Jenaro Carrero Fernández

Noya (La Coruña), 27.III.1874 – Santiago de Compostela (La Coruña), 30.VII.1902. Pintor.

Jenaro Carrero conforma, con Ovidio Murguía, Joaquín Vaamonde y Parada Justel, la llamada “gene­ración doliente” de la pintura gallega.

 

 En realidad, di­cha generación no es otra que la del 98, pero reducida a los artistas que, a causa de la tuberculosis, murieron en el entorno del cambio de siglo, pasando a la histo­ria del arte gallego, desde la visión neorromántica de los regionalistas como el pintor Felipe Bello Piñeiro, autor de la denominación, como la gran oportunidad perdida para la creación de una escuela regional, que sí llevaron a cabo los supervivientes noventayochistas como Sotomayor y Llorens. Sin duda, la pintura de Carrero es la que manifiesta una mayor modernidad entre la de todos los “dolientes” al haber asumido, ya en los años finales, las novedades entonces introduci­das en la pintura española por Joaquín Sorolla.

 Carrero inició su formación en su villa natal con Ramón Lira de Castro, un personaje culto y contro­vertido en la Noia del momento, que lo dotó de las enseñanzas académicas al uso. En 1889 su familia se traslada a Santiago de Compostela y el pintor se ma­tricula en la Real Sociedad de Amigos del País (1890-1894), logrando el último año la Medalla de Oro; aquí es condiscípulo de Ovidio Murguía, con el que mantendrá una amistad no exenta de rivalidad, y, so­bre todo, discípulo de José María Fenollera (1851-1918), un artista muy sólido, formado en la Acade­mia de San Carlos de Valencia, Roma y Madrid, que lo pondrá al día en las corrientes artísticas vigentes en España.

  Terminados sus estudios en Santiago, pretende continuarlos en Madrid, pero la situación económica familiar no se lo permite. Concurre a la Exposición Nacional de 1895 con una obra costum­brista, Los Cantores de la Catedral, con la que obtiene una mención honorífica.

 

 Este pequeño éxito lo lleva a intentar la aventura madrileña y se traslada a la ca­pital, donde concurre a la siguiente Exposición Na­cional, ya con una obra de contenido social, Caridad, con la que vuelve a conseguir otra Mención Honorí­fica. Esta obra la cede a la Diputación de La Coruña, que, en señal de gratitud, le otorga una beca, permi­tiéndole proseguir con sus estudios madrileños: es en­tonces cuando Carrero se matricula en San Fernando, entra en el taller de Sorolla, donde coincide con Fran­cisco Llorens, y asiste al taller de Manuel Domínguez Sánchez, profesor auxiliar de la Academia, famoso por su honradez técnica; en ese taller, además, conoce a Sotomayor.

 

En 1898 contrae matrimonio. Las dificultades eco­nómicas se incrementan porque la beca de la Dipu­tación coruñesa resulta claramente insuficiente para su nuevo estado, pero, en ese momento, obtiene la protección de Montero Ríos, a la sazón presidente del Senado y mecenas de varios artistas gallegos. Carrero es nombrado interinamente restaurador de la sección de Pintura del Museo del Prado, plaza que ocupará hasta finales de marzo de 1900, en que es suprimida por falta de presupuesto. Este cargo le permitirá no sólo una desahogada situación económica, sino tam­bién estar en una posición privilegiada para estudiar la obra de los grandes maestros españoles.

En la Exposición Nacional de 1899 obtiene la Se­gunda Medalla con un tema nuevamente de rea­lismo social,Víctima del Trabajo, lo cual propiciará que goce de cierta popularidad y que reciba nume­rosos encargos de la importante colonia gallega en la capital. Es entonces, además, cuando su pintura se transforma en la estela del luminismo sorollesco. Sin embargo, también en ese momento, enferma de tu­berculosis, para la que buscará curación en la sierra de Segovia y, todavía con la esperanza de curarse, retor­nará a Santiago en la primavera de 1902, donde mo­rirá unos meses después.

 Real Academia de la Historia

Nicolas Lancret

Nicolas Lancret -1690- 1743-comenzó su aprendizaje en el arte del grabado. Poco después pasó a formarse con el modesto pintor de historia Pierre Dulin y, en 1708 está registrado como estudiante en la Academie Royale de Peinture et Sculpture, en París. Se desconoce, sin embargo, la fecha de su entrada en el taller de Claude Gillot, quien también fue el maestro de Watteau. 

