lembranzas: octubre 2009

jueves, 29 de octubre de 2009

Frans Hals (Amberes, 1580? ó 1585? – Haarlem, 26 de agosto de 1666), pintor neerlandés de la escuela barroca flamenca. Es uno de los grandes maestros en el arte del retrato. Despierta gran admiración por la brillantez en la representación de la luz y la libertad en el manejo de los pinceles.

La escasez de documentos y la ausencia total de escritos personales de Frans Hals hacen que su personalidad y su vida permanezcan un poco en la oscuridad. Hay varias fechas hipotéticas sobre su nacimiento, que pudo ser en 1580, 1581 ó 1585, deducidas de la edad que sus biógrafos calculan que tendría cuando murió, aunque con seguridad nació en la ciudad flamenca de Amberes. Abandonaría esta ciudad con su familia pocos años después, trasladándose a Haarlem. Ya en 1591 fue bautizado allí su hermano Dirck, que también se dedicaría a la pintura.

Después de la caída de Amberes a manos de las tropas españolas en la Guerra de los Ochenta Años, que supuso la fragmentación de Flandes, su familia se instaló en Haarlem, en la zona norte, de donde su padres eran originarios. En dicha ciudad vivió Hals toda su vida. La biografía del pintor corre en paralelo con la independencia de los Países Bajos de la monarquía española.

Los estudios más recientes han ido desterrando la idea que sobre el pintor se tenía desde antiguo sobre una vida libertina y un incorregible vicio por el alcohol. Hals pertenecía a la asociación oratoria De Wijngaertranken y a la milicia cívica de San Jorge, y era también miembro de la cámara de rectores y presidente desde 1644 del gremio de pintores de Haarlem. La rectitud y puritanismo de estas sociedades no encaja con que Hals tuviera malas costumbres y vicios conocidos.

Entró el joven artista en el taller del pintor flamenco Karel van Mander (1548–1606), que también recaló allí huyendo del empuje español en la zona. La academia de este maestro dedicaba su estudio a una técnica manierista. Pero a finales del siglo XVI, debido a la influencia de la pintura italiana, surge un arte de cierta inspiración clasicista que se dejará traslucir en las obras del primer Hals. Por ello, no se nota la influencia de Van Mander en este período.

Su emancipación laboral se produce cuando alcanzó cierta madurez artística. Coincide con su ingreso en la Sint-Lucasgilde, la guilda de San Lucas en 1610, célebre gremio de artistas de Haarlem con sucursales en Amberes, Utrecht, Delft y Leyden. La obra más antigua de Frans Hals, cuya autoría se conoce con seguridad, es el retrato de Jacobus Zaffius (1611; Museo Frans Hals de Haarlem).

Es en 1610 también cuando contrae matrimonio con Anneke Hermansz, aunque a juzgar por los hechos, esta unión no fue feliz. Algunos historiadores han documentado que Hals tuvo que comparecer ante los tribunales por dar malos tratos a su primera mujer. Sea como fuere, es extraño que siendo Hals un pintor exclusivamente de retratos, no pintase en ninguna ocasión el rostro de Anneke. Sin embargo la unión duró poco, ya que ésta murió en 1616, dando dos hijos al pintor. En 1617, tras un viaje fugaz a Amberes (quizá para ponerse en contacto con Rubens), se casó con Lysbeth Reyniers con la que tuvo ocho hijos.

La tradición retratística holandesa alcanza su cumbre con Frans Hals, consiguiendo sacarla del mutismo y retratando sus figuras en movimiento. Su gran aportación vino en 1616, con el retrato colectivo, Banquete de oficiales de la milicia cívica de San Jorge. Este encargo prueba que el pintor ya había alcanzado cierta reputación como artista. Desde este cuadro, los encargos se hace muy habituales tanto de particulares como de instituciones.

Aunque la obra de Hals fue muy demandada durante su vida, tuvo graves dificultades financieras, no se sabe si por una vida disoluta o por tener que mantener una gran familia tras un segundo matrimonio con una mujer humilde. Además de pintar, trabajó como marchante, restaurador de arte y maestro de pintura.

