lembranzas

tosa mitsuyoshi

2009-11-12T10:57:00.000-08:00

La escuela TOSA de pintura japonesa fue fundada en el siglo XV, y se dedicó a yamato-e, que son pinturas especializadas en temas y técnicas derivadas del antiguo arte japonés, como contrapunto a las escuelas influenciadas por el arte chino.

Los orígenes de esta escuela pueden atribuirse a Tosa Yukihiro (土佐行弘),que fue el primero en usar profesionalmente el nombre de Tosa a principios del siglo 15. Más tarde, la escuela fue formalmente fundada por Mitsunobu (1434?–?1525), y ejerció como pintor de corte para el imperio, especializandose en temas cortesanos pintados en estilo yamato-e (やまと絵).

Durante esta época, los miembros de la escuela Tosa casi continuamente ocuparon la posición de pintores principales de corte para el imperio (絵所預 edokoroazukari). hasta el siglo 17, la escuela Tosa pintó para la Corte y para la aristocracia, pintando temas de escenas del cuento clásico Genji (源氏絵), pero en años posteriores, los temas se hicieron mas variados incluyendo cuadros de flores y pájaros y otros temas inspirados en la pintura china. En general, el estilo Tosa se caracteriza por composiciones algo planas, decorativas, bien realizadas, con gran atención al detalle y de brillante colorido.

La primera prueba documental de un artista que usara el nombre de Tosa se encuentran dos evidencias a principios del siglo 15 refieriendose a un hombre llamado Fujiwara Yukihiro (藤原行広) (fl. 1406 – 1434) quien tambien era conocido como Tosa Shōgen (土佐将監), un título derivado por su posición como gobernador de la provincia de Tosa. La actividad de Yukihiro como pintor se conoce por una inscripción en unos cuentos ilustrados del origen de Yūzū Nembutsu (融通念仏縁起); 1414, Seiryōji (清涼寺), Kyoto.

El padre de Yukihiro, Fujiwara Yukimitsu (藤原行光) (fl. 1352 – 1389)fue nombrado jefe del gabinete de pintores del imperio en 1352, y parece que Yukihiro también ocupó dicho puesto. Sin embargo, la linea de sucesión de Yukimitsu (considerado por algunos el fundador de la escuela) hasta Tosa Mitsunobu (土佐光信) (1434 – 1525), que llevó la escuela a una posición muy relevante a finales del siglo 15 , todavía no está clara.

Quedan muchas obras buenas de Mitsunobu. Aunque pintó tanto temas budistas como retratos, además de un repertorio estandard de temas de la corte, es más conocido por sus rollos ilustrados, emaki (絵巻), tales como las leyendas de Kiyomizu-dera (清水寺縁起). Durante la vida de Mitsunobu, la escuela Tosa puede que haya tenido alguna influencia en los principios de la escuela Kanō (狩野派), en particular, por el uso de colores brillantes y combinaciones doradas, inspiradas en la pincelada china, y por varios temas por los cuales la escuela Kanō es conocidas.

A Mitsunobu le sucedió su hijo, Mitsumochi (光茂) (1496 – ca.1559), con el cual la buena suerte de la escuela comenzó a declinar. Cuando Mitsumoto (光元) (fl.1530 – 1569), el siguiente pintor principal, murió en una batalla en 1569, le dieron su puesto a su segundo hijo o quizás un discípulo de Mitsumochi, Tosa Mitsuyoshi (土佐光吉) (1539 – 1613). Mitsuyoshi abandonó la capital y el puesto y se estableció en la ciudad de Sakai (堺), un puerto cerca de Osaka, donde vendia sus cuadros a la gente de la ciudad. Mitsumochi también abandonó los temas tradicionales Tosa y se especializó en pinturas de pájaros y flores. Durante esta época la dirección del gabinete de pintura imperal pasó de la escuela Tosa a las manos de la escuela de pintores Kanō.

El hijo de Mitsuyoshi, Mitsunori (光則) (1583 – 1638) continuó viviendo y trabajando en Sakai, pintando para gente de la ciudad hasta 1634, luego se trasladó a la capital con su hijo mayor, Mitsuoki (光起) (1617 – 1691) y empezó a pintar abanicos ceremoniales para la corte. Veinte años más tarde, en 1654, Mitsuoki fue nombrado como el pintor principal del gobierno imperial, restaurando asi la suerte de la familia Tosa. Mitsuoki tambien modernizó el estilo tradicional Tosa introduciendo elementos de la pintura china.

Los sucesores le siguieron como pintores del imperio hasta finales del periodo Edo, pero continuaron imitando el estilo de Mitsuoki, en lugar de desarrollar nuevas técnicas o temas, por lo que sus obras resultaban estáticas y convencionales.

References

* Burke, Richard. Murasaki Shikibu: Her Diary and Poetic Memoirs. Princeton University Press, 1982.
* Murase, Miyeko. Iconography of The Tale of Genji. Genji Monogatari Ekotoba. New York and Tokyo: Weatherhill, 1983.
* The Tale of Genji: Legends and Paintings. Introduction by Miyeko Murase. New York: George Braziller, Inc., 2001 ISBN 0-7141-1496-0

Brehin profana Delfos

2009-11-12T04:03:00.001-08:00

Fresco+del+Monasterio de San Juan-Grecia+Patmos

Dama-de-Mycenes-s.-XIII
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Brenno

Y llegó el guerrero galo Brenno, jefe de la tribu de Senones, a Delfos, el templo sagrado de los griegos.

delfos

Con un ejército de 150.000 guerreros el lider Celta quería asestar un golpe tan temible a los griegos como había sido la invasión de Roma para los romanos.

apolo

Entre unas brumas de pesadilla se les apareció Apolo y desde la cima del monte Parnaso

monte_parnaso

envió tres rayos sobre el cuerpo de Breno. (La historia dice tres, pero eso es segun quien la cuente. Yo digo que debieron ser más para herir de muerte a nuestro Dios Bran).

(Me pregunto como la deidad profética del oráculo de Delfos, el dios de la medicina, defensor de rebaños y manadas, y jefe de las musas pudo tener un momento tan vengativo)

guerreros-de-Pilos

Los guerreros fueron arrojados desde la cima del monte a manos de un Apolo desconocido y Brenno, herido de muerte se quitó la vida antes de ser apresado por sus enemigos

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El nombre de Brenno significa en celta Raven (cuervo), como era costumbre entre los pueblos celtas de usar como nombres propios, nombres de animales para enfatizar un físico o el carácter, en relación con el espíritu original de la naturaleza, como Hirpus el lobo o el jabalí cisne Cicno Moccus. Brennan o Bran, el dios celta de la guerra, era a menudo representado como el espritu de un cuervo .

Posteriormente, dada la gran personalidad del líder, el nombre tomó el significado de CAPO o cabeza (en Celta Brehin) de la misma manera, que se utilizaron en otras culturas el nombre de César, Kaiser o zar para designar a los jefes

Poema El Hijo de Pablo Neruda

2009-11-11T05:07:00.000-08:00

FELIZ CUMPLEAÑOS FERNANDO

Ay hijo, sabes, sabes
de dónde vienes?