Es en esta etapa de su carrera cuando Lancret cambió la pintura de historia por la representación de fiestas galantes. Aunque nunca estudió directamente con él, Watteau fue siempre su modelo a seguir, especialmente durante sus inicios. En 1719 fue admitido por la Académie Royale en la categoría creada unos años antes precisamente para Watteau. 

Poco a poco el estilo de Lancret fue adquiriendo independencia, especialmente en el campo del color, donde sus tonos se volvieron más vivos, convirtiendo llamativas combinaciones de amarillos pastel e intensos rojos amapola en su sello personal. Lancret, además, exploró nuevos temas, como los ciclos alegóricos o los retratos representados como escenas de género. Su obra fue una referencia importante para artistas como François Boucher, William Hogarth y Thomas Gainsborough. 

En la década de 1720, tras la muerte de Gillot y Watteau, Lancret se convirtió en el pintor del género más importante de Francia. Fue un pintor muy productivo, su corpus se estima en torno a unas setecientas obras. Su patrono más importante fue, sin duda, el rey Luis XV, quien le encargó a lo largo de su carrera un buen número de cuadros para sus residencias. 

Otro gran admirador de su trabajo fue Federico el Grande, quien poseía en su colección al menos veintiséis piezas de la mano del artista. Sus pinturas fueron ampliamente difundidas gracias a las reproducciones que se hicieron de ellas, y que gozaron de gran éxito comercial. Lancret fue también coleccionista, recopilando a lo largo de su vida una interesante colección de dibujos y grabados de pintores antiguos y contemporáneos.

Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

Francesco Furini

(Florencia, 1603-1646). Pintor italiano. Perteneciente a una familia de artistas ligada a la corte ducal medicea, comenzó su formación con su padre Filippo, conocido como Pippo Sciamerone. Más tarde pasó por los talleres artísticos más importantes de la Florencia de su época, los de Cristofano Allori, Passignano y Bilivert. En 1619 se encontraba ya en Roma, según sus más cercanos biógrafos, confesando su intención de estudiar de cerca la Antigüedad y la obra de Rafael.

Allí se conoce su relación con Manfredi, artista muy ligado a los Médicis y que desarrolló una variedad del naturalismo caravaggiesco que obtuvo gran éxito. En la ciudad pontificia permaneció tres años, para retornar seguidamente a Florencia, trabajando al lado de Roselli en la ornamentación del Casino mediceo. 

Mayor empeño hubo de exhibir bastantes años más tarde al realizar los frescos del Palacio Pitti, que no completó hasta 1642. Pero fueron sus inter­pretaciones bíblicas y mitológicas, siempre pobladas por hermosas mujeres desnudas, las que le granjea­ron el éxito en el selecto ambiente florentino. 

Con una aplicación delicadísima del sfumato, construido a base de ligeras veladuras azuladas, su pintura se convirtió en una vibrante exploración del ideal del desnudo femenino. 

Con un colorido plagado de ecos venecianos, supo dar vida a unas figuras de extrema sensualidad y morbidez, elegantes y con un diseño -que adquiere especial importancia en Furini- directamente vinculado al manierismo en sus formas alargadas. La sensualidad explícita de sus obras no le impidieron hacerse sacerdote y convertirse en prior de San Ansano de Mugello en 1633.

Su única obra en el Prado, Lot embriagado por sus hijas, es uno de sus trabajos más valorados. Según Baldinucci fue pintada para el duque Fernando II -seguramente hacia 1634-, quien a su vez la regaló a Felipe IV en 1649 con motivo de su matrimonio con Mariana de Austria.

El mayordomo de la reina, el duque de Nájera, ya señaló entonces su sensualidad, lo que, junto a su temática, la convertía en un regalo nupcial con una doble intención. En 1701 se documentaba en el palacio del Buen Retiro, y en 1792 fue enviada a la Academia de San Fernando junto a otros desnudos, llegando finalmente al Museo en 1827.

Museo del Prado

Ben Nicholson

Ben Nicholson , (nacido el 10 de abril de 1894 en Denham, Buckinghamshire , Inglaterra, murió el 6 de febrero de 1982 en Londres), artista inglés cuyas pinturas geométricas y relieves se encuentran entre las obras abstractas más influyentes del arte británico.

Hijo del pintor Sir William Nicholson , asistió brevemente a la Escuela de Bellas Artes de Slade en  Londres en 1910-11, pero fue en gran parte autodidacta. Viajó extensamente por Europa entre 1911 y 1914, y en 1917 visitó California, manteniendo un registro detallado en bocetos de arquitectura y paisaje. Alrededor de 1920 comenzó a pintar en serio, creando bodegones y paisajes en un estilo realista.

