Vecinos de Cabral celebran el primer cumpleaños de un bache

¿Y SI NOS TOMAMOS LAS COSAS CON HUMOR?

Noticias de Vigo- Tomen nota de la fecha para unirse a la fiesta el próxima año-  25 de octubre

 

Vecinos de Cabral, parroquia de Vigo, han colocado esta mañana guirnaldas en la Travesía de la Vía, han brindado con champán y han comido tarta. El motivo de tal celebración ha sido festejar el primer año de vida de uno de los numerosos baches de la localidad que están pendientes de arreglo. Dicen que el Ayuntamiento no hace caso a sus demandas y también por eso organizaron esta fiesta vecinal.

El mal estado de las carreteras no es el único problema de Cabral. Además critican el abandono del lavadero, la falta de limpieza de las silvas que se acumulan en aceras y cunetas y un deficiente servicio de transporte público. Critican que mientras el Ayuntamiento mira para otro lado, haya destinado un millón y medio de euros a la humanización de la calle Ramón Nieto, una actuación que no consideran tan urgente.

Los afectados entregaron ayer 1.600 firmas en el consistorio para denunciar esta situación.

VAI DIMITIR SO GUILLERME VAZQUEZ?

 

Guillerme Vázquez anuncia que abandonará como portavoz nacional del Bloque 

 Guillerme Vázquez, portavoz nacional del BNG, acaba de anunciar que no continuará en el cargo. Su renuncia se hará efectiva en una nueva asamblea extraordinaria de la formación nacionalista tras concluir un proceso de reflexión interna a causa de «os malos resultados» obtenidos en las elecciones autonómicas del pasado domingo.

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Eu digo- xa sei que a miña opinión non importa-- pero aínda que sexa somentes por  lóxica cos resultados  ¿Non debería "o colaborador necesario" abandoar o posto tamén?  Refírome a Santi Dominguez.   ¿Ou pensa igual que o seu colega que Vigo deulle un correctivo a Feijóo?

Juan Carreño de Miranda

España
Avilés 1614 - Madrid 1685

Carreño es uno de los mayores retratistas de la Corte española durante el "reinado pictórico" de Velázquez, de quien era buen amigo. Nacido en el seno de una familia noble, aplicó a sus lienzos el estilo aristocrático de su forma de vida, captando con elegancia y psicología a los personajes de la Familia Real y de la Corte madrileña. Su forma de pintar se vio influida, aunque ligeramente, por Velázquez y por Rubens. Su obra es mayoritariamente retratística a partir de 1669, año en el que se le nombra pintor del rey. Pero también dejó unos frescos religiosos en la catedral de Toledo, que hablan el idioma del Barroco pleno.

 Carreño legó una impresionante colección de retratos, que se hallan casi en su mayoría en el Museo del Prado. Recogió el tipo de retrato oficial, elaborado desde Antonio Moro en el siglo XVI, y que había ido evolucionando hasta el XVII. Es un tipo de retrato solemne, muy austero, en tonos pardos y con fondo neutro, sin detalles ni recreación sobre adornos, joyas, fondos de paisaje o demás, y sin apenas alusiones visibles a la dignidad del retratado, que impone su status con su pose y su presencia digna. Carreño y Velázquez heredan directamente su estilo de una Escuela de retratistas muy importante, en la cual participaron Sánchez Coello y Sofonisba Anguissola. 

Ref. Arte Historia

Diego Polo

 Diego Polo, también llamado Diego Polo el Menor, fue un pintor barroco español fuertemente influido por Tiziano, activo en Madrid entre 1630 y 1641.

La documentación relativa a la vida de este artista es sumamente escasa, contándose únicamente con el testamento del también pintor Antonio de Lanchares (1630), quien alude a él como su oficial, y el documento de tasación de los bienes de don Rodrigo Herrera, fechado en Madrid en 1641, en el que aparece como tasador de las pinturas en compañía de Antonio de Puga. 

 Este mismo año se le encuentra, además, entre los pintores contratados para realizar algunas obras con destino a la alcoba del rey en el viejo Alcázar de Madrid. Conforme a lo estipulado en el contrato las obras debían estar concluidas en el mes de mayo, como en efecto hubo de hacer pues cobró por ellas el 5 de junio junto con Pedro Núñez del Valle y Francisco Camilo.