A partir de 1640, un nuevo giro en la moda del retrato se observa en los países nórdicos. Empiezan a atraer retratos con mayor aire de distinción y de nobleza, como los de Antonio Moro o Anthony van Dyck. Esto repercutió sensiblemente en los pedidos del retratista neerlandés. A pesar de esto, en los ambientes artísticos oficiales, se sucedían los reconocimientos, como en 1644, que fue elegido presidente del gremio de San Lucas de Haarlem.

Ante esta falta de trabajo, Hals intenta abrir nuevos caminos y funda un taller hacia 1650. Pero la empresa no debió ser afortunada porque en 1652 su economía toca fondo. Sus acreedores lo demandaron en varias ocasiones, y en ese año pagó su deuda con un banquero vendiendo sus pertenencias. El embargo de su patrimonio sólo pudo requisar tres colchones, almohadas, un aparador, una mesa y cinco cuadros. La ciudad en reconocimiento se vio obligada a ayudarle en sus gastos, proporcionándole vivienda gratuita y aprovisionamiento de combustible.

Esta situación le hizo dimitir del cargo directivo del gremio y en 1661, se le exime, debido a su avanzada edad, del pago de la cuota correspondiente. El municipio de Haarlem también le concedió una anualidad de 200 florines en 1664.

Frans Hals murió en Haarlem en 1666 y está enterrado en la Catedral de San Bavón de la localidad, como homenaje póstumo al pintor. Su viuda murió poco después en un hospital de caridad de la beneficencia.

Se ha creído con ligereza que Hals no tenía una técnica muy depurada y que pintaba apenas sin correcciones o dibujos preparatorios. Pero estudios científicos y técnicos han demostrado que esto no es así. Es cierto que los trabajos menos conocidos fueron apuntados sin correcciones ('alla prima'), pero la mayoría de sus obras fueron creadas a partir de varias capas, como era costumbre en esa época. A veces el esbozo era hecho con tiza o pintaba sobre una capa base gris o rosa, para luego completar el cuadro por fases.

Parece como si el maestro normalmente usara los esbozos muy tenuemente. Esto demuestra que Hals utilizaba su virtuosismo desde el inicio del cuadro. La ausencia de líneas delimitadoras o de dibujo preparatorio fue cada vez más usada por el pintor en sus obras de madurez.

Frans Hals manifestó durante su vida una tremenda audacia y un gran coraje que empaparon sus propios lienzos. Él tenía la capacidad de plasmar la psicología del personaje. A diferencia de otros retratistas contemporáneos de Hals, no diferenciaba en su pintura si era por encargo o no. Utilizaba la misma diligencia y precisión en cualquiera de sus obras.

"Una inusual manera de pintar que superaba a la de casi cualquiera" escribió su primer biógrafo, Theodorus Schrevelius, en el siglo XVII, sobre su técnica pictórica. En realidad, esta técnica no fue creación original de Hals, ya existía en la pintura italiana barroca, aunque probablemente Hals la tomó de sus contemporáneos flamencos: Rubens y Van Dyck.

A comienzos del siglo XVII, ya sorprendía la vitalidad de los retratos de Frans Hals. Schrevelius apuntaba que su obra reflejaba "tal potencia y vida" que el pintor "parecía alcanzar el natural con sus pinceles". Siglos después, Vincent van Gogh escribía a su hermano Theo: "Qué alegría es ver a Frans Hals, qué diferente son sus pinturas -muchas de ellas- donde todo está cuidadosamente alisado del mismo modo".

Colorido preimpresionista

Hals eligió no darle un acabado definido a sus pinturas, como hacían casi todos sus contemporáneos, pues imitaba la vitalidad de sus retratados usando manchas, líneas, gotas, grandes parches de color, que conformaban los detalles.

No fue hasta el siglo XIX que esta técnica tuvo seguidores, particularmente en el Impresionismo. Se puede considerar al pintor holandés como un precursor, usando la técnica impresionista en los cuadros de las milicias o los retratos de los regentes del asilo de Haarlem.