Durante un viaje a París en 1921, vio obras cubistas, lo que influyó en sus primeros bodegones
 semiabstractos; en 1924 ejecutó su primera pintura completamente abstracta. Durante la década de 1920, junto con los escultores Barbara Hepworth (que se convirtió en su segunda esposa) y Henry Moore , Nicholson fue instrumental en la introducción del Modernismo Continental en el arte inglés. 

En 1933 el y Hepworth se unieron al grupo, con sede en París,  Abstraction-Création, una asociación de artistas que abogó por el arte puramente abstracto . También conoció al pintor holandés Piet Mondrian , bajo cuya influencia  Nicholson tomó una geometría muy simplificada; típico de este período son sus bajorrelieves de círculos y rectángulos encalados, como White Relief (1937-38). Fue coeditor del artista Naum Gabo y el arquitecto Sir Leslie Martin de Circle , un manifiesto publicado en 1937 para promover  el Constructivismo y otros estilos de arte moderno en Inglaterra .

En la década de 1940, Nicholson regresó a los temas del paisaje y a los bodegones , a menudo pintando representaciones en gran parte abstractas.  

Jean-Honoré Fragonard

Jean-Honoré Fragonard nació en Grasse y en 1738 se trasladó a París, donde, por consejo de François Boucher, comenzó su aprendizaje con Chardin. Al poco tiempo Fragonard entró en el estudio de Boucher y, en 1752, a pesar de que no era alumno de la Academia, se le permitió concursar en el Prix de Roma, que ganó con la obra Jerobán ofreciendo sacrificios a los ídolos, en París, en la École Nationale Superieure des Beaux-Arts.

 En 1753 ingresó en la École Royale des Elèves Protéges, donde permaneció hasta 1756, año en el que viaja a Roma. Durante su estancia en Italia conoció al pintor Hubert Robert, y al abate Saint-Non, con quienes visitó Nápoles, Bolonia, Venecia y Génova, itinerario que Fragonard documentó realizando numerosos dibujos, muchos de los cuales se conservan en Londres en el British Museum. 
A partir de 1761 se encuentra de nuevo en París, donde durante los años siguientes trabajó realizando encargos para coleccionistas y marchantes. En 1765 Fragonard entró en la Academie Royale, para cuyo ingreso pintó Coreso y Calírroe, del Musée du Louvre. Además de cuadros de caballete, el artista también ejecutó para los palacios de la alta sociedad francesa decoraciones, de las cuales sólo ha llegado intacta hasta nuestros días Los progresos del amor, ejecutada, por encargo de la condesa du Barry, para el pabellón del castillo de Louveciennes, hoy conservada en la Frick Collection de Nueva York. 
 
En general Fragonard prefirió las pinturas galantes que los clientes privados demandaban, como el famoso Columpio, de The Wallace Collection de Londres, realizada para el barón de Saint-Julien; por este motivo apenas tuvo presencia en las exposiciones del Salon durante los años siguientes. Con la llegada de la Revolución en 1789 Fragonard abandonó París. A su regreso, en 1792, el artista se encontró sin protectores ni clientela. Murió en París, en 1806.
   
Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

Paul Delvaux

Antheit, 1897-Furnes, 1994

Paul Delvaux fue uno de los principales representantes del surrealismo en Bélgica. Procedente de una familia de abogados, tuvo que convencer a su padre para que le permitiese acceder a la Académie Royale des Beaux-Arts de Bruselas. Allí, y tras un breve periodo dedicado a la arquitectura, se decidió a estudiar pintura decorativa, graduándose en 1924.

 En sus primeras obras estuvo presente la influencia de expresionistas flamencos, como Constant Permeke y Gustave de Smet, que constituían la vanguardia belga del momento. El contacto con el expresionismo haría que desde entonces en Delvaux primase un interés por la representación del ser humano, en su caso centrado especialmente en la figura de la mujer, algo que se mantendría como una constante a lo largo de su obra. 

Cuando, a mediados de la década de 1930, Delvaux descubrió el surrealismo a través de la obra de René Magritte y la pintura metafísica de Giorgio de Chirico, sintió la «libertad de transgredir la lógica racionalista» a la que hasta entonces se había sentido ligado. A pesar de no haber sido un miembro ortodoxo del grupo, participó en la Exposition Internationale du Surréalisme organizada por André Breton y Paul Éluard en París en 1938 y en las muestras que siguieron en Amsterdam y México.
La obra de Delvaux destaca por su unidad estilística. El realismo verista de sus obras nos remonta a un mundo onírico, con seres tan aislados y ensimismados, que parecen sonámbulos. Son figuras cuyos ojos no comunican nada, que parecen mirarse a sí mismas y que se sitúan generalmente en escenarios nocturnos. Tanto su obra pictórica tardía, como los grabados que realizó al final de su vida, continuaron en la misma línea con la que había comenzado su trabajo en los años treinta. Tras numerosas exposiciones y reconocimientos en su país natal y en el extranjero, en 1982 se abrió al público el Musée Paul Delvaux en Saint-Idesbald.

Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

MOURO

El molino de agua, o molino hidráulico, está situado cerca de un regato o de un río, ya que el agua es indispensable para mover los engranajes que hacen girar  la piedra.


En uno de estos molinos nací yo. Recuerdo con añoranza aquellos tiempos en la aldea. La verdad absoluta de las cosas... El sol, la lluvia, la luna, las estrellas y que la noche seguía al día.


Viviamos rodeados de prados, frutales y harina de todo tipo. La gente de la aldea traía su grano de maiz, centeno, cebada, lo echaban en la tolva y esperaban a que saliera la harina.

No nos faltaba comida ni cariño ¡ y cuantas cosas aprendía! A veces iba con mi abuelo de excursión, nos tumbabamos en un prado, al lado del río.Llevabamos nueces y manzanas. Recuerdo con placer la sensación del sol en la cara mientras roiamos la fruta. La suave brisa  mecía la hierba y  yo sentía mucha paz al ver como se movía acompasadamente la barriga del abuelo. De repente me decía: "Vamonos que son las doce y la abuela espera para 
comer". Yo me sorprendía ¿Como sabes la hora abuelo?- preguntaba. Me señalaba el cielo: Mira, el sol está en lo alto- decía. Nunca se equivocaba.


En las noches claras de agosto me llevaba a ver las estrellas. Me enseñó a conocer la Vía Láctea, Venus, las constelaciones. Me mostró Aldebarán la más brillante de Tauro...y cuando había "lluvia de estrellas"...el ESPECTACULO MAS ALUCINANTE DEL MUNDO.

En invierno, cuando hacía mucho frío nos metíamos entre la leña y nos transportaban a la cocina de la tía Joaquina. ¡Que bien se estaba alli! La lareira estaba encendida todo el invierno y el unico peligro que teniamos era el gato. 


Félix, era un gato negro, gordo, panzudo. Solo se preocupaba de buscar el sitio más caliente cerca del fuego... a veces saltaba, dando maullidos, abrasado por tumbarse sobre los tizones incandescentes. Todos nos reíamos asomando los bigotes entre los leños...


Los días de invierno transcurrían tranquilos, más cuando llovía. Por las tardes la tía Joaquina y su hermana hilaban, o desgranaban el maíz para los animales. Mis hermanos y yo, observabamos desde nuestro escondrijo como poco a poco la conversación entre las hermanas iba bajando de tono hasta que se quedaban dormidas con una gota en la punta de la nariz...


Pero a nosotros lo que más nos gustaba era cuando hacían pan......ummmm que rico. Amasaban harina de maiz y centeno y despues dejaban reposar la masa durante horas...Despues venía la operación más complicada para nosotros porque cogian mucha leña para calentar el horno. Nos refugiabamos en el fondo de la leñera hasta que el peligro pasaba. Cuando el horno de piedra estaba caliente sacaban las brasas, metían el pan, tapaban con una puerta de piedra tambien y sellaban con bosta de vaca... y a esperar horas y horas

No había luz electrica, ni agua, ni radio, nada de nada y ¿como se enteraban de todo en la aldea? En el molino nos enterabamos de todo lo que pasaba en la ciudad. De quien se había casado o enviudado, de lo mal que comían los del pueblo, de que solo vivían para presumir...

Un día, no había nadie en el molino, subí a una madera y di un salto y de repente me vi metido en un saco de harina. Intenté saltar pero no pude así que me mantuve muy quieto esperando.
Al poco tiempo vi como ataban el saco, noté un traqueteo amortiguado por la harina y cuando pude hacer un boquete en el saco me encontré en un sitio muy extraño. No había sol, ni prados. No estaba mi familia, era un lugar oscuro. Un montón de ojos me observaban con curiosidad.

Lloré durante días ¿Donde estaba?


Al tercer día se acercó a mi una ratoncita, preciosa y me dio un beso, me cogió de la mano y me llevó por un pasadizo.

- Mira, estas en una confitería, no llores, aqui hay de todo... Delante de mi habia un montón de cajas y botes que yo no conocía. Esto es azúcar, aquello cabello de angel, guindas, peras en los botes. Puedes comer de todo. Me sentí reconfortado, no solo por tener una amiga sino tambien porque cuando iba delante de mi observe que tenía un culo muy bonito ¿Que me estaba pasando? Debería estar llorando por la pérdida de la familia y ¿estaba pensando en culos?

