sábado, 6 de agosto de 2011

Johann Heinrich Ferdinand von Olivier









Johann Heinrich Ferdinand Olivier
1785 - 1841


Olivier nació en Dessau donde recibió sus primeras lecciones sobre arte. En 1804 se trasladó a Dresden donde se hizo amigo de pintores como Philipp Otto Runge y Caspar David Friedrich. Desde 1807 hasta 1810 Olivier estuvo en Paris, y en 1811 se estableción en Viena. En 1817 Olivier se hizo miembro del gremio de Saint Luke.En gremio artístico comocido como LOS NAZARENOS, fundado en Viena en 1809 por Friedrich Overbeck y Franz Pforr.

Olivier compartía con los Nazarenos el estusiasmo por el arte medieval y el renacimiento y un interés revivido por la pintura religiosa. En 1830 Olivier se trasladó a Munich donde se convertiría en secretario de la Academia y Profesor de historia del arte.


viernes, 5 de agosto de 2011

hpdrinker nos ha enviado un vídeo: "THE SALON"



THE SALON
A slice of life humorous look at the diverse clients and their hairstylist as you take a trip around your neighborhood salon on a typical day. Official Selection to the Once a Week Online Film Festival 2011.
http://onceaweekfilmfest.weebly.com/

MI COMENTARIO- Muchas gracias

Thomas Rowlandson



Thomas Rowlandson (Londres, julio de 1756—22 de abril de 1827) fue un pintor, caricaturista y grabador inglés, considerado el más importante maestro de la tradición satírica después de William Hogarth. Su labor más conocida fue la ilustración de textos humorísticos. También ideó una versión inglesa de la antigua Danza de la Muerte y grabados de atrevido erotismo.



Nace en Old Jewry, un barrio judío de Londres, hijo de un comerciante. Aún niño, al dejar el colegio ingresa en la Royal Academy. A los 16 años de edad ya está en París, donde vive y estudia; posteriormente viaja por el continente europeo, haciendo bocetos y tomando nota de la vida y costumbres de la gente de otros lugares.

En 1775 exhibe un dibujo titulado Dalila visitando a Sansón en prisión, y el siguiente año realiza varios retratos y paisajes. Su prometedora carrera como pintor se tuerce paradójicamente por un golpe de buena suerte: recibe una herencia de 7.000 libras, y la despilfarra por su adicción al juego. Se contaba que en una ocasión permaneció sentado jugando a las cartas durante 36 horas seguidas.

La ludopatía llevó a Rowlandson a la ruina, y la necesidad de ganar dinero rápido le abocó a centrarse en la producción de caricaturas satíricas. Asociado al editor Rudolph Ackermann diseñó numerosas ilustraciones, mayormente humorísticas, que le hicieron muy popular. Su primer gran éxito fue la serie sobre El maestro de escuela (Dr. Syntax), una narración humorística en verso escrita por William Combe. Este personaje, que por su idealismo y aspecto peculiar recuerda al Quijote, se dio a conocer en 1809 en una versión ilustrada por entregas, y a raíz del éxito alcanzado el editor Ackermann lanzó en 1812 una versión mejorada en formato de libro, con 30 grabados de Rowlandson. A este primer relato (El 'tour' de Dr. Syntax en busca de lo pintoresco) le siguieron dos secuelas: Dr. Syntax en busca de consuelo (1820) y En busca de una esposa (1821). Ambas se produjeron igualmente gracias a la colaboración del escritor Combe y de Rowlandson.

Si bien el artista abordó la crítica política como lo había hecho Hogarth, esta faceta no fue prioritaria en su producción. Mayor relevancia tienen sus ilustraciones eróticas, tan explícitas que son calificadas de pornográficas.

En 1814-16 creó una versión humorística y actualizada (inglesa, según su título) de la Danza de la Muerte, tema de origen medieval que se había hecho popular en el siglo XVI por varias series grabadas como la de Hans Holbein el Joven.

Acuciado por sus continuas estrecheces económicas, Rowlandson siguió diseñando numerosas ilustraciones, ya con una calidad decreciente.

Al contrario que la mayoría de los ilustradores europeos del siglo XIX, acostumbraba a grabar personalmente sus planchas, si bien el resultado final era producto de un trabajo en equipo. Rowlandson grababa al aguafuerte las líneas principales, y otros grabadores especializados añadían retoques a la aguatinta. Una vez estampadas, las hojas eran coloreadas a mano, con lógicas variaciones de tonos pero respetando las pautas marcadas por Rowlandson y el editor.


