martes, 15 de marzo de 2022

Adriaen van Ostade




 (Haarlem, 1610-1685). Pintor, dibujante y grabador holandés, especializado en la pintura de género de pequeño tamaño. Aunque las fuentes hablan de un aprendizaje a partir de Frans Hals, no hay datos fiables hasta su entrada en el Gremio de Pintores de San Lucas de Haarlem en 1634. 

En sus primeras composiciones se hace evidente su dependencia de la obra de Adriaen Brouwer, especialmente en las escenas de peleas y escenas de interior, al modo de sus fumadores, jugadores de cartas o bebedores, aunque en Ostade carecen de la tradición satírica que animaba este tipo de pintura en Brouwer. La utilización de composiciones diagonales y los fuertes contrastes de claroscuro son las características predominantes de sus obras, así como los efectos de fuentes de luz directa, como candelas o chimeneas. Progresivamente incluirá en su corpus escenas de temática más pausada, tales como vistas de pueblos o interiores de casas cam­pesinas, e incluso retratos individualizados, donde demuestra el conocimiento de la tendencia caravaggista, matizada a través de los artistas de Utrecht. 


Del mismo modo, mostrará, hacia finales de la década de 1630, un interés por el paisaje, muy influenciado por la actividad pictórica de su hermano Isaak, con obras en las que alcanza gran calidad gracias a la combinación de espacios abiertos con figuras en actividades cotidianas. Únicamente se conoce un paisaje puro de su mano, Paisaje con viejo roble (Rijksmuseum, Amsterdam). A partir de la década de 1640 sus escenas de género sufrirán una nueva evolución, prestando más atención a los elementos anecdóticos, como mobiliario y utensilios cotidianos, representados en un mayor detalle. Las figuras ganan en individualización y a la vez construye las escenas con un sentido de la profundidad y la perspectiva más maduro. 


De hecho, la insistencia en los detalles será la característica que marque sus obras posteriores, así como una obsesión por la utilización de colores más delicados, en detrimento de la tonalidad general de sus primeras obras. Los mismos temas de género de sus pinturas se mantienen en el gran número de dibujos de su mano que se conservan, así como en sus muchos grabados, siendo el principal grabador holandés de su momento tras Rembrandt. Adriaen van Ostade fue maestro de su hermano Isaak, así como de Thomas Wijck, e indirectamente influyó en artistas como Jan Steen, Cornelis Befa, Michel van Musscher, Jan de Groot y Cornelis Dusart, por lo que es uno de los principales puntos de referencia de la pintura de género holandesa.


MUSEO  DEL PRADO

jueves, 24 de febrero de 2022

Fernand Khnopff



Fernand Khnopff (1858 – 1921), artista belga, un autor prototípico de un momento muy agitado para el arte como fueron los años finales del siglo XIX y los comienzos del XX. Una época en la que se multiplicaron los estilos y corrientes artísticas, que su vez se fundan y refundan entre sí. Y entre todo ese marasmo de movimientos, el arte de este pintor se puede adscribir al Art Nouveau o Modernismo, pero dentro de ello sin duda está muy relacionado con el arte simbolista.

Khnopff fue un personaje muy peculiar, siempre muy bien vestido, en un estilo impecable y elegante, es decir, un dandy, pero de caracter pesimista y con tendencia a la soledad.

Nació en el seno de una familia de abogados y juristas, y el comenzó la carrera de derecho pero pronto la dejó para dedicarse al arte. Abandonó Bélgica y se fue  a París donde conoció a Eugene Delacroix y al simbolista   Gustave Moreau, así como al  prerrafaelita Edward Burne Jones  con quien  iba a entablar una gran amistad y alguna que otra colaboración artística.

Tras su estancia en Francia, regresó a Bélgica, a Bruselas la capital donde intentó agitar el panorama artístico creando  el grupo Les XX. Allí alcanzó cierto prestigio, pero siempre estuvo rodeado por el carácter delicado, el tono mágico y el aura de espiritualidad de su arte, es decir fue un tipo muy enigmático. Y lo fue hasta el fin de sus días.

jueves, 3 de febrero de 2022

Judith y Holofernes en la historia

 

Desde los manuscritos medievales hasta Caravaggio, desde Artemisia hasta nuestros días, la historia bíblica de Judit matando a su atacante ha pasado de ser un simple relato moral a convertirse en un arma simbólica para la justicia política.



