Exposición de los misteriosos óleos madrileños de Giandomenico Tiepolo

Retrato de un paje

Autorretrato

Apolo y Dafne (h. 1744-1745,

El paseo
1791

El columpio de Pulcinella
1791-93

La procesión del caballo de Troya en Troya

(Obras de Tiépolo)

Por primera vez, se exponen al público los óleos madrileños del pintor veneciano Giandomenico Tiepolo (1727-1804), gran maestro de la pintura veneciana, una decena de retratos pertenecientes a colecciones privadas nunca antes expuestas.

La Fundación Juan March de Madrid reúne los misteriosos óleos de Giandomenico Tiepolo en la exposición “Diez retratos de fantasía”, se cree que los retratos pertenecen a hombres sabios y jóvenes hermosas.

Son una decena de misteriosos óleos, todos pintados en Madrid alrededor del año 1768: dos de los modelos son hombres en su madurez, con una barba frondosa y de mirada profunda. Las otras ocho son mujeres jóvenes con flores, collares, trajes dorados y sedosos que se muestran coquetas ante el espectador.

Giambattista Tiepolo, enamoraba con sus obras a las cortes europeas, instituyó en la pintura a dos de sus hijos, Giandomenico y Lorenzo, los tres llegaron a Madrid por orden de Carlos III, con el ambicioso encargo de pintar la bóveda del Palacio Real. Lo que en principio sería una estancia temporal, se convirtió en permanente, tanto Giambattista como Lorenzo se quedaron en España hasta su muerte, pero Giandomenico regresó a Venecia tras la muerte del patriarca en 1770.

Los hombres de sus obras parecen sabios y filósofos, basado en la fantasía, parecen ser arquetipos y no personas reales. Ellas, despreocupadas e inocentes, expresan el ideal de belleza femenina. Los dos tipos corresponden a un género típico veneciano, basado en la fantasía, cultivado con destreza en el siglo XVII por Rembrandt.

“Giandomenico Tiepolo (1727-1804). Diez retratos de fantasía”

FUNDACIÓN JUAN MARCH

Del 1 de febrero al 4 de marzo de 2012
C/ Castelló, 77
28006 Madrid
Horario: De lunes a sábado, de 10:00 a 14:00 y de 17:30 a 21:00 horas, Domingos y festivos, de 10:00 a 14:00 horas
Entrada libre
La exposición, abierta hasta el 4 de marzo, se acompaña de una publicación que estudia la intrahistoria de estas obras.

Giovanni Bellini

1429 - Venecia 1516
Discípulo de su propio padre, según la usanza del arte de la época, fue a su vez el maestro de dos grandes genios: Giorgione y Tiziano. Giovanni fue apodado el Giambellino, en referencia a la belleza y sensibilidad con la que trabajaba sus pinturas. Actuó frecuentemente con su hermano Gentile, también magnífico pintor; ambos forman parte de la Escuela renacentista veneciana, en la cual tomó una importante parte la ola de renovación espiritual que trataba de contrarrestar el supuesto paganismo del Renacimiento. Es por esta razón que Giovanni se decantó con frecuencia por la temática religiosa en vez de la mitología clásica. Junto a Gentile, trabajó en la decoración al fresco de las Scuolas venecianas. Pero además de su hermano y de su padre, Jacopo, recibió otras influencias. La más crucial vino por parte de su cuñado, que era nada menos que Mantegna. De él aprendió el dominio del dibujo y la rotundidad del volumen, aunque en cualquier caso el Giambellino hacía honor a su apodo, realizando pinturas de mayor lirismo que las de su cuñado. También Antonello da Messina, que estuvo en Venecia, le proporcionó modelos de referencia que él aprovechó con grandes resultados: la técnica del óleo, la linealidad de raíz flamenca frente al colorismo veneciano, nuevas iconografías que renovaron su repertorio... Su influencia fue trascendental no sólo sobre sus discípulos directos, sino sobre toda una generación de pintores nacidos o afincados en Venecia, influencia que se rastrea en el propio Durero, que le conoció cuando Bellini era ya muy viejo, pero "aún el mejor pintor", en palabras del alemán.

Arte Historia

Gentile Bellini

Gentile Bellini (Venecia, c. 1429 - idem, 23 de febrero de 1507) fue un pintor cuatrocentista italiano, miembro de una célebre familia de artistas que dio a la Escuela veneciana algunas de sus más importantes figuras en los albores del Renacimiento.