El Futuro de nuestros hijos



"No heredamos la Tierra de nuestros padres, la tomamos prestada de nuestros hijos" ¿De verdad es éste el futuro que quieres para tus hijos? Si la respuesta es "NO", ¡despierta! ¡Reacciona!…

GLOBALIZACION- ¿PARA QUE? Para que los valores que nos inculcaron nuestros padres ya no valgan para nada. ¿Donde está la ética, la compasión, el amor al prójimo? Esto es un proceso que se ha llevado a cabo poco a poco...sacarle importancia a la humanidades, proclamar el individualismo, la competencia.

TU VALES MUCHO- INDIGNATE! QUE NO NOS MANEJEN MAS!



Los eurófilos más extasiados lo machacan sin cesar: si no dispusiéramos del euro, dicen, las consecuencias de la crisis serían peores para muchos países europeos. Divinizan un euro “fuerte y protector”. Es su doctrina y la defienden fanáticamente. Pero lo cierto es que tendrían que explicarles a los griegos (y a los irlandeses, a los portugueses, a los españoles, a los italianos y a tantos otros ciudadanos europeos vapuleados por los planes de ajuste) qué entienden por “consecuencias peores”... De hecho, estas consecuencias son ya tan insoportables socialmente que, en varios países de la eurozona, está subiendo, y no sin argumentos, una radical hostilidad hacia la moneda única y hacia la propia Unión Europea (UE).



No les falta razón a estos indignados. Porque el euro, moneda de 17 países y de sus 350 millones de habitantes, es una herramienta con un objetivo: la consolidación de los dogmas neoliberales (1) en los que se fundamenta la UE. Estos dogmas, que el Pacto de Estabilidad (1997) ratifica y que el Banco Central Europeo (BCE) sanciona, son esencialmente tres: estabilidad de los precios, equilibrio presupuestario y estímulo de la competencia. Ninguna preocupación social, ningún propósito de reducir el paro, ninguna voluntad de garantizar el crecimiento, y obviamente ningún empeño en defender el Estado de bienestar.



Con la vorágine actual, los ciudadanos van entendiendo que tanto el corsé de la Unión Europea, como el propio euro, han sido dos añagazas para hacerles entrar en una trampa neoliberal de la que no hay fácil salida. Se hallan ahora en manos de los mercados porque así lo han querido explícitamente los dirigentes políticos (de izquierda y derecha) que, desde hace tres decenios, edifican la Unión Europea. Ellos han organizado sistemáticamente la impotencia de los Estados con el fin de conceder cada vez más espacio y mayor margen de maniobra a mercados y especuladores.



Por eso se decidió (a insistencia de Alemania) que el BCE fuese “totalmente independiente” de los Gobiernos (2). Lo cual concretamente significa que queda fuera del perímetro de la democracia. De ese modo, ni los ciudadanos ni los Gobiernos elegidos por éstos pueden entorpecer sus opciones liberales.



Hoy, esas características (impotencia de los políticos, independencia del BCE) son en parte responsables de la incapacidad europea para resolver el drama de la deuda griega. La otra causa es que, bajo su aparente unidad, la UE (en este caso particular la eurozona) está profundamente dividida en dos bandos casi irreconciliables: por una parte, Alemania y su área de influencia (Benelux, Austria y Finlandia); por la otra: Francia, Italia, España, Irlanda, Portugal y Grecia.



El origen de la deuda griega (como el de la de los demás países periféricos afectados por la crisis de la deuda soberana, incluida España) es conocido. Cuando Grecia fue admitida en la zona euro (3), las instituciones financieras consideraron inmediatamente que este pequeño Estado presentaba, a pesar de su evidente fragilidad y de sus escasos recursos, todas las garantías necesarias para recibir créditos masivos y baratos. Llovieron sobre Atenas ofertas de financiación a tipos de interés de ganga, en particular por parte de bancos alemanes y franceses que incitaron a los gobernantes helenos a endeudarse a bajo coste y a largo plazo para adquirir principalmente material militar (4) alemán y francés...