                                                                                                Gustav Klimt, Judith and the Head of Holofernes (1901) 

 
 
Head of the Curve: Judith and Holofernes Through History

Artemisia GentileschiJudith Slaying Holofernes (1614-1620) 

La inclusión del Libro de Judit en la Biblia es motivo de cierta disputa ecuménica. Aunque está incluido en el Antiguo Testamento católico, no aparece en los Rollos del Mar Muerto ni en el Canon Hebreo. Hay quienes lo separarían del Antiguo Testamento. La Biblia protestante elimina la historia de los Testamentos, pero aparece en los apócrifos, un corte sinuoso e incompleto.

                                          Tintoretto

La narración contiene muchas inexactitudes históricas o anacronismos, particularmente atribuyendo acciones y líneas de tiempo a Nabucodonosor que están en conflicto con la mayoría de los otros relatos.

                      Lorenzo Sabatini

 Extrañamente, pueden ser estas mismas inconsistencias las que han contribuido a la perdurable relevancia de la historia, su sensación siempre contemporánea. Estas fallas ahistóricas son suficientes para sacar la historia de Judith de los confines de la ley eclesiástica, el dogma del evangelio. La historia, por tanto, opera más como una ficción que como una fábula, Judith más como un símbolo que como una santa, capaz de ser adoptada y ligeramente modificada en manos de los artistas de cada época sin temor a la blasfemia. Judith ha entrado en el terreno de los ciclos narrativos. Más que ser doctrina, esto es un cuento popular. una balada Una canción. Y ha sido cantada por algunas de las voces más importantes de la historia.

Getty Museum Manuscript, LUDWIG XIII 1, FOL. 211V, Austrian, around 1300. 

Todo el mundo conoce la historia a estas alturas. Holofernes, comandante de los ejércitos asirios conquistadores, tiene a los israelitas contra las cuerdas. Frustrada por la ineficacia de sus compatriotas, Judith toma el asunto en sus propias manos, usando su belleza e inteligencia para congraciarse con Holofernes. Después de una noche de juerga, durante la cual el comportamiento de Holofernes a menudo se interpreta como sexualmente agresivo, Judith decapita al soldado asirio mientras duerme. Sin su líder, las fuerzas conquistadoras se descarrían y los israelitas ganan.

                           

 
Franz Stuck, Judith (1928) 

En una representación de un manuscrito austriaco fechado alrededor de 1300, ahora en la colección del Museo Getty, el énfasis está en la actividad y la narrativa. El arco de la letra decorativa parece seguir el camino parabólico de la espada de Judith, fusionando lenguaje y gesto. Las rayas de sangre en la hoja y la arteria que chorreaba en el cuello de Holofernes sentaron un precedente espeluznante para la historia futura de la imagen. 

                                       Antonio Murado2005

Los artistas a lo largo de los siglos, aunque adoptaron la imagen en sus propios estilos y para sus propios fines estéticos y/o políticos, han sido notablemente consistentes en el uso de detalles gráficos e indulgentes al representar la violencia de la escena. En casi todos los casos, ya sean hombres pintando con esa morbosa curiosidad de lo sublime autodestructivo, mujeres pintando visiones protofeministas de fuerza de autoconservación frente a la opresión, o cualquier persona de cualquier género que reconozca el erotismo atemporal del Sado- Masoquista: el gore se experimenta como catarsis.

CaravaggioJudith Beheading Holofornes (1598) 

Del mismo modo, desde esta primera representación en adelante, la fuerza y ​​el físico de Judith ocupan un lugar central. Aunque en miniatura y rudimentaria, la imagen del manuscrito muestra su pie firmemente plantado, el poderoso agarre de su mano izquierda sobre la cabeza de su víctima y el brazo derecho enfáticamente en alto, como un guerrero. 

                                         Peter Paul Rubens

Avancemos un par de cientos de años, y Caravaggio conserva esta versión musculosa de Judith. El ángulo de la figura en Judith decapitando a Holofernes  de Caravaggio, que se aparta de su acto como para repudiarlo, con una determinada clase de disgusto en su rostro, significa que la estocada de su espada, el movimiento de arrastre de su mano izquierda sobre el cabello del hombre, debe estar todo concentrado en sus antebrazos. La pintura es un punto de apoyo alrededor de estos músculos, debidamente expuestos por Caravaggio y seleccionados en los tonos más brillantes del lienzo. Un espectador, prestando atención a esta pintura, sentirá la tensión en sus propios flexores anteriores.