Del conjunto de su obra por su número destacan los retratos, en los que demuestra una sorprendente habilidad en la captación de gestos y detalles:

* Retratos por encargo: Podríamos dividirlos en dos clases:
Retratos individuales: Son imágenes eminentemente burguesas dedicadas a la decoración de las casas, generalmente a través de encargos dobles: retratos masculinos y femeninos que presidirían las estancias nobles de los hogares de Haarlem. Aparecen llenas de vida y en una actitud increíblemente natural y conseguida, poco común para lo habitual de esta pintura por encargo. Utiliza para caracterizar la propia psicología de los retratados generalmente, en actitud seria y solemne.

Retratos colectivos: A encargo de sociedades o agrupaciones burguesas, Hals concede a todas las figuras un mismo trato preeminente, evitando personajes secundarios o subordinados. Se reflejan en estos cuadros de grupo el realismo psicológico y son ricos en cromatismo y efectos de luz dirigida a rostros y manos. Incluso en ocasiones sus honorarios le fueron pagados en vez por el lienzo en conjunto por persona pintada.

Retratos de tipos populares: Pintado con naturalidad y en actitud cotidiana. Son los desposeídos de su ciudad, a diferencia de los burgueses de alto poder adquisitivo de los encargos. Es pintura de género muy al gusto del Barroco, donde el estudio de la instantaneidad sobre las clases pobres suponen un estudio casi sociológico de esta parte de la sociedad excluida de las páginas de la Historia. Centra Hals en estos casos la atención más que en el físico del individuo en la personalidad integradora del momento captado.

COMO FORNICAR PORTUGAL?

Com este vícioso despesismo, tudo à maneira imperial mais parola e desproporcionada num País pelintra e cada vez mais esfomeado. Portugal, o Portugal profundo, ultrataxado pelos políticos e endemicamente teso a maior parte do mês, também é fornicado por esses redundantes senhores directores regionais, locais, nominais, sinecurantes, coçadores da micose com ajudas de custo e de cuspo, com nada para fazer nem justicação para existir. Gente que vai pousar o cu nas cadeiras almofadadas das sessões solenes ou então manda um representante remelento e de olhos inchados (porque inesperadamente levantado da cama pelo mesmo chefe ocupado numa noite de alterne e pocker) a sentar o cu por dez minutos nas sessões solenes do Regime moribundo e depois a desaparecer num ápice perante o ar atónito do público e da mesa solene na sessão solene. Um Governo servo de vampiros clientelares não conhece outra natureza senão sugar e dar a sugar aos seus. Por ter poder para isso, um Governo Português típico dá a sugar aos seus, sem pudor, o grosso da receita fiscal de uma massa de pobres ainda mais empobrecidos, esmifrados e carcomidos pelas políticas opressoras em decurso. Secretarias de Estado, vastas como as mulas nos livros de tenças de D. João III, são sugadouros de recursos preciosos pela mão dos sucessivos governos. E há ladrões dentro da lei para todos os gostos: chefes e subchefes, tachados e sobretachados, entochados e abarrotados de ajudas de custo pela mão política que hoje os amamenta obscena. Nem um país de ricos, de bem-estar generalizado se mordomiza ou locupleta clientelarmente como este Portugal sucumbido pelo socialismo sugante de esquerda à direita do Dinheiro e entre a pernas do Estado. Aí está ele, o socialismo cagante do Diálogo-Man, novamente no Poder para Fingir Acção e para Infligir Desgraça. Decididamente, o Estado não sabe nem ser frugal nem ser eficiente. É uma cloaca despesista e uma máquina de Mentir disfarçada com charme de contrafação. Ah, não passar o meu Portugal de um projecto manhoso da Guarda garatujado pelo Engenheiro Sanitário Sócrates!

Publicada por joshua em http://joshuaquim7.blogspot.com/
PALAVROSSAVRVS REX

MEU COMENTARIO. As veces entro neste blog (pódese entrar a través do meu). Será que o desprestixio dos políticos é evidente en todas partes?

EL VALOR DE LA IGNORANCIA

Desde niña estoy convencida de esto, y mira que son años ya! Si, la ignorancia es la ESENCIA DE LA FELICIDAD! ¿Os habeis dado cuenta lo que sufren los eruditos?