Cuando estalla la crisis financiera de 2008 (llamada “de las subprimes”), ésta se extiende rápidamente al sector bancario europeo. Los establecimientos financieros carecen pronto de liquidez y restringen drásticamente el crédito. Lo que amenaza con asfixiar el conjunto de la economía. Para evitarlo, los Estados ayudan masivamente a la banca. Y la salvan. Para ello, se endeudan aún más comprando dinero en el mercado internacional (ya que el BCE se niega a ayudarlos). Ahí, de repente, intervienen las agencias de calificación que sancionan el excesivo endeudamiento de los Estados (¡realizado para salvar a los bancos!)... Inmediatamente los tipos de interés de los préstamos a los Estados más endeudados se disparan... Y se produce la crisis de la deuda soberana.



En sí misma, la deuda griega es insignificante si se tiene en cuenta que el PIB de Grecia representa menos del 3% del PIB de la eurozona. El problema, técnicamente, podía haberse resuelto hace ya más de un año sin gran dificultad. Pero el gobierno conservador alemán, que enfrentaba entonces unas complicadas elecciones locales (finalmente perdidas), estimó que no sería moralmente justo que los griegos, acusados de “corrupción” y de “laxismo”, saliesen tan rápidamente del mal paso. Había que castigarlos para que no cundiese “el mal ejemplo”.



Una ayuda demasiado rápida a Atenas, declaró Angela Merkel, “tiene el efecto negativo de que otros países en dificultades podrían dejar de hacer esfuerzos” (5). Por eso, con el apoyo de sus aliados, Berlín empezó a poner pegas de todo tipo. Dejando pasar los meses.



Plazo que los mercados, excitados por el desacuerdo político europeo, aprovecharon para cebarse en Grecia. Todo se complicó entonces. Finalmente, Alemania acabó por aceptar un (incompleto) plan de ayuda con una condición: que participase en él el Fondo Monetario Internacional (FMI). ¿Por qué? Por dos razones. Primero porque se estimaba que las instituciones europeas carecían de un verdugo lo suficientemente severo para escarmentar a los griegos. Segundo, porque la especialidad del FMI, desde hace cuarenta años, consiste en exigir siempre esfuerzos antisociales a los países endeudados. Sus recetas (aplicadas con saña en América Latina durante los años 1970 y 1980) son siempre las mismas: alza de las tasas al consumo, recortes brutales de los presupuestos públicos, estricto control de los salarios, privatizaciones masivas...(6).



El Gobierno de Papandreu tuvo que resignarse a adoptar un salvaje plan de austeridad. Pero el mal estaba hecho. El ritmo de la política europea es lento y largo, cuando el de los mercados es inmediato. Los especuladores entendieron que la Unión Europea era un gigante sin cerebro político, y el euro una “moneda fuerte” con estructura débil (no hay ejemplo en la historia, de una moneda que no esté encuadrada por una autoridad política). Atacaron a Irlanda, pasó lo mismo y volvieron a ganar. Atacaron a Portugal e ídem. Atacaron a España y a Italia, y los Gobiernos de estos países se apresuraron a autoimponerse las impopulares recetas del FMI.



Por toda Europa se extiende ahora la “doctrina de la austeridad expansiva”, que sus propagandistas presentan como un elixir económico universal cuando en realidad está causando un estrepitoso daño social. Peor aún, esas políticas de recortes agravan la crisis, asfixian a las empresas de todo tamaño al encarecer su financiación, y entierran la perspectiva de una pronta recuperación económica. Empujan a los Estados hacia la espiral de la autodestrucción, sus ingresos se reducen, el crecimiento no arranca, el paro aumenta, las (impresentables) agencias de calificación rebajan su nota de confianza, los intereses de la deuda soberana aumentan, la situación general empeora y los países vuelven a solicitar ayuda (7). Tanto Grecia, como Irlanda y Portugal –los tres únicos Estados “ayudados” hasta ahora por la Unión Europea (mediante el Fondo Europeo de Estabilización) y el FMI– han sidos precipitados, por los que Paul Krugman llama los “fanáticos del dolor” (8), a ese fatal tobogán.



Y el “Pacto del euro”, establecido en marzo pasado, tampoco resuelve nada. En realidad es una vuelta de tuerca suplementaria a la austeridad, un acuerdo “de competitividad” que prevé más recortes del gasto público, más medidas de disciplina fiscal, y penaliza principalmente –de nuevo– a los asalariados. Con amenazas de sanciones a los Estados que no cumplan el Pacto de Estabilidad (9). Propone la tutela de la deuda pública y un ritmo fijo de reducción, o sea: una limitación de la soberanía. “Los países europeos deben ser menos libres de emitir deuda”, afirma, por ejemplo, Lorenzo Bini Smaghi, miembro del directorio del BCE. Algunos eurócratas van más lejos, proponen que se le retire a un gobierno que no haya respetado el Pacto de Estabilidad, la responsabilidad de dirigir sus propias finanzas públicas...



