tosa mitsuyoshi

La escuela TOSA de pintura japonesa fue fundada en el siglo XV, y se dedicó a yamato-e, que son pinturas especializadas en temas y técnicas derivadas del antiguo arte japonés, como contrapunto a las escuelas influenciadas por el arte chino.

Los orígenes de esta escuela pueden atribuirse a Tosa Yukihiro (土佐 行弘),que fue el primero en usar profesionalmente el nombre de Tosa a principios del siglo 15. Más tarde, la escuela fue formalmente fundada por Mitsunobu (1434?–?1525), y ejerció como pintor de corte para el imperio, especializandose en temas cortesanos pintados en estilo yamato-e (やまと絵).



Durante esta época, los miembros de la escuela Tosa casi continuamente ocuparon la posición de pintores principales de corte para el imperio (絵所預 edokoroazukari). hasta el siglo 17, la escuela Tosa pintó para la Corte y para la aristocracia, pintando temas de escenas del cuento clásico Genji (源氏絵), pero en años posteriores, los temas se hicieron mas variados incluyendo cuadros de flores y pájaros y otros temas inspirados en la pintura china. En general, el estilo Tosa se caracteriza por composiciones algo planas, decorativas, bien realizadas, con gran atención al detalle y de brillante colorido.


La primera prueba documental de un artista que usara el nombre de Tosa se encuentran dos evidencias a principios del siglo 15 refieriendose a un hombre llamado Fujiwara Yukihiro (藤原行広) (fl. 1406 – 1434) quien tambien era conocido como Tosa Shōgen (土佐 将監), un título derivado por su posición como gobernador de la provincia de Tosa. La actividad de Yukihiro como pintor se conoce por una inscripción en unos cuentos ilustrados del origen de Yūzū Nembutsu (融通念仏縁起); 1414, Seiryōji (清涼寺), Kyoto.



El padre de Yukihiro, Fujiwara Yukimitsu (藤原 行光) (fl. 1352 – 1389)fue nombrado jefe del gabinete de pintores del imperio en 1352, y parece que Yukihiro también ocupó dicho puesto. Sin embargo, la linea de sucesión de Yukimitsu (considerado por algunos el fundador de la escuela) hasta Tosa Mitsunobu (土佐 光信) (1434 – 1525), que llevó la escuela a una posición muy relevante a finales del siglo 15 , todavía no está clara.

Quedan muchas obras buenas de Mitsunobu. Aunque pintó tanto temas budistas como retratos, además de un repertorio estandard de temas de la corte, es más conocido por sus rollos ilustrados, emaki (絵巻), tales como las leyendas de Kiyomizu-dera (清水寺縁起). Durante la vida de Mitsunobu, la escuela Tosa puede que haya tenido alguna influencia en los principios de la escuela Kanō (狩野派), en particular, por el uso de colores brillantes y combinaciones doradas, inspiradas en la pincelada china, y por varios temas por los cuales la escuela Kanō es conocidas.



A Mitsunobu le sucedió su hijo, Mitsumochi (光茂) (1496 – ca.1559), con el cual la buena suerte de la escuela comenzó a declinar. Cuando Mitsumoto (光元) (fl.1530 – 1569), el siguiente pintor principal, murió en una batalla en 1569, le dieron su puesto a su segundo hijo o quizás un discípulo de Mitsumochi, Tosa Mitsuyoshi (土佐 光吉) (1539 – 1613). Mitsuyoshi abandonó la capital y el puesto y se estableció en la ciudad de Sakai (堺), un puerto cerca de Osaka, donde vendia sus cuadros a la gente de la ciudad. Mitsumochi también abandonó los temas tradicionales Tosa y se especializó en pinturas de pájaros y flores. Durante esta época la dirección del gabinete de pintura imperal pasó de la escuela Tosa a las manos de la escuela de pintores Kanō.

El hijo de Mitsuyoshi, Mitsunori (光則) (1583 – 1638) continuó viviendo y trabajando en Sakai, pintando para gente de la ciudad hasta 1634, luego se trasladó a la capital con su hijo mayor, Mitsuoki (光起) (1617 – 1691) y empezó a pintar abanicos ceremoniales para la corte. Veinte años más tarde, en 1654, Mitsuoki fue nombrado como el pintor principal del gobierno imperial, restaurando asi la suerte de la familia Tosa. Mitsuoki tambien modernizó el estilo tradicional Tosa introduciendo elementos de la pintura china.