De un lago con gaviotas
blancas y hambrientas.

Junto al agua de invierno
ella y yo levantamos
una fogata roja
gastándonos los labios
de besarnos el alma,
echando al fuego todo,
quemándonos la vida.

Así llegaste al mundo.

Pero ella para verme
y para verte un día
atravesó los mares
y yo para abrazar
su pequeña cintura
toda la tierra anduve,
con guerras y montañas,
con arenas y espinas.
Así llegaste al mundo.

De tantos sitios vienes,
del agua y de la tierra,
del fuego y de la nieve,
de tan lejos caminas
hacia nosotros dos,
desde el amor terrible
que nos ha encadenado,
que queremos saber
cómo eres, qué nos dices,
porque tú sabes más
del mundo que te dimos.

Como una gran tormenta
sacudimos nosotros
el árbol de la vida
hasta las más ocultas
fibras de las raíces
y apareces ahora
cantando en el follaje,
en la más alta rama
que contigo alcanzamos.

Zeng Fanzhi

2009-11-11T03:35:00.000-08:00

Inédito y sorprendente, el artista chino Zeng Fanzhi aúna en su obra el expresionismo admirado de Bacon junto con la angustia y un onirismo provenientes de la mejor tradición oriental. Desconocido en España, ahora la Fundación Francisco Godia (Barcelona, España) presenta al gran público una muestra donde han sido reunidas sus obras más personales.

La exposición ofrece una selección de piezas escogidas, pertenecientes a la colección particular del artista, aquéllas de las que nunca ha querido desprenderse. De número reducido y gran formato, las piezas alternan la abstracción con un figurativismo excepcionalmente peculiar, en el que la figura humana, deformada y evocadora, es la gran protagonista. Desde la crítica que suponen los atributos pertenecientes a sus famosas series de yuppies, concretados en el color del éxito en la China comunista, hasta el homenaje, presente en cuadros como Bacon and Meat, el arte de Zeng Fanzhi es una ventana a territorios de la conciencia inexplorados, a una realidad, individual y social, que se hace presente de una forma incómoda.

En este recorrido el maestro por excelencia no podrá ser otro que un lúcido Bacon, a quien tanto recuerda Fanzhi en el dominio del gesto expresionista en plena figuración. Hay que destacar en la muestra, frente a los cuadros de los "cinco grandes" -Marx, Engels, Lenin, Stalin y Mao-, sus retratos anónimos, de los que es una buena muestra la obra We, o sus grandes abstractos, conformados por una enmarañada pincelada que no posee ni principio ni fin. Junto con esto, la Fundación Francisco Godia presenta en primicia la primera escultura del artista, un reclamo más para acercarse a disfrutar de una exposición que no dejará indiferente.

Más información: Fundación Francisco Godia

Feria Mercado de los Artistas 2009

2009-11-11T03:32:00.000-08:00

A la manera de un pequeño Museo d'Orsay, la preciosista estación de tren de Atocha (Madrid, España) se convertirá durante este mes en sala de exposiciones para acoger la cita anual de la Feria Mercado de los Artistas. Un punto de encuentro donde los artistas tendrán la oportunidad, durante once días, de mostrar su obra a nivel nacional, y los compradores de hacerse con piezas de calidad a precios asequibles. Una reunión que aún tiene abierto el plazo de inscripción y que se complementa con un original programa de performances, donde los diferentes lenguajes artísticos tendrán cabida, junto con los concursos desarrollados bajo el auspicio de Renfe Cercanías. DEL 27 DE NOVIEMBRE AL 8 DE DICIEMBRE DE 2009.

La Feria responde a una fórmula exclusiva, tanto de exposición y atención al público como de compraventa; una circunstancia que, en sí misma, ya suscita un gran interés cada año, con la consiguiente repercusión mediática que ello conlleva y la publicidad obtenida por los autores integrantes. El modelo de funcionamiento propuesto por la Feria implica ventajas tanto para artistas como para compradores, ofreciendo a cada una de las partes las mejores condiciones de exhibición y adquisición.

La Feria funciona como un gran supermercado del arte donde los visitantes pueden pasear, visionar, comentar y escoger las piezas, abonando su importe a la salida del recinto. Junto con esto, cuenta con dos formatos de exposición que se acomodan a diversos presupuestos, una fórmula que se complementa con la ventaja de la atención del público asistente por parte de la organización. Una ventaja a la que habría que añadir que no es preciso que las obras vayan enmarcadas, con el ahorro que esto supone con respecto a las exposiciones convencionales, la inclusión en el catálogo con fotografía a color sin coste adicional y el hecho de que cada artista puede participar hasta con 35 obras de medida máxima 65 x 60 cms.

Los formatos de exposición varían del módulo-cajón hasta el stand, con precios que oscilan asimismo de los cerca de 300 € hasta los poco más de 400 € en función de la modalidad escogida. Los pintores pueden presentar en el módulo individual, dotado de un cajón y un panel frontal, más de treinta obras sin enmarcar de pequeño formato y precio máximo de 600 €; una opción que se amplía con el formato de paneles, donde puede exponerse obra sin límite de medidas o precio. La comisión de venta que se proporcionará a la organización es del 40%, quien se ocupa de atender a los visitantes y actúa como recaudador en nombre de los artistas.

De forma paralela a la muestra se realizarán diversas actividades de Bodypainting, en las que se ofrece una visión diferente del proceso creativo, y Renfe otorgará, como cada año, los "Premios Renfe" en metálico a la "Mejor obra" y al "Mejor conjunto de obra".

Para participar como artista envía un e-mail a la dirección de correo electrónico ferias@profearte.com con la solicitud adjunta debidamente cumplimentada y, si se trata de tu primera participación en la Feria, dos fotografías de obra reciente en línea con lo que expondrás y un currículum. Dicho envío se puede realizar por correo electrónico (en formato jpg de pequeño tamaño) o por correo postal con las fotos impresas o grabadas en cd a Profearte s.l. c/ Hilarión Eslava nº 19, 28015 Madrid. En el plazo de una semana la organización comunicará la decisión tomada telefónicamente o por correo electrónico.

Y para asistir como visitante tan sólo tienes que enviar a invitaciones@profearte.com un mensaje con todos tus datos personales y la palabra "Invitaciones" indicada en el asunto.

Más información: Profearte

III Concurso de Escultura “Premios AQA”

2009-11-11T03:29:00.000-08:00

La Fundación Francisco Carvajal (Puerto Rico), y el Ayuntamiento de Albolote (Granada, España), convocan este certamen de escultura destinado a todos los artistas sin distinción de nacionalidad o residencia. El tema será libre, con especial valoración de aquellas piezas que se integren en su futuro emplazamiento, y el premio único de 6.000 € más un fondo de ejecución de obra máximo de 36.000 €.

Ficha del certamen

Organiza: Fundación Francisco Carvajal y Ayuntamiento de Albolote.

Categorías: Escultura.