Todo esto es absurdo y nefando. El resultado es una sociedad europea empobrecida en beneficio de la banca, de las grandes empresas y de la especulación internacional. Por ahora la legítima protesta de los ciudadanos se focaliza contra sus propios gobernantes, complacientes marionetas de los mercados. ¿Qué pasará cuando se decidan a concentrar su ira contra el verdadero responsable, o sea el sistema, es decir: la Unión Europea?





(1) Definidos en los Tratados de Maastricht (1993), de Amsterdam (1999), de Niza (2003) y de Lisboa (2009).

(2) Entre otras limitaciones, el BCE no puede prestar dinero a los Estados, sólo a la banca privada.

(3) Merced a un balance de su situación económica falseado y maquillado por el anterior gobierno conservador con la ayuda del banco estadounidense Goldman Sachs.

(4) Grecia es el principal importador de material militar de la Unión Europea, y el Estado que consagra a su defensa (por razones de rivalidad con Turquía) el mayor porcentage de su PIB.

(5) El País, Madrid, 18 de julio de 2011.

(6) Léase Philippe Askenazy, “L’austérité imposée à la Grèce, de Charybde en Scylla”, Le Monde, París, 19 de juliode 2011.

(7) Aunque ha sido recibido con alivio por la prensa neoliberal, el nuevo plan de rescate a Grecia, anunciado el pasado 21 de julio, de poco servirá. Los mercados y los fondos buitres han olido la sangre y no detendrán sus ataques mientras no se les frene con auténticos cambios estructurales.

(8) Paul Krugman, “Cuando la austeridad falla”, El País, Madrid, 24 de mayo de 2011.

(9) Que fija el límite para el déficit presupuestario en un 3% del PIB, y el de la deuda soberana en un 60% del PIB.

Ignacio Ramonet

País: Unión Europea
Tema: Crisis económica, Euro

jueves, 4 de agosto de 2011

Bernardo Zenale








Bernardo Zenale (1464 - 1526) fue un maestro pinor y arquitecto italiano. En 1481 ya era miembro de la Scuola di S Luca, gremio de pintores de Milan. Pasó la mayor parte de su carrera trabajando en Milan en colaboración para las iglesias entre 1485 y 1493. Zenale terminó el retablo central de la Virgen con el Niño para la Scuola di Santa Maria en Cantú en 1502. Sus primeras influencias fueron los pintores de Ferrara como Ercole de'Roberti pero más tarde, fue inspirado por Leonardo. En 1513, Zenale se centró en la arquitectura y fue elegido arquitecto de la Catedral de Milán en 1519, convirtiéndose en el principal tres años más tarde. Zenale también escribió un tratado sobre la perspectiva.

Cosimo Rosselli


Cosimo di Lorenzo Rosselli (¨Florencia, 1439 - 1507) fue un pintor italiano célebre por su participación en la decoración de la Capilla Sixtina en el Vaticano junto a pintores como Perugino, Sandro Botticelli, Domenico Ghirlandaio y Pinturicchio.

Miembro de una extensa familia de artistas florentinos y hermano mayor de Francesco Rosselli, fue pupilo de Neri di Bicci de mayo de 1453 hasta octubre de 1456. Recibió su primer encargo importante en 1459: un retablo -hoy disperso- para la iglesia de la Santísima Trinidad en Florencia

Su afinidad con el estilo de Benozzo Gozzoli favorece las hipótesis de que ambos trabajaron juntos. En todo caso, en 1460 fue asistente de su primo Bernardo di Stefano Rosselli. Se conjetura también que pudo haber sido alumno de Alesso Baldovinetti. Se conservan de Roselli varios retablos pintados en años posteriores.


En la primavera de 1481 Rosselli fue invitado por el papa Sixto IV a Roma para participar en la decoración de los muros laterales de la Capilla Sixtina junto a Pietro Perugino, Domenico Ghirlandaio, Sandro Botticelli y otros colaboradores; para esta obra los pintores se atuvieron a ciertas convenciones representativas para dar homogeneidad y coherencia a sus trabajos. Estas convenciones incluían una escala dimensional en común, estructura rítmica afín y similares representaciones paisajísticas. Se utilizó además una similar gama de colores. Rosselli realizó tres frescos: la Entrega de las Tablas de la Ley, El Sermón de la montaña y la curación en la casa del leproso, y La Última Cena. Para estos trabajos tuvo como asistente a su yerno Piero di Cosimo.