Los sucesores le siguieron como pintores del imperio hasta finales del periodo Edo, pero continuaron imitando el estilo de Mitsuoki, en lugar de desarrollar nuevas técnicas o temas, por lo que sus obras resultaban estáticas y convencionales.



References

* Burke, Richard. Murasaki Shikibu: Her Diary and Poetic Memoirs. Princeton University Press, 1982.
* Murase, Miyeko. Iconography of The Tale of Genji. Genji Monogatari Ekotoba. New York and Tokyo: Weatherhill, 1983.
* The Tale of Genji: Legends and Paintings. Introduction by Miyeko Murase. New York: George Braziller, Inc., 2001 ISBN 0-7141-1496-0

Brehin profana Delfos

Fresco+del+Monasterio de San Juan-Grecia+Patmos



Dama-de-Mycenes-s.-XIII
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Brenno


Y llegó el guerrero galo Brenno, jefe de la tribu de Senones, a Delfos, el templo sagrado de los griegos.


delfos


Con un ejército de 150.000 guerreros el lider Celta quería asestar un golpe tan temible a los griegos como había sido la invasión de Roma para los romanos.



apolo


Entre unas brumas de pesadilla se les apareció Apolo y desde la cima del monte Parnaso


monte_parnaso

envió tres rayos sobre el cuerpo de Breno. (La historia dice tres, pero eso es segun quien la cuente. Yo digo que debieron ser más para herir de muerte a nuestro Dios Bran).

(Me pregunto como la deidad profética del oráculo de Delfos, el dios de la medicina, defensor de rebaños y manadas, y jefe de las musas pudo tener un momento tan vengativo)


guerreros-de-Pilos


Los guerreros fueron arrojados desde la cima del monte a manos de un Apolo desconocido y Brenno, herido de muerte se quitó la vida antes de ser apresado por sus enemigos

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El nombre de Brenno significa en celta Raven (cuervo), como era costumbre entre los pueblos celtas de usar como nombres propios, nombres de animales para enfatizar un físico o el carácter, en relación con el espíritu original de la naturaleza, como Hirpus el lobo o el jabalí cisne Cicno Moccus. Brennan o Bran, el dios celta de la guerra, era a menudo representado como el espritu de un cuervo .

Posteriormente, dada la gran personalidad del líder, el nombre tomó el significado de CAPO o cabeza (en Celta Brehin) de la misma manera, que se utilizaron en otras culturas el nombre de César, Kaiser o zar para designar a los jefes

Poema El Hijo de Pablo Neruda

FELIZ CUMPLEAÑOS FERNANDO


Ay hijo, sabes, sabes
de dónde vienes?

De un lago con gaviotas
blancas y hambrientas.

Junto al agua de invierno
ella y yo levantamos
una fogata roja
gastándonos los labios
de besarnos el alma,
echando al fuego todo,
quemándonos la vida.

Así llegaste al mundo.

Pero ella para verme
y para verte un día
atravesó los mares
y yo para abrazar
su pequeña cintura
toda la tierra anduve,
con guerras y montañas,
con arenas y espinas.
Así llegaste al mundo.

De tantos sitios vienes,
del agua y de la tierra,
del fuego y de la nieve,
de tan lejos caminas
hacia nosotros dos,
desde el amor terrible
que nos ha encadenado,
que queremos saber
cómo eres, qué nos dices,
porque tú sabes más
del mundo que te dimos.

Como una gran tormenta
sacudimos nosotros
el árbol de la vida
hasta las más ocultas
fibras de las raíces
y apareces ahora
cantando en el follaje,
en la más alta rama
que contigo alcanzamos.

Zeng Fanzhi

Inédito y sorprendente, el artista chino Zeng Fanzhi aúna en su obra el expresionismo admirado de Bacon junto con la angustia y un onirismo provenientes de la mejor tradición oriental. Desconocido en España, ahora la Fundación Francisco Godia (Barcelona, España) presenta al gran público una muestra donde han sido reunidas sus obras más personales.


