domingo, 19 de julio de 2020

RUBENS Y LA MITOLOGÍA





                        autorretrato

“Estoy convencido de que para lograr la mayor perfección en la pintura es necesario una completa comprensión de los maestros de la antigüedad, de las estatuas de la antigüedad, una completa absorción de ellas”
                              Retrato ecuestre del duque de Lerma


PEDRO PABLO RUBENS, nació en 1577 en Siegen, Westfalia. Sus padres Jan, abogado y María Pypelinckx, se habían exiliado de Alemania tras la reconquista por parte de los católicos de los Países Bajos. A la muerte de su madre en 1587,  su madre regresó con su hijos a Amberes y volvieron a convertirse al catolicismo.

                              Autorretrato con su esposa Isabella Brant                        
Desde niño manifestó una  irresistible vocación por la pintura y despues de unos cortos estudios en la prestigiosa escuela latina de Rombaut Verdonck nació su pasión por la cultura clásica y su ambición por ser considerado un humanista.
                              Vista de Het Steen al amanecer         
En 1598, una vez concluída su formación  superando el examen de maestro  ante la Guilda de San Lucas  en Amberes, viaja a Italia para ampliar su formación. En Venecia se enamora de las obras de Tiziano, Veronés y Tintoretto...


PINTURA MITOLÓGICA



En  1618 su maestría se reveló con toda madurez en el RAPTO DE LAS HIJAS DE LEUCIPO-
Se trata de un tema mitológico, el rapto de las hijas de Leucipo por Cástor y Pólux.

Se sitúa entre el clasicismo y el barroco. Una composición clásica y equilibrada, denota un gran sentido de movimiento, dinamismo y equilibrio
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LAS TRES GRACIAS 1638
Es su obra más conocida. Se inspiran en tres personajes de la mitología griega: Eufrosine, Talía y Anglae, hijas de Zeus y Eurymone. Son la representación de la afabilidad, la simpatía y la delicadeza. 




EL JARDIN DEL AMOR
Conocida también como El jardín de las Gracias, representa una fiesta en un parque. Las figuras, unas sentadas y otras de pie, aparecen en actitud relajada, próximas a una fuente dedicada a la diosa Juno, protectora del matrimonio. Alrededor de la escena revolotean los putti disparando flechas.

SATURNO DEVORANDO A SU HIJO-
Saturno, uno de los titanes más poderosos,devoraba a sus  hijos al nacer para evitar que alguno de ellos lo destronase. Rubens representa la escena con gran dramatismo, consiguiéndolo  con el uso de la luz y el color.



El Juicio de Paris
La rivalidad existente entre las diosas Minerva, Venus y Juno por ser la más bella, tenía que ser resuelta por Paris, que entregaría una manzana de oro con la inscripción "a la más bella", a la diosa más bella, trate de  plasma el momento en el que Paris, hijo de Príamo, rey de Troya, toma la manzana que le da Mercurio, mientras que las tres diosas intentan convencerle con diferentes ofrecimientos.
La elegida fue Venus, que consiguió convencerle entregándole la mujer más hermosa del mundo, Helena (la esposa de Menéalo), provocando así la Guerra de Troya.

EL RAPTO DE EUROPA
Zeus se  enamoró de Europa y se transformó en un toro blanco para acercarse a ella. Europa, que estaba en la playa recogiendo flores, se acerca y le acaricia, y al ver que era manso se monta sobre su lomo. Zeus aprovecha esa oportunidad para raptarla y llevarla a la isla de Creta, donde el dios y la mortal se unirán. De este amor nacieron tres hijos: Minos, Sarpedón y Radamantis. Finalmente, el toro cuya forma había adoptado Zeus, se transformó en una constelación y pasó a ser un signo del zodiaco.



viernes, 17 de julio de 2020

LA TRISTE HISTORIA DEL BARRIO DEL CURA

Aquel Vigo de los setenta tenía muchas historias que contar. Sucedían, principalmente,  de madrugada. Lo digo porque, a partir de la una y media, comenzaba mi vida más allá de la radio y llegaban los momentos imborrables. Poca gente pudo disfrutar de la noche con tanta intensidad como yo y guarersonajes con los que compartí conversaciones, de las confesables y de las que no lo son tanto.dar en la mochila tantas experiencias.  Las anoté siempre en el debe de mis colegas y de aquellos personajes  con los que compartí conversaciones, de las confesables y de las que no lo son tanto.