Plazo de recepción de solicitudes: Del 16 al 30 de noviembre de 2009.

Límites de participación: Podrán concursar todos los artistas, cualesquiera que sea su nacionalidad o residencia. .

Requisitos: La temática de las obras será libre, si bien el jurado considerará la integración de la obra con el carácter urbano de su futuro emplazamiento. La obra ganadora se emplazará en el lugar acordado, entre el Ayuntamiento de Albolote y la Fundación Francisco Carvajal, reservándose no obstante, el ayuntamiento de albolote la decisión definitiva acerca de su ubicación. Cada proyecto se presentará en la técnica expresiva y material deseado por cada escultor, teniendo presente que, de resultar ganadora del certamen, la escultura deberá realizarse en material resistente a la intemperie.

Documentación: Cada autor podrá presentar un máximo de dos proyectos de escultura a concurso, originales e inéditos. Las esculturas no habrán sido presentadas a certámenes anteriores y deberán presentarse correctamente embaladas, no siendo superior su altura a 50 cm . Será necesario acompañar el proyecto de un sobre cerrado con título/lema con una memoria explicativa que incluya posible ubicación, anclajes, conceptos y cualquier otro aspecto que el autor estime conveniente. En la carátula de dicha memoria deberá ser visible el título de la obra. En el mismo sobre se incluirá un breve currículo vitae. Adherida a la peana deberá colocarse la ficha de inscripción debidamente cumplimentada y en un sobre cerrado en donde resulte visible, el título/lema de la obra.

Presupuesto: Cada escultor presentará, junto con la documentación del concurso, en sobre cerrado, el presupuesto material de ejecución de la obra fundida en bronce y el tamaño establecido en la memoria. Todos los gastos ocasionados en la ejecución de la obra, incluido el transporte desde la fundición hasta su emplazamiento, así como su anclaje definitivo, deberán estar incluidos en dicho presupuesto. El autor será responsable de la dirección técnica de la obra, debiendo quedar sus honorarios incluidos en el presupuesto total que correrá íntegro, a cargo de la entidad organizadora. El presupuesto no podrá superar los TREINTA Y SEIS MIL EUROS (36.000,00€) IVA incluido.

Dotación: Se establece un único premio para el autor de la obra seleccionada con una dotación económica de SEIS MIL EUROS (6.000,00€). Dicha cuantía quedará sometida al impuesto sobre la renta de las personas físicas, de acuerdo con la legislación vigente. La Fundación Francisco Carvajal hará entrega del premio al autor una vez recepcionada la obra definitiva.

Más información: Premios AQA

VI Concurso de Foto-reportaje ARCO 2010

2009-11-11T03:27:00.000-08:00

Cinco fotógrafos, designados por un jurado, tendrán la oportunidad de captar día a día el desarrollo de la edición 2010 de la Feria Internacional de arte Contemporáneo gracias a este certamen promovido por la propia ARCO (Madrid, España). El concurso está abierto a todos aquellos profesionales menores de 40 años, quienes recibirán además en pago por su trabajo la cantidad de 1.560 € a la entrega final.

Ficha del certamen

Organiza: ARCO.

Categorías: Fotografía.

Plazo de recepción de solicitudes: Hasta el 30 de noviembre de 2009.

Límites de participación: La convocatoria de este concurso está abierta a fotógrafos que no hayan cumplido 40 años a día 31 de diciembre de 2009. No podrán participar aquellos que formen parte del Jurado, que
pertenezcan al personal fijo de ARCOmadrid / IFEMA, Feria de Madrid ó sean familiares en primer grado de personas relacionadas con el diseño u organización de este concurso.

Requisitos: Se entregará un portafolio de imágenes impresas; no contendrá menos de diez imágenes ni más de veinte. Las fotografías podrán tener una mancha de imagen libre, sin superar el formato 40 x 60 cm. No podrán estar montadas sobre soporte secundario, ni enrolladas. El concurso es de carácter anónimo, por lo que las reproducciones no podrán estar firmadas. La temática es libre, aunque se sugiere la presentación de obras que puedan mostrar una afinidad con el tipo de trabajo a encargar a los ganadores.

Documentación: El plazo de entrega de los materiales finalizará el 30 de noviembre de 2009. Se aceptarán también los envíos en los que conste matasellos con dicha fecha. Sean entregados o enviados, los paquetes se dirigirán a nombre del "Concurso de Foto-Reportaje ARCOmadrid_ 2010”, y se deberán hacer llegar a ARCOmadrid, Feria de Madrid, 28042 Madrid.

En un sobre dentro de este paquete, se incluirá el nombre del autor junto con todos los datos personales, fotocopia del DNI o pasaporte y currículum vítae actualizado, así como una declaración firmada en la que conste la aceptación firmada de las condiciones establecidas en las bases como compromiso de llevarlas a efecto íntegramente en caso de ser seleccionado. Asimismo, deberá hacerse constar si desea recuperar sus obras una vez finalizado el concurso. Finalmente, se adjuntará un tercer embalaje para la posterior devolución de las imágenes, si así lo desea el concursante. Este embalaje deberá estar debidamente preparado, con la dirección de destino y el franqueo pagado. Con el objeto de asegurar la transparencia del concurso, el nombre y datos personales de cada fotógrafo permanecerán en el anonimato hasta ser realizada la selección final por parte del Jurado, momento en el que estos datos se harán públicos.

Premio: El trabajo de cada fotógrafo deberá abarcar todos los actos que se celebren entre los días 15 al 22 de Febrero del 2010, relacionados con la Feria. Los fotógrafos seleccionados percibirán por su trabajo y
entrega del trabajo final, la cantidad de 1.560,00 € (a los que serán de aplicación los impuestos que correspondan conforme a la normativa vigente).

Más información: ARCO

Sorolla camina con Velázquez

2009-11-11T03:26:00.001-08:00

Al igual que todos los artistas, Sorolla adeuda parte de su estilo único a influencias previas; en su caso, será Velázquez el gran maestro, aquél de quien comprenderá lo necesario para imprimir a sus obras una atmósfera característica y diferenciada. El Museo Sorolla de Madrid (España) presenta el "diálogo" establecido entre ambos en una exposición que se estructura en torno al Menipo velazqueño y cuenta con obras del periodo de formación del valenciano.

Velázquez ha sido la gran influencia del arte español desde el Barroco; la figura que reúne todas las cualidades, todos los estilos y todo el gesto expresivo más tarde desarrollado. De esta manera, será sin dudar el maestro que subyacerá en buena parte de los artistas posteriores, en temas, forma, composición, luces y sombras, colores y psicología. Homenajeado hasta la saciedad en el s.XX por autores de obras tan evidentes como las Meninas de Picasso o los Inocencios de Bacon, existen, sin embargo, pintores en el que la espíritu velazqueño es más residual. Sorolla presenta esta sutileza, ahora al descubierto en una muestra que sitúa frente a frente a ambos autores.