La exposición ofrece una selección de piezas escogidas, pertenecientes a la colección particular del artista, aquéllas de las que nunca ha querido desprenderse. De número reducido y gran formato, las piezas alternan la abstracción con un figurativismo excepcionalmente peculiar, en el que la figura humana, deformada y evocadora, es la gran protagonista. Desde la crítica que suponen los atributos pertenecientes a sus famosas series de yuppies, concretados en el color del éxito en la China comunista, hasta el homenaje, presente en cuadros como Bacon and Meat, el arte de Zeng Fanzhi es una ventana a territorios de la conciencia inexplorados, a una realidad, individual y social, que se hace presente de una forma incómoda.

En este recorrido el maestro por excelencia no podrá ser otro que un lúcido Bacon, a quien tanto recuerda Fanzhi en el dominio del gesto expresionista en plena figuración. Hay que destacar en la muestra, frente a los cuadros de los "cinco grandes" -Marx, Engels, Lenin, Stalin y Mao-, sus retratos anónimos, de los que es una buena muestra la obra We, o sus grandes abstractos, conformados por una enmarañada pincelada que no posee ni principio ni fin. Junto con esto, la Fundación Francisco Godia presenta en primicia la primera escultura del artista, un reclamo más para acercarse a disfrutar de una exposición que no dejará indiferente.



Más información: Fundación Francisco Godia

Feria Mercado de los Artistas 2009

A la manera de un pequeño Museo d'Orsay, la preciosista estación de tren de Atocha (Madrid, España) se convertirá durante este mes en sala de exposiciones para acoger la cita anual de la Feria Mercado de los Artistas. Un punto de encuentro donde los artistas tendrán la oportunidad, durante once días, de mostrar su obra a nivel nacional, y los compradores de hacerse con piezas de calidad a precios asequibles. Una reunión que aún tiene abierto el plazo de inscripción y que se complementa con un original programa de performances, donde los diferentes lenguajes artísticos tendrán cabida, junto con los concursos desarrollados bajo el auspicio de Renfe Cercanías. DEL 27 DE NOVIEMBRE AL 8 DE DICIEMBRE DE 2009.


La Feria responde a una fórmula exclusiva, tanto de exposición y atención al público como de compraventa; una circunstancia que, en sí misma, ya suscita un gran interés cada año, con la consiguiente repercusión mediática que ello conlleva y la publicidad obtenida por los autores integrantes. El modelo de funcionamiento propuesto por la Feria implica ventajas tanto para artistas como para compradores, ofreciendo a cada una de las partes las mejores condiciones de exhibición y adquisición.

La Feria funciona como un gran supermercado del arte donde los visitantes pueden pasear, visionar, comentar y escoger las piezas, abonando su importe a la salida del recinto. Junto con esto, cuenta con dos formatos de exposición que se acomodan a diversos presupuestos, una fórmula que se complementa con la ventaja de la atención del público asistente por parte de la organización. Una ventaja a la que habría que añadir que no es preciso que las obras vayan enmarcadas, con el ahorro que esto supone con respecto a las exposiciones convencionales, la inclusión en el catálogo con fotografía a color sin coste adicional y el hecho de que cada artista puede participar hasta con 35 obras de medida máxima 65 x 60 cms.

Los formatos de exposición varían del módulo-cajón hasta el stand, con precios que oscilan asimismo de los cerca de 300 € hasta los poco más de 400 € en función de la modalidad escogida. Los pintores pueden presentar en el módulo individual, dotado de un cajón y un panel frontal, más de treinta obras sin enmarcar de pequeño formato y precio máximo de 600 €; una opción que se amplía con el formato de paneles, donde puede exponerse obra sin límite de medidas o precio. La comisión de venta que se proporcionará a la organización es del 40%, quien se ocupa de atender a los visitantes y actúa como recaudador en nombre de los artistas.

De forma paralela a la muestra se realizarán diversas actividades de Bodypainting, en las que se ofrece una visión diferente del proceso creativo, y Renfe otorgará, como cada año, los "Premios Renfe" en metálico a la "Mejor obra" y al "Mejor conjunto de obra".