Empecé a asistir a las asambleas. Todas las semanas se celebraba una. Los jóvenes ibamos como oyentes, solo los mayores tenían poder de decisión.

El primer día me enteré que solo había un enemigo. Uno muy poderoso al que habia que combatir con inteligencia ZELTIA.

-¿Es un gato? Pregunté a mi amiguita

-No, es mucho peor que un gato, es una fabrica de raticidas- contestó Kía, que así se llamaba mi guapa ratita.



Hay un nuevo alimento debajo de la amasadora- estaba diciendo Duch, un ratón adulto. Tiene una pinta inmejorable y un olor delicioso. Ummmmmmm Un murmullo de placer se extendió por la sala.

-Bien, dijo Chio- un ratón con pinta de jefe, pues le toca probar al abuelo Tom

Así fue como me enteré que los ratones de ciudad tenían un enemigo ZELTIA. Los abuelos probaban los nuevos alimentos y toda la tribu esperaba. Si el abuelo se moría, aquella comida por muy deliciosa que pareciera era intocable.

La guerra era abierta, al descubierto, Zeltia fabricaba alimentos cada vez mas suculentos y con efectos más tardíos y las ratas forenses tenían que descubrir la causa-efecto de las muertes.

Yo me casé con Kía, tuvimos muchos hijos. Es verdad que no nos falta de nada, vivimos calentitos y con comida pero...¡cuanto echo de menos el molino de mi aldea!

Las verdades de la vida están en la naturaleza, no hay más cuestiones. Tiene una infancia feliz y el destino lo lleva a la ciudad. SE adapta a su nueva vida, se casa, tiene hijos y solo, le surge de vez en cuando la añoranza de como pudiera haber sido su vida si no se hubiese caido en aquel saco de harina...

Lawrence Alma-Tadema

 
Sir Lawrence Alma-Tadema
1836-1912 
Nació en Dronryp, Holanda el 8 de enero de 1836. Poco después de su nacimiento, la familia se mudó a la ciudad de Leeuwarden, donde en 1840 falleció el padre de Tadema.

  En 1852, Lourens comenzó a estudiar en la Academia de Amberes. En ese momento comenzó  su interés en el mundo antiguo y la arqueología, que se convirtió en la fuerza motriz en toda su carrera artística.

 En 1862  visitó Londres por primera vez, donde vio y quedó impresionado por los mármoles de Elgin, así como de piezas de la cultura egipcia antigua. En 1863 se casó con Pauline Gressin de Boisgirard, y pasaron su luna de miel en Italia, ese imán para la mayoría de los aspirantes a artistas de la época. En Italia  visitó varias veces, y estaba fascinado por las ruinas recién excavadas de Pompeya, y consiguió un registro fotográfico de estas visitas.

 Al regresar de Italia, la  pareja se mudó a París, donde Tadema conoció al célebre marchante de arte Gambert, quien rápidamente se dio cuenta del potencial de su joven amigo holandés. También en esta época, ayudado por las conexiones de Gambert, las pinturas de Lourens Tadema comenzaron a llamar la atención en Londres. Esto fue seguido por un viaje a Londres en 1870, probablemente motivado por la inestabilidad política en el continente, así como por el progreso de su carrera.

 En Londres, consiguió algunos   alumnos, y en 1871, ya viudo,  se casó con su alumna de diecisiete años Laura Epps, hija de un próspero médico que también era comerciante internacional. Alrededor de esta época, Lourens Tadema se convirtió en Lawrence Alma-Tadema, un cambio que movió astutamente su nombre en catálogos y exposiciones. También se convirtió en un súbdito británico naturalizado. El artista comenzó a tener éxito tanto comercial como crítico.

 Los Tademas también se hicieron muy conocidos en el circuito social, asociándose astutamente con la sociedad adinerada de la clase media alta.


En 1899, Tadema fue nombrado caballero en la Lista especial de Honores para celebrar el octogésimo cumpleaños de la Reina Victoria.
En 1902 Tadema fue nombrado miembro de la Orden del Mérito, el nuevo honor, regalo directo del soberano Eduardo VII. En 1905, la crítica reputación del artista había comenzado a declinar, y en 1909 Lady Alma-Tadema murió.Lawrence Alma-Tadema siguió pintando, pero su producción disminuyó, y murió en el Spa en la ciudad alemana de Weisbaden el 25 de junio de 1912. Dejó una considerable suma de dinero a la Real Academia.