Sobrino de un Diego Polo el Mayor, quizá burgalés pero de quien únicamente se conoce una Adoración de los Reyes conservada en la parroquial de Jócano (Álava), firmada en Alcalá de Henares en 1617, según la breve reseña biográfica que le dedicó Antonio Palomino habría muerto en Madrid hacia 1655, en lo mejor de su edad, contando treinta y seis años, lo que llevaría la fecha de su nacimiento a 1620, dato éste incompatible con su documentado trabajo como oficial de Lanchares ya en 1630.

 

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Hi, I have attached this original music collaboration performed by my musician friends from Spain, USA and Australia for your enjoyment. 



 

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Jazz Ballad: Journey of Hope (International Collaboration Music For World-Wide Peace)

Music unites the world. We hope you enjoy this music and share it with your friends and family to help us promote a peaceful and greater world for all. Download this song for FREE from my Facebook Music Page http://tinyurl.com/7ss55dw . This original music video is a collaborative performance with friends of YouTube. Alto sax solo by Carlos Miguel Navas (Colombia), violin solo by Miguel Á. G. Leoncio (Spain), piano solo by Alex Riesenbeck (USA), trumpet solo by JT Wyper (USA), percussion by Nemil Chabebe (USA), music video arrangements, guitar and soprano sax solo by David Luong (Australia)

En serio, HA DESAPARECIDO UNA TOGA. La magistrada a la que pertenece -de la Sección Sexta de la Audiencia de Vigo dice que la dejó en un armario y cuando fue a recogerla no estaba... supone que alguien se la llevó por equivocación...

Yo dejo aqui la foto por si ·"alguien la ve"

Spotify revela las canciones preferidas para antes y durante el sexo

El estudio «Science Behind the Song» analiza la relación entre la música, el amor y la seducción. Del análisis se desprende, entre otras cosas, que «Dirty Dancing» es la mejor BSO de alcoba y que escuchar «Bohemian Rhapsody», de Queen, es mejor que el sexo. El servicio de música en «streaming» ha elaborado con los resultados cinco listas de reproducción románticas....

 Pues escuchemos «Bohemian Rhapsody»

Una joven brasileña de 20 años subasta su virginidad por 600.000 euros

 

Una brasileña de 20 años de edad recibirá 780.000 dólares (unos 600.000 euros) por mantener sus primeras relaciones sexuales con un japonés identificado como Natsu, que venció hoy la subasta realizada en Internet por los productores de una película documental.

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¿Existen virgenes?

EL REY DE ESPAÑA ES INVIOLABLE E IRRESPONSABLE

El español Alberto Solá Jiménez y la belga Ingrid Jeanne Satiau presentaron sendas demandas de paternidad contra el Rey de España, estas  han sido rechazadas porque los jueces argumentan que la Constitución recoge que «la persona del rey es inviolable y no está sujeta a responsabilidad»

 Arte rupestre


Desde que existen hombres ha existido creación artística, pues el hombre es el único ser que puede ser al mismo tiempo criatura y creador. E, inevitablemente, ese hombre que es a la vez criatura y creador, al que hemos dado en denominar 'artista', ha buscado los medios para ganarse el sustento y obtener reconocimiento, a la vez que desarrolla su vocación creativa.



 Arte bizantino


 Allá en la noche de los tiempos, al artista le bastaba con que su arte fuese encarnación de lo que los antiguos llamaban 'genio popular', expresión de inquietudes y anhelos ancestrales, para que fuera acogido, reconocido y gratificado por sus contemporáneos: así le ocurría al rapsoda o al juglar que recorría los pueblos, recitando romances y cantares de gesta; o al cómico de la legua que entretenía a las gentes con sus entremeses y mojigangas. Pero no tardó en llegar el día en que la acogida, el reconocimiento y la gratificación de ese arte nacido de la entraña popular empezaron a resultar problemáticos. Surgió entonces la figura del mecenas, que -al menos en un principio- puede considerarse una especie de 'representante popular' que protege al artista de la intemperie y lo aloja en su palacio, brindándole los medios para su subsistencia y asegurándole un reconocimiento que le permita seguir desempeñando su vocación.