                                              

La famosa Judith de Artemisia Gentileschi se inclina hacia el acto, decapitando con sed de venganza. Su primera versión fue pintada el año en que murió Caravaggio, el artista que la influenció y eclipsó. 

                                                     

De ahí puede derivarse su determinado sentido de autorrealización. Ciertamente, está imbuido de sus luchas y éxitos al definirse a sí misma como una mujer artista en el Renacimiento tardío. Una versión posterior, iniciada en 1614, fusiona dentro de la escena la catarsis vengativa de la propia victoria de Artemisia sobre su violador. Agostino Tassi fue juzgado, condenado y desterrado. 

lunes, 24 de enero de 2022

Samuel Morse




 Samuel Finley Breese Morse nació en Charlestown, un barrio de Boston, hijo del geógrafo y pastor Jedidiah Morse y de Elizabeth Ann Finley Breese.

En sus años de estudiante descubrió su vocación por la pintura, pero también le atraían los recientes descubrimientos y experimentos relacionados con la electricidad. Trabajó en Boston para un editor y posteriormente viajó a Inglaterra para estudiar dibujo en Londres, y pasó a ser un reconocido pintor de escenas históricas. De regreso a Nueva York, se había convertido uno de los retratistas más importantes del país. En 1826 fue uno de los fundadores y primer presidente de la Academia Nacional de Dibujo.

Se casó con Lucrecia Walker y tuvieron cuatro hijos, pero siete años después al poco de nacer el cuarto, su mujer murió, dejando desconsolado al inventor. No ganó mucho dinero como pintor y, en ocasiones, llegaba a pasar días sin comer, mientras esperaba el pago por algún cuadro o lección de pintura. Samuel Morse se casaría posteriormente en segundas nupcias con Elizabeth Griswold.

Su latente interés por los asuntos de la electricidad se concretó durante el regreso de un viaje por Europa. Cuando estudiaba en Yale aprendió que, si se interrumpía un circuito eléctrico, se veía un fulgor y pensó que aquello podría usarse como un medio de comunicación. Esta posibilidad le obsesionó.

En 1832 ya había diseñado un incipiente telégrafo y comenzaba a desarrollar la idea de un sistema telegráfico de alambres con un electromagneto incorporado. El 6 de enero de 1833, Morse realiza su primera demostración pública de su telégrafo y en 1835 apareció su primer modelo de sistema telegráfico. Dos años más tarde abandonó la pintura para dedicarse completamente a sus experimentos, lo cual oscurecería sus méritos como pintor.

En 1838 había perfeccionado ya su código de señales, que a base de puntos y rayas llegó a conocerse y usarse mundialmente como "Código Morse". Sus primeros intentos de implantar líneas telegráficas en Estados Unidos y en Europa fracasaron. Por fin, Morse consiguió que el Congreso de su país aprobara un proyecto de ley para asignar 30.000 dólares a construir una línea telegráfica de 60 km entre Baltimore y Washington. Una demostración impresionante ocurrió el 1 de mayo de 1844 con la transmisión por medio del telégrafo de Morse de la noticia de la nominación en el Partido Whig de Henry Clay para Presidente desde su Convención, en Baltimore, al Capitolio, en Washington.

El 24 de mayo de 1844, Morse transmitió un mensaje, desde la cámara de la corte suprema en el sótano del Capitolio, en Washington D.C., a Baltimore, Maryland, con una cita bíblica que se haría tan famoso: : "Lo que Dios ha creado"("What hath God wrought").

A pesar de lo notable de su trabajo, Morse debió enfrentarse a la oposición de supersticiosos que culpaban a su invento de todos los males. Además, el invento estaba siendo desarrollado simultáneamente en otros países y por otros científicos, por lo que Morse se vio envuelto en largos litigios para obtener los derechos de su sistema. Estos derechos le fueron finalmente reconocidos en 1854 por la Corte Suprema de los Estados Unidos.

Con su invento, Morse ganó una gran fortuna con la que compró una extensa propiedad, y en sus últimos años se dedicó a hacer obras filantrópicas, aportando sumas considerables a escuelas como Vassar College y la Universidad de Yale además de otras asociaciones misioneras y de caridad. En la imagen un retrato de Samuel F. B. Morse por Mathew Brady, cuando tenía 73 años.

