jueves, 23 de agosto de 2018

PICASSO, ETAPA AZUL





 Carles Casagemas  se quitó la vida en el L'Hippodrome Café en París , Francia pegándose un tiro en la sien derecha en 17 de febrero 1901 - Picasso más tarde recordó, "Empecé a pintar en azul. cuando me enteré de la muerte de Casagemas" .

  Los dos amigos viajaron a París para visitar una exposición, donde Picasso exponía su cuadro Últimos momentos. Se instalaron 
  en el estudio que Isidre Nonell les prestó,  donde pocos días después se les unió Manuel Pallares, compañero de estudios de Picasso. Los tres pintores se hicieron amigos de tres modelos francesas que posaban habitualmente para los expatriados españoles: Laure Gargallo, conocida como Germaine, su 
 
hermana Antoinette Fornerod y una amiga de ambas, Louise Lenoir, llamada por sus amigos Odette. Se acoplaron Casagemas con Germaine, Pallares con Antoinette y Picasso con Odette.
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Casagemas se enamoró perdidamente de Germaine y le pidió matrimonio, pero Casagemas no era un buen partido: bebía como un cosaco, estaba enganchado a la morfina, tenía un serio problema de impotencia y para colmo de males, físicamente no era atractivo. Además Germaine mostraba predilección por Picasso.
La negativa de Germaine dejó a Casagemas devastado. En navidad, Picasso lo llevó  a Barcelona y luego a Málaga, con la esperanza de que su amigo olvidase a Germaine. El plan   no funcionó. 
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Como Germaine le repetía siempre que no quería saber nada de él, Casagemas invitó a sus amigos a una cena de despedida en el Hippodrome café. Estando allí reunidos, se puso de pie como para dar un discurso, sacó una pistola del bolsillo y se pegó un tiro en la sien derecha. 




 Picasso  estaba muy triste y melancólico, empezó a pintar en colores fríos,  y, en su mayor parte, azules. La muerte de su amigo dio lugar a la época azul. Los cuadros de esta época muestran la compasión de Picasso por las personas pobres y desvalidas. El color azul le pareció a Picasso adecuado para expresar sus sentimientos de pena y de dolor. Utilizó este color durante más de cuatro años, y de año en año sus cuadros se fueron haciendo más monocromos.
  
 En este cuadro, "El entierro de Casagemas" Picasso conmemora la muerte de su amigo. En la parte inferior aparecen varias mujeres de luto velando el cadáver, mientras que en la parte superior no encontramos ángeles, santos o figuras religiosas sino prostitutas, niños y mujeres. Una de las mujeres se despide de Casagemas, que aparece montado en un caballo blanco. Se ve la influencia de El Greco que Picasso había visto en Madrid y Toledo.



 Los personajes de la época azul son vagabundos, pobres, prostitutas, bohemios y otras víctimas de la sociedad que frecuentaban los bares en Montmartre o las calles de Barcelona.
Las figuras expresan abandono, soledad y melancolía.

martes, 21 de agosto de 2018

Paul Huet



Pintor, dibujante y grabador francés (1803 - 1869)

Huet estudió en el estudio del pintor Pierre-Narcisse Guérin, pero desarrolló la mayor parte de sus habilidades artísticas cuando era niño pintando en París en el Parc Saint-Cloud y el Ile Séguin. También fue enseñado por el pintor Antoine-Jean Gros  y asistió a la Ecole des Beaux-Arts.

Se hizo amigo del artista Richard Parkes Bonington en 1820. Pintaron juntos en Normandía con otros artistas paisajistas ingleses, incluido John Constable, quien se convirtió en una influencia clave para Huet. Hizo su debut en el Salón de París en 1827. Continuó exhibiendo allí hasta su muerte. Fue galardonado con una medalla de oro en la Exposición de Bellas Artes de Lille y más tarde lo nombraron Chevalier de la Legión de Honor en 1841. También expuso en la Exposición Universal de París en 1855.