 Gótico

Sin mecenas no habrían existido Virgilio ni Miguel Ángel; no habrían existido Mozart ni Velázquez; y ni siquiera Cervantes, que siempre tuvo problemas para encontrar un mecenas que lo protegiera, habría existido.  Y cuando decimos que «no habrían existido» no queremos decir que su genio artístico habría desaparecido, sino que no habría encontrado forma idónea de manifestación, con lo que probablemente se habría extraviado en los pasadizos de una difícil supervivencia, hasta perecer tal vez por inanición. Pero la aparición de la figura del mecenas, tan providencial para el artista, también provocaría una compleja metamorfosis en el arte, que ya no sería un arte brotado desde abajo, de la entraña popular, sino un arte establecido e impulsado desde arriba, para halagar los gustos y preferencias de su patrocinador. Y, desde que el arte se pone al servicio de un patrocinador poderoso, corre el riesgo de convertirse en instrumento de propaganda y dominio; corre el riesgo, en fin, de dejar de ser expresión misteriosa de un anhelo ancestral de Belleza para erigirse en una especie de negociado al servicio del poderoso, que agasajando a artistas gregarios puede asegurarse una provisión de sucedáneos artísticos que se administran al pueblo como alfalfa, hasta acomodarlo a los cánones -no solo estéticos, también sociales e ideológicos- que interesan al poder. De este modo, el artista domesticado y sometido al poder que lo exalta se convierte en cooperador de una forma sibilina de tiranía espiritual, que ya no actúa al modo clásico, mediante imposiciones ásperas y represoras, sino modelando los gustos y preferencias de sus sometidos, al modo de una ingeniería social.


 Románico


En las últimas décadas, este arte que sirve a los titulares del dominio alcanzó una expresión paroxística a través de la figura de la subvención, que ha terminado generando un divorcio cada vez más enconado entre el artista y el público hacia el que su arte presuntamente se dirige. Cada vez son más las personas que no se sienten en modo alguno representadas por obras de arte -pictóricas, literarias, musicales, arquitectónicas o cinematográficas- que juzgan rebuscadas, tendenciosas, plomizas o, simplemente, vacuas; y en cuya realización, sin embargo, se las obliga a colaborar de forma más o menos directa, por lo común a través de la vía impositiva. Este divorcio se ahonda todavía más en circunstancias como las presentes, en las que una feroz crisis económica acentúa la impresión de que ese arte subvencionado es superfluo y prescindible. Todo parece indicar que la época de los patrocinios y subvenciones toca a su fin; y que el artista, desalojado del palacio, tendrá que volver a ser acogido, reconocido y gratificado por su público natural. Será un proceso traumático en el que muchos artistas de pacotilla se quedarán sin momio; pero en el que también muchos artistas verdaderos se verán obligados a internarse por los pasadizos de una difícil supervivencia, poniendo a prueba el temple de su vocación. Lo que salga de ese proceso de catarsis y sacrificio no lo podemos anticipar; tampoco cómo se las ingeniará el artista para combatir el frío de la intemperie. Pero, al menos, podemos augurar que la época de las maulas jaleadas y opíparamente remuneradas toca a su fin. 

 Juan Manuel de Prada

El futuro del arte

Juan Bautista Martínez del Mazo

 

España
Cuenca - Madrid 1667

Este pintor español del Barroco madrileño fue alumno de Velázquez, cuya obra, especialmente la retratística, le influyó notablemente. Terminó por casar con la hija del genio sevillano y, a la muerte de Velázquez en 1660, ocupó su plaza como pintor del rey. Martínez del Mazo firmó raramente sus obras, tal vez con la intención de favorecer la confusión con la obra de Velázquez. Imitó muy bien su estilo, salvando por supuesto las diferencias en la calidad, incluso podría decirse que con cierto gusto. Realizó algunas copias de los cuadros más famosos de su suegro, como el de la infanta Margarita de Austria que hoy se expone junto al original en un museo vienés. Del Mazo tiene alguna de sus obras en el Museo del Prado, cerca de las de su maestro. Aquí destacamos en especial el Arco de Tito y otro retrato de la Infanta Margarita. 

Ref- Arte Historia

PILDORAS DE HEMEROTECA

 

Gayoso defiende que los ejecutivos se merecían las indemnizaciones por ser "culpables del éxito" de Caixanova

El juez le impone comparecencias quincenales en el juzgado y el imputado alega que no tenía poderes ejecutivos 

 

 

 

 "Estoy estupefacto de que Currás no haya dimitido tras haber querido echar a Gayoso"

Entrevista "Xornal de Galicia".,18 de julio de 2010

Ilustraciones de Leonard Beard.

Una segunda mirada. Ilustraciones de Leonard Beard.