Yo voy a un concierto y me gusta o no me gusta pero POR LA PIEL. Si los vellos se me ponen de punta es QUE ME GUSTA y si no, bueno, puede ser que un poco o un nada pero el erudito, el verdadero melómano está pendiente de la nota, ahhhhhhh: Si, no estuvo mal pero "ese dooooo"....Ummmmm ¿Que do? y recuerdo aquellos días de clases de piano, una profe desesperada: Marca el ritmo Inés do, re, mi, faaaaaa ....No, nooooooo, que es blanca, que es negra, que es corchea, semicorchea, fusa, semifusa.....y yo con una mano, arriba, abajo, lado derecho, izquierdo. Lo dejé rápido antes de que a aquella mujer le diera un infarto.

Y la pintura... esa es otra. Creo que no he perdido aún la mirada un poco infantil y me sorprendo, veo algo que me gusta y me pregunto ¿Como pudo? Increible! Metió ese brazo ahí y me parece una genialidad! Y en eso que aparece el erudito, te mira a la cara y ..... Ummmmm ¿donde está la perspectiva? Ohhh Dios ese brazo descompensa toda la obra!

Y si hablamos de escribir ya no digamos....Que decir lo que piensas, (pero sin pensar), o esa "a lo espontáneo" resulta ANTIGUO.

Pues va a ser que está de moda sufrir, pues no -YO ME QUIERO REIR-

Besos a todos

miércoles, 28 de octubre de 2009

UN VUELO LOW COST

La primera vez que viajo en una línea LOW COST y hasta me ha parecido una experiencia interesante (siempre hay que sacar el lado positivo de la vida). Vuelo de ida y vuelta Oporto Birminghan 40 euros que despues de preguntarte casi hasta cuantas veces piensas respirar en el avión queda en 104 euros. El problema empieza cuando te das cuenta que solo puedes llevar 15 kgs de equipaje para la pareja, mas dos bolsas de mano donde tienes que incluir camara, bolso etc. Solución, dos jerseys puestos mas dos chaquetas, cuelgas el bolso del cuello y abrigo por encima. Por supuesto no esperes fingers ni nada parecido, andas por el aeropuerto buscando tu avión y te salvas si no llueve....

Ahhhhh el asiento no es reclinable...Joer! que es un Low cost que esperabas? Pero voló. Detrás llevabamos un grupo de ingenieros portugueses, que trabajaban para Safir e iban de vacaciones a Cardiff de vacaciones. ¿A Cardiff de vacaciones pregunté? Siiiiiii HAY CHICAS, me contestaron riendo y tambien tiene una bonita bahía. Aterrizamos con musica de INDIANA JONES entre un gran aplauso del público....Ummmmmm¿Será que a veces no aterrizan?

La Casa de Alba, Taeuber-Arp, Maillol y Griselda Navarro

Este mes de octubre viene cargado de exposiciones de primer orden, tantas y tan interesantes que nuestra recomendación, en esta ocasión, se amplía a cuatro indispensables: Andalucía (España) se viste de vanguardia y tradición gracias a la dadaísta Sophie Taeuber-Arp, en el Museo Picasso de Málaga , y el recorrido que a través de su patrimonio artístico se realiza por la historia de la Casa de Alba en el Museo de Bellas Artes de Sevilla; Barcelona (España), al tiempo, se ofrece monumental y vanguardista gracias a Aristides Maillol, presente en La Pedrera, y a una artista que recoge la mejor herencia de los ochenta, Griselda Navarro.

La Consejería de Cultura, junto con el patrocinio de la entidad financiera Cajasol y la Duquesa de Alba, ofrece por primera vez en abierto al gran público la muestra de una de las colecciones de arte privadas más importantes de España: la Colección de la Casa de Alba. Una familia inmortalizada a lo largo de los siglos por algunos de los principales autores de todos los tiempos, entre los que destacan Goya y obras como la de La Duquesa de Alba, cuya historia se muestra en una exposición que es mucho más que un compendio de piezas maestras. MUSEO DE BELLAS ARTES DE SEVILLA, HASTA EL 10 DE ENERO DE 2010.