Para participar como artista envía un e-mail a la dirección de correo electrónico ferias@profearte.com con la solicitud adjunta debidamente cumplimentada y, si se trata de tu primera participación en la Feria, dos fotografías de obra reciente en línea con lo que expondrás y un currículum. Dicho envío se puede realizar por correo electrónico (en formato jpg de pequeño tamaño) o por correo postal con las fotos impresas o grabadas en cd a Profearte s.l. c/ Hilarión Eslava nº 19, 28015 Madrid. En el plazo de una semana la organización comunicará la decisión tomada telefónicamente o por correo electrónico.

Y para asistir como visitante tan sólo tienes que enviar a invitaciones@profearte.com un mensaje con todos tus datos personales y la palabra "Invitaciones" indicada en el asunto.


Más información: Profearte

III Concurso de Escultura “Premios AQA”

La Fundación Francisco Carvajal (Puerto Rico), y el Ayuntamiento de Albolote (Granada, España), convocan este certamen de escultura destinado a todos los artistas sin distinción de nacionalidad o residencia. El tema será libre, con especial valoración de aquellas piezas que se integren en su futuro emplazamiento, y el premio único de 6.000 € más un fondo de ejecución de obra máximo de 36.000 €.


Ficha del certamen

Organiza: Fundación Francisco Carvajal y Ayuntamiento de Albolote.

Categorías: Escultura.

Plazo de recepción de solicitudes: Del 16 al 30 de noviembre de 2009.

Límites de participación: Podrán concursar todos los artistas, cualesquiera que sea su nacionalidad o residencia. .

Requisitos: La temática de las obras será libre, si bien el jurado considerará la integración de la obra con el carácter urbano de su futuro emplazamiento. La obra ganadora se emplazará en el lugar acordado, entre el Ayuntamiento de Albolote y la Fundación Francisco Carvajal, reservándose no obstante, el ayuntamiento de albolote la decisión definitiva acerca de su ubicación. Cada proyecto se presentará en la técnica expresiva y material deseado por cada escultor, teniendo presente que, de resultar ganadora del certamen, la escultura deberá realizarse en material resistente a la intemperie.

Documentación: Cada autor podrá presentar un máximo de dos proyectos de escultura a concurso, originales e inéditos. Las esculturas no habrán sido presentadas a certámenes anteriores y deberán presentarse correctamente embaladas, no siendo superior su altura a 50 cm . Será necesario acompañar el proyecto de un sobre cerrado con título/lema con una memoria explicativa que incluya posible ubicación, anclajes, conceptos y cualquier otro aspecto que el autor estime conveniente. En la carátula de dicha memoria deberá ser visible el título de la obra. En el mismo sobre se incluirá un breve currículo vitae. Adherida a la peana deberá colocarse la ficha de inscripción debidamente cumplimentada y en un sobre cerrado en donde resulte visible, el título/lema de la obra.

Presupuesto: Cada escultor presentará, junto con la documentación del concurso, en sobre cerrado, el presupuesto material de ejecución de la obra fundida en bronce y el tamaño establecido en la memoria. Todos los gastos ocasionados en la ejecución de la obra, incluido el transporte desde la fundición hasta su emplazamiento, así como su anclaje definitivo, deberán estar incluidos en dicho presupuesto. El autor será responsable de la dirección técnica de la obra, debiendo quedar sus honorarios incluidos en el presupuesto total que correrá íntegro, a cargo de la entidad organizadora. El presupuesto no podrá superar los TREINTA Y SEIS MIL EUROS (36.000,00€) IVA incluido.

Dotación: Se establece un único premio para el autor de la obra seleccionada con una dotación económica de SEIS MIL EUROS (6.000,00€). Dicha cuantía quedará sometida al impuesto sobre la renta de las personas físicas, de acuerdo con la legislación vigente. La Fundación Francisco Carvajal hará entrega del premio al autor una vez recepcionada la obra definitiva.



Más información: Premios AQA

VI Concurso de Foto-reportaje ARCO 2010

Cinco fotógrafos, designados por un jurado, tendrán la oportunidad de captar día a día el desarrollo de la edición 2010 de la Feria Internacional de arte Contemporáneo gracias a este certamen promovido por la propia ARCO (Madrid, España). El concurso está abierto a todos aquellos profesionales menores de 40 años, quienes recibirán además en pago por su trabajo la cantidad de 1.560 € a la entrega final.