Concebido como un proyecto expositivo con vocación de continuidad, la exposición organizada por el Ministerio de Cultura y la Fundación Museo Sorolla se establece en torno a tres ejes temáticos: Realismo, Retratos y Paisaje. Desde cada uno de estos puntos de vista se va a revisar la relación del valenciano con la tradición naturalista previa, así como su filiación con Velázquez, presente en retratos como Mis hijos o el Autorretrato de Sorolla. Una lección de composición que asumirá en una clave moderna y que le llevará a alumbrar obras maestras como La bata rosa.

La muestra acoge un total de once pinturas de Sorolla, el cuadro de Velázquez donde aparece representado el filósofo satírico Menipo de Gadara -alejado de cualquier imagen clásica e idílica-, junto con tres de las copias que Sorolla hizo de cuadros de Velázquez en su etapa de formación. Aquí se establece ya la relación que mantuvo con el que será su gran referente y en cuyo conocimiento irá profundizando con el paso del tiempo según vaya aumentando la comprensión de su pintura. Un entendimiento en el cual tendrá una influencia decisiva la obra de autores extranjeros influidos asimismo por Velázquez, como sucederá con el sueco Anders Zorn, de quien Sorolla considerará que "[...] había resumido lo que nosotros, teniendo en casa a Velázquez y contemplándolo todos los días, no vemos ni entendemos por sobra de prejuicios".

Más información: Museo Sorolla

El documental sobre la creación de un mito. Sólo dos semanas en cartelera.

2009-11-11T02:30:00.000-08:00

Arte femenino - la nueva colección del Centro Pompidou

2009-11-10T03:18:00.000-08:00

Por primera vez se presenta una exclusiva colección de arte femenino en uno de los museos más importantes de París y del mundo. Se trata de una presentación que el Centro Pompidou ha dedicado a las mujeres artistas desde el siglo XX hasta la actualidad. La exposición comenzó el 18 de septiembre y terminará al final de mayo 2010. El Centro Pompidou reúne en un entorno único una de las primeras colecciones de arte moderno y contemporáneo más importantes de Europa.

frida-kahlo

La institución, que ha sido capaz de organizar y presentar al mundo la primera exposición europea de arte moderno y contemporáneo, ha establecido un compromiso único con artistas femeninas de diversas nacionalidades y disciplinas, haciendo posible un acontecimiento de gran nivel cultural. Se puede decir que ha dado la posibilidad al mundo de descubrir a estas mujeres, su forma de vida y sobre todo su arte a partir del siglo XX.

Dorothea Tanning

Hay figuras emblemáticas como Sonia Delaunay, Frida Kahlo, Dorothea Tanning, Joan Mitchell y Maria-Elena Vieira da Silva, es decir grandes artistas contemporáneas. También se puede disfrutar de obras de Sophie Calle, Annette Messager o Louise Bourgeois. Ellas fueron ya objeto de exposiciones monográficas de gran interés en el mismo centro.

Karen Knorr

El programa subraya los contextos culturales de estas mujeres, su experiencia, lo que han descrito en un siglo de historia, a través de la literatura, de la historia del pensamiento, de la danza y del cine. Empezamos por las mujeres pioneras que abrieron el arte al mundo femenino. Primitivas, funcionales, urbanas, surrealistas, objetivas… Sus trabajos estarán presentados en ocho salas. Son mujeres que han
acompañado la vanguardia y la evolución: estamos hablando de Shirley Jaffe, Joan Mitchell, Sonia Delaunay, Natalia S. Gontcharova, Hannah Höch, Frida Kahlo, Judit Reigl, Suzanne Valadon, Diane Arbus y Dora Maar.

Niki de Saint Phalle

Luego seguimos con Niki de Saint Phalle, Karen Knorr, Rosemarie Trocket, aquellas que
se han dedicado a la lucha feminista, fotógrafas con una visión personal de la realidad. En una sala privada, junto con el libro de Virginia Woolf nos encontramos las obras de artistas que abarcan cuestiones relativas a la zona privada, los vínculos entre las proyecciones mentales y los espacios expositivos. Estamos hablando de artistas del calibre de Dorothea Tanning, Tatiana Trouvé, Charlotte Perriand y Sophie Calle.

Sophie Calle

Este es un evento de gran valor cultural e histórico que nos lleva a un paisaje encantador y emocionante. La feminidad, la sensibilidad, la fuerza, el valor de expresar sus puntos de vista, la cultura, etc. Y todo esto reunido en una única exposición.

VIDEO SOMNIFERO MADE IN SPAIN

2009-11-10T02:29:00.000-08:00

"Detrás de la caída del Muro de Berlín, se ve lo que puede representar un día en la historia: se unifica una ciudad, Berlín; un país, Alemania; un continente, Europa; y se acaba una ideología totalitaria de más de 50 años. Es impresionante lo que se puede hacer en un día", ha señalado Zapatero.

El jefe del Ejecutivo ha afirmado que se siente "especialmente orgulloso" de cómo cayó el Muro de Berlín porque lo hizo pacíficamente y ha añadido que demuestra que también "el poder blando" funciona a veces mejor que otro tipo de acciones.

MI COMENTARIO-

AYYYYYY MAMMAAAAAAA MIA!!!!

La ex-ministra de sanidad de Finlandia, Doctora Rauni Kilde, no tiene pelos en la lengua.

2009-11-09T09:08:00.001-08:00

Adriaen Coorte

2009-11-05T11:16:00.000-08:00

Adriaen Coorte (c. 1663- despues de 1707)

Se sabe poco de la vida de Adriaen Coorte. Trabajó en Middelburg, donde figura como miembro de San Lucas. Los temas favoritos de Coorte eran los bodegones con grosellas, esparragos o conchas. Aunque algunas de sus composiciones eran complejas, su fuerza recaía en la simple representaciön de un objeto iluminado contra un fondo oscuro. Coorte desarrolló sus temas detalladamente y consiguió mostrar un uso elegante de la luz en sus composiciones. Muchos de los bodegones de Coorte están pintados sobre papel pegado en madera, un método bastante poco corriente en el siglo diecisiete.

rijksmuseum

Feria Mercado de los Artistas 2009

2009-11-04T13:00:00.000-08:00

La Bauhaus en el MOMA

2009-11-04T12:56:00.000-08:00

Bajo el título "Bauhaus 1919–1933: Workshops for Modernity" el Museo de arte Moderno de Nueva York ( EE.UU. ) explora, al completo, los años de existencia de la escuela alemana. La muestra supone la mayor retrospectiva realizada hasta la fecha de la mítica Bauhaus y permite un recorrido por su evolución de la mano de las piezas de famosos integrantes como Paul Klee, Kandinsky o László Moholy-Nagy.

Tras su paso por Berlín, donde fue inaugurada con ocasión del 90 aniversario del nacimiento de la Escuela, la exposición dedicada al modelo de la Bauhaus llega ahora a Nueva York, aunque con un planteamiento expositivo distinto al original. Alrededor de cuatrocientas obras, muchas de ellas expuestas por primera vez en los Estados Unidos, dan idea de la labor productiva de la Escuela, incluyendo el diseño industrial por supuesto. Las piezas responden, además, a los nombres de no sólo sus más conocidos estudiantes, sino también a los de aquellos menos famosos que dieron rienda suelta a una innovación cuya influencia en nuestra actualidad aún continúa vigente.