Y frente al clasicismo del patrimonio de una de las familias nobles más influyentes del país, la vanguardia europea llega de la mano de Sophie Taeuber-Arp. Esposa de Jean Arp, uno de los fundadores del movimiento Dadá, comparte con el mismo los presupuestos de esta corriente pero, sin embargo, da un paso más allá en la experimentación del lenguaje artístico planteando combinaciones que traspasarán los límites que incluso la vanguardia habría de establecer. Ahora, el Museo Picasso de Málaga recoge más de ciento treinta piezas procedentes de museos, instituciones y colecciones de todo el mundo en la retrospectiva más completa que de su obra se ha realizado hasta el momento en España. HASTA EL 24 DE ENERO DE 2010.

La primera mitad del s.XX dio a luz, en el campo de las artes escultóricas, a destacadas figuras que vivieron a caballo entre España y Francia; un puñado de grandes nombres entre los que se encuentra por su originalidad Aristides Maillol. Pero, a diferencia de lo que estaban desarrollando coetáneos como Gargallo o Julio González, más preocupados por el vacío y el ensamblaje, Maillol recoge la tradición monumental del s.XIX y la aúna con una herencia de corte clásico y una formalidad cercana a la modernidad de artistas como Brancusi. Y para un escultor de excepción, un espacio expositivo de lujo: La Pedrera, de Gaudí, acogerá hasta enero del próximo año una muestra donde pueden verse algunas de las obras más famosas del autor, gracias a la labor de la Obra Social de Caixa Catalunya. HASTA EL 31 DE ENERO DE 2010.

Una oferta que finaliza con el broche de oro que supone la producción de la fotógrafa Griselda Navarro, una artista que, a la manera de autores como Ouka Leele, recupera la tradición del coloreado a mano para convertir sus imágenes en obras de arte. La Galería Nova 3 en Sabadell (Cataluña, España) acoge una exposición de esta artista formada en el extranjero que encuentra su fuente de inspiración en exteriores y naturalezas varias. HASTA EL 11 DE NOVIEMBRE DE 2009.

IX Premio de Pintura de la Junta General del Principado de Asturias 2009

Un premio de 15.000 € para la obra ganadora, más 6.000 € en concepto de adquisición, es la cuantía con que está dotado este premio de pintura internacional. Convocado por el Principado de Asturias (España), el certamen está abierto a todos aquellos artistas que deseen presentarte, sin distinción de nacionalidad, residencia o edad.

Ficha del certamen

Organiza: Junta General del Principado de Asturias.

Categorías: Pintura.

Plazo de recepción de solicitudes: Hasta el 09 de noviembre de 2009.

Límites de participación: Podrá concurrir cualquier persona que lo desee, sin límite de edad y cualquiera que sea su nacionalidad o residencia.

Requisitos: Cada participante presentará una sola obra que no haya concurrido a otras convocatorias de premios o certámenes. Este extremo se acreditará mediante declaración jurada.
Las técnicas serán libres y los temas serán también de libre elección. Las obras no deberán medir más de 150 cm., por ninguno de sus lados. Todas las obras deberán presentarse enmarcadas o protegidas por un listón de madera y carecerán de clavos, argollas o cualquier otro elemento ajeno al soporte del cuadro. El listón de madera no deberá superar en ancho los 3 cm. Asimismo, no se admitirán las obras protegidas con cristal. Si alguna obra se compusiera de partes diferentes (ejemplo: tríptico) se computará, a efectos de dimensión, el conjunto de las partes.

Documentación: Los cuadros llevarán adherido en el reverso un sobre cerrado con el título en mayúsculas, “IX PREMIO DE PINTURA JUNTA GENERAL DEL PRINCIPADO DE ASTURIAS 2009”, que contenga todos y cada uno de los siguientes datos y documentación:

Datos relativos al autor:
— Nombre y apellidos.
— Fotocopia del DNI.
— Domicilio.
— Teléfonos de contacto.
— Currículum vitae artístico.