Viajó extensamente por Francia la mayor parte de su vida, dibujando áreas rurales y la costa. También visitó Italia entre 1841 y 1843 y viajó a Londres, Bélgica y los Países Bajos a principios de la década de 1860. Trabajó principalmente en acuarela, lápiz y pastel, pero experimentó con diferentes técnicas y estilos para tratar de capturar el ambiente y la atmósfera de Europa.

miércoles, 18 de julio de 2018

Elisabeth Jerichau-Baumann



Young girl picking grapes, 1862File:Elisabeth Jerichau Baumann - Havfrue 1863.jpgAnna Maria Elisabeth Jerichau-Baumann (Danish, 1819-1881) The reading, 125 x 155 cm (49 1/8 x 61 in.)

 1819- 1881
Nació en Polonia de padres alemanes como Anna Maria Elisabeth Lisinska Baumann.

A la edad de diecinueve años, comenzó sus estudios en la Kunstakademie Düsseldorf y está asociada con la escuela de pintura de Düsseldorf. Comenzó a exhibir allí y en 1844 atrajo la atención del público por primera vez. Después de mudarse a Roma, sus pinturas eran principalmente de la vida local. Fue aquí donde conoció a su futuro esposo, el escultor Jens Adolf Jerichau,  con quien se casó en 1846.

La pareja se mudó a Copenhague en 1849, donde su esposo se convirtió en profesor en la Real Academia Danesa de Bellas Artes. Elisabeth no fue bien recibida por el mundo del arte danés. Pintó retratos de daneses importantes e hizo varios de la Reina Luisa de Dinamarca. En 1858 fue galardonada con la Medalla del Jubileo de la Academia y se convirtió en miembro en 1861.

Sin embargo, tuvo un gran éxito en el extranjero y tuvo un seguimiento especial en Francia donde estuvo representada dos veces en la Feria Mundial de París, primero en 1867 y nuevamente en 1878. En 1852 exhibió algunas de sus pinturas en Londres, y la Reina Victoria solicitó una presentación privada en el Palacio de Buckingham. Entre los retratos presentados a la reina estaba su pintura de Hans Christian Andersen, completada en 1850.

En 1869-1870 viajó por el Mediterráneo oriental y Medio Oriente, y nuevamente en 1874-1875 acompañada por su hijo Harald. Pudo acceder a los harenes del Imperio Otomano y, como resultado, pudo pintar escenas de la vida del harén. Su trabajo de este período es a veces decorativo y con frecuencia sentimental, pero con un fino sentido del color y la iluminación. El sensualismo en algunas de estas pinturas todavía se consideraba tabú en algunas partes de Europa y el mundo del arte danés trató de mantener estas obras fuera de la vista.


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sábado, 14 de julio de 2018

Piero di Cosimo



Nacimiento: 2 de Enero, 1462  - Muerte: 12 de Abril, 1522

Piero di Cosimo, conocido a veces como Piero di Lorenzo, nació en Florencia, hijo de un orfebre, y estudió con Cosimo Rosselli (1439-1507), de ahí el nombre por el que es conocido. Ayudó Rosselli en los trabajos para la Capilla Sixtina, en 1481. En su primera fase, fue influenciado por el naturalismo holandés de Hogo van der Goes (1440-1482), cuyo Tríptico Portinari había llevado la pintura florentina en nuevos caminos. De él Cosimo Cosimo aprendió el amor para los paisajes y por el profundo conocimiento del crecimiento de las flores y de la vida natural. La manera de van der Goes es evidente especialmente en la Adoración de los pastores por Cosimo, ahora en Berlín. 

En 1482 se trasladó a Roma con Rosselli, y demostró ser un verdadero hijo del Renacimiento, pintando temas de la mitología clásica, como Venus, Marte y Cupido, y la Muerte de Procri. Recordamos también la serie de Perseo y Andrómeda, cuya La liberación de Andrómeda se encunetra ahora en los Uffizi. Inspirado por Vitruvio y por su acercamiento a la evolución del hombre, construyó sus obras mitológicas con apariciones extrañas, formas híbridas de hombres y animales, y los hombres que aprendieron a utilizar el fuego y las herramientas. Los numerosos desnudos en sus obras revelan la influencia de Luca Signorelli (1445-1523). 

A lo largo de su vida, Cosimo se hizo una reputación de excéntrico. Parece haber sido asustado por las tormentas, y el fuego, hasta el punto de que raramente cocinaba. Comía sobre todo huevos hervidos, que preparaba 50 a la vez, mientras cocinaba el pegamento para su trabajo. No quería que su taller fuera limpio, o que sus árboles frutales fueran podados. Según Vasari (1511-1574), vivía casi como una bestia. 