El pintor e ilustrador Leonard Beard presenta una selección de dibujos realizados para ilustrar artículos de opinión publicados en El Periódico de Catalunya.

La exposición presenta una selección de ilustraciones de artículos de opinión publicadas en el periódico catalán en el transcurso de los últimos años. La muestra consta de doce estampas firmadas en formato digital y una reproducción en lona de gran formato.

La fuerza expresiva de estos trabajos aconsejan una aproximación desligada del formato para las que fueron creadas y re-visitarlas desde un nuevo punto de vista. Si no supiésemos que estas ilustraciones han sido producidas desde el fragor diario de la actualidad podríamos pensar que se trata de pequeñas obras de arte. Cada dibujo se presenta junto con una reproducción de la página de El Periódico correspondiendo al día en que se publicó y el texto que ilustra. Las ilustraciones acompañan textos de destacadas personalidades de la actualidad política, cultural y económica de nuestro país. (Ampliar información).

Inauguración Jueves 25 de Octubre a partir de las 19:00 h. Entrada libre.

 Leonard Beard (Coventry, Gran Bretaña, 1962), ha desarrollado su carrera artística en España donde vive y trabaja desde hace años. De formación autodidacta comenzó a exponer de forma individual a principios de los años ochenta. Desde 1985 ha expuesto en Barcelona de forma periódica en la Galería Arteunida (1987), en la prestigiosa Sala Parés (1991, 1994), en la Galería Trama (1995, 1996), y en la Galería Mª José Castellví (2002), así como en otras galerías españolas. Ha participado también en exposiciones colectivas en Estados Unidos, Italia, Grecia y Japón. Actualmente colabora realizando ilustraciones para diferentes medios de comunicación de ámbito nacional.

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This composition belongs to the electronic triptych composed by Baggiani between 1999 and 2006: his sound palette now includes the work of electronic musician Yosoda Nandana, which dips into Indian atmospheres, Algerian rai and contemporary electr... más

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 http://www.youtube.com/user/FrancoBaggiani - This composition belongs to the electronic triptych composed by Baggiani between 1999 and 2006: his sound palette now includes the work of electronic musician Yosoda Nandana, which dips into Indian atmospheres, Algerian rai and contemporary electro music. With this modern metropolitan tale put to music through his trumpet's distinctive sound, Baggiani is among the first in Europe to blaze a path in this direction.

 

Thank you very mucha for sharing 

CLAUDIO DE LORENA

Chamagne (Lorena), 1604/1605-Roma, 1682

Pintor francés del siglo XVII activo en Italia. Claude Gellée, conocido como Claudio de Lorena, nació, entre 1604 y 1605, en Chamagne, un pequeño pueblo situado en el entonces independiente ducado de Lorena. Siendo muy joven, se quedó huérfano, trasladándose entonces a Friburgo de Brisgovia con el mayor de sus hermanos.

 De allí se marchó, hacia 1613, a Roma, y poco después a Nápoles, donde estudió durante dos años con el pintor de paisajes Gottfried Wals. Claudio de Lorena regresó a Roma, completando allí su formación en el taller de Agostino Tassi. A partir de 1620 viajó y permaneció temporadas en las ciudades de Nápoles, Nancy y Venecia, pero en 1627 está nuevamente documentado en Roma, donde residió hasta su muerte 

Durante. la década de 1630, comenzó a alcanzar gran notoriedad como pintor de paisajes, recibiendo hacia 1638 ya un buen número de encargos de grandes mecenas, como el papa Urbano VIII, el rey Felipe IV de España, el cardenal Bentivoglio y otras personalidades eclesiásticas y de la aristocracia romana. Fue un pintor afamado y muy imitado en vida, por lo que él mismo creó, para documentar y registrar sus composiciones, un corpus de su obra, al que llamó Liber Veritatis (Londres, British Museum), y en el que reprodujo doscientas de sus pinturas, anotando el nombre del propietario y la fecha de venta 

En. su obra, además de las enseñanzas de su maestro Agostino Tassi, se aprecian influencias de los pintores flamencos y holandeses. Claudio de Lorena, que junto a Poussin ocupa un lugar destacado en la pintura francesa barroca, fue el creador de un tipo de paisaje en el que logró captar la variedad y la belleza de la naturaleza. Sus vistas, inspiradas en la campiña romana, que a menudo incluyen escenas pastorales, son representaciones idealizadas de la naturaleza en las que prima el orden y la belleza, y donde se concentró en la captación de los fenómenos atmosféricos y los distintos efectos de la luz según el momento del día. La influencia de su obra se extiende hasta el siglo XIX, siendo fundamental para la generación de pintores de Turner a Monet 