Fotografías, textiles, cerámicas, pinturas, diseños para teatro y moda, proyectos arquitectónicos y esculturas componen la muestra, en la que destacan unas 150 obras de arte raramente exhibidas procedentes de las colecciones de las tres principales instituciones alemanas encargadas de velar por la memoria de la Bauhaus -el Archivo y Museo Bauhaus de Berlín, la Fundación Bauhaus de Dessau y la Fundación Clásicos de Weimar- así como cerca de ochenta pertenecientes a la propia colección del MOMA. Un compendio que se complementa con el resto de las cesiones realizadas por las diversas instituciones públicas y privadas de Europa y Estados Unidos implicadas en la exposición.

Más información: MOMA

Becas Fundación Bilbao Bizkaia Kutxa 2010

2009-11-04T12:54:00.000-08:00

La Fundación Bilbao Bizkaia Kutxa ( País Vasco, España ) convoca un año más sus becas de apoyo al desarrollo de proyectos artísticos de cualquier disciplina. Dos modalidades -cesión temporal de espacios y talleres- se dividen los 100.000 € destinados a cubrir el máximo de veinte becas que se concederán entre ambas categorías.

Ficha del certamen

Organiza: Fundación Bilbao Bizkaia Kutxa, en colaboración con la Fundación Bilbao arte Fundazioa.

Categorías: Proyectos artísticos de cualquier disciplina, individuales o grupales, a realizar durante el 2010.

Plazo de recepción de solicitudes: Hasta el 13 noviembre de 2009.

Documentación:

-Dossier del proyecto a realizar, incluyendo en la portada la modalidad de beca a la que concurre.
-Currículum vitae (en el caso de grupos, presentar currículum de cada uno de los miembros).
-Documentación gráfica que se estime oportuna.
-Presupuesto desglosado de la ejecución del proyecto.

Toda la información debe presentarse mecanografiada, en papel de formato Din-A4 y sin exceder los 30 folios.

Dotación:

En la modalidad "Becas para Espacios de cesión temporal" se convocan diez becas con una cuantía máxima de 6.000 € cada beca.
En la modalidad "Becas Taller" se convocan diez becas con una cuantía máxima de 4.000 € cada una.

Más información: Bilbao Arte

Marie Raymond-Yves Klein. Herencias

2009-11-04T12:51:00.000-08:00

El Círculo de Bellas Artes de Madrid (España) presenta una exposición donde se analiza la relación paterno filial desarrollada entre dos figuras como el famoso Yves Klein y su madre, la también artista Marie Raymond. Un centenar de obras, de ambos autores, ejemplifican la influencia que tuvo esta relación en la producción de Klein en una muestra inédita hasta la fecha en España.

Recordado por piezas como sus conocidas antropometrías -en las que la obra es el resultado de la impronta física de un cuerpo cubierto de pintura- o por el homónimo color "Azul Klein", Yves fue uno de los artistas más relevantes de comienzos del s.XX. Sus investigaciones siguen la línea de las actuaciones de autores como Man Ray y su monocromismo entronca con la comprensión cromática de Rothko, si bien su obra se encuadra dentro del movimiento neodadaísta.

Hijo de pintores, su madre Marie Raymond tendrá una influencia decisiva en la dimensión espiritual de la producción de Klein, en cuya obra se aprecian "sus ecos". La muestra organizada por el Círculo de Bellas Artes de Madrid, en colaboración con la Obra Social de Caja Duero, contrapone ambos estilos y realiza un recorrido por las distintas etapas de este artista avant garde gracias a la muestra de un centenar de las obras de ambos, así como de diferentes documentos y materiales audiovisuales.

Más información: Círculo Bellas Artes Madrid

Carlos III. Entre Nápoles y España- EXPOSICION

2009-11-04T12:48:00.000-08:00

El s.XVIII napolitano llega a la capital madrileña de la mano del 250 aniversario de la coronación de Carlos de Borbón como rey de España. La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (Madrid, España) acoge una muestra donde se realiza un recorrido por la vida del monarca, plasmada a través de su propia intimidad familiar y los acontecimientos históricos que conformaron el transfondo de su reinado.

Un recorrido que, en clave artística, acerca al visitante el contexto cultural y político del reino de Nápoles y la personalidad de un monarca ilustrado, amante del arte , e impulsor de manifestaciones como las producidas por las manufacturas reales. Esta pasión se verá reflejada, al tiempo, en un impulso del mecenazgo que dará como resultado un periodo de espléndida producción artística en la corte napolitana y la incentivación de proyectos arqueológicos como las excavaciones de Herculano y Pompeya. De este modo, los testimonios presentes son diversos y abundantes, con piezas que comprenden desde episodios como la abdicación del trono de las Dos Sicilias en su hijo, Ferdinando IV, hasta escenas íntimas de la vida en palacio, recogidas por autores como Guiseppe Bonito y Francesco Liani.

La exposición ha sido organizada por la Embajada de Italia en España con el patrocinio de Endesa y cuenta con obras procedentes del Museo del Prado, Patrimonio Nacional, La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, los museos de las Sopraintendenzas de Nápoles, Caserta y el Polo Museale Napoletano, así como la Società Napoletana de Storia Patria, el Palazzo Quirinale, la Banca Intesa San Paolo, la Galería Cesare Lampronti, la Galería Caylus y varios coleccionistas privados.

Más información: RA Bellas Artes de San Fernando

Mr. América- EXPOSICION

2009-11-04T10:15:00.001-08:00

Warhol llega a Argentina de la mano del Museo de arte Latinoamericano de Buenos Aires-Fundación Constatini para ofrecer al gran público un acercamiento a la Norteamérica más popular y política. Casi doscientas obras del genio de Pittsburgh, que recogen diferentes etapas creativas, con especial énfasis en la producción realizada en el periodo 1961-68, se mostrarán en la que supone la segunda exposición del artista realizada en el MALBA. El recorrido se realiza por las obras más icónicas del artista y recoge piezas como los retratos de Marilyn, Mao o Jackie Kennedy, sus famosas latas de sopa Campbell o sus autorretratos travestido.

Una retrospectiva, la mayor realizada hasta el momento en el país, que incluye diversas piezas -26 pinturas, 58 grabados , 39 fotografías y 2 instalaciones (Silver Clouds y Cow Wallpaper), además de 44 películas- correspondientes a diferentes etapas de su producción. Una oportunidad para acercarse a una figura que, en sí misma, encarna todo el ideal de la América rendida al culto al éxito, a la imagen y al producto; una definición no tanto del propio Andy como del movimiento pop, cuyas exigencias acabaron fagocitando al hombre para alumbrar al mito.

