Ysern i Alié, Pere. Barcelona 31.VIII.1875 – 5.IV.1946. Pintor.
En su juventud habría tenido relación con grupos anarquistas. Rechazado por la escuela oficial de la Llotja de Barcelona, ingresó en la Academia de Pere Borrell del Caso. En 1894 expuso un dibujo en la Exposición General de Arte barcelonesa.
(Matamorosa, Cantabria, 1853-Madrid, 1898). Pintor español especializado en paisajes, que también cultivó el retrato y la pintura de género. De origen humilde, comenzó a pintar y a dibujar a raíz de un accidente que le produjo la cojera a la edad de quince años.
Después, gracias a una pensión de la Diputación de Santander, pudo trasladarse a Madrid, donde tuvo oportunidad de estudiar primero con Vicente Palmaroli, y después con Carlos de Haes en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando. El Museo del Prado conserva dos dibujos y cuatro lienzos, entre ellos el óleo El descanso. Estudio del pintor. ¿Qué pensará?, que fue premiado con tercera medalla en la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1876. Posteriormente, en las ediciones de 1881 y 1890 de la misma Exposición, obtuvo segunda medalla por los lienzos titulados Vista de un jardín y El nacimiento del Ebro. Poco después, en enero de 1899, el Círculo de Bellas Artes organizó una importante exposición de sus obras.
MUSEO NACIONAL DEL PRADO
(Belfast, 1856-1941). Pintor británico. Estudió en Glasgow, Londres y París. Trabajó primero como ayudante en el estudio de un fotógrafo, retocando negativos y coloreando fotografías, lo que tal vez marcara su afición a la pintura de retratos.
Entre 1881 y 1883 estuvo en Francia; en París estudió con Filippo Colarossi y en la Academia Julian; también pasó una temporada en 1883 en Grez-sur-Loing, al norte de Francia, con la colonia de artistas que se reunía allí, y pintó paisajes al aire libre bajo la influencia del «realista» Jules Bastien-Lepage y de los impresionistas; allí conoció a otro pintor irlandés, Frank O'Meara. En 1885 volvió a Glasgow, donde se convertiría en la figura principal de los renovadores Glasgow Boys, con David Young Cameron y Ernest Atkinson Hornel; después, se trasladó a Londres, donde abrió estudio y empezó a exponer con éxito en 1886 en la Royal Academy.
John Lavery triunfó como cronista de la alta sociedad tanto en Inglaterra como en Irlanda y Escocia, en parte gracias al aire mundano, elegante y sofisticado que lograba imprimir a sus personajes; un aire que lo emparenta con otro retratista de éxito, John Singer Sargent. Un encargo de la reina Victoria para que hiciera un cuadro de gran tamaño sobre la visita de la familia real a la exposición de Glasgow de 1888, que pintó en 1913, lo puso de moda como retratista, aunque siguió pintando paisajes, entre otros lugares en Tánger, donde tuvo una casa. El pintor que más influyó en John Lavery fue otro americano, James McNeill Whistler, y, a través de él, Édouard Manet y Diego Velázquez.
En 1891 estuvo en Madrid, y copió cuadros del sevillano en el Museo del Prado (Baltasar Carlos y la reina Mariana), mientras afirmaba que «solo tenía ojos para él»; además, tuvo tiempo para ir a los toros una docena de veces.
Museo del Prado
Bruselas, 27.1.1826 - Madrid, 17.6.1898
De origen belga, Carlos de Haes se instaló en Málaga con su familia cuando contaba con tan sólo nueve años de edad. Allí recibió sus primeras enseñanzas artísticas, con el pintor canario Luis de la Cruz (1776-1850), retratista y miniaturista de cierta reputación. Sin embargo, fue a partir de 1850 durante su viaje de vuelta a Bruselas, donde se hizo discípulo de Joseph Quinaux (1822-1895), cuando entró en contacto con el paisajismo de las escuelas de Namur, Tervueren y Termonde, y donde forjó el estilo artístico que le daría su gran nombre en España.
Entre los años sesenta y setenta, viajó por numerosos puntos de la península, prefiriendo el interior del Levante español así como toda la cornisa cantábrica, buscando nuevos parajes de los que tomar referencias directas en forma de apuntes y de bocetos, que luego en su taller madrileño convertía en pinturas de gran formato. La síntesis de estas experiencias la plasmó en “La canal de Mancorbo en los Picos de Europa”, en la que la vivencia al aire libre frente a ese accidente geográfico queda todavía algo sometida a las fórmulas compositivas académicas, que justifican la presencia de figuras humanas o el engrandecimiento idealizado del perfil real del paisaje.
Haes también realizó algunos viajes por Europa después de la muerte de su esposa y de su hija, en 1877, acompañado por uno de sus discípulos más queridos, Jaime Morera (1854-1927). Fueron por el golfo de Gascuña, Bretaña y Normandía, en busca de los territorios natales del pintor. En esta época, su noción del paisaje comenzó a plasmarse en visiones algo más oscuras y melancólicas, seguramente fruto de la tristeza en la que se sumió al quedar sin familia.
