viernes 10 de febrero de 2012

Fra Filippo Lippi






Archivo:Fra Filippo Lippi 009.jpg

File:Lippi z13.jpg

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Italia
Florencia 1406 - Spoleto 1469


A los 15 años Fra Filippo Lippi quedó huérfano e ingresó en el convento del Carmine de Florencia, posiblemente para salir del paso ya que no tenía ninguna vocación religiosa. Masaccio y Masolino iniciaron la decoración de la capilla Brancacci de esa iglesia en 1424, sintiéndose el joven fraile atraído por la pintura, posiblemente sirviendo como ayudante al propio Masaccio, cuyo estilo admiró y continuó. La documentación menciona por primera vez a Fra Filippo como pintor en 1430, fechándose su primer trabajo en 1432. Dos años después abandona Florencia para trasladarse a Padua, desapareciendo las obras que allí ejecutó. En 1437 está de nuevo en Florencia, sustituyendo la dependencia de Masaccio por la escultura donatelliana y la pintura flamenca, trabajando en un estilo delicado y naturalista. Su época de madurez está caracterizada por las transparencias, que aumentan la elegancia de sus obras. A partir de 1452 está trabajando en los frescos de la capilla mayor de la catedral de Prato, empezando sus problemas con la justicia. En 1450 había sido enjuiciado por un fraude y en 1456 raptó a la monja Lucrecia Buti de un convento de Prato del que había sido nombrado capellán. Gracias a la familia Médici, Fra Filippo consiguió una dispensa del papa Pío II para casarse con Lucrecia, con quien tuvo un hijo, también pintor llamado Filippino Lippi, viviendo como legítimos esposos. En 1464 no había acabado la serie de frescos y era el maestro de un fructífero taller al que acudió Botticelli para iniciar su formación. Su último trabajo fueron los frescos de la catedral de Spoleto, que no pudo acabar ya que la enfermedad le debilitó profundamente desde 1466. La mayor aportación de Fra Filippo a la pintura quattrocentista florentina será un mayor acento profano respecto a las obras de Masaccio o Fra Angelico que le sirvieron de inspiración, haciendo de nexo con la generación posterior.

ARTE HISTORIA

jueves 9 de febrero de 2012

danielleosimpson nos ha enviado un video



The last of 24 Keyboard Inventions in all major and minor keys. There is a link in the video information area to download the mp3 if you'd like to show your support, or simply enjoy ;)
Daniel Léo Simpson
Composer
San Francisco
The last in the series of 24 Invention in all major and minor keys.
You may show your support with an Mp3 download here:
http://tinyurl.com/MP3-INV24
You may download the sheet music here:
Daniel Léo Simpson
Composer
San Francisco
www.danielsimpson.com

Thank you very much. Sorry for the delay, my gmail is not working properly

Usar una licencia Creative Commons es muy fácil

    Usar una licencia Creative Commons es muy fácil


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martes 7 de febrero de 2012

Giandomenico Tiepolo. Diez retratos de fantasía


Giandomenico Tiepolo. Retrato de hombre con turbante. c.1768. Óleo sobre lienzo


La Fundación Juan March, con el objetivo de ofrecer selectas muestras de formato reducido, presenta la exposición Giandomenico Tiepolo (1727-1804). Diez retratos de fantasía, que muestra por primera vez diez óleos sobre lienzo del pintor veneciano Giovanni Domenico Tiepolo. Giandomenico fue hermano de Lorenzo Tiepolo y ambos hijos de Giambattista Tiepolo, el patriarca de la saga familiar de artistas que se desplazaron a Madrid en 1762 con la tarea principal de decorar al fresco varios techos del Palacio Real.

Se trata de diez pinturas procedentes de una colección particular concebidas con toda probabilidad -por su unidad estilística, su idéntico tamaño y la similitud de atrezzo y actitudes de sus protagonistas- como una serie. Son diez cabezas, dos de las cuales corresponden a hombres de aspecto oriental, maduros y barbados; los ocho restantes a mujeres jóvenes y hermosas.

Los retratos masculinos ofrecen una visión de sus protagonistas a la manera de filósofos, hombres sabios y honorables de una antigüedad soñada, mientras que los de las jóvenes, de desenfadada e inocente belleza, parecen responder a un modelo ideal de belleza femenina. Ambos tipos pertenecen a un género con una fecunda y larga tradición en Venecia, un género que recrea un mundo de fantasía que hunde sus raíces en el siglo XVII y cuyo maestro por antonomasia fue Rembrandt.