Nacido en el seno de una familia de inmigrantes, Andrew Warhola conocerá el éxito casi desde los comienzos de su trayectoria, primero como exitoso ilustrador afincado en Nueva York, más tarde como EL artista de una ciudad ubicada en el centro de la tendencia. El interés por la cultura de masas, la industria y el consumo está presente en los comienzos de una trayectoria que, poco a poco, irá evolucionando hacia postulados críticos mucho más explícitos. En su obra, asimismo, el medio será decisivo y la serigrafía se convertirá en el gran descubrimiento: una técnica que por fin se adecua a las necesidades expresivas de Warhol. Es la década de los 60, unas fechas en las que fundará ese experimento llamado The Factory y llevará a cabo algunas de las obras más famosas de toda la Historia del arte.

La exposición se ha centrado en este periodo, quizá el más productivo, o relevante, para mostrar las pulsiones de Warhol, sus tensiones, sus procesos. Una muestra que se ubica en el epicentro del mundo creativo de un artista hijo de una época marcada por la contradicción, como el propio Andy, que cambió la forma de entender el arte para siempre.

Más información: MALBA

LLARA LA HUSKY

2009-11-03T05:15:00.001-08:00

El domingo fui a dar una vuelta por Samil con Cris. Era casi de noche. El día había sido desapacible pero en aquel momento no llovía. La única estrella que se veía era Venus y en el agua se reflejaban unas serpientes plateadas que se desparramaban por la arena. ¿Que es aquello? Preguntó Cris. Vi las lucecitas de los barcos que pescan cerca de la playa y al fondo, hacia Canido, un palo muy alto lleno de bombillas de colores. ¿Te refieres a aquello del fondo? Si, dijo. Yo solo veo un mástil, lo más probable es que sea un velero...

Seguimos paseando cuando vimos un perro que venía hacia nosotras, se paró, se tumbó en el suelo, cerró los ojos y levantó una pata. Vimos hacia los lados, buscando al dueño, pero no había nadie. Solo las personas que tenemos animales conocemos las miradas de socorro de los bichos. ¿Que te pasa? Preguntó Cris. Abrió un poco los ojos y levantó de nuevo la pata. Llamamos al 112 y nos dijeron que mandarían a alguien. En aquel momento un hombre salió de un coche con algo en la mano. Soy "psicólogo clínico", ya le echo yo un vistazo. Con aquello que llevaba en la mano le tocó el cuerpo. ¿Ha dicho que es psicólogo de animales, Cris? No, dijo que es psicólogo clínico. Ahhhh

"El perro está bien, de esta se salva, solo tiene un enfriamiento porque se ha bañado y además está cansado". Sentenció el "galeno". Pues parece que se quejaba cuando lo movías, dijo Cris. Bueno, puede ser que tambien tenga una lesión interna debido a algun golpe o atropello....Me quedé pensando si además de psicólogo clínico sería tambien parapsicólogo. Una señora apareció con una manta y arropamos al animal. Unos niños se acercaron al corro que ya se había formado y el husky levantó la cabeza- Ahhhh seguro que vive con niños- dijo una mujer.

En aquel momento, aquel perro me recordó al mío, a Pol, no por parecido, que el mío es un chucho y en opinión de mucha gente, un chucho feo. Me vino a la mente una ráfaga de TEATRO. Pol cuando requiere atención, pone los ojos en blanco y hasta cojea.

Y llegaron los agentes. Un par de policías jovenes cogieron al animal e intentaron buscar alguna inscripción en el collar. "Si no podeis leer os dejo mi linterna", dijo Cris sacando una pequeña "mariquita" del bolso. Mientras uno de los agentes intentaba buscar, con la mariquita, algun nombre o telefono en la placa el otro averiguaba que el can tenía CHIP. Ohhhhhhh hubo un suspiro de alegría entre los que rodeabamos al husky.

Uno de los policías llamó a la protectora de animales: "Si, el perro aún está vivo, pero si ustedes tardan mucho ya no lo estará, su estado parece crítico"

Nosotras nos vamos dijimos, y gracias por haber venido tan pronto.

Al día siguiente Cris llamó a la perrera. Amparo, la jefa, riendose dijo: "Ahhhhh ¿preguntas por Llara? Es una profesional. Vive en Canido y de vez en cuando se fuga, se da un baño en Samil y cuando está agotada hace el número. Está perfectamente, corriendo por ahí. Los dueños vienen hoy a buscarla, no vinieron anoche porque ya los tiene HARTOS

MEMORIAS DE UN DOMINGO LLUVIOSO

2009-11-01T03:01:00.000-08:00

Mis amigas me están pidiendo: "Inés escribe sobre tu último viaje". Ja, ja, vale mis queridas fans, lo haré cuando ponga más memoria en el disco, que esto dice que ya no admite más cosas. La próxima semana empiezo. Lo prometo.

Hoy es un domingo típico de mi tierra, lluvia y bruma (cuadro de Grandío), Cris me acaba de llamar para ir a dar una vueltecita por la tarde y de paso ha desahogado su cabreo. La escucho riendome a carcajadas porque las historias de mujeres son similares y más cuando coincides con un ingeniero en casa. Esa mirada "paternal" de ESTO TE LO ARREGLO YO........S.O.S, S.O.S S. O. S.

Cris, menos mal que yo tengo un desván. Hago un pequeño recuento y hay, por lo menos, 4 aspiradoras, una plancha de caldera, un robot... Y no te cuento de lo que se almacena, no se puede tirar nada, asi que hay innumerables cargadores de moviles, rollos de cables de "cuando iba a hacer una instalación electrica", la silla que iba a pegar, los bafles que compró en la primera guerra mundial pero que son buenísimos porque son AMERICANOS.

¿Y lo del TOM TOM Cris? Eso ya es preocupante ¿no? Que no puede salir de casa sin ponerlo y el otro día para ir a Samil, lo que nos lleva normalmente 10 minutos, tardamos media hora..

Siiiii me contesta Cris comprendiendome. Que estamos yendo a casa de mi madre en A Coruña toda la vida y ahora tambien nos lleva TOM TOM y tardamos más...

¿Vosotros teneis a MARTA? Yo es que estoy haciendome preguntas todo el día ¿Cual es el rollo? ¿Que los conduzca a los sitios una mujer? ¿Que les den órdenes?

Nooooooooo contesta Cris "eso les evita preguntar", ya sabes que un macho no puede dar la sensación de perdido. Y continúa...

Que le voy a poner una clave y ya está

¿De que hablas?

Del ordenador ¿de que voy a hablar? Le voy a poner una clave y no la doy ni aunque me pongan la cabeza en un rail! Que estoy sin dormir de los nervios, joer!

Ayer me dijo: Te voy a sacar el WINDOWS VISTA y te pongo el WINDOWS 7 y el "bicho" ha hecho PLOFFFFFFFF...Pero si me iba muy bien, que no quiero que me cambien nada, pues se me habrán perdido archivos y...... vale, grité, pero despues me tomé un vaso de whisky y me meti en cama.