Datos relativos a la obra:
— Título de la obra.
— Medidas.
— Técnica empleada.
— Fecha de realización.
— Fotografía en color del cuadro que muestre su posición. Dicha fotografía medirá como máximo 24 cm.
— Valoración económica de la obra presentada.
— Declaración jurada de novedad de la obra según base tercera.

La carencia de alguno de estos datos puede ser motivo de no admisión.

Dotación: Se señala un premio único de 15.000 €.; Con independencia del premio, la Junta General reservará un fondo de otros 6.000 € destinado a la adquisición de la obra que fuera considerada de particular interés, además de la premiada.

Más información: Junta General del Principado de Asturias

Jorge Barbi.41º 52’ 59” latitud N/8º 51’ 12” longitud O

Jorge Barbi nos ofrece en el MARCO de Vigo (Galicia, España) las coordenadas "geográficas" de su mundo artístico, un imaginario creado al amparo de la noción de tránsito que revela un mundo lúdico y conceptual. El paseo y la observación, como medios creativos, posibilitan un registro cuasi científico, más tarde condensado en fragmentos de poético arte . Un arte partícipe de las cualidades de la filosofía zen que ahora se muestra al público en una peculiar "retrospectiva" donde la cronología es sacrificada al servicio de la experiencia sensorial.

La muestra, coproducida por el CAM Fundação Calouste Gulbenkian de Lisboa y la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior de España, SEACEX, recoge algunas de las series fotográficas del artista realizadas en los últimos años, piezas ejecutadas de forma específica para la exposición y una selección de obras anteriores. Una propuesta, la primera individual de este artista, especialmente significativa dentro de la nueva línea de exposiciones individuales del MARCO, cuyo interés recae en la propia trayectoria del artista: "una de las más interesantes de la escena artística en los últimos veinticinco años, tanto por los parámetros en los que se ha desarrollado su práctica creativa —especialmente escultura, fotografía, e instalaciones site-specific— como por su independencia de las reglas del mercado y del sistema artístico en general".

La percepción y la observación de la naturaleza se convierten en puntos basales de una propuesta cuyo resultado formal se caracteriza por una pureza y minimalismo que acercan al espectador de forma directa a la reflexión buscada, artificios mediante superados. De esta manera, elementos como la luz o el vacío conforman un juego de imágenes destinados a ofrecer al espectador la "cartografía" del mundo interno de Jorge Barbi.

Más información: MARCO Vigo

Rodchenko y Popova: Definiendo el Constructivismo

En unos comienzos de siglo marcados por los conflictos sociales y la revolución, el Constructivismo se desarrollará como un arte al servicio del ideal bolchevique y el orden social, mezclando oficios y experimentando con un arte objetivo. Una manifestación que incidirá de manera radical en la vanguardia histórica y que ahora puede disfrutarse en el Museo Reina Sofía (Madrid, España) de la mano de dos de sus principales protagonistas: Liuvob Popova y Alexandr Rodchenko.

Organizada por la Tate Modern, en colaboración con el Reina Sofía, la exposición supone la muestra más completa dedicada hasta el momento en España a estas dos figuras clave del Constructivismo ruso. Alrededor de 350 obras, realizadas en el primer tercio del s.XX, ofrecen un acercamiento a la teoría y formalismo de un arte que, a pesar de su corta duración, incidirá de manera decisiva en la modernidad posterior. Las tipologías expuestas -pinturas, carteles, fotografías, esculturas, muebles y diseños de trajes- corroboran además el propio espíritu de la vertiente constructivista desarrollada por Popova y Rodchenko.

Junto con esto, el programa se complemente con una serie de proyecciones de películas de la época, así como la muestra de trabajos de artistas coetáneos, entre los que destaca un pionero del arte abstracto como Wassily Kandinsky, además de presentar la exposición realizada por Rodchenko y Popova en Moscú en 1921 junto a autores como Stepanova, Exter o Vesnin.