Si, como dice todavía Vasari, vivió los últimos años en un triste aislamiento, el cambio fue probablemente debido al reformador religioso Savonarola (1452-1498), bajo cuya influencia dirigió su atención a un arte más religioso. La muerte de Rosselli, su maestro, podría haber más oscurecido sus últimos años. Su Encarnación, expuesta en los Uffizi y la Sagrada familia de Dresda, bien ilustran el fervor religioso con el que era estimulado por el rígido predicador. 

Cosimo tenía una gran reputación como retratista: la más conocida de estas obras suyas es el retrato de una mujer de la nobleza florentina, Simonetta Vespucci (1453-1476), la amante de Giuliano de' Medici (1453-1478). Según Vasari, Cosimo se destacaba en el diseño de los concursos y desfiles triunfales para la juventud florentina amante de los placeres. Cosimo tuvo una influencia importante sobre los compañeros del taller de Rosselli, como Albertinelli (1474-1515) y Fra Bartolomeo (1472-1517). Fue también el maestro del manierista florentino Andrea del Sarto (1486-1531). 
(Este texto ha sido adaptado de www.wikipedia.org, disponible en GNU Free Documentation License).

martes, 19 de junio de 2018

LORENZO LOTTO EN EL MUSEO DEL PRADO- EXPOSICIÓN


El Museo del Prado presenta la primera gran exposición monográfica dedicada a los retratos de Lorenzo Lotto. Coorganizada con la National Gallery de Londres, la muestra cuenta con el patrocinio exclusivo de la Fundación BBVA y será la gran protagonista de la programación del Prado este verano. Lorenzo Lotto (Venecia, 1480 – Loreto, 1557) fue uno  de los pintores venecianos de mayor talento en la primera mitad del siglo XVI, Lotto fue también uno de los más peculiares, y su carrera incansablemente itinerante lo marginó un tanto de la escuela veneciana. Parece probable que se formara en su ciudad natal con Alvise Vivarini, pero su primera actividad independiente tuvo lugar en Treviso (h. 1503-1506). Un encargo de los dominicos de Santo Domingo de Recanati le llevó a Las Marcas, donde permaneció seis años (1506-1512). En 1509 trabajó en la Stanza della Segnatura del Vaticano, pero su estilo altamente expresivo y ajeno al clasicismo no debió ser del agrado del papa Julio II, porque rápidamente fue sustituido por Rafael. La ocasión de pintar otro cuadro de altar importante para una iglesia dominicana la tuvo en 1512 en Bérgamo, donde pasó también varios años. En 1525 regresó a Venecia, y allí siguió trabajando para clientes de Bérgamo y Las Marcas además de locales. Esa etapa veneciana se vio interrumpida por nuevas estancias prolongadas en Las Marcas (1538-1540) y Treviso (1542-1545). En 1549 abandonó finalmente Venecia por Las Marcas, y vivió sus últimos años como hermano lego en una comunidad religiosa de Loreto. Lotto pintó sobre todo asuntos religiosos, pero fue también retratista. Sus muchos cuadros de altar, por ejemplo las tres Sagradas conversaciones para las iglesias de San Esteban (ahora San Bartolomé), Santo Espíritu y San Bernardino de Bérgamo presentan esquemas compositivos relativamente tradicionales con una técnica no menos conservadora, que persigue una factura lisa y controlada y se recrea en la exactitud de los pormenores. Pero su expresión del sentimiento religioso es muy personal: rayana a ­veces en lo humorístico, suele transmitir una aguda intensidad emocional, aún más acusada por la acidez y disonancia del colorido. Esas notas también se advierten en pinturas religiosas de formato menor, como el San Jerónimo penitente (Prado), obra tardía, de 1546, que Lotto pintó para su amigo Vincenzo Frizier, regidor del hospital veneciano de Santos Juan y Pablo. La invención compositiva y la penetración psicológica de sus retratos, donde es característica la insinuación de una vida interior tensa y agitada, hacen de Lotto uno de los más grandes retratistas del renacimiento italiano. La sensibilidad hondamente piadosa que aflora en sus cuadros se manifiesta asimismo en el libro de cuentas ­(Libro di spese ­diverse) que llevó durante los dieciocho últimos años de su vida (1538-1556). Ese importante documento, casi único en su género, proporciona abundante información no solo sobre la práctica profesional del artista y su mundo social, sino también sobre sus reflexiones y sentimientos íntimos. La crítica, sin embargo, ha estado muy lejos de mostrarse unánime a la hora de interpretar a través del Libro la personalidad de Lotto y su actitud frente a las controversias religiosas de su tiempo.
Comisarios: Enrico Maria dal Pozzolo (Universidad de Verona) y Miguel Falomir (Museo del Prado).