Ahhhhh pues me has hecho ver la luz, Cris, que a mi me han dicho: "VALE, EL LUNES TE METO MEMORIA Y TE PONGO UN EXCLAVO" y creo que he entendido otra cosa (?)Uyyyyyyy, el lunes me coloco la CPU debajo del brazo y se la llevo a esos chicos, vecinos tuyos, y que le metan ellos mano.

EN GALIZA EN GALEGO

2009-10-29T17:25:00.000-07:00

Frans Hals

2009-10-29T11:28:00.000-07:00

Frans Hals (Amberes, 1580? ó 1585? – Haarlem, 26 de agosto de 1666), pintor neerlandés de la escuela barroca flamenca. Es uno de los grandes maestros en el arte del retrato. Despierta gran admiración por la brillantez en la representación de la luz y la libertad en el manejo de los pinceles.

La escasez de documentos y la ausencia total de escritos personales de Frans Hals hacen que su personalidad y su vida permanezcan un poco en la oscuridad. Hay varias fechas hipotéticas sobre su nacimiento, que pudo ser en 1580, 1581 ó 1585, deducidas de la edad que sus biógrafos calculan que tendría cuando murió, aunque con seguridad nació en la ciudad flamenca de Amberes. Abandonaría esta ciudad con su familia pocos años después, trasladándose a Haarlem. Ya en 1591 fue bautizado allí su hermano Dirck, que también se dedicaría a la pintura.

Después de la caída de Amberes a manos de las tropas españolas en la Guerra de los Ochenta Años, que supuso la fragmentación de Flandes, su familia se instaló en Haarlem, en la zona norte, de donde su padres eran originarios. En dicha ciudad vivió Hals toda su vida. La biografía del pintor corre en paralelo con la independencia de los Países Bajos de la monarquía española.

Los estudios más recientes han ido desterrando la idea que sobre el pintor se tenía desde antiguo sobre una vida libertina y un incorregible vicio por el alcohol. Hals pertenecía a la asociación oratoria De Wijngaertranken y a la milicia cívica de San Jorge, y era también miembro de la cámara de rectores y presidente desde 1644 del gremio de pintores de Haarlem. La rectitud y puritanismo de estas sociedades no encaja con que Hals tuviera malas costumbres y vicios conocidos.

Entró el joven artista en el taller del pintor flamenco Karel van Mander (1548–1606), que también recaló allí huyendo del empuje español en la zona. La academia de este maestro dedicaba su estudio a una técnica manierista. Pero a finales del siglo XVI, debido a la influencia de la pintura italiana, surge un arte de cierta inspiración clasicista que se dejará traslucir en las obras del primer Hals. Por ello, no se nota la influencia de Van Mander en este período.

Su emancipación laboral se produce cuando alcanzó cierta madurez artística. Coincide con su ingreso en la Sint-Lucasgilde, la guilda de San Lucas en 1610, célebre gremio de artistas de Haarlem con sucursales en Amberes, Utrecht, Delft y Leyden. La obra más antigua de Frans Hals, cuya autoría se conoce con seguridad, es el retrato de Jacobus Zaffius (1611; Museo Frans Hals de Haarlem).

Es en 1610 también cuando contrae matrimonio con Anneke Hermansz, aunque a juzgar por los hechos, esta unión no fue feliz. Algunos historiadores han documentado que Hals tuvo que comparecer ante los tribunales por dar malos tratos a su primera mujer. Sea como fuere, es extraño que siendo Hals un pintor exclusivamente de retratos, no pintase en ninguna ocasión el rostro de Anneke. Sin embargo la unión duró poco, ya que ésta murió en 1616, dando dos hijos al pintor. En 1617, tras un viaje fugaz a Amberes (quizá para ponerse en contacto con Rubens), se casó con Lysbeth Reyniers con la que tuvo ocho hijos.

La tradición retratística holandesa alcanza su cumbre con Frans Hals, consiguiendo sacarla del mutismo y retratando sus figuras en movimiento. Su gran aportación vino en 1616, con el retrato colectivo, Banquete de oficiales de la milicia cívica de San Jorge. Este encargo prueba que el pintor ya había alcanzado cierta reputación como artista. Desde este cuadro, los encargos se hace muy habituales tanto de particulares como de instituciones.

Aunque la obra de Hals fue muy demandada durante su vida, tuvo graves dificultades financieras, no se sabe si por una vida disoluta o por tener que mantener una gran familia tras un segundo matrimonio con una mujer humilde. Además de pintar, trabajó como marchante, restaurador de arte y maestro de pintura.

A partir de 1640, un nuevo giro en la moda del retrato se observa en los países nórdicos. Empiezan a atraer retratos con mayor aire de distinción y de nobleza, como los de Antonio Moro o Anthony van Dyck. Esto repercutió sensiblemente en los pedidos del retratista neerlandés. A pesar de esto, en los ambientes artísticos oficiales, se sucedían los reconocimientos, como en 1644, que fue elegido presidente del gremio de San Lucas de Haarlem.

Ante esta falta de trabajo, Hals intenta abrir nuevos caminos y funda un taller hacia 1650. Pero la empresa no debió ser afortunada porque en 1652 su economía toca fondo. Sus acreedores lo demandaron en varias ocasiones, y en ese año pagó su deuda con un banquero vendiendo sus pertenencias. El embargo de su patrimonio sólo pudo requisar tres colchones, almohadas, un aparador, una mesa y cinco cuadros. La ciudad en reconocimiento se vio obligada a ayudarle en sus gastos, proporcionándole vivienda gratuita y aprovisionamiento de combustible.

Esta situación le hizo dimitir del cargo directivo del gremio y en 1661, se le exime, debido a su avanzada edad, del pago de la cuota correspondiente. El municipio de Haarlem también le concedió una anualidad de 200 florines en 1664.

Frans Hals murió en Haarlem en 1666 y está enterrado en la Catedral de San Bavón de la localidad, como homenaje póstumo al pintor. Su viuda murió poco después en un hospital de caridad de la beneficencia.

Se ha creído con ligereza que Hals no tenía una técnica muy depurada y que pintaba apenas sin correcciones o dibujos preparatorios. Pero estudios científicos y técnicos han demostrado que esto no es así. Es cierto que los trabajos menos conocidos fueron apuntados sin correcciones ('alla prima'), pero la mayoría de sus obras fueron creadas a partir de varias capas, como era costumbre en esa época. A veces el esbozo era hecho con tiza o pintaba sobre una capa base gris o rosa, para luego completar el cuadro por fases.

Parece como si el maestro normalmente usara los esbozos muy tenuemente. Esto demuestra que Hals utilizaba su virtuosismo desde el inicio del cuadro. La ausencia de líneas delimitadoras o de dibujo preparatorio fue cada vez más usada por el pintor en sus obras de madurez.

Frans Hals manifestó durante su vida una tremenda audacia y un gran coraje que empaparon sus propios lienzos. Él tenía la capacidad de plasmar la psicología del personaje. A diferencia de otros retratistas contemporáneos de Hals, no diferenciaba en su pintura si era por encargo o no. Utilizaba la misma diligencia y precisión en cualquiera de sus obras.