Fecha: hasta el 4 de marzo.
Lugar: Fundación Juan March. Castelló, 77. Madrid. España
Horario: de lunes a sábado, de 11.00 a 20.00 horas. Domingos, de 10.00 a 14.00 horas.

James Rosenquist: guerra, consumismo y arte pop


El pintor, grabador y escultor americano James Rosenquist diseñó el óleo sobre lienzo de 26 metros F-111 para decorar las cuatro paredes de la galería de Leo Castelli en Manhattan. El artista comenzó a pintar el lienzo en los años sesenta, una década turbulenta marcada por la guerra de Vietnam.

F-111
se exhibe ahora en el MoMA de Nueva York de la misma manera que lo hizo en la galería Castelli en 1965 junto a un grupo de collages que Rosenquist produjo para esta composición monumental.

Financiado con los impuestos de la ciudadanía y dotado de la última tecnología, el caza-bombardero F-111 estaba destinado a ser el arma más poderosa de Estados Unidos. Sin embargo, en lugar de alabar su potencia militar, Rosenquist utiliza el avión como un símbolo de las consecuencias económicas de la guerra.

A través de una extensa red de motivos visuales, expuestos en 23 paneles, F-111 cuestiona lo que el artista describió como "la connivencia entre la máquina de la muerte de Vietnam, el consumismo, los medios de comunicación y la publicidad". La yuxtaposición de imágenes y la utilización de una vívida paleta de colores ejemplifican la singular contribución del artista al arte pop norteamericano.

Lugar: Museo de Arte Moderno, MoMA. 11 West 53 Street, New York, NY 10019. Estados Unidos.
Horario: de miércoles a domingo de 10.30 a 17.30 horas. Viernes de 10.30 a 20.00 horas.

El Paisaje idealizado de Claudio de Lorena

Claude Lorrain (about 1600-1682) View of Carthage with Dido and Aeneas, 1675/76 Oil on canvas, 120 x 149,2 cm Hamburger Kunsthalle © Hamburger Kunsthalle


Para Goethe "en Claudio de Lorena, la naturaleza se declara eterna". En opinión del escritor alemán los paisajes pintados por el artista barroco francés están dotados de "la mayor verdad pero sin ningún trazo de realidad". Ahora el Museo Städel de Frankfurt (Alemania) muestra alrededor de 130 obras creadas en diferentes puntos de la carrera del artista (1600, 1604-05 y 1682) junto con 13 pinturas y numerosos dibujos y grabados.

Organizada en colaboración con el museo Ashmolean de Oxford Claudio de Lorena. El paisaje encantado presenta el trabajo paisajístico de uno de los pintores más importantes del siglo XVII en la primera exposición monográfica realizada en Alemania en 30 años.

Además de 5 dibujos y 40 aguafertes, el museo Städel posee la obra Aparición de Cristo a María Magdalena (Noli me tangere). Así mismo, la institución ha adquirido en los últimos años la serie Fuegos artificiales y el dibujo Bailarina con pandereta y gaitero.

Fecha: hasta el 6 de mayo.
Lugar: Museo Städel. Schaumainkai 63, 60596 Frankfurt, Alemania.

Horario: de viernes a domingo de 10.00 a 18.00 horas. Miércoles y jueves de 10.00 a 21.00 horas.

Cy Twombly el fotógrafo



El Centro de Bellas Artes de Bruselas (BOZAR) presenta Cy Twombly. Fotografías 1951-2010, una exposición con más de 100 copias de fotografías Polaroid que el propio artista seleccionó antes de su muerte el 5 de julio de 2011.

Las fotografías de Twombly son un descubrimiento bastante reciente ya que el artista no hizo público su material hasta la década de los noventa. Twombly, que desarrolló esta faceta en sus años de estudiante, se dedicó a fotografiar temas muy diversos, desde bodegones con motivos florales e instantáneas de su estudio de trabajo y de diferentes museos, hasta detalles de sus propios cuadros e imágenes de paisajes y templos antiguos.

Las fotografías, etéreas y delicadas, nos introducen en los diversos temas que inspiraron las pinturas, dibujos, esculturas y arte gráfico de Cy Twombly.

Los visitantes podrán contemplar además varios cuadros del artista junto al retrato Edwin Parker, una obra de la artista Tacita Dean que rinde tributo al fallecido pintor americano.

Fecha: hasta el 29 de abril.
Lugar: Centro de Bellas Artes (BOZAR). Henry Le Bœuf Hall. Rue Ravensteinstraat 23. 1000 Brusselas. Bélgica.
Horario: de martes a domingo, de 10.00 a 18.00 horas

Van Gogh de cerca

Field with Flowers near Arles, 1888. Vincent Willem van Gogh, Dutch, 1853 ‑ 1890. Oil on canvas, 21 1/4 x 25 9/16 inches (54 x 65 cm). Van Gogh Museum, Amsterdam.