Educado artísticamente bajo el patronazgo de su padre Jacopo Bellini, sus primeros años se desarrollaron al abrigo del taller paterno, de quién fue ayudante al igual que su hermano Giovanni. Junto a ellos trabajó en las decoraciones de la Scuola Grande di San Marco (1466), concluidas ya con Gentile como jefe del negocio familiar pocos años después.

A la muerte de Jacopo, heredó los álbumes de su padre y ejerció la dirección del taller como primogénito que era. Mantuvo el prestigio paterno y fue muy admirado en su tiempo, si bien muchas de sus obras se han perdido. Prueba de ello es el hecho de que el emperador Federico III le nombrara eques (caballero) y comes palatinus (conde palatino) a su paso por Venecia en 1469, después de que Gentile le pintara un retrato. Destacó por sus escenas narrativas y por sus retratos. A partir de 1474 fue el retratista oficial de la Serenísima, encargado de realizar la efigie oficial de los sucesivos dogos. Poco después se le encargaría sustituir con grandes telas los frescos que para la Sala del Maggior Consiglio del Palacio Ducal de Venecia realizaran Gentile da Fabriano y Pisanello setenta años antes y que se encontraban en pésimas condiciones.

Entre 1479 y 1481 viajó a la Corte de Constantinopla, en calidad de emisario de la República de Venecia. Allí también realizó obras para el sultán Mehemet II, interesado en el arte italiano. En la National Gallery de Londres se conserva un retrato del soberano otomano ejecutado por Gentile durante su estancia.

Sus obras más famosas son las grandes telas que realizó para la Scuola di San Giovanni Evangelista: la Procesión de la Religión de la Santa Cruz (1496), el Milagro del Puente de San Lorenzo (1500) y la Curación de Pietro dei Ludovici (1501). El Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid posee una gran tabla con el tema de La Anunciación.

Se encuentra enterrado en la Basílica de San Juan y San Pablo de Venecia, todo un honor y muestra del enorme prestigio de que el artista gozó durante toda su carrera, pues dicha iglesia era el lugar tradicional de enterramiento de los dogos de Venecia.

Fueron numerosos sus alumnos y ayudantes de taller: entre ellos figuran Vittore Carpaccio, Marco Marziale y Giovanni Mansueti.

La figura de Gentile Bellini fue notablemente eclipsada ya en vida por la de su padre Jacopo, uno de los primeros pintores en utilizar la pintura al óleo en el ámbito veneciano y, sobre todo, por la brillante figura de su hermano Giovanni, artista de un talento infinitamente superior en versatilidad e inspiración. Gentile representa la facción más conservadora de la escuela pictórica veneciana, apegada a la tradición cuatrocentista, mientras que Giambellino y sus seguidores marcan los derroteros que habían de seguir los nuevos tiempos, que culminarán poco después en figuras como Giorgione y por encima de todos, el gran Tiziano. Sin embargo, la obra de su hermano mayor se ha visto revalorizada como fuente de información histórica. En efecto, podemos ver en sus grandes cuadros oficiales un fidedigno retrato de la sociedad veneciana de su tiempo.

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Fra Filippo Lippi

Italia
Florencia 1406 - Spoleto 1469

A los 15 años Fra Filippo Lippi quedó huérfano e ingresó en el convento del Carmine de Florencia, posiblemente para salir del paso ya que no tenía ninguna vocación religiosa. Masaccio y Masolino iniciaron la decoración de la capilla Brancacci de esa iglesia en 1424, sintiéndose el joven fraile atraído por la pintura, posiblemente sirviendo como ayudante al propio Masaccio, cuyo estilo admiró y continuó. La documentación menciona por primera vez a Fra Filippo como pintor en 1430, fechándose su primer trabajo en 1432. Dos años después abandona Florencia para trasladarse a Padua, desapareciendo las obras que allí ejecutó. En 1437 está de nuevo en Florencia, sustituyendo la dependencia de Masaccio por la escultura donatelliana y la pintura flamenca, trabajando en un estilo delicado y naturalista. Su época de madurez está caracterizada por las transparencias, que aumentan la elegancia de sus obras. A partir de 1452 está trabajando en los frescos de la capilla mayor de la catedral de Prato, empezando sus problemas con la justicia. En 1450 había sido enjuiciado por un fraude y en 1456 raptó a la monja Lucrecia Buti de un convento de Prato del que había sido nombrado capellán. Gracias a la familia Médici, Fra Filippo consiguió una dispensa del papa Pío II para casarse con Lucrecia, con quien tuvo un hijo, también pintor llamado Filippino Lippi, viviendo como legítimos esposos. En 1464 no había acabado la serie de frescos y era el maestro de un fructífero taller al que acudió Botticelli para iniciar su formación. Su último trabajo fueron los frescos de la catedral de Spoleto, que no pudo acabar ya que la enfermedad le debilitó profundamente desde 1466. La mayor aportación de Fra Filippo a la pintura quattrocentista florentina será un mayor acento profano respecto a las obras de Masaccio o Fra Angelico que le sirvieron de inspiración, haciendo de nexo con la generación posterior.