Ficha del certamen

Organiza: ARCO.

Categorías: Fotografía.

Plazo de recepción de solicitudes: Hasta el 30 de noviembre de 2009.

Límites de participación: La convocatoria de este concurso está abierta a fotógrafos que no hayan cumplido 40 años a día 31 de diciembre de 2009. No podrán participar aquellos que formen parte del Jurado, que
pertenezcan al personal fijo de ARCOmadrid / IFEMA, Feria de Madrid ó sean familiares en primer grado de personas relacionadas con el diseño u organización de este concurso.

Requisitos: Se entregará un portafolio de imágenes impresas; no contendrá menos de diez imágenes ni más de veinte. Las fotografías podrán tener una mancha de imagen libre, sin superar el formato 40 x 60 cm. No podrán estar montadas sobre soporte secundario, ni enrolladas. El concurso es de carácter anónimo, por lo que las reproducciones no podrán estar firmadas. La temática es libre, aunque se sugiere la presentación de obras que puedan mostrar una afinidad con el tipo de trabajo a encargar a los ganadores.

Documentación: El plazo de entrega de los materiales finalizará el 30 de noviembre de 2009. Se aceptarán también los envíos en los que conste matasellos con dicha fecha. Sean entregados o enviados, los paquetes se dirigirán a nombre del "Concurso de Foto-Reportaje ARCOmadrid_ 2010”, y se deberán hacer llegar a ARCOmadrid, Feria de Madrid, 28042 Madrid.

En un sobre dentro de este paquete, se incluirá el nombre del autor junto con todos los datos personales, fotocopia del DNI o pasaporte y currículum vítae actualizado, así como una declaración firmada en la que conste la aceptación firmada de las condiciones establecidas en las bases como compromiso de llevarlas a efecto íntegramente en caso de ser seleccionado. Asimismo, deberá hacerse constar si desea recuperar sus obras una vez finalizado el concurso. Finalmente, se adjuntará un tercer embalaje para la posterior devolución de las imágenes, si así lo desea el concursante. Este embalaje deberá estar debidamente preparado, con la dirección de destino y el franqueo pagado. Con el objeto de asegurar la transparencia del concurso, el nombre y datos personales de cada fotógrafo permanecerán en el anonimato hasta ser realizada la selección final por parte del Jurado, momento en el que estos datos se harán públicos.

Premio: El trabajo de cada fotógrafo deberá abarcar todos los actos que se celebren entre los días 15 al 22 de Febrero del 2010, relacionados con la Feria. Los fotógrafos seleccionados percibirán por su trabajo y
entrega del trabajo final, la cantidad de 1.560,00 € (a los que serán de aplicación los impuestos que correspondan conforme a la normativa vigente).



Más información: ARCO

Sorolla camina con Velázquez

Al igual que todos los artistas, Sorolla adeuda parte de su estilo único a influencias previas; en su caso, será Velázquez el gran maestro, aquél de quien comprenderá lo necesario para imprimir a sus obras una atmósfera característica y diferenciada. El Museo Sorolla de Madrid (España) presenta el "diálogo" establecido entre ambos en una exposición que se estructura en torno al Menipo velazqueño y cuenta con obras del periodo de formación del valenciano.


Velázquez ha sido la gran influencia del arte español desde el Barroco; la figura que reúne todas las cualidades, todos los estilos y todo el gesto expresivo más tarde desarrollado. De esta manera, será sin dudar el maestro que subyacerá en buena parte de los artistas posteriores, en temas, forma, composición, luces y sombras, colores y psicología. Homenajeado hasta la saciedad en el s.XX por autores de obras tan evidentes como las Meninas de Picasso o los Inocencios de Bacon, existen, sin embargo, pintores en el que la espíritu velazqueño es más residual. Sorolla presenta esta sutileza, ahora al descubierto en una muestra que sitúa frente a frente a ambos autores.