Van Gogh de cerca es una exposición itinerante que puede verse en el Museo de Arte de Filadelfia (Estados Unidos) hasta el próximo 6 de mayo. La muestra, que incluye 46 pinturas del maestro del Postimpresionismo, está formada por un total de 70 trabajos

Vincent Van Gogh fue un artista de una intensidad excepcional tanto a nivel artístico como personal. Involucrado íntimamente con la naturaleza, sus obras, especialmente aquellas pintadas justo antes de su muerte, invitan al espectador a sumergirse en su mundo emocional. La exposición, compuesta sobre todo de naturalezas muertas y paisajes que desafiaron toda tradición pictórica, se centra en los años más tumultuosos de Van Gogh, un periodo de experimentación artística que comienza cuando el pintor deja Amberes por París en 1886 y termina con su muerte en Auvers en 1890.

Van Gogh experimentó con el enfoque y la profundidad de campo y colocó objetos cotidianos en un primer plano, alterando dramáticamente el curso de la pintura moderna. A través de 40 pinturas prestadas por colecciones de todo el mundo, Van Gogh desde cerca explora los medios de los que valió el artista para cambiar su estilo pictórico en los últimos años de sus vida.

Fecha: hasta el 6 de mayo.
Lugar: Museo de Arte de Filadelfia. 26th Street and the Benjamin Franklin Parkway. Filadelfia, PA 19130. Estados Unidos.
Horario: de sábado a jueves, de 10.00 a 17.00 horas. Viernes, de 10.00 a 20.45 horas.

We have a new visitor from Cameroon.



WELCOME!

"Cousiñas feitas con AMOR"


O Venres día 10, no Café Bar A Póla, mercadiño: "Cousiñas feitas con AMOR", de 17h a 21:30h.

Estaremos:

Candacol, Lechanelas, La Coqueta de Olivetta, Trees, Mondo Panda e HeyJuddy!


Esperámosvos!

Antoni Tàpies fallece a los 88 años


Antoni Tàpies, uno de los grandes maestros de la vanguardia del arte del siglo XX, falleció ayer en Barcelona a los 88 años, según un comunicado emitido por su familia. El pintor catalán se encontraba delicado de salud desde hace tiempo. Con Tàpies desparece uno de los grandes referentes indiscutibles del arte contemporáneo mundial.

Sin título

Nacido en Barcelona en 1923, en el seno de una familia burguesa, culta y catalanista, de gran tradición editorial y bibliófila que él heredará como una parte fundamental de su acervo, Tàpies no ha sido solo un gran pintor y escultor sino un intelectual de primer orden, teórico del arte y coleccionista. El Rey le había otorgado en 2010 el título de marqués.

Su estilo se define por la palabra matérico, en referencia al uso de elementos de enorme y a veces chocante y humilde fisicidad, hasta vulgaridad, trascendidas por una dimensión espiritual cuyas raíces conectaban con lo más íntimo y ancestral del alma humana. Era un artista y al tiempo un sabio con ribetes a veces de un misticismo de corte telúrico.

Estaba muy influenciado por la espiritualidad oriental y especialmente el budismo zen. El contraste entre ese afán universalista y trascendente y su apego a lo cotidiano e incluso lo doméstico —el astro mundial Tàpies era también el senyor Antoni— articulaba lo que el artista tenía de más personal y único. También de entrañable. Pocos artistas de su talla, en toda la historia del arte, hubieran sido capaces de atisbar la grandiosa poesía íntima de un calcetín.

La obra de Tàpies está marcada por las rugosidades, las rasgaduras, las grietas, las cruces y números y signos de su mitología personal. Su trazo es enigmático, su voluntad intrincada, pero su estilo es inconfundible. Todo eso conforma la obra de un artista esencial.

Ayer tarde, en las horas de su muerte, la sede de su fundación en Barcelona, en el antiguo edificio de la Editorial Montaner i Simon, obra modernista de Lluís Domènich i Montaner, permanecía cerrada aunque con las luces encendidas dentro. Una metáfora de su obra, aparentemente críptica, preñada de iluminación. En lo alto, la emblemática escultura Núvol i cadira, (Nube y silla), se elevaba hacia el frío cielo como una voluta de genio deshaciéndose en la inmensidad del oscuro universo.