Más información: Museo Reina Sofía

Arte infinito

La red no sólo es el "futuro" sino que, además, es el soporte. En este siglo esto es algo que nadie duda ya, convencidos incluso los escépticos por prestaciones como la difusión: la tecnología permite no sólo la multiplicidad sino la democratización del arte de una forma desconocida hasta el momento. Y, en este contexto, ArtFutura, el festival de Cultura y Creatividad Digital de referencia en España, celebra y explora las posibilidades que la tecnología ofrece hasta sus límites máximos de ludismo, interacción y estética en un combo donde arte y ciencia caminan unidos.

Bajo el lema "De la Realidad Virtual a las Redes Sociales" ArtFutura celebra este 2009 su vigésimo año de vida; una conmemoración que confirma la existencia del festival como un foro necesario donde exponer los últimos avances de un mercado que corre paralelo a la revolución digital que asumimos diariamente en el resto de los ámbitos de nuestra vida. De esta manera, la combinación Nuevas tecnologías + Cultura parece ser un futuro inevitable, en el que los medios para obtener un alcance determinado son ilimitados y las posibilidades creativas infinitas.

Junto con esto, el intercambio es una de las bases de una comunidad virtual que se estructura, cada día más, en el fundamento de las redes sociales; una circunstancia que, aplicada a un campo como el del arte , sólo puede considerarse positiva. Y es que bajo una óptica como la de la difusión exponencial, el enriquecimiento creativo y el conocimiento, la red sólo puede considerarse como un soporte ventajoso para las manifestaciones artísticas.

ArtFutura realiza en esta edición un análisis de la evolución obtenida a lo largo de estos últimos veinte años, desde que se presentara por primera vez la Realidad Virtual en España, hasta la actualidad, en la que se exploran los últimos avances en materia de animación digital, diseño y videojuegos. Dentro del programa de ArtFutura 2009 pueden encontrarse además filosofías como las del grupo Improv Everywhere, cuyas performances han generado más de 72.000 amigos en Facebook y decenas de miles de visionados en YouTube, y que "actuarán" por primera vez en España coincidiendo con el festival. Documentales, retrospectivas y nuevas secciones, como "Reality Bytes" y "Futura Graphics" (dedicadas a los nuevos documentales y a los motiongraphics y videoclips), completan un programa que este año presenta su Programa Audiovisual de forma simultánea en doce ciudades españolas, dividiendo sus principales actividades entre Barcelona, Valencia y Madrid, y que cuenta con un invitado de excepción: Tim Schafer y su nuevo videojuego "Brutal Legend".

Más información: ArtFutura

Alfeizar: a spanish tragedy

martes, 27 de octubre de 2009

OS COMEZOS DE HEY JUDDY

Entrega de Premios Secuencia Cero 24/10/09

THE LADY LEVER ART GALLERY

John Linnell (1729 – 1796)

Acabo de llegar del Reino Unido. Recorrí más de 3.000 kilómetros en coche, visitando y revisitando sitios en los que ya había estado. A veces los británicos nos llaman la atención por su amabilidad y cortesía. Eso nos pasa en otros sitios tambien en Portugal. Quizás nosotros hemos entrado en unas prisas "de no ir a ninguna parte" que no nos permite, en algunos casos, saborear el presente.

‘Lady Hamilton as a Bacchante’
Elizabeth Vigée-Le Brun

En Liverpool encontré un folleto en la habitación del hotel, de esos que aconsejan sitios que visitar. Me llamó la atención un pequeño Museo THE LADY LEVER ART GALLERY. Al día siguiente ya estaba yo en el pequeño pueblo de Port Sunlight a las nueve y media. Era una mañana lluviosa e intenté encontrar la puerta de entrada. Un chico me indicó la puerta principal y me dijo que abrían a las diez. Cuando llegó la hora lo encontré en el mostrador de entrada, se rió tocandome el abrigo para comprobar que no estaba muy mojada y me dijo que la entrada era gratuita. El Museo me interesaba principalmente por su colección de pintura prerrafaelista y no me defraudó en absoluto.

‘On his holidays’
John Singer Sargent

La historia de esta museo es muy interesante. Fue fundado por William Hesketh Lever en 1922 para guardar su propia colección. En 1978 la Galería fue transferida a dominio público.