Concebido como un proyecto expositivo con vocación de continuidad, la exposición organizada por el Ministerio de Cultura y la Fundación Museo Sorolla se establece en torno a tres ejes temáticos: Realismo, Retratos y Paisaje. Desde cada uno de estos puntos de vista se va a revisar la relación del valenciano con la tradición naturalista previa, así como su filiación con Velázquez, presente en retratos como Mis hijos o el Autorretrato de Sorolla. Una lección de composición que asumirá en una clave moderna y que le llevará a alumbrar obras maestras como La bata rosa.

La muestra acoge un total de once pinturas de Sorolla, el cuadro de Velázquez donde aparece representado el filósofo satírico Menipo de Gadara -alejado de cualquier imagen clásica e idílica-, junto con tres de las copias que Sorolla hizo de cuadros de Velázquez en su etapa de formación. Aquí se establece ya la relación que mantuvo con el que será su gran referente y en cuyo conocimiento irá profundizando con el paso del tiempo según vaya aumentando la comprensión de su pintura. Un entendimiento en el cual tendrá una influencia decisiva la obra de autores extranjeros influidos asimismo por Velázquez, como sucederá con el sueco Anders Zorn, de quien Sorolla considerará que "[...] había resumido lo que nosotros, teniendo en casa a Velázquez y contemplándolo todos los días, no vemos ni entendemos por sobra de prejuicios".



Más información: Museo Sorolla

El documental sobre la creación de un mito. Sólo dos semanas en cartelera.

Arte femenino - la nueva colección del Centro Pompidou

Por primera vez se presenta una exclusiva colección de arte femenino en uno de los museos más importantes de París y del mundo. Se trata de una presentación que el Centro Pompidou ha dedicado a las mujeres artistas desde el siglo XX hasta la actualidad. La exposición comenzó el 18 de septiembre y terminará al final de mayo 2010. El Centro Pompidou reúne en un entorno único una de las primeras colecciones de arte moderno y contemporáneo más importantes de Europa.


frida-kahlo

La institución, que ha sido capaz de organizar y presentar al mundo la primera exposición europea de arte moderno y contemporáneo, ha establecido un compromiso único con artistas femeninas de diversas nacionalidades y disciplinas, haciendo posible un acontecimiento de gran nivel cultural. Se puede decir que ha dado la posibilidad al mundo de descubrir a estas mujeres, su forma de vida y sobre todo su arte a partir del siglo XX.



Dorothea Tanning

Hay figuras emblemáticas como Sonia Delaunay, Frida Kahlo, Dorothea Tanning, Joan Mitchell y Maria-Elena Vieira da Silva, es decir grandes artistas contemporáneas. También se puede disfrutar de obras de Sophie Calle, Annette Messager o Louise Bourgeois. Ellas fueron ya objeto de exposiciones monográficas de gran interés en el mismo centro.


Karen Knorr

El programa subraya los contextos culturales de estas mujeres, su experiencia, lo que han descrito en un siglo de historia, a través de la literatura, de la historia del pensamiento, de la danza y del cine. Empezamos por las mujeres pioneras que abrieron el arte al mundo femenino. Primitivas, funcionales, urbanas, surrealistas, objetivas… Sus trabajos estarán presentados en ocho salas. Son mujeres que han
acompañado la vanguardia y la evolución: estamos hablando de Shirley Jaffe, Joan Mitchell, Sonia Delaunay, Natalia S. Gontcharova, Hannah Höch, Frida Kahlo, Judit Reigl, Suzanne Valadon, Diane Arbus y Dora Maar.


Niki de Saint Phalle

Luego seguimos con Niki de Saint Phalle, Karen Knorr, Rosemarie Trocket, aquellas que
se han dedicado a la lucha feminista, fotógrafas con una visión personal de la realidad. En una sala privada, junto con el libro de Virginia Woolf nos encontramos las obras de artistas que abarcan cuestiones relativas a la zona privada, los vínculos entre las proyecciones mentales y los espacios expositivos. Estamos hablando de artistas del calibre de Dorothea Tanning, Tatiana Trouvé, Charlotte Perriand y Sophie Calle.



Sophie Calle


Este es un evento de gran valor cultural e histórico que nos lleva a un paisaje encantador y emocionante. La feminidad, la sensibilidad, la fuerza, el valor de expresar sus puntos de vista, la cultura, etc. Y todo esto reunido en una única exposición.