El caso es que uno de los lugares donde acostumbrábamos a ir era el Bar Roucos, en la calle Santa Marta, propiedad de un buen hombre de Cenlle, Sem; su hija, Sirita, nos atendía con gran amabilidad pese a las horas intempestivas, mientras su madre tiraba de paciencia para hacernos una tortilla con huevos de casa y patatas de la aldea. Aunque no te lo creas, aquel bar humilde, fue un aula de cultura para unos pocos privilegiados. Por él desfilaron los grandes de la música española, artistas plásticos que ya forman parte de nuestra historia, poetas vivos a pesar de estar muertos, escritores de éxito… creadores todos, en suma, con los que convivir era un constante aprender.

Lo que era
Hace poco me contaron que ahora en el Bar Roucos montan tristes tertulias los vecinos del Barrio del Cura. Siempre hablan de lo mismo. Del deterioro de una zona que iba a ser de lujo y se ha convertido en residencia de okupas de los guarros, de los pocos yonquis que quedan en la city y de unos cuantos mayores de la resistencia contra el imperio inmobiliario.
Del Barrio del Cura se fueron en el 2001 las monjitas del Asilo bendiciendo al promotor de la que iba a ser la mayor y más lujosa urbanización de Vigo, el ex futbolista del Celta Valery Karpin. Había comprado no solo el edificio que acogía a los ancianos sin recursos sino también otros más del sector y algún solar que sobrevivió al desarrollo de la ciudad. En total, 20.000 metros cuadrados para nueve mil viviendas por las que se pagarían a razón de nueve mil euros el metro cuadrado. Ya, ya.

Lo que iba a ser
Las monjitas se fueron convencidas de que aquella operación era buena para sus ancianos y para Vigo, la ciudad que vería morir para resucitar al viejo Barrio del Cura, demasiado viejo para tener futuro. Dicen que Karpin les pagó a toca teja una millonada de la época y algunos mal pensados afirman que les llevó el dinero en bolsas a Valencia, en donde está la Madre Superiora de la Orden.
Supongo que en los últimos tiempos, las monjitas no habrán ido a ver qué fue de aquel hermoso Asilo suyo, desde cuyas ventanas contemplaban la hermosa bahía sus ancianos. Porque ahora, aquel edificio costeado por la gente generosa de la ciudad y construido a escasos cien metros de el Olivo, su símbolo… aquel Asilo del que presumía Vigo… es todo él una ruina.

Lo que es
—- ¿Y qué pasará ahora con todo eso? ¿Esperarán a que se caigan los edificios?
Las preguntas que se hacen los de la nueva tertulia del Roucos no tienen respuesta. El viejo bar lo regenta ahora José Antonio, el primo de Sirita, que es también de la resistencia. Trabajó toda su vida como comercial pero se cansó de dar tanto paso fuera del país. Él bien sabe que en Vigo hay varios miles de pisos en venta y está convencido de que el Barrio del Cura tardará en regenerarse por lo menos otros 16 años.
Todos los de la tertulia convienen en que esta zona es una ruina pero desde el Ayuntamiento te dicen que allí no cuaja nada; y debe de ser verdad porque ninguna Corporación fue capaz de abordar, a solo dos calles más arriba, la resurrección arquitectónica de un edificio histórico, el de la Panificadora.
Los vecinos dicen que va por allí un señor a bordo de un “Porche” preguntando por las propiedades, pero por lo visto lo único que le interesa es el edificio del Asilo.
Por lo que me contó un amigo bancario, a Karpin estuvieron a punto de embargarle este su barrio pero al final pudo arreglar sus cuentas con la entidad. Ahora sigue inmerso en el mundo del fútbol, en su país, Rusia y hace mucho que no se le ve por Vigo.
Por lo visto esta operación inmobiliaria estuvo rodeada de misterios y entre ellos aún está por descubrir la identidad real de los socios del ex futbolista, que haberlos hailos. Uno de ellos, ya se sabe, es Michel Salgado, otra fortuna futbolera.


Y  ¿COMO VA LA HISTORIA?