Composición de Antoni Tàpies

Tàpies, que vivió el pleno reconocimiento en vida, estaba en posesión de los más importantes premios españoles e internacionales. Realizó exposiciones desde los años cuarenta y fue uno de los fundadores de Dau al Set, movimiento del que se desvinculó en 1951.

Implicado siempre en los acontecimientos políticos y sociales de su época, se opuso a la dictadura franquista en los años sesenta y setenta y fue encarcelado por asistir a una asamblea clandestina en el monasterio de Montserrat en protesta por el Proceso de Burgos.En 1950 hizo su primera exposición individual, en Barcelona, y viajó a París becado por el Instituto Francés. Allí conoció a Picasso y al cubismo. Años después, en coincidencia con el arte povera europeo y el postminimalismo estadounidense, Tàpies profundizó en su trabajo con objetos, descontextualizándolos e incorporándolos a su lenguaje propio.

Influenciado también por Joan Miró, al que admiraba en grado sumo, su búsqueda artística pronto tomó derroteros muy personales en paralelo al interés por la nueva espiritualidad.

a condición humana, la rueda de la vida y sobre todo el insoslayable problema del dolor encuentran traslación directa en su plástica, rotunda y cargada a menudo de una dimensión trágica. El interés por la ciencia es otra constante en él, que coleccionó grandísimas obras científicas con pasión de bibliófilo.

La altura reflexiva siempre está en Tàpies matizada, como queda dicho, por el uso casi artesanal de la materia. Al contrario, era capaz de sublimar hasta un zapato o un pelo de axila incrustado en su cuadro.

En los años ochenta, el interés por la tela adquirió en Tàpies una fuerza renovada.

Entre los grandes momentos públicos del artista estuvo la polémica en torno al calcetín gigante que debía adornar la gran sala oval del Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC) en Barcelona. El proyecto no salió adelante, en buena parte por un absurdo miedo institucional al ridículo que seguramente nos hubiese dejado también sin la Capilla Sixtina. Aquel asunto dio pie a una reflexión sobre el arte de Tàpies que acabó redundando en su valoración. Una versión más pequeña del calcetín adorna el patio de su fundación, uno de los grandes lugares del arte de la ciudad, faro como él lo quiso de arte, experimentación y conocimiento.

En septiembre de 2011 se inauguró en la sede una exposición ya casi con voluntad de revisión completa de su obra desde los años cuarenta. En esa muestra se podía apreciar la extraordinaria trayectoria del artista.

El de Tàpies es un arte en el que se dan la mano de manera especial occidente y oriente, lo particular y lo universal, ciencia y mística, lo vulgar y lo sublime. Artista polimórfico y completísimo, renacentista en la acepción más grandiosa de la palabra, deja la espiral de un astro humeante, una cicatriz, una grieta, sobre la superficie estremecida del arte contemporáneo.

EL PAI8

lunes 6 de febrero de 2012

PRESENTACION DEL LIBRO "APORTACIONES DE LAS GRANDES PINTORAS AL ARTE, DESDE LA ANTIGÜEDAD HASTA 1800" DE Rosa Elvira Caamaño Fernández- por


la Doctora Castro

El jueves fui a la presentación de un libro de Rosa Elvira Caamaño Fernández "Aportaciones de las grandes pintoras al arte, Desde la antigüedad hasta 1800"- en LA CASA DEL LIBRO. Lo presentaba mi amiga la Doctora Castro, en esta entrada publico dicha presentación
Rosa Elvira Caamaño Fernández se licenció y doctoró en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Actualmente realiza su labor docente e investigadora en la FACULTADE DE BELAS ARTES DA UNIVERSIDADE DE VIGO, en el Campus de Pontevedra, como profesora titular de Técnicas Pictóricas
Por la mañana. Oleo sobre tela de lino imprimada 61 x 50 cm. 2002.
En su fecunda actividad pictórica participó en Madrid en exposiciones colectivas en el Centro Cultural y Museo de la Villa y en el Centro Cultural Conde- Duque. También en Pontevedra lo hizo en el Palacio de Congresos y Exposiciones. En Santiago de Compostela expuso en la Casa de la Parra y en la Sala de la TVG. En Oviedo, en su Auditorio. En Vigo mostró sus cuadros en el Centro Cultural Caixanova. Fuera de España, expuso en Génova en el Palacio Virgilio al Portello, en el Palacio Ducal de Génova y en la Sociedad Americana del Pastel de Nueva York.
La fragilidad de la memoria. Oleo sobre tela. 61 x 40 cm. 2002
En relación a las exposiciones individuales, destacan desde 1985 las celebradas en las salas de exposiciones de CAIXANOVA en Vigo, Deputación de Pontevedra, Casa de Galicia en Madrid, Sala de la Autoridad Portuaria de Ferrol, entre otras. Algunos de sus cuadros han sido adquiridos por el Parlamento Galego y por museos europeos.
Entre estaciones. Oleo sobre tabla 116 x 89 cm. 2001
Su labor investigadora se pone de manifiesto en la publicación del libro "Serafín Avendaño- 1837-1916", editado por CAIXANOVA. Y está a punto de concluir su última publicación sobre "los caballos en el arte"

Posee además premios (medallas de oro y plata) en exposiciones conmemorativas del V Centenario del descubrimiento de América en Génova.

