartolomeo (1472-1517). Fue también el maestro del manierista florentino Andrea del Sarto (1486-1531).
(Este texto ha sido adaptado de www.wikipedia.org, disponible en GNU Free Documentation License).
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