Morse falleció de neumonía el 2 de abril de 1872, a los 80 años, en su casa del número 5 de la Calle 22 Oeste de Nueva York, y fue sepultado en el Cementerio de Green-Wood.




jueves, 20 de enero de 2022

Aurelia Navarro Moreno

 



Aurelia Navarro Moreno (Granada, 1882 - Córdoba, 9 de febrero de 1968).

Aurelia Navarro Moreno fue una pintora que pasó su juventud en su casa natal en Granada, cerca del Generalife. Su acercamiento a la pintura se debe a la escuela de artistas José Larrocha y Tomás Muñoz Lucena. En vista de su actitud, pronto fue alentada por sus profesores a participar en la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1904 celebrada en la capital, Madrid.

A la edad de veintidós años, recibió una mención de honor. También participó en el retrato de pintura de 1906 de una mujer joven. El jurado, presidido por el académico español Francisco Pradilla, le otorgó la medalla de bronce. Recibió un reconocimiento similar en 1908 por su pintura más conocida, desnudo de una mujer. Con esa obra se convirtió en uno de los primeros artistas españoles en inspirarse en la Venus del espejo  de Diego Velázquez. Después de estas declaraciones a nivel nacional, su familia reaccionó enviándola de regreso desde Madrid, donde se había trasladado, a su ciudad natal, Granada, y aquí pudo participar en exposiciones y colectivos de menor importancia y de solo importancia local. Las presiones sociales y familiares provocaron una profunda crisis y la progresiva pérdida de inspiración artística. En 1923 se retiró al convento y se convirtió en parte de la orden religiosa de las hermanas adoradoras Siervas del Santísimo Sacramento y la caridad. A los cuarenta años comenzó a pintar cada vez menos y con menos creatividad. Cuando, en 1933, preparó un retrato de la fundadora de la orden de Micaela Desmaisières y López Dicastillo y Olmeda, y lo puso en el Vaticano para la ceremonia de su beatificación, que tendría lugar al año siguiente, su obra fue juzgada decepcionante por la historiadora del arte Matilde Torres López. Vivió los últimos años de su vida en el Convento de los fieles de Córdoba, donde murió en 1968.Después de participar en exposiciones en Madrid a principios del siglo XX, sus obras fueron olvidadas. En octubre de 2020, se inauguró la exposición temporal Invitadas en el Museo del Prado.

María Luisa de la Riva

 Zaragoza, 4.4.1865 - Madrid, 22.9.1926

Pintora española especializada en bodegones y floreros. Fue socio de honor de la Sociedad de Amigos del País de Santiago de Compostela y miembro de la Sociedad de Artistas de Berlín y Viena y le fue concedida la Palma de la Academia Francesa y la orden del Nischam Yfttikai de Túnez. 

Estudió con el escultor Mariano Bellver y con el pintor Antonio Pérez Rubio. Participó en numerosas muestras y certámenes, obtuvo mención de honor en las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes de 1887 y 1895, sendas terceras medallas en las de 1897 y 1901 por los lienzos titulados Uvas de España y Frutas de verano, así como una segunda en la edición de 1920 por Uvas y granadas. Además fue galardonada con tercera medalla en la Universal de París de 1889 y en la Universal de Barcelona de 1898


 (Balbás Ibañez, Mª S. en Enciclopedia del Museo Nacional del Prado, 2006, tomo V, p. 1880).

viernes, 7 de enero de 2022

Manuel Benedito


 (Valencia, 1875-Madrid, 1963). Pintor español. Vocal del Real Patronato del Museo del Prado, nombrado en 1951. En 1888 se matriculó en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia, donde estudió bajo la dirección de Salvá y Vilá. En 1894 entró en el taller de ­Joaquín Sorolla y dos años después viajó a Madrid con su maestro, donde realizó ilustraciones para La Revista Moderna y Blanco y Negro.