Un fondo buitre anida en el centro de Vigo

El fondo norteamericano Autonomy Capital, del que es fundador el ex directivo de Lehman Brothers, Robert Gibbins, compró la deuda del proyecto del Barrio do Cura en 2018. Ahora los vecinos y vecinas piden no ser abandonados ante la especulación urbanística y quiere garantizar su derecho a la vivienda frente a una posible expropiación del gobierno local.

viernes, 17 de abril de 2020

Jens Ferdinand Willumsen



1863 – 1958

Jens Ferdinand Willumsen


J.F. Willumsen fue uno de los artistas más versátiles de Dinamarca. A lo largo de su larga vida estuvo ocupado apasionadamente por cuestiones artísticas. Se expresó en todos los medios de las artes visuales. Aunque trabajó en muchos medios artísticos, la pintura era su forma de arte preferida. Pintó toda su vida, y sus pinturas constituyen, con mucho, la mayor parte de su producción. Su rango temático y formal de período a período refleja los problemas muy diferentes en los que trabajó dentro de este medio.
 Una parte considerable de su vida la pasó fuera de Dinamarca. En casa se sintió estigmatizado y en el extranjero por no haber recibido el reconocimiento que merecía. Sin embargo, la verdad era que J.F.Willumsen era un artista que atrajo mucha atención. Durante muchos años sus trabajos en The Free Exhibition fueron esperados con entusiasmo, la gente estaba casi decepcionada si el efecto no era lo suficientemente sorprendente y desafiante.

Willumsen dio nueva vida al arte de la pintura. Se basó en la tradición, pero también estuvo en diálogo con la cultura popular de su época. Los trazos rápidos, las caricaturas y los colores fuertes fueron elementos recurrentes en muchas de sus obras como pintor. Como escultor, sus obras fueron monumentales, siendo la más famosa The Great Relief, ahora en la galería principal del museo, pero originalmente destinado a un bar en Chicago. Willumsen diseñó varios edificios, incluida su propia casa en Hellerup, al norte de Copenhague. En la década de 1930 también diseñó un museo para su arte y colección. El museo no se abrió hasta 1957, en la ciudad de Frederikssund, donde nació su abuelo.


domingo, 12 de abril de 2020

MARIA HELENA VIEIRA DA SILVA Y ÁRPAD SZENES




Arpad Szenes e Vieira da Silva
 Árpád Szenes creció en un entorno intelectual privilegiado e ingresó, en 1918, en la Academia Libre de Budapest. Después de una primera exposición en 1922 en el Museo Max Ernst, Szenes viajó a Europa, luego se mudó a París, donde frecuentó la Académie de la Grande Chaumière. Fue allí donde conoció a María Helena Vieira da Silva.


Vieira da Silva  recién llegada a París desde su Portugal natal en enero de 1928, conoció al pintor húngaro Arpad Szenes  un día después de su inscripción en la Academia de la Grande Chaumière. Este encuentro provoca en Szenes un verdadero amor a primera vista debido a la mirada de Vieira que el considera diferente de todas los demás.

El es el primero  en animarla a pintar. En 1932 la pareja conoce a Jeanne Bucher, un encuentro  que habría de marcar el principio de una larga colaboración. El encuentro con Jeanne Bucher, al que llaman cariñosamente «Notre-Dame de Paris», es decisivo porque exhibe el trabajo de los dos artistas, desde los años treinta en adelante, en su galería parisina.
Arpad Szenes y Vieira da Silva experimentaron su vida juntos y esta vida cotidiana se expresa en una multitud de retratos el uno del otro,  cada uno en un estilo singular. En 1930, la Villa des Camelias une, en el mismo estudio, su destino como pintores y como marido y mujer.
La situación política en Hungría en vísperas de la Segunda Guerra Mundial obligó a huir a  la pareja  y optaron  por mudarse a Portugal y luego a Brasil entre 1940 y 1947. Allí Szenes abrió un estudio donde enseñó pintura.
Arpad Szenes no dejará de inmortalizar en sus pinturas a su esposa pintando sus propios lienzos. Si la pintura de Vieira da Silva es un laberinto de incertidumbre guiado por el instinto de una evidencia de que se despliega hasta el infinito, la pintura de Arpad Szenes es, sin embargo, de una naturaleza muy diferente. Tiene el desprendimiento de una visión de amplio alcance, la huella de la sabiduría infinita con una humanidad generosa y natural. Sus paisajes son orillas, meditaciones alusivas, ensueños alargados, saudades de horizontes, así como recuerdos de contemplación cuyos matices sutiles de gris y blanco se mostrarían en toques infinitos. La pintura de Szenes es tan vasta, extendida y horizontal como la de Vieira, estrecha, vertical y profunda. Cada uno tenía su propia luz y, sin embargo estaban unidos por la música: Handel, Bartok, Haydn, Beethoven, Varese, Boulez. ... 
Al regresar a Europa, continuó su trabajo sobre el paisaje y el espacio, lo que inspiró numerosos viajes y una observación contemplativa de la naturaleza. Vieira da Silva regresó a Portugal en, 1947 pero el dictador Oliveira Salazar negó la nacionalidad portuguesa a Szenes, Vieira da Silva rompió definitivamente con su patria natal, naturalizándose francesa.
Progresivamente, la obra de Árpád Szenes se convirtió en parte de las colecciones del Estado francés y, en 1970, el Jefe de Museos de las Provincias del Louvre organizó una primera retrospectiva de su obra. A esto le seguiría en 1974 una retrospectiva en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París, organizada por Jacques Lassaigne. Junto con esa importante retrospectiva, la galería le dedicó una gran exposición el mismo año. En 1977, la dedicación se realizó en su país de origen, en la Galería Magyar Nemzeti de Budapest y luego en la Galería Varisi Tanacs Kiallitoterme en Pècs. Afectado por la enfermedad de Parkinson durante varios años, Szenes falleció en su estudio en París en 1985.
Vieira da Silva regresaría a Lisboa, después de enviudar, con motivo de un gran homenaje nacional y una exposición retrospectiva de su obra organizada en 1988 para conmemorar su 80 aniversario.