lunes, 18 de junio de 2018

Juan García Martínez


(Calatayud, Zaragoza, 1829-Madrid, 1895). Pintor español. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, con Antonio Maffei y Federico de Madrazo. En 1855 viajó a París para ampliar sus estudios, permaneciendo allí tres años durante los cuales asistió al taller de Léon Cogniet, quien lo orientó hacia la pintura de historia. En 1856 envió el cuadro La resurrección de Lázaro a la Exposición Nacional de Bellas Artes, donde obtuvo mención honorífica. A su regreso continuó participando en las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes, presentando a la de 1858 su más célebre cuadro, Los amantes de Teruel, que obtuvo medalla de segunda clase. Basado en el drama de Juan Eugenio Hartzenbusch de 1837, es la primera escenificación de la muerte de los amantes que se presenta a los certámenes nacionales, un argumento que se convirtió en tema predilecto del espíritu romántico y que sería repetido por Muñoz Degrain en 1884. En 1862 ganó una mención honorífica ordinaria por Manifestación de Enrique IV al pueblo segoviano y en 1867 medalla de tercera clase por cinco óleos con el mismo título, Recuerdos del Pósito de Madrid, dos de ellos en el Museo del Prado.

Museo del Prado

martes, 5 de junio de 2018

Vittorio Matteo Corcos



Vittorio Matteo Corcos (4 de octubre de 1859 - 8 de noviembre de 1933) fue un pintor italiano, conocido por sus retratos. Muchos de sus trabajos de género representan a hombres y mujeres jóvenes y elegantemente vestidos en momentos de reposo y recreación.
Nació de padres judíos, Isacco e Giuditta Baquis, en Livorno. Se formó en la Academia de Bellas Artes de Florencia con Enrico Pollastrini. Entre 1878 y 1879 trabajó bajo Domenico Morelli en Nápoles. 
Luego viajó a París, donde conoció a Léon Bonnat y firmó un contrato con Goupil & Cie. Pudo complementar sus ingresos como pintor de retratos con ilustraciones para revistas.Frecuentaba los círculos de Giuseppe De Nittis. Entre 1881 y 1886, exhibió con frecuencia en el Salón. 

Regresó a Italia en 1886, supuestamente para unirse al ejército, y se estableció en Florencia.Se convirtió al catolicismo y se casó con una viuda, Emma Ciabatti. En Florencia, se hizo amigo de los círculos intelectuales e hizo retratos de Silvestro Lega, Giosue Carducci y Pietro Mascagni.

miércoles, 30 de mayo de 2018

Giovanni Anselmo



 "Mientras la mano indica, la luz se enfoca, en la gravitación universal interfiere, la tierra se orienta a sí misma, las estrellas se acercan a una pulgada más ..."


Escultor italiano y uno de los principales representantes del Arte Póvera. Este artista basa sus obras en la mutación y la perdurabilidad de los materiales, la gravedad, las relaciones causales, la energía de una situación y la utilización de fuerzas contrarias que producen tensión y significado máximos. 
Nacido en 1934 en Bongofranco D'Ivrea, Italia Giovanni Anselmo comenzó como pintor autodidacta, pero en poco tiempo descartó los enfoques tradicionales e incluso establecidos del arte moderno, y comenzó a hacer esculturas empleando materiales como la piedra y el metal para transmitir fuerzas invisibles como la gravedad y el magnetismo.Es reconocido en su Italia natal y en otros lugares como uno de los participantes más prominentes en el movimiento Arte Povera (literalmente "arte pobre") de finales de 1960 que surgió en Italia. A finales de la década de 1970, comenzó a producir obras centradas en la profundidad e intensidad del color ultramarino (una palabra que originalmente significaba "más allá del mar"), mientras continuaba explorando combinaciones imaginativas y transformaciones de materia, energía, luz y distancia. Anselmo es una figura rara que sigue defendiendo firmemente la poética radical forjada por el arte de finales de los sesenta. Recibió el León de Oro en la 44ª Bienal de Venecia en 1990, y ha realizado numerosas exposiciones individuales, como Kunsthalle Basel (1979), Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París (1985) y Kunstmuseum Winterthur (2013).