Hacia 1887 dejó de pintar y de salir al campo, acosado por la enfermedad que acabaría con su vida once años después. En esas fechas sus discípulos, sobre todo Jaime Morera, se ocuparían del cuidado del maestro y, a su muerte, consiguieron que el caudaloso contenido de su estudio –sus bocetos, dibujos y grabados-, que habían recibido como herencia del paisajista, pasara al recién inaugurado Museo Nacional de Arte Moderno de Madrid, fondos que ahora guarda el M
Museo Nacional del Prado
Nacido de padres ingleses, Bonington pasó gran parte de su corta vida en Francia. Estudió inicialmente en Calais con Louis Francia antes de trasladarse a París. En 1818 conoció a Eugène Delacroix y se matriculó en el taller del barón Antoine-Jean Gros, donde entabló una amistad duradera con Paul Huet , un compañero de estudios.
Bonington era un viajero empedernido y pasó mucho tiempo explorando la costa norte de Francia. En 1825 visitó Londres con varios artistas franceses, entre ellos Delacroix, y en 1826 viajó por Suiza hasta Venecia.
Murió trágicamente joven por tisis a la edad de 26 años.
Bonington fue uno de los artistas más importantes de principios del siglo XIX, vital para la comprensión del arte francés y británico del período romántico . Su gama incluía pinturas históricas y temáticas, y paisajes, obras y bocetos de gran acabado, todo ello imbuido de una brillantez y seguridad de toque que fue muy admirado durante y después de su vida.
El período de 1880 a 1892, coincidiendo con el regreso de Thaulow a Noruega, fue un período de tiempo fundamental para el arte noruego. Durante estos años, la forma de arte realista fue aceptada en su tierra natal. Gran parte de esto se basó en lo que había aprendido durante su residencia en París. Esto le permitió a Thaulow combinar sus impresiones muy personales del paisaje de Noruega para crear una nueva forma de paisaje impresionista.
Sus interpretaciones de los jardines públicos y las áreas circundantes de Oslo fueron ampliamente elogiadas. Uno de sus temas favoritos fue el de los esquiadores en las pistas invernales de Oslo. Muchas de sus creaciones representan Asgardstrand, una ciudad a 100 kilómetros al sur de Oslo. Sus obras que utilizan óleos y pasteles en la década de 1890 contribuyeron a la naturaleza poética de ese período de tiempo.
Thaulow se mudó a Francia en 1892, donde produjo aproximadamente 50 pinturas por año mientras residía allí. Muchas de estas pinturas se exhibieron en las Galerías Georges Petit y Cie en París. Se hizo amigo de personas como Rodin y Monet. Después de su fallecimiento en 1906, las pertenencias de su estudio fueron subastadas un año después en París.
El arte bizantino fue un período significativo en la historia del arte occidental. Conocido por sus mosaicos y su deslumbrante uso del oro, este estilo está profundamente entrelazado con el auge del cristianismo en Europa.
El arte bizantino surgió después de que el emperador Constantino I declarase tolerancia al cristianismo en el antiguo imperio romano. En 330, trasladó la capital de Roma a Bizancio, que pasó a llamarse Constantinopla (la actual Estambul) en su honor. Luego, los artesanos romanos fueron trasladados a la ciudad para decorar las iglesias cristianas en una variación de la antigua tradición romana del mosaico. El estilo floreció durante cientos de años y se extendió por Turquía, Italia y España. El arte bizantino continuó en el siglo XV hasta que Constantinopla cayó ante el imperio otomano en 1453.
Este brillante estilo de arte medieval tuvo efectos duraderos en la historia del arte occidental, inspirando a artistas incluso cientos de años después, como el pintor El Greco. Todavía se pueden ver algunos de sus mosaicos más famosos en Hagia Sophia y en partes de Italia.
Como sucede a menudo en la arqueología, un desastre sirvió para congelar un momento en el pasado, lo que permitió a las excavadoras ahondar en la vida de los antiguos habitantes de esta región. Los frescos de las villas proporcionan un registro sin precedentes de la vida de los romanos ricos durante este período
Los historiadores del arte y los arqueólogos describen el desarrollo de la pintura romana en cuatro estilos. El primer estilo (ca. 200-60 aC) fue en gran medida una exploración de la simulación de mármol de varios colores y tipos de yeso pintado.Los artistas de la época se basaron en ejemplos de principios helenísticos.
Bajo el emperador Augusto en la segunda mitad del siglo I a. C., hubo un nuevo impulso de innovar, en lugar de recrear, en arquitectura, escultura y pintura.
Algunas de las mejores pruebas de las técnicas de la pintura mural romana se encuentran en Historia natural de Plinio y en el manual De Architectura de Vitruvio . Vitruvio describe los elaborados métodos empleados por los pintores de paredes, incluida la inserción de láminas de plomo en la pared para evitar que la acción capilar de la humedad ataque el fresco, la preparación de hasta siete capas de yeso en la pared y el uso de polvo de mármol en las capas superiores para producir un brillo similar a un espejo en la superficie. Dibujos preliminares o incisiones ligeras en la superficie preparada guiaron a los artistas a decorar las paredes con un fresco (sobre yeso fresco) con colores primarios llamativos. Los colores pastel más suaves a menudo se agregaban (sobre yeso seco) en una fase posterior. Vitruvio también nos informa sobre los pigmentos utilizados por el artista romano. El negro se extrajo del carbón creado al quemar matorrales o astillas de pino. El ocre se extrajo de las minas y se sirvió para el amarillo. El rojo se deriva del cinabrio, del ocre rojo o del plomo blanco calentado. El azul se hizo mezclando arena y cobre y luego horneando la mezcla. El tono más profundo de púrpura era, con mucho, el color más precioso, ya que generalmente se obtenía de los buccinos marinos.