 Pensionado de 1900 a 1904 en la Academia Española de Bellas Artes de Roma, viajó por Francia, Bélgica y Holanda. A partir de 1904, fijó su residencia en Madrid. En 1918 fue nombrado asesor artístico de la Real Fábrica de Tapices. Ejerció como profesor de colorido y composición en la Escuela de San Fernando, sustituyendo a Sorolla y, posteriormente, llegó a ser director de dicha escuela. Perteneció a la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y a la de Nobles Artes de San Carlos de Valencia. 
En 1925 fue nombrado miembro correspondiente de la Hispanic Society of America de Nueva York, y vocal correspondiente de la Academia Nacional de Bellas Artes de Lisboa. En 1941 fue elegido presidente del Patronato del Museo Sorolla de Madrid. Se le nombró caballero y gran cruz de Alfonso X el Sabio. 
Cultivó el retrato, el bodegón, tipos locales y paisajes. Su pintura es de un matizado estilo impresionista de gran luminosidad y en ella se aprecian influencias de la pintura flamenca. Remitió sus obras a muestras y certámenes artísticos, galardonado con primera medalla en las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes de 1904 y 1906, por los lienzos titulados Canto vii del Infierno de Dante y Madre, respectivamente; y con medalla de oro en la Hispano-Francesa de 1908, así como en las Internacionales de Múnich (1909), Bruselas (1910), Buenos Aires (1910) y Barcelona (1911). En 1943 donó una fuente de piedra (principios del siglo XX) para el jardín interior del Museo del Prado.


Museo del Prado

miércoles, 5 de enero de 2022

Ulpiano Checa




 (Colmenar de Oreja, Madrid, 1860-Dax, Francia, 1916). Pintor español. Comienza su formación artística en 1873 en la madrileña Escuela de Artes y Oficios y pasa después, en 1876, a la Escuela Superior de Pintura de la Academia de Bellas Artes de San Fernando bajo las directrices de Federico de Madrazo, Alejandro Ferrant, Manuel Domínguez y Pablo Gonzalvo. 

Al término de su formación en la Escuela, en 1884, consigue una pensión para continuar sus estudios en Roma, en la Academia de España, y es su primer envío el cuadro Numa y la ninfa Egeria, que marca la temática que prevalecerá en la mayor parte de su producción artística. 

Producto de su tercer año de pensión es La invasión de los bárbaros, que alcanzó un gran éxito así como primera medalla en la Exposición Nacional del año 1887, y segunda en la Universal de Viena de 1888. Esta obra perteneció al Museo del Prado pero se destruyó. Checa pasó a especializarse en estas grandes composiciones dinámicas de caballos a la carrera, centradas en la acción violenta de las figuras en un exacerbado movimiento. 

A finales de 1887, fija su residencia en París, donde se mantiene gracias a su pensión y a una corresponsalía gráfica de La Ilustración Española y Americana y compagina la pintura de temática romana que expone regularmente en los Salones de la capital francesa y la pintura de género y orientalista.

A principios de siglo se instala en el sur de Francia, en Bagnères-de-Bigorre, donde se dedica a la pintura de paisaje y de costumbres rurales, que alternará con incursiones esporádicas en el retrato y en la pintura de carácter simbolista.


Museo del Prado



sábado, 1 de enero de 2022

MIS CONVERSACIONES CON TEO




¿Tu conoces el país de los gnomos? Me preguntó Teo

-Bueno, yo conozco uno, si, pero no sé si es el tuyo, le dije

-Teo continuó sin importarle mucho mi respuesta: En mi país de los gnomos se acaban de comer al rey...

- ¿Y por que han comido al rey? Le pregunto sorprendida

- Porque no les gustaba, de hecho se comen todo lo que no les gusta, por eso se comen tambien a los seres humanos vivos y muertos

- Coño! (esa expresión la pensé pero no la dije en alto)...

-¿Sabes que? continuó- Acaban de construir un SUPERTRANSBORDADOR FANTASTICO, MAGICO E INVISIBLE

-Pues sabes que? ¿Que? Me preguntó con interes- A mi me gustaría viajar en ese supertransbordador mágico pero no sé como hacerlo si es INVISIBLE

- Ah es muy fácil, dijo Teo un poco sorprendido al comprobar, una vez más, que los mayores somos un poco tontos-...
- Cuando veas un gnomo, lo sigues, pero con cuidado, te escondes detrás de un árbol y cuando veas que da un salto, tu tambien saltas y ya estas dentro del transbordador.

-Um, veo un inconveniente, cuando los gnomos me vean me comerán

-Nooooooooo dijo un poco desesperado, si te paralizas pensarán que eres una estatua y no te comerán.

-Sigues sin convencerme Teo, le digo- Me subo, me paralizo, del miedo saldrá de mi cuerpo un olor a muerto y me comerán

- LLegados a este punto Teo empezó a agitar los brazos y a mirarme como si yo fuera una extraterrestre....

TE PARALIZAS CON LOS BRAZOS HACIA ARRIBA, ¿No te das cuenta que a los muertos les caen los brazos?



JA JA, JA, VERDAD IRREFUTALE