sábado, 26 de mayo de 2018

NOTICIA DEL FALLECIMIENTO DE MANUEL OLIVEIRA- ARTISTA ARGENTINO


A los 91 años, el artista plástico falleció en la tarde del jueves y sus restos fueron velados en la cochería Bianchi, de Quilmes Oeste, donde desfilaron numerosos amigos, familiares, vecinos, artistas y alumnos de sus distintos cursos.
Manuel Oliveira fue pintor y dibujante, considerado un referente el arte latinoamericano contemporáneo. Nació el 16 de septiembre de 1927 en Quilmes y cursó el Profesorado Superior de Pintura en la Escuela Superior de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata. En 1996, fue declarado Ciudadano Ilustre de Quilmes por el Honorable Concejo Deliberante.
Un abrazo a la familia

lunes, 14 de mayo de 2018

Francesco Paolo Michetti




Nació en   Tocco di Casauria en 1851. Comenzó
preparandose en  Chieti, Abruzzo. Su inegable talento lo llevó a la ciudad donde consiguió una beca en  1868 para continuar sus estudios en la Academia de Bellas Artes de Nápoles.

  En Nápoles se sintió, especialmente, atraído por el realismo de  Domenico Morelli, Filippo Palizzi y la Escuela de Resina. A pesar de su escasa asistencia a los cursos académicos ganó dos premios .
En 1872 Michetti participó en el Salón de Paris,  y el galerista  alemán  Reutlinger empezó a vender su obra. Esto lo condujo a un febril estímulo artístico. Se interesó por la obra de Mariano Fortuny  y comenzó a estudiar fotografía, seguramente con la mediación de  Filippo Palazzi.
En 1875,  y en 1877 volvió a exponer en el Salón de París y en la Exposición Nacional de Nápoles atrajo especialmente la atención. 


A finales del siglo XIX su participación en exposiciones se hizo  más intensa y en 1878 fue a la Exposición Universal de París, en 1880 a la primera Ëxposición Internacional de Arte Moderno de la Sociedad Raffaello y  en  1881 a la Exposición Nacional de  Milan. 
El año siguiente marcó un punto de inflexión en la carrera de Michetti. La pintura monumental Il Voto, presentada en la Exposición Internacional de Roma, golpea a los críticos y al público por el realismo crudo en el que describe la fiesta de San Pantaleón en Miglianico. El trabajo, revisado por D'Annunzio en las páginas de "Fanfulla della Domenica", finalmente ingresó en la Galleria Nazionale d'Arte Moderna de Roma.
La primera mitad de la década de 1890 vio a Michetti participar en importantes exposiciones en Alemania, incluida la Exposición Internacional de Arte de la Sociedad de Artistas en Berlín en 1891. En 1895, la pintura La Figlia di Jorio (Pescara, Palazzo della Provincia) recibió una medalla en el 1ª Bienal de Venecia. El jurado de críticos e historiadores del arte explicaron así su decisión: "Michetti [...] ha expresado el drama humano con sinceridad, con un inmenso poder naturalista". Durante la segunda mitad de la década, la participación de Michetti en exposiciones públicas se volvió cada vez más esporádica.