De retorno en Florencia en 1482, son de este periodo una serie de obras destinadas a iglesias de la región.

En sus últimos años de vida su estilo se vuelve más riguroso, al parecer influido por la oratoria de Girolamo Savonarola. Su obra entonces se caracteriza por su devoción religiosa.

Además de Piero di Cosimo, entre sus pupilos estuvieron Fra Bartolomeo y Mariotto Albertinelli, los hermanos del Mazziere y Andrea di Cosimo Feltrini.

Francesco Squarcione


Francesco Squarcione (Padua, c. 1395 - Padua, desp. mayo 1468) fue un pintor, comerciante de arte y formador de artistas activo durante el renacimiento.
Squarcione es una figura singular y polémica. Aunque se conservan pocas de sus obras, su papel en la introducción del renacimiento en la región de Padua y Toscana parece haber sido crucial. Según la tradición, su verdadero oficio era el de sastre. Su pasión por las antiguedades romanas, sin embargo, lo llevó al comercio de obras de arte así como a fundar un taller para la educación de jóvenes artistas. Estos producían obras para alimentar su negocio. Por lo menos 137 pintores y alumnos pasaron por su escuela, que fue famosa incluso fuera de la ciudad.


Squarcione viajó por Italia, y tal vez también por Grecia, en busca de antigüedades: estatuas, relieves, vasos y todo tipo de objetos artísticos, con los que formó una amplia colección. Realizó dibujos de las piezas, y permitió que otros artistas las estudiaran.

Sólo se conservan dos obras firmadas y atribuíbles sin duda a Squarcione: una Virgen con el niño, que se encuentra en el Staatliche Museen de Berlín, y el Políptico de Lazzara de cinco piezas en su Padua natal.

Su principal alumno fue Andrea Mantegna, a quien enseñó latín e instruyó en la escultura clásica, que tan importante sería en la obra posterior de este artista. Sin embargo, parece que su relación acabó de manera poco amistosa, debido al carácter tiránico del maestro. También Ansuino da Forli se formó en su escuela.


Jacques CALLOT


Jacques CALLOT
Nancy, [Francia], 1592-1635

Jacques Callot ha sido considerado uno de los maestros de la técnica de grabado en metal en la historia del arte y el progenitor del grabado francés. Este lugar lo obtuvo no sólo por su dedicación exclusiva al arte de la estampa e invención de técnicas de grabar sino por la influencia que ejerció sobre artistas de la talla de Rembrandt Van Rijn (1606-1669), Anthony Van Dyck (1599-1641), William Hogarth (1697-1764) y Francisco José de Goya I 1746-1828): En cuanto al primero -a quien Callot le llevaba solamente catorce años de edad-, en su rica colección se encontraban, según el inventario de la subasta de sus bienes, grabados de Callot. La investigación ha dado cuenta de Los mendigos, que tanto lo influyeron, y la serie de cuarenta y seis ilustraciones para la obra de Bernardo Amico da Gallipolli el Trattato delle plante et immagini de sacri edifizi di Terra Santa (1620). Callot y Van Dyck se reunieron en Holanda, donde el famoso pintor lo retrató y de paso aprendió del artista lorenés sus innovaciones técnicas.



Se afirma que Hogarth conocía sus grabados, que lo influyeron por lo moralísticos, alegóricos, grotescos y algunas veces realisticos 1. En cuanto a Goya, existe una relación entre las Las Miserias y desgracias de la guerra de Callot y los Desastres de la guerra: "Ninguno duda que el pintor español recuerda al maestro de Nancy (a quien ya le había prestado el título de sus Caprichos) cuando emprende algunas de las sesenta planchas de su serie" 2. Según Hugh Thomas, "el profesor Sánchez Catón ha supuesto que más tarde el mismo Goya llegó a poseer una colección de las Grandes miserias de la guerra"



Ser recordado como grabador durante cuatro siglos es ya una proeza. Se puede preguntar si Callot es evocado por su invención técnica o por haber tratado el tema de la guerra. La posible respuesta es más inquietante si se tiene en cuenta que gran parte de su abundante obra fue realizada por encargo. Desde que salió de Nancy, su tierra natal, hacia Italia, en 1611, hasta cuando regresó a su patria, nueve años después, siempre fue un contratista de los reyes, duques o señores de esos territorios. ¿Cómo es posible combinar el trabajar por encargo y el crear libremente? Ése es uno de los pensamientos que conmueven cuando se trata de un artista como Callot. Sin embargo, la mayoría de las grandes obras de arte, hasta finales del siglo XIX, fueron realizadas por encargo.