viernes, 27 de marzo de 2020

PAOLO UCELLO


Paolo di Dono nació en Florencia en 1397, hijo de Dono di Paolo y de Antonia di Giovanni Castello di Beccuto. Su padre era barbero y cirujano. Aunque no se sabe casi nada de su familia, se supone que debían ser ricos porque sabemos que Paolo, de niño, estaba en el taller de Ghiberti, entre los jóvenes que se ocupaban del bruñido de la primera puerta del Baptisterio.


 En aquel grupo se encontraba tambien Donatello, y entre ellos nació una amistad que duraría toda la vida, a pesar que el gran escultor conoció honores y fama más altos que los del pintor.
 El aprendizaje con Giberti dejó huellas profundas en Paolo, tanto que ciertas soluciones de la perspectiva vendrían precisamente de las adoptadas por el escultor y orfebre en las puertas, especialmente en  las del Este o del Paraiso.
 En 1416 aparece inscrito en el arte de los médicos y de los boticarios, y dedicado a la pintura, como confirma su posterior entrada en la Compagnia di San Luca. En 1425 aparece en el padrón de Santa Maria Novella, es decir, como habitante de dicho barrio.
 Existen escasos documentos que certifiquen sus obras de este primer periodo. De 1425 a 1430 existen pruebas documentales de que Ucello vivió en Venecia, donde preparó unos cartones para los mosaicos de la Basílica de San Marcos.
 De nuevo en Florencia  buscó trabajo y en 1236 le confiaron el fresco  con el Monumento ecuestre a Giovanni Acuto y en 1445  realizó los cartones para las vidrieras de la cúpula y para la decoración del gran reloj de la catedral.
 Despues partió hacia Padua, donde trabajó con Donatello en la decoración de la basílica y en el friso de de "Los gigantes" del palacio Vitallani

En 1446, de nuevo en Florencia, ya con taller en la plaza San Giovanni,  se casó cuatro años despues con Tommasa di Benedetto Malfici.  Se dedicaba a baúles, cartones, techos y a su principal obsesión, la investigación de la perspectiva.

Vivía humildemente, pero la verdadera pobreza que sentía era, probablemente, la que sentía en su interior, seguro de no tener un sitio  en los acontecimientos artísticos de la ciudad

lunes, 23 de marzo de 2020

Anders Zorn

(Utmeland, 1860-­Mora, 1920). Pintor sueco. Hijo natural de una campesina sueca y un cervecero alemán, Zorn creció en un medio rural, en la Dalecarlia sueca, y se formó durante dos años -estudiando primero escultura y después pintura a la acuarela- en la Academia de Bellas Artes de Estocolmo. 

En 1881 abandonó Suecia y viajó a Londres, París y España, iniciando una vida viajera y cosmopolita durante la que obtendría incontables triunfos, especialmente en el campo del retrato, en toda Europa y Estados Unidos. 