"Una inusual manera de pintar que superaba a la de casi cualquiera" escribió su primer biógrafo, Theodorus Schrevelius, en el siglo XVII, sobre su técnica pictórica. En realidad, esta técnica no fue creación original de Hals, ya existía en la pintura italiana barroca, aunque probablemente Hals la tomó de sus contemporáneos flamencos: Rubens y Van Dyck.

A comienzos del siglo XVII, ya sorprendía la vitalidad de los retratos de Frans Hals. Schrevelius apuntaba que su obra reflejaba "tal potencia y vida" que el pintor "parecía alcanzar el natural con sus pinceles". Siglos después, Vincent van Gogh escribía a su hermano Theo: "Qué alegría es ver a Frans Hals, qué diferente son sus pinturas -muchas de ellas- donde todo está cuidadosamente alisado del mismo modo".

Colorido preimpresionista

Hals eligió no darle un acabado definido a sus pinturas, como hacían casi todos sus contemporáneos, pues imitaba la vitalidad de sus retratados usando manchas, líneas, gotas, grandes parches de color, que conformaban los detalles.

No fue hasta el siglo XIX que esta técnica tuvo seguidores, particularmente en el Impresionismo. Se puede considerar al pintor holandés como un precursor, usando la técnica impresionista en los cuadros de las milicias o los retratos de los regentes del asilo de Haarlem.

Del conjunto de su obra por su número destacan los retratos, en los que demuestra una sorprendente habilidad en la captación de gestos y detalles:

* Retratos por encargo: Podríamos dividirlos en dos clases:
Retratos individuales: Son imágenes eminentemente burguesas dedicadas a la decoración de las casas, generalmente a través de encargos dobles: retratos masculinos y femeninos que presidirían las estancias nobles de los hogares de Haarlem. Aparecen llenas de vida y en una actitud increíblemente natural y conseguida, poco común para lo habitual de esta pintura por encargo. Utiliza para caracterizar la propia psicología de los retratados generalmente, en actitud seria y solemne.

Retratos colectivos: A encargo de sociedades o agrupaciones burguesas, Hals concede a todas las figuras un mismo trato preeminente, evitando personajes secundarios o subordinados. Se reflejan en estos cuadros de grupo el realismo psicológico y son ricos en cromatismo y efectos de luz dirigida a rostros y manos. Incluso en ocasiones sus honorarios le fueron pagados en vez por el lienzo en conjunto por persona pintada.

Retratos de tipos populares: Pintado con naturalidad y en actitud cotidiana. Son los desposeídos de su ciudad, a diferencia de los burgueses de alto poder adquisitivo de los encargos. Es pintura de género muy al gusto del Barroco, donde el estudio de la instantaneidad sobre las clases pobres suponen un estudio casi sociológico de esta parte de la sociedad excluida de las páginas de la Historia. Centra Hals en estos casos la atención más que en el físico del individuo en la personalidad integradora del momento captado.

COMO FORNICAR PORTUGAL?

2009-10-29T05:14:00.000-07:00

Com este vícioso despesismo, tudo à maneira imperial mais parola e desproporcionada num País pelintra e cada vez mais esfomeado. Portugal, o Portugal profundo, ultrataxado pelos políticos e endemicamente teso a maior parte do mês, também é fornicado por esses redundantes senhores directores regionais, locais, nominais, sinecurantes, coçadores da micose com ajudas de custo e de cuspo, com nada para fazer nem justicação para existir. Gente que vai pousar o cu nas cadeiras almofadadas das sessões solenes ou então manda um representante remelento e de olhos inchados (porque inesperadamente levantado da cama pelo mesmo chefe ocupado numa noite de alterne e pocker) a sentar o cu por dez minutos nas sessões solenes do Regime moribundo e depois a desaparecer num ápice perante o ar atónito do público e da mesa solene na sessão solene. Um Governo servo de vampiros clientelares não conhece outra natureza senão sugar e dar a sugar aos seus. Por ter poder para isso, um Governo Português típico dá a sugar aos seus, sem pudor, o grosso da receita fiscal de uma massa de pobres ainda mais empobrecidos, esmifrados e carcomidos pelas políticas opressoras em decurso. Secretarias de Estado, vastas como as mulas nos livros de tenças de D. João III, são sugadouros de recursos preciosos pela mão dos sucessivos governos. E há ladrões dentro da lei para todos os gostos: chefes e subchefes, tachados e sobretachados, entochados e abarrotados de ajudas de custo pela mão política que hoje os amamenta obscena. Nem um país de ricos, de bem-estar generalizado se mordomiza ou locupleta clientelarmente como este Portugal sucumbido pelo socialismo sugante de esquerda à direita do Dinheiro e entre a pernas do Estado. Aí está ele, o socialismo cagante do Diálogo-Man, novamente no Poder para Fingir Acção e para Infligir Desgraça. Decididamente, o Estado não sabe nem ser frugal nem ser eficiente. É uma cloaca despesista e uma máquina de Mentir disfarçada com charme de contrafação. Ah, não passar o meu Portugal de um projecto manhoso da Guarda garatujado pelo Engenheiro Sanitário Sócrates!

Publicada por joshua em http://joshuaquim7.blogspot.com/
PALAVROSSAVRVS REX

MEU COMENTARIO. As veces entro neste blog (pódese entrar a través do meu). Será que o desprestixio dos políticos é evidente en todas partes?

EL VALOR DE LA IGNORANCIA

2009-10-29T04:30:00.000-07:00

Desde niña estoy convencida de esto, y mira que son años ya! Si, la ignorancia es la ESENCIA DE LA FELICIDAD! ¿Os habeis dado cuenta lo que sufren los eruditos?

Yo voy a un concierto y me gusta o no me gusta pero POR LA PIEL. Si los vellos se me ponen de punta es QUE ME GUSTA y si no, bueno, puede ser que un poco o un nada pero el erudito, el verdadero melómano está pendiente de la nota, ahhhhhhh: Si, no estuvo mal pero "ese dooooo"....Ummmmm ¿Que do? y recuerdo aquellos días de clases de piano, una profe desesperada: Marca el ritmo Inés do, re, mi, faaaaaa ....No, nooooooo, que es blanca, que es negra, que es corchea, semicorchea, fusa, semifusa.....y yo con una mano, arriba, abajo, lado derecho, izquierdo. Lo dejé rápido antes de que a aquella mujer le diera un infarto.

Y la pintura... esa es otra. Creo que no he perdido aún la mirada un poco infantil y me sorprendo, veo algo que me gusta y me pregunto ¿Como pudo? Increible! Metió ese brazo ahí y me parece una genialidad! Y en eso que aparece el erudito, te mira a la cara y ..... Ummmmm ¿donde está la perspectiva? Ohhh Dios ese brazo descompensa toda la obra!

Y si hablamos de escribir ya no digamos....Que decir lo que piensas, (pero sin pensar), o esa "a lo espontáneo" resulta ANTIGUO.

Pues va a ser que está de moda sufrir, pues no -YO ME QUIERO REIR-

Besos a todos