A la Ilusión. Oleo sobre tela 162 x 130 cm. 1992-2002
A lo largo de la historia y hasta el siglo XX ha habido menos pintoras que pintores. Las actividades de las mujeres se centraban fundamentalmente en la gobernanza de la casa, cuidado familiar y, por tanto, relegadas de las actividades profesionales, excepto en el área textil y en la producción de manuscritos, en este caso ya bien avanzado el siglo IX
La ventana de oro. Oleo sobre tabla 61 x 50 cm. 2002.

La primera pintora de nombre conocido Ende, con su obra "Beato de la Apocalipsis" (se cree que ayudo), en la catedral de Girona, se sitúa en el año 967, es una excepción pues hasta el siglo XIV la actividad profesional femenina se centraba fundamentalmente en el bordado, en cuyos tapices se narraban batallas y conquistas de reyes y príncipes.

Hasta el Renacimiento, en la historia pictórica se encuentran miniaturistas Veáse sino que el siglo XV en Brujas, un 25% de estas miniaturistas eran mujeres.

Las luchas religiosas de la Reforma y Contrareforma no son ajenas a la educación recibida por los niños en las escuelas, que condicionan el que, en los siglos XV y XVI, las mujeres empiecen a afirmarse como verdaderas pintoras profesionales. De esta época sobresalen

Sofonisba Anguissola

Archivo:Self-portrait at the Easel Painting a Devotional Panel by Sofonisba Anguissola.jpg
que estuvo en España en tiempos de Felipe II, a quien retrató, o

Marietta Robusti


Autorretrato 1580-85, Museo de los Uffizi, Florencia.

En el Museo del PRADO se puede admirar parte de su obra.

Sin embargo, es la Escuela de Bolonia la que alcanza gran esplendor en esta etapa histórica. La razón se encuentra en que la educación de las mujeres en Bolonia era ya una tradición, pues ya podían asistir a la Universidad desde el siglo XIII. Muchas miniaturistas se dedicaron a este arte pictórico, pero tambien Bolonia dio retratistas como


Lavinia Fontana

Archivo:Lav Fontana Autoritratto.jpg
Autorretrato de Lavinia Fontana conservado en los Uffizi.

que pintó más retratos de mujeres (damas de la sociedad) que ningún otro pintor del Renacimiento, además de cardenales, príncipes, que tambien posaron para ella.

En el siglo XVII, la pintura tuvo dos vertientes en función de las doctrinas religiosas. En la Europa meridional, los principales clientes eran la iglesia y la nobleza, junto con la protección de los reyes, que encargaban grandes cuadros que exaltaban valores religiosos, mitólogicos y relataban la historia. Por otra parte, la Europa septentrional (Holanda... Flandes...) la pintura representaba a la nueva clase social pujante, la burguesía, relacionada con la colonización de tierras de ultramar, que encargaba cuadros a su gusto, de dimensiones pequeñas y medianas y sin temas alegóricos. Empiezan así a pintarse bodegones con flores de colores exóticos traidos del nuevo mundo como plantas, frutas... en donde destacan

Clara Peeters

Archivo:Clara Peeters Stillleben 1611.jpg

y

Rachel Ruysch

Archivo:RRuysch.jpg

Se publican libros con grabados de flores con gran éxito.

Y dentro de la pintura religiosa de esta época tambien los lienzos expresaban el litigio entre la belleza formal, con una espiritualidad más artística que religiosa opuesta a la contrarreforma, que propugnaba el retorno del ideal evangélico. Ello no impidió que las pintoras de esta época realizaran ambos pedidos. Esto es, retratos de personas bien vestidas, con bordados, encajes, joyas... y retratos de cardenales o de vírgenes con actitud recatada. Fue famosa

Artemisia Gentileschi

Archivo:Self-portrait as the Allegory of Painting by Artemisia Gentileschi.jpg
Autorretrato en Alegoría de la pintura.

Archivo:Susanna and the Elders (1610), Artemisia Gentileschi.jpg
Susana y los viejos