Los reyes y señores acudieron a los grabadores porque "la estampa era un instrumento del poder y de ahí el uso que de ella hicieron los monarcas absolutos o el gusto especial que por ella demostraron quienes pretendían aliarse a la burguesía o al pueblo. La compleja combinación de esas dos corrientes suscitó en el siglo XVII gustos por obras como la de Jacques Callot. La floreciente corte de Lorena empleaba a grabadores [...] Las clases medias creen que el grabado debe ser sinónimo de autoridad, papel que durante el reinado de Luis XIV asumieron el taller real y la publicación de grabados que glorificaban el poderío del monarca y que llegaron.a formar los 23 volúmenes del Gabinete del rey"


Callot se formó en Italia y se vinculó, gracias a sus maestros, a la corte florentina de Cosme II de Médicis. Uno de sus maestros, Antonio Tempesta (1555-1630), era especialista en pinturas y grabados de batallas, cacería, animales, y había trabajado en los frescos del Vaticano y de palacios romanos. Le gustaba dar trabajo a jóvenes artistas y los dejaba firmar sus participaciones. Bajo su dirección, Callot realizó la Pompa fúnebre de la reina de España (1611-1612). Con Tempesta, encauzó su gusto hacia el tema de los combates y la acción violenta. Las primeras obras serán los desfiles funerarios, conmemoraciones que glorifican las hazañas del príncipe o algún gran personaje y combates navales. Callot nunca abandonará ese tema, porque le gustaba el movimiento.

En la corte florentina se relacionó con el teatro, la ópera y el carnaval. Callot fue enseñado por Giulio Parigi (c 1590-1635), ingeniero, organizador y director de presentaciones y ceremonias en la corte. Gracias a él, Callot se convirtió en escenógrafo y se especializó en grabar, en pequeño formato, los grandes espectáculos. Este ejercicio de mirar y reducir le sirvió para dos disciplinas: recrear el espectáculo en un espacio cerrado, como el escenario de un teatro, y encerrar en un papel un desfile al aire libre, con todos los protagonistas, ya fueran comparsas o militares, el público multitudinario, la plaza, la ciudad y el paisaje.


1 Sean Shesgreen, Engravings by Hogarth, Nueva York, Dover Publication, 1973, pág. XXI.
2 Daniel Ternois, L'art de Jacques Callot, París, F. de Nobelel, 1962, pág. 198.
3 H. Thomas, Goya, El tres de mayo de 1808, Barcelona, Grijalbo, 1980, pág. 70.
4 Michel Melot, El grabado, Barcelona, Skira-Carroggio Ediciones, 1981, pág 81.


banrepcultural

HOY ESTA ALFEIZAR EN LA PLAZA DE LA CONSTITUCION

SUPER ACONTECIMIENTO MUNDIAL hoy por la noche ALFEIZAR estará en la Plaza de la Constitución

miércoles, 3 de agosto de 2011

Charles de Steuben





Charles de Steuben (1788-1856)

Charles de Steuben, hijo de un oficial del ejército ruso, empezó su formación artística en la Academia de San Petersburgo, discípulo del barón Gérard, Robert Lefebvre, y Prud'hon en París.

Expuso en el Salón de 1812 a 1843 y trabajó en el museo histórico creado en Versalles desde 1834 hasta 1838.

musee-delacroix

Master of Saint Giles







The Master of Saint Giles se cree que trabajó en Paris aproximadamente en el 1500. Es famoso por dos paneles que muestran episodios de la vida de San Giles. Estos dos paneles estan relacionados con otros dos (ahora en la National Gallery of Art, Washington), que muestran episodios de la vida de un obispo santo y el bautismo de Clovis. Los cuatro paneles probablemente formaban parte de un retablo y destacan por las vistas de lugares cerca de Paris.

El pintor parece ser flamenco por su forma de pintar, pero puede haber sido de origen
francés o holandés.

nationalgallery.org.uk

¿Porque Dios Mio? ¿Porqué? Opera Aida en Vigo, Aventuras y Desventuras en las que me vi envuelto y como me desenvolvi

¿Porque Dios Mio? ¿Porqué? Opera Aida en Vigo, Aventuras y Desventuras en las que me vi envuelto y como me desenvolvi
Y digo esto después de asistir ayer a la noche a la representación de la opera AIDA en el Nuevo Auditorio y palacio de congresos de Vigo.