 Museo Thyssen-Bornemisza

Elecciones en Galicia

El presidente de la Xunta y candidato a la reelección, Alberto Nuñez Feijóo, practica deporte en la jornada de reflexión EFE / Lavandeira jr 

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Por fin se ha acabado todo el lío de las elecciones y una vez más NO NOS COMPRENDERAN.  ¿Como es posible que vuelva a Ganar el PP con todo lo que está ocurriendo?  Yo diría que por simple sentido común, por falta de POSITIVISMO de la oposición. Que estamos mal, lo sabemos pero no me estén diciendo todo el día que nos "están matando". Buscamos soluciones, no broncas.

Los políticos tienen que darse cuenta que los ciudadanos ya somos mayores de edad y poco a poco vamos adquiriendo una cultura democrática y esto produce un desapego hacia los partidos.  ¿Que nos queda? Quedarnos en casa,  votar opciones revolucionarias para demostrar nuestra protesta o fiarnos del candidato aparentemente más cercano. 

Ahora yo solo le deseo al reelegido Presidente MUCHA SUERTE-que defenda a súa terra por enriba de todo-  será por el bien de todos



 

Luca Carlevarijs

Luca Carlevarijs (Udine, 1663 - Venecia, 1730). Pintor vedutista del siglo XVIII, considerado precursor de Canaletto, Francesco Guardi, etc.
Oriundo de la región de Friuli, hijo de una familia de pintores, desde la muerte de su padre en 1679 vive en Venecia a cargo de su hermana.
Su trabajo como vedutista se inicia en 1703 con las Fábricas y Vistas de Venecia, un conjunto de grabados al aguafuerte donde da muestras de una mentalidad científica en la que priman la perspectiva y el equilibrio. Esta serie constituye el testimonio más completo del urbanismo veneciano; existen abundantes hojas de ella en el Museo Británico de Londres.

En sus cuadros posteriores se observa la resonancia del método micrográfico de Gaspar van Wittel (Gaspare Vanvitelli), cuyas obras hubo de conocer durante un viaje a Roma. Se trata de vistas sin excesiva rigurosidad topográfica y que muestran huellas de su sensibilidad poética.
Es un pintor también conocido por sus caprichos, paisajes imaginarios en que coexisten elementos antiguos, modernos e incluso edificaciones reales. Los últimos años de su vida estuvieron eclipsados por el surgimiento de las luminosas vistas de Canaletto.

Portugal toma nuevas medidas de ajuste que bajan los salarios

El Gobierno luso del conservador Passos Coelho aumenta del 11% al 18% la contribución de los trabajadores a la Seguridad Social y baja la de las empresas

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Non Rien de Rien,Non je ne regrette Rien Hommage du Bresil a Edith Piaf Chanter par Maryzelia Non je ne Regrette Rien de jeff costello Non je ne Regrette Rien Tribute to EDITH PIAF From Brazil with MARYZELIA Music CHARLES DUMONT Contact: 50ansedithpiaf@gmail.com

José de Ribera El Españoleto

 





José de Ribera y Cucó (Játiva, España, 12 de enero de 1591 – Nápoles, Italia, 2 de septiembre de 1652); pintor y grabador español del siglo XVII, que desarrolló toda su carrera en Italia y principalmente en Nápoles. Fue también conocido con su nombre italianizado Giuseppe Ribera y con el apodo Lo Spagnoletto («el españolito») debido a su baja estatura y a que reivindicaba sus orígenes firmando sus obras como «Jusepe de Ribera, español» (como en su Apolo y Marsias) o «setabense» (de Játiva) o en varias obras indicando ambas cosas a la vez, siendo común que firmara como «Jusepe Ribera, español, setabense, Partenope» .
Cultivó un estilo naturalista que evolucionó del tenebrismo de Caravaggio hacia una estética más colorista y luminosa, influida por Van Dyck y otros maestros. Contribuyó a forjar la gran escuela napolitana (Giovanni Lanfranco, Massimo Stanzione, Luca Giordano...), que le reconoció como su maestro indiscutible; y sus obras, enviadas a España desde fecha muy temprana, influyeron en técnica y modelos iconográficos a los pintores locales, entre ellos Velázquez y Murillo. Sus grabados circularon por media Europa y consta que hasta Rembrandt los conocía. Autor prolífico y de éxito comercial, su fama reverdeció durante la eclosión del realismo en el siglo XIX; fue un referente imprescindible para realistas como Léon Bonnat. Algunas de sus obras fueron copiadas por pintores de varios siglos: Fragonard, Manet, Henri Matisse...
 