Cultivó asimismo las escenas de género y la pintura de desnudos femeninos. Influido, en lo que se refiere a la pintura al óleo que solo comenzó a cultivar bien avanzada la década de 1880, por Whistler, Sargent y Albert Besnard, su obra se encuadra entre la de los pintores luministas del cambio de siglo (el danés Peder ­Severin Kröyer, el noruego Fritz Thaulow, el español Joaquín Sorolla, etc.), todos ellos admiradores de Velázquez e influidos por él, en mayor o menor medida, desde el punto de vista técnico, en algún momento de sus carreras. 

Zorn viajó a España por primera vez, en compañía del también pintor Ernst Josephson, a mediados de septiembre de 1881, pasando entonces dos semanas en Madrid y varios meses -hasta febrero de 1882- en Sevilla y Cádiz. Aunque visitaron entonces el Museo del Prado y Josephson era ya un admirador de Velázquez, Zorn, según confesión propia, no «descubriría» real­mente al sevillano hasta el año siguiente, cuando vio en Roma el Inocencio X. Después volvería a Madrid en 1884, llamado por el embajador sueco para hacer retratos a la acuarela de personajes de la alta sociedad, y debió de estudiar ya más a fondo las obras del Prado. 

Es entonces cuando el conde Morphy, secretario privado de Alfonso XII, le encargó el Retrato de Cristina Morphy que fue legado por la condesa viuda al Museo del Prado en 1935, una acuarela que fue presentada en la Exposición Nacional de Bellas Artes en 1884. Al menos otro de sus seis viajes posteriores a España -una ­estancia de una semana en 1900- lo hizo, según le escribió a su mujer, ­porque echaba de menos a Velázquez. Joaquín Sorolla, amigo suyo desde que ambos se encontraron en París en 1906, establecería una sutil relación entre su pintura y la del maestro sevillano: «Parece que [Zorn] dibuja de dentro a afuera; que no busca nunca el contorno o silueta, y, desde luego, puede afirmarse que jamás hace nada fragmentado; no inventa; todo, como nuestro gran Velázquez en sus Meninas, lo tiene junto y lo pinta a la vez». 

Llegó a ser miembro de la Berliner ­Secession y, después de su muerte, su casa natal se convirtió en un museo dedicado a su vida y obra. Coleccionista desde que sus ingresos se lo permitieron, Zorn adquirió varias obras de escuela española que pueden contemplarse en dicho museo y entre las que se hallan, además de San Bartolomé y La Magdalena ­(ambas tablas del siglo xv), Lágrimas de san Pedro, de la escuela del Greco, Hombre con una copa de vino (versión, del taller o escuela de Velázquez, de El geógrafo del Musée des Beaux-Arts de Rouen, que él adquirió en ­Múnich en 1912 creyendo que era original) y Aparición del Niño Jesús a san Antonio de Padua, firmada y fechada «Jusepe Ribera F. 1647», pero considerada generalmente obra de taller.

MUSEO NACIONAL DEL PRADO

lunes, 16 de marzo de 2020

August Malmström



Johan August Malmström  1829 - 1901) fue un pintor sueco nacido en Nubbekullen
Fue ilustrador y trabajó para varios periódicos y editoriales de libros. Además diseñó muebles, dibujante  y diseñador de porcelana. 

 Sus padres tenían una granja y el y su hermano ayudaban con la agricultura. Desde niño mostró mucho interés por el dibujo y la pintura y debido a una lesión en su mano derecha lo eximieron del trabajo duro y pudo dedicarse al arte.


  Sus padres reconocieron su talento y vendieron su único buey para financiar sus estudios en Estocolmo, donde solicitó ser aceptado en la Real Academia de Bellas Artes. 
Logró ser aceptado con la ayuda del pintor Nils Anderson. Muchos estudiantes consideraban que la formación en la Academia era deficiente y la abandonaban para irse a Düsseldorf. Malmström siguió el mismo camino en 1856.

En 1857, Malmström viajó junto con Marten Eskil Winge, ambos becados, a París. Despues de dos años, ambos viajaron a Italia y Malmström regresó a París en 1860. En el verano de 1863, Malmström salió de París para una nueva visita a Italia para estudiar.


Su avance artístico se produjo en enero de 1864 después de su regreso a Suecia. En 1866, exhibió cinco obras en la Exposición Industrial de Estocolmo y entro como aprendiz en 
 la Real Academia Sueca de Arte de Estocolmo. Posteriormente, fue nombrado profesor de la Real Academia de Artes de Suecia en 1867, donde enseñó hasta 1894. También  desempeñó el cargo de  gerente de la misma institución desde 1887 hasta 1893.