Sencillamente vivimos en un país que se rige por la foto de la inauguración y poco mas. Ayer pude comprobar una vez mas como se le falta al respeto a los artistas en este país, me preguntareis ¿porque?
Pues bien, la respuesta es bien sencilla, después de llevar inaugurado casi medio año, este maravilloso (todo hay que decirlo) auditorio, NO ESTA ACABADO.

Las peripecias que tuvimos que sufrir público (en su mayoría muy mal educado) y artistas por parte de los propietarios de la concesión de este lugar es digna de ser contada para que se sepa.
Antes de empezar a relatar dichas peripecias, hay que decir que cuando este acabado será un marco incomparable para todo tipo de eventos culturales y congresos.
Ahora si empezaré con el relato de los hechos:
1º - LA ADQUISICIÓN DE ENTRADAS: existía la posibilidad de su adquisición por Internet, pero el servicio solo daba la opción de recogerlas en taquilla, no estaba disponible el servicio de impresión de entradas, por lo que lo único que pudimos hacer fue reservarlas y pagarlas, eso si, con un recargo cada una de 0,75 euros por "gastos de distribución"¿? (ya comentaré este tema de los gastos de distribución en otra entrada otro día, por que da para mucho).
2º - RECOGIDA DE ENTRADAS: tontos de nosotros que fuimos el día anterior por el auditorio por si existiese la posibilidad de recogerlas algún día antes del evento, pues no! solo se podían recoger el mismo día del recital, eso si ante las quejas del publico, lo único que fueron capaces de decir fue "La taquilla esta abierta desde las 12:00 de la mañana", pero ¡vamos a ver!, ¿es que en este país la gente no trabaja por el día?. La cola resultante de todo esto era inmensa a un cuarto de hora de empezar el recital, que por cierto tenia programada su hora de comienzo a las 21:30.
3º - ENTREGA DE ENTRADAS DE VENTA ANTICIPADA: esto fue lo mas surrealista que he visto en mucho tiempo. Cuando nos toco turno de recoger nuestras entradas comprobamos que el sistema eran unos sobres de color marrón/amarillo de NOCAGA con las entradas esparcidos por el suelo y solo una taquilla habilitada para este tema con dos personas que hacían lo que podían buenamente, las nuestras aparecieron enseguida, pero luego mas tarde escuche comentarios de lo mas diverso y curioso por este tema.
4º - IMPUNTUALIDAD EN EL COMIENZO: aquí es donde entra lo del respeto por los artistas, ya se que el público no tenia la culpa de los problemas antes citados, pero el artista tampoco, y si el evento esta programado para las 21:30, no quiere decir que, a partir de esa hora es posible que empiece el evento, como así sucedió, comenzó a las 22:00 h. ¿MEDIA HORA DE RETRASO! y los que conocéis la opera Aida sabéis que no es corta precisamente.... Esto solo pasa en este país, yo lo he vivido y en cualquier país a las 21:30 en un espectáculo de este tipo se cierran las puerta y si no has entrado, te JODES.
5º - MALA EDUCACIÓN DEL PÚBLICO: a lo antes citado y como nadie metía prisa, las gente iba accediendo a la sala del auditorio como si fuesen a un bar de copas, eso si, todos muy elegantes...
6º - MALA EDUCACIÓN DE LOS MEDIOS DE COMUNICACIÓN: como es posible que un fotógrafo este paseando por el patio de butacas a su antojo, ¿pero donde se ha visto eso?, lo dicho, no merece mas palabras.
7º - TEMA APARCAMIENTO: creo que lo lógico es que si vas a un concierto de opera y metes tu coche en el aparcamiento del auditorio, ya no digo que sea gratis, pero por lo menos un vale de descuento, por lo menos por una hora (media hora de retraso en comenzar el espectáculo, y media hora que tardamos en poder pagar en el único cajero que funcionaba), pero tuvimos que pagar como si el coche hubiese ido a la sala de concierto. Por cierto si metéis el coche en este aparcamiento fijaos bien donde lo aparcáis, pues es posible que luego no lo encontréis con facilidad, a la falta de señalización, se une una configuración en forma de laberinto.