Ribera es un pintor destacado de la escuela española, si bien su obra se hizo íntegramente en Italia y de hecho, no se conocen ejemplos seguros de sus inicios en España. Etiquetado por largo tiempo como un creador truculento y sombrío, mayormente por algunas de sus pinturas de martirios, este prejuicio se ha diluído en las últimas décadas gracias a múltiples exposiciones e investigaciones, que lo reivindican como creador versátil y hábil colorista. Hallazgos recientes han ayudado a reconstruir su primera producción en Italia, etapa a la que el Museo del Prado dedica una exposición en 2011.
 
 José de Ribera y Cucó nació en Játiva en 1591, hijo de Simón de Ribera, zapatero de profesión, y de Margarita Cucó. Tuvo un hermano llamado Juan que también hubo de dedicarse a la pintura, aunque muy poco se sabe de él.
 Se cree que José de Ribera inició su aprendizaje con Francisco Ribalta, que tenía un taller muy frecuentado; pero al no conocerse obras de esta etapa, tal deducción es difícil de comprobar.
Ribera decidió marchar a Italia, donde seguiría las huellas de Caravaggio. Siendo aún adolescente inició su viaje, primero al norte, a Cremona, Milán y a Parma, para ir luego a Roma, donde el artista conoció tanto la pintura clasicista de Reni y Ludovico Carracci como el áspero tenebrismo que desarrollaban los caravagistas holandeses residentes en la ciudad. La reciente identificación de varias de sus obras juveniles demuestra que Ribera fue uno de los primerísimos seguidores de Caravaggio; incluso se ha conjeturado que pudo conocerle personalmente ya que su traslado de Valencia a Italia hubo de ser anterior a lo que los expertos creían.
 

Finalmente, Ribera decidió instalarse en Nápoles, acaso al intuir que captaría una mayor clientela; la región era un virreinato español y vivía una etapa de opulencia comercial que fomentaba el mecenazgo artístico. La Iglesia católica y coleccionistas privados (varios de ellos españoles como él) serían sus principales clientes.
En el verano de 1616 desembarcó Ribera en la famosa metrópoli a la sombra del Vesubio. Pronto se asentó en la casa del anciano pintor Giovanni Bernardino Azzolini, pintor que entonces no era muy conocido, al cual se atribuye una obra en la iglesia de Sant'Antonio al Seggio en Aversa: La coronación de la Virgen entre los santos Andrés y Pedro. Sólo tres meses después se casó Ribera con la hija de Azzolini, de dieciséis años de edad.
Había acabado su viaje, pero comenzaba el apogeo de su arte. En pocos años, José de Ribera, al que llamaron lo Spagnoletto, adquirió fama europea, gracias en gran parte a sus grabados; se sabe que incluso Rembrandt los tenía.
 

El uso del tenebrismo de Caravaggio fue su punto fuerte, si bien en su madurez evolucionaría hacia un estilo más ecléctico y luminoso. Inició una intensa producción que lo mantuvo alejado de su España, a donde nunca regresó, pero se sintió unido a su país gracias a que Nápoles era un virreinato español y punto de encuentro entre dos culturas figurativas, la ibérica y la italiana. Se cuenta que cuando preguntaron a Ribera por qué no regresaba a su país, él contestó: «En Nápoles me siento bien apreciado y pagado, por lo que sigo el adagio tan conocido: quien está bien, que no cambie». Y explicó: «Mi gran deseo es volver a España, pero hombres sabios me han dicho que allí se pierde el respeto a los artistas cuando están presentes, pues España es madre amantísima para los forasteros y madrastra cruel para sus hijos».
 