‘An Al-fresco Toilette’
Samuel Luke Fildes

William Hesbeth Lever, se estableció en Port Sunlight y alli fundó su fábrica de jabones. Había nacido en Bolton, Lancashire en 1851, y era hijo de un vendedor al por mayor. Abandonó la escuela y se puso a trabajar en el negocio familiar a los 16 años y a los 21 ya era socio. Dedicó todos sus esfuerzos a expandir el negocio y en 1884 decidió fabricar jabón. En aquella época el jabón se vendía por bloques y los clientes lo cortaban como si fuera queso.

‘The Kelpie’
Herbert James Draper

En 1888 la capacidad de la fabrica se había quedado pequeña así que compró tierra en Mersey y allí no sólo estableció su fábrica sino que construyó un pueblo con casas para sus empleados PORT SUNLIGHT.

Sir John Everett Millais (1829 - 1896)

Empezó a comprar cuadros no precisamente con el deseo de coleccionar. Compraba pintura en exposiciones y los utilizaba en la publicidad de sus jabones SUNLIGHT SOAP. Esto le causó a veces algún problema, al ser acusado por algun artista de falta de ética y abuso.

Valencian School- Sta Ursula

Poco a poco se produjo la metamorfosis y William Lever pasó de ser un comprador de arte "aprovechado" a convertirse en un serio coleccionista. Compró Thornton Manor, lo agrandó fue colocando allí sus obras. Aproximadamente en 1896 conoció a James Orrock, artista, coleccionista y vendedor de arte, gran defensor del arte británico. Realizó una gran campaña para el establecimiento de un Museo de Arte Británico y Lever apoyó su campaña.

'Landscape with Diana and Callisto, c.1757', by Richard Wilson (1713 -1782)

Lever consiguió una importante colección de pintura Victoriana, especialmente prerrafaelitas. Posteriormente, preocupado por hacer una collección representativa, interesante para el público, compró varias colecciones privadas, incluyendo muebles y porcelanas.

Sir Joshua Reynolds

El museo se inauguró y se abrió al público en 1922 por la princesa Beatriz, la hija menor de la Reina Victoria

domingo, 25 de octubre de 2009

ON THE LINE de Jon Garaño

CUIDADO CON LOS NIÑOS

GRAZAS A TODOS OS QUE COMPARTEN A NOSA ILUSION E TRABALLO

SECUENCIACERO

GRAZAS

A tódolos que comparten a nosa ilusión e traballo.

Secuenciacero premió a Javier Chillón, Chus Domínguez y Vicent Gisbert - David Moreno PREMIO DEL PUBLICO

PREMIO DEL PUBLICO- SOCARRAT DE DAVID MORENO

La Voz
Fecha de publicación:
25/10/2009

El jurado del Certamen de Documental e Vídeo Secuenciacero concluyó ayer en el Verbum con la entrega de los premios a los autores de los trabajos seleccionados por el jurado. En el apartado de cortometrajes el ganador fue Javier Chillón, por su trabajo Die schneider krankheit . El cortometraje narra la propagación de un virus portado por un primate que viajó al espacio en una capsula soviética. En el apartado de documentales el trabajo premiado fue La sortie , de Chus Domínguez, en el que se rinde homenaje a la salida de los obreros de la fábrica, de los Lumiere, considerada la primera película de la historia del cine. Finalmente, en el apartado de videocreación, Vicent Gisbert fue el ganador por el trabajo titulado Au , un juego con el tiempo

Galardón Castaña

El festival comenzó el pasado jueves y proyectó dieciocho trabajos, procedentes de diferentes localidades españolas. El jurado estuvo conformado por Claudia Brenlla, Chema García, Gerard Freixes e Iñaki Martínez Antelo. Los ganadores recibieron el trofeo Castaña, en esta edición, compuesto por tres dibujos acrílicos sobre papel cedidos por el artista vigués Darío Basso, realizados en exclusiva para la ocasión. La cla clausura del festival estuvo protagonizada por Alféizar, un grupo de música, amor y fiesta que amenizaron a los participantes en esta cita con el audiovisual.