VIDEO SOMNIFERO MADE IN SPAIN

"Detrás de la caída del Muro de Berlín, se ve lo que puede representar un día en la historia: se unifica una ciudad, Berlín; un país, Alemania; un continente, Europa; y se acaba una ideología totalitaria de más de 50 años. Es impresionante lo que se puede hacer en un día", ha señalado Zapatero.

El jefe del Ejecutivo ha afirmado que se siente "especialmente orgulloso" de cómo cayó el Muro de Berlín porque lo hizo pacíficamente y ha añadido que demuestra que también "el poder blando" funciona a veces mejor que otro tipo de acciones.

MI COMENTARIO-

AYYYYYY MAMMAAAAAAA MIA!!!!

La ex-ministra de sanidad de Finlandia, Doctora Rauni Kilde, no tiene pelos en la lengua.

Adriaen Coorte

Adriaen Coorte (c. 1663- despues de 1707)

Se sabe poco de la vida de Adriaen Coorte. Trabajó en Middelburg, donde figura como miembro de San Lucas. Los temas favoritos de Coorte eran los bodegones con grosellas, esparragos o conchas. Aunque algunas de sus composiciones eran complejas, su fuerza recaía en la simple representaciön de un objeto iluminado contra un fondo oscuro. Coorte desarrolló sus temas detalladamente y consiguió mostrar un uso elegante de la luz en sus composiciones. Muchos de los bodegones de Coorte están pintados sobre papel pegado en madera, un método bastante poco corriente en el siglo diecisiete.

rijksmuseum

Feria Mercado de los Artistas 2009

A la manera de un pequeño Museo d'Orsay, la preciosista estación de tren de Atocha (Madrid, España) se convertirá durante este mes en sala de exposiciones para acoger la cita anual de la Feria Mercado de los Artistas. Un punto de encuentro donde los artistas tendrán la oportunidad, durante once días, de mostrar su obra a nivel nacional, y los compradores de hacerse con piezas de calidad a precios asequibles. Una reunión que se complementa con un programa de performances, donde los diferentes lenguajes artísticos tendrán cabida, junto con los concursos desarrollados bajo el auspicio de Renfe Cercanías. DEL 28 DE NOVIEMBRE AL 8 DE DICIEMBRE DE 2009.

La Bauhaus en el MOMA

Bajo el título "Bauhaus 1919–1933: Workshops for Modernity" el Museo de arte Moderno de Nueva York ( EE.UU. ) explora, al completo, los años de existencia de la escuela alemana. La muestra supone la mayor retrospectiva realizada hasta la fecha de la mítica Bauhaus y permite un recorrido por su evolución de la mano de las piezas de famosos integrantes como Paul Klee, Kandinsky o László Moholy-Nagy.


Tras su paso por Berlín, donde fue inaugurada con ocasión del 90 aniversario del nacimiento de la Escuela, la exposición dedicada al modelo de la Bauhaus llega ahora a Nueva York, aunque con un planteamiento expositivo distinto al original. Alrededor de cuatrocientas obras, muchas de ellas expuestas por primera vez en los Estados Unidos, dan idea de la labor productiva de la Escuela, incluyendo el diseño industrial por supuesto. Las piezas responden, además, a los nombres de no sólo sus más conocidos estudiantes, sino también a los de aquellos menos famosos que dieron rienda suelta a una innovación cuya influencia en nuestra actualidad aún continúa vigente.

Fotografías, textiles, cerámicas, pinturas, diseños para teatro y moda, proyectos arquitectónicos y esculturas componen la muestra, en la que destacan unas 150 obras de arte raramente exhibidas procedentes de las colecciones de las tres principales instituciones alemanas encargadas de velar por la memoria de la Bauhaus -el Archivo y Museo Bauhaus de Berlín, la Fundación Bauhaus de Dessau y la Fundación Clásicos de Weimar- así como cerca de ochenta pertenecientes a la propia colección del MOMA. Un compendio que se complementa con el resto de las cesiones realizadas por las diversas instituciones públicas y privadas de Europa y Estados Unidos implicadas en la exposición.



Más información: MOMA