El apoyo de los virreyes y de otros altos cargos de origen español explica que sus obras llegasen en abundancia a Madrid; actualmente el Museo del Prado posee más de cuarenta cuadros suyos. Ya en vida era famoso en su tierra natal y prueba de ello es que Velázquez le visitó en Nápoles en 1630.
La fusión de influencias italianas y españolas dio lugar a obras como el Sileno ebrio (1626, hoy en Capodimonte) y El martirio de san Andrés (1628, en el Museo de Bellas Artes de Budapest). Comenzó entonces la rivalidad entre Ribera y el otro gran protagonista del siglo XVII napolitano, Massimo Stanzione.

 
En siglos posteriores, la apreciación del arte de Ribera se vio condicionada por una leyenda negra que le presentaba como un pintor fúnebre y desagradable, que pintaba obsesivamente temas de martirios con un verismo truculento. Un escritor afirmó que «Ribera empapaba el pincel en la sangre de los santos». Esta idea equivocada se impuso en los siglos XVIII y XIX, en parte por escritores extranjeros que no conocieron toda su producción. En realidad, Ribera evolucionó del tenebrismo inicial a un estilo más luminoso y colorista, con influencias del renacimiento veneciano y de la escultura antigua, y supo plasmar con igual acierto lo bello y lo terrible.

 
Su gama de colores se aclaró en la década de 1630, por influencia de Van Dyck, Guido Reni y otros pintores, y a pesar de serios problemas de salud en la década siguiente, continuó produciendo obras importantes hasta su muerte.
José de Ribera está sepultado en la iglesia de Santa María del Parto en el barrio Mergellina de Nápoles.
Los primeros años de Ribera han permanecido sumidos en interrogantes por la carencia de documentación sobre él y por la aparente desaparición de todas sus obras de esa época. Pero en la última década, varios expertos han conseguido identificar como suyas más de treinta pinturas sin firmar, que ayudan a reconstruir su juventud inmersa en el tenebrismo de Caravaggio, del que hubo de ser uno de sus primeros difusores (Véase La negación de San Pedro).

 
La obra firmada más antigua que se le conoce es un San Jerónimo actualmente conservado en Toronto, Canadá (National Gallery of Ontario); en la firma Ribera se proclama «académico romano». Pero a pesar de la inscripción, tal pintura fue discutida por los expertos hasta fecha reciente, pues difería bastante del estilo conocido del maestro.
Las primeras obras juveniles de Ribera que fueron aceptadas como autógrafas, son cuatro óleos de una serie de Los cinco sentidos (h. 1615), que ahora se hallan dispersos en cuatro colecciones diferentes: Museo Franz Mayer (México, D. F.), Museo Norton Simon (Pasadena), Wadsworth Atheneum (Hartford, EE.UU.) y colección Juan Abelló (Madrid). Una gran pintura, La resurrección de Lázaro (h. 1616), fue adquirida por el Museo del Prado en 2001, cuando su autoría era aún discutida. Hay que mencionar además un Martirio de san Lorenzo recientemente autentificado en la Basílica del Pilar de Zaragoza y un raro ejemplo de desnudo femenino, Susana y los viejos (Madrid, propiedad privada). La Galería Borghese de Roma posee El juicio de Salomón, obra que se atribuía a un artista anónimo y que al asignarse a Ribera, ha permitido indirectamente reatribuirle varias obras más. Se perdió un relevante cuadro de San Martín compartiendo su capa con el pobre, pintado en Parma, si bien subsiste una copia de él.
 

En 1620 a 1626 apenas se fechan obras pictóricas, pero a este período corresponden la mayoría de sus grabados, técnica que cultivó con maestría.
En esta época ya muestra su gusto por los modelos de la vida cotidiana, de ruda presencia, que plasma con pinceladas prietas y delimitadoras de modo semejante a lo que hacen caravagístas nórdicos, los cuales ejercen gran influencia en sus obras por su contacto en Roma. A partir de 1626, se poseen abundantes obras fechadas que dan testimonio de su maestría. Su pasta pictórica se hace más densa, modelada con el pincel y subrayada por la luz con una casi obsesiva búsqueda de la verdad material, táctil, de la realidad y su relieve.
 

Los años de la década de 1620 a 1630 son aquellos en que, sin duda, Ribera dedicó más tiempo y atención al grabado, dejando algunas estampas de belleza y calidad excepcionales: San Jerónimo leyendo (1624), El poeta y Sileno ebrio (que repite su cuadro del Museo de Capodimonte de Nápoles). Se le atribuyen en total 18 planchas, todas menos una anteriores a 1630, y se cuenta que las grabó sólo con fines promocionales, para difundir su arte y captar encargos de pinturas. Al alcanzar el éxito, Ribera dejaría de grabar. Salvo alguna excepción, estos grabados repiten composiciones previamente pintadas.
 