El artista pasó largos periodos de aislamiento en el convento de Francavilla, reinterpretando su rico material fotográfico en la realización de las imágenes Le Serpi e Gli Storpi, que serían presentadas después de años en la Exposición Universal de París de 1900. En este período la fotografía ya no era una herramienta simple para la recolección de material documental, sino que se convirtió en un lenguaje de autoexpresión en sí mismo, cuyo potencial se estudió en las selvas aisladas de Abruzzo. En 1909, Michetti fue nombrado senador del Reino, y al año siguiente acordó enviar quince de sus paisajes a la Bienal de Venecia. Esta iba a ser su última aparición pública, y fue seguido por intentos en última instancia inútiles para persuadirlo a que volviera a presentar su obra para su exhibición pública. Sin embargo, en 1913 aceptó una invitación para hacerse miembro de la Junta de Ordenadores de la Galleria Nazionale d'Arte Moderna, y también miembro en 1921 de la Junta de Adquisiciones de la misma institución. Murió de neumonía en el convento de Francavilla el 5 de marzo de 1929.

martes, 8 de mayo de 2018

José Jiménez Aranda






(Sevilla, 1837-1903). Pintor e ilustrador español, que cultivó escenas de género ambientadas en interiores dieciochescos, el paisaje y los temas religiosos. Fue profesor y presidente de la Real Academia de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría de Sevilla, catedrático de la Escuela Oficial de dicha ciudad y comendador de la orden de Isabel la Católica. Comenzó su formación en la Escuela de Bellas Artes de su ciudad natal, donde fue discípulo de Antonio Cabral Bejarano, Eduardo Cano y Manuel Barrón; asimismo, trabajó como litógrafo realizando copias de obras del Museo de Bellas Artes de Sevilla. En 1867 se trasladó a Jerez de la Frontera, donde trabajó como restaurador y diseñador de vidrieras hasta que en 1871 viajó a Roma, ciudad en la que trabó amistad con Mariano Fortuny. 

En 1881 se instaló en París, atraído por la gran acogida e interés que despertaron sus obras por parte de la crítica y del público galo. Regresó a España en 1890 y vivió en Madrid y Sevilla, ciudad en la que murió. Como ilustrador destacó su colaboración en el volumen colectivo El Quijote del Centenario. Concurrió a exposiciones nacionales y extranjeras, obteniendo mención honorífica en las Nacionales de Bellas Artes de 1864 y 1866, así como sendas terceras medallas en las ediciones de 1871 y 1878, por los lienzos titulados Un lance en la plaza de toros y El guardacantón. Remitió sus obras, entre otras, a la Exposición Universal de París de 1878, al Salón parisino del año siguiente y a la Internacional de Múnich de 1883, donde fue galardonado con medalla de honor. Su estilo se caracteriza por la corrección del dibujo y la riqueza cromática, apreciándose una evolución del lenguaje romántico de sus primeras obras a la utilización de una estética de matiz naturalista en su producción madura. En sus pinturas de casacones se manifiesta la huella italiana que se suma a la influencia de Fortuny. El artista donó seis dibujos [D5061-D5066] al Museo de Arte Moderno, que ingresaron en el Museo del Prado en 1971.

Museo Nacional del Prado

lunes, 7 de mayo de 2018

Gustave Moreau


Moreau, el artista más inventivo de la vieja escuela de la pintura francesa del siglo XIX
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Gustave Moreau (1826-1898) Nació en París. Su padre, arquitecto y hombre de gran cultura que quería para su hijo una educación clásica. Despues de mostrar gran habilidad para el dibujo, a los 17 años comenzó a copiar a los grandes maestros del Louvre y al año siguiente se preparó con François-Édouard Picot para entrar en la Escuela de Bellas Artes de París. 
Cuando acabó su formación empezó copiando obras en el Louvre para encargos. En 1852 le aceptaron su primer cuadro en el Salón. Al año siguiente sus padres le compraron una casa, donde viviría toda su vida y que hoy en día es el Museo Gustave Moreu.
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Despues de pasar un año en Roma, Florencia, Milán y Venecia, volvió a París en 1859. En 1860 conoció a la mujer con quien compartiría su vida hasta la muerte, pero que nunca se casaron. En 1875 le concedieron la Legión de Honor y en 1888 fue nombrado académico de Bellas Artes y comenzó a dar clases. Entre sus díscipulos estan Matisse y Marquet.


Su obra muestra una clara preferencia por los temas históricos, bíblicos y mitológicos, siempre desarrollados de forma inquietante y evocadora, a través de la recreación de atmósferas exóticas, a menudo orientales, y del dramatismo de las escena.Es uno de esos artistas inclasificables que influyeron -probablemente sin saberlo- en la historia del arte.