Solo espero que alguien tome nota de todo esto y se tenga un poco de respeto por los artistas ¡que menos!.
Por cierto, la opera estuvo muy bien, ¡Autentico Heavy Metal de la Opera en mi bautismo en este campo!


REFERENCIA http://gritosdelamalladoura.blogspot.com/

«Todos hemos vivido las carencias del auditorio con la representación de Aída y estamos verdaderamente preocupados por lo que allí vimos».


«Todos hemos vivido las carencias del auditorio con la representación de Aída y estamos verdaderamente preocupados por lo que allí vimos». El concejal del PP, Roberto Relova, quien dirigió durante varios años el Conservatorio Superior de Música de Vigo, aguardó hasta ayer para dar la valoración de la oposición municipal sobre los problemas que presenta el auditorio Mar de Vigo inaugurado el pasado mes de marzo.

Para la representación de óperas, de acuerdo con sus explicaciones, hay dos deficiencias graves que en el caso de Aída entorpecieron el espectáculo. De una parte, la ausencia de una concha acústica «que evita que el sonido se disperse y se pierda en un escenario de 22 metros de altura; por el contrario,la concha lo homogeneiza y proyecta al fondo de la sala».

Y DICE EL ALCALDE:

«el auditorio es fantástico; lo que ocurre es que también la Scala de Milán tiene periódicas revisiones y nosotros también haremos mejoras puntuales». Caballero responsabilizó al gobierno del PP del recorte del presupuesto «que dejó fuera algunas dotaciones».

MI COMENTARIO. ¿Como no me voy a cabrear cada vez que escucho las declaraciones de este señor? Un poquito de humildad Sr. Caballero. Lo de la primera opera en el auditorio FUE UN FIASCO y prueba de ello es que el espectaculo empezó con mas de media hora de retraso. Yo creo que no pasaría nada reconocer que tiene una sala NO PREPARADA PARA CIERTO TIPO DE EVENTOS...al fin y al cabo NO ES PROBLEMA SUYO porque NO ES MUNICIPAL ¿O nos va a decir que si?

Yo aún no he estado alli, pero me han dicho QUE TIENE UNAS PRECIOSAS VISTAS AL MAR

-La noticia es de la VOZ DE GALICIA, pero SE QUEDA CORTA ante la situación que allí se vivió

martes, 2 de agosto de 2011

Andrea da Murano




1463, 1512. Pintor italiano. El primer trabajo que se registra es como dorador en S Zaccaria, Venecia, en 1463-5. Formaba parte de un grupo de artistas de la isla de Murano. Entre ellos estaba Bartolomeo Vivarini de quien pudo haber sido díscipulo. Los dos colaboraron en 1468 en un lienzo narrativo para la Scuola di S Marco, Venecia, que probablemente representa escenas de la vida de Abraham. El carácter escultórico de sus formas debe mucho a la influencia de Mantegna y Donatello en Padua, y su trabajo ha sido a menudo asociado (a veces se confunde) con el de Andrea del Castagno.

No ignoró, sin embargo, las innovaciones de Giovanni Bellini. Su tríptico que representa SS Vicente Ferrer, Roch, Sebastián y Pedro Mártir, con una luneta de la Virgen de la Misericordia y los Santos Cuatro (Venecia, Acad.), Probablemente pintado a finales de la década de 1470, muestra una preocupación real por la luz y el color.


A mediados de 1480 se estableció en Castelfranco,pintando principalmente retablos. El retablo mayor (1484-1502) en la iglesia parroquial de Trebaseleghe, nr Padua, es una variación en la forma, con Cristo abrazando a los santos de la plaga Sebastián y Roque arriba y otros santos y músicos abajo, todos muestran un alto grado de expresividad característica de sus obras. Se trata de uno de sus mejores cuadros y tal vez también el retablo más caro de su época en de Venecia. El retablo de la Virgen entronizada con San Pedro, Nicolás de Bari, San Juan Bautista y San Pablo (1502; Mussolente, Santuario della Madonna dell’ Acqua )es típico del trabajo de Andrea y muestra tanto las fortalezas y limitaciones de su arte: dibujo firme y cualidades expresivas en combinación con una composición más bien conservadora y figuras algo desgarbadas.

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lunes, 1 de agosto de 2011

XA TEMOS AEROPORTO "A DEMANDA"


Caballero garantiza un controlador más para que Peinador opere por la noche bajo demanda
El alcalde arranca de Aena el compromiso de reforzar la plantilla para evitar la pérdida de vuelos nocturnos de mercancías desde este mes

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