Entre los años 1626 y 1632 realizó sus obras más rotundas que muestran su fase más tenebrista son aquellas composiciones severas de grandes diagonales luminosas que llenan la superficie, subrayando siempre la solemne monumentalidad del conjunto con elementos de poderosa horizontalidad, como gruesas lápidas de piedra o enormes troncos. Destaca la serie de "San Pedros" que pintó a lo largo de esos años.
 

En 1629 el duque de Alcalá es el nuevo virrey, y va a ser el nuevo mecenas del pintor; a éste le encarga obras como La mujer barbuda (1631) o una serie de Filósofos, en los que deja testimonio de su naturalismo más radical: modelos de una vulgaridad casi hiriente, traducidos con una alucinante verdad intensísima.
La década de 1630 es la más importante de Ribera, tanto por el apogeo de su arte como por su éxito comercial. El pintor aclara su paleta bajo influencia de Van Dyck y la pintura veneciana del siglo anterior, sin rebajar la calidad de dibujo y la fidelidad naturalista. Una gran Inmaculada, pintada para el Convento de las Agustinas de Salamanca, es considerada una de las versiones más importantes de tal tema dentro de la pintura europea, y se cree que Murillo la tuvo en cuenta para sus populares versiones posteriores.

 
Sus temas pictóricos son mayormente religiosos; el artista plasma de una forma muy explícita e intensamente emocional escenas de martirios como el Martirio de San Bartolomé (1644, MNAC) o el Martirio de San Felipe (1639; Museo del Prado), así como representaciones individuales de medias figuras o de cuerpo entero de los apóstoles (Apostolados), especialmente los de San Pedro.
Sin embargo, realizó también obras de carácter profano: figuras de filósofos (Arquímedes, 1630, Museo del Prado), temas mitológicos como el Sileno del Museo de Capodimonte de Nápoles de 1626 (es su primer cuadro firmado y fechado), representaciones alegóricas de los sentidos (Alegoría del tacto de 1632, Museo del Prado, conocido como El escultor ciego), unos pocos cuadros de paisaje (dos se han identificado en el Palacio de Monterrey de Salamanca) y algunos retratos como La mujer barbuda (Magdalena Ventura con su marido) (1631, Fundación Casa Ducal de Medinaceli, Hospital Tavera, Toledo).
 

La década de los 40, con las interrupciones debidas a su enfermedad, acaso una trombosis (a pesar de la cual no rompió la actividad del taller), supuso una serie de obras de un cierto clasicismo en la composición, sin renunciar a las energía de ciertos rostros individuales. En su última obra también experimenta de nuevo un cambio estilístico que le devuelve en cierta medida a las composiciones tenebristas de su primera etapa; las causas pudieron ser sus desgraciadas circunstancias personales. Siguió siendo un artista de éxito comercial y prestigio, y fue maestro de Luca Giordano en su taller napolitano, influyendo en su estilo.
La crisis económica que sucedió a la revuelta de Masaniello en Nápoles (1647) afectó a la producción pictórica de Ribera, quien además se vería envuelto en un escándalo.



Para sofocar la revuelta, habían acudido a Nápoles las tropas españolas bajo el mando de don Juan José de Austria, hijo natural de Felipe IV de España. Ribera pintó un retrato de don Juan José a caballo (Palacio Real de Madrid), que luego repitió en grabado; fue el último que produjo.
 

Luego vino el escándalo: según cuenta la tradición, una de las hijas de Ribera, Margarita, fue seducida por don Juan José, una relación ilícita tratándose de una pareja no casada. Hoy se cree que la joven en cuestión no era hija de Ribera sino una sobrina, pero el caso es que tras la revuelta y las peripecias familiares, Ribera enfermo reduce considerablemente su trabajo.
Su taller ve reducido el número de oficiales, huidos de Nápoles por temor a las represalias, y, sin embargo, todavía firma alguna de sus obras maestras el mismo año de su muerte y da fin a ciclos largamente meditados.
Son ejemplos de este momento La Inmaculada Concepción (1650, Museo del Prado), San Jerónimo penitente (1652, Museo del Prado) y una gran Sagrada Familia (Metropolitan Museum, Nueva York) cuya ternura y riqueza de color sintonizan con Guido Reni.

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