ARTE HISTORIA

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The last of 24 Keyboard Inventions in all major and minor keys. There is a link in the video information area to download the mp3 if you'd like to show your support, or simply enjoy ;)
Daniel Léo Simpson
Composer
San Francisco

Invention No. 24 in Ab minor ~ Daniel Léo Simpson

The last in the series of 24 Invention in all major and minor keys.
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You may download the sheet music here:
Daniel Léo Simpson
Composer
San Francisco
www.danielsimpson.com

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Giandomenico Tiepolo. Diez retratos de fantasía

La Fundación Juan March, con el objetivo de ofrecer selectas muestras de formato reducido, presenta la exposición Giandomenico Tiepolo (1727-1804). Diez retratos de fantasía, que muestra por primera vez diez óleos sobre lienzo del pintor veneciano Giovanni Domenico Tiepolo. Giandomenico fue hermano de Lorenzo Tiepolo y ambos hijos de Giambattista Tiepolo, el patriarca de la saga familiar de artistas que se desplazaron a Madrid en 1762 con la tarea principal de decorar al fresco varios techos del Palacio Real.

Se trata de diez pinturas procedentes de una colección particular concebidas con toda probabilidad -por su unidad estilística, su idéntico tamaño y la similitud de atrezzo y actitudes de sus protagonistas- como una serie. Son diez cabezas, dos de las cuales corresponden a hombres de aspecto oriental, maduros y barbados; los ocho restantes a mujeres jóvenes y hermosas.

Los retratos masculinos ofrecen una visión de sus protagonistas a la manera de filósofos, hombres sabios y honorables de una antigüedad soñada, mientras que los de las jóvenes, de desenfadada e inocente belleza, parecen responder a un modelo ideal de belleza femenina. Ambos tipos pertenecen a un género con una fecunda y larga tradición en Venecia, un género que recrea un mundo de fantasía que hunde sus raíces en el siglo XVII y cuyo maestro por antonomasia fue Rembrandt.

Fecha: hasta el 4 de marzo.
Lugar: Fundación Juan March. Castelló, 77. Madrid. España
Horario: de lunes a sábado, de 11.00 a 20.00 horas. Domingos, de 10.00 a 14.00 horas.

James Rosenquist: guerra, consumismo y arte pop

El pintor, grabador y escultor americano James Rosenquist diseñó el óleo sobre lienzo de 26 metros F-111 para decorar las cuatro paredes de la galería de Leo Castelli en Manhattan. El artista comenzó a pintar el lienzo en los años sesenta, una década turbulenta marcada por la guerra de Vietnam.

F-111 se exhibe ahora en el MoMA de Nueva York de la misma manera que lo hizo en la galería Castelli en 1965 junto a un grupo de collages que Rosenquist produjo para esta composición monumental.

Financiado con los impuestos de la ciudadanía y dotado de la última tecnología, el caza-bombardero F-111 estaba destinado a ser el arma más poderosa de Estados Unidos. Sin embargo, en lugar de alabar su potencia militar, Rosenquist utiliza el avión como un símbolo de las consecuencias económicas de la guerra.

A través de una extensa red de motivos visuales, expuestos en 23 paneles, F-111 cuestiona lo que el artista describió como "la connivencia entre la máquina de la muerte de Vietnam, el consumismo, los medios de comunicación y la publicidad". La yuxtaposición de imágenes y la utilización de una vívida paleta de colores ejemplifican la singular contribución del artista al arte pop norteamericano.

Lugar: Museo de Arte Moderno, MoMA. 11 West 53 Street, New York, NY 10019. Estados Unidos.
Horario: de miércoles a domingo de 10.30 a 17.30 horas. Viernes de 10.30 a 20.00 horas.

El Paisaje idealizado de Claudio de Lorena

Para Goethe "en Claudio de Lorena, la naturaleza se declara eterna". En opinión del escritor alemán los paisajes pintados por el artista barroco francés están dotados de "la mayor verdad pero sin ningún trazo de realidad". Ahora el Museo Städel de Frankfurt (Alemania) muestra alrededor de 130 obras creadas en diferentes puntos de la carrera del artista (1600, 1604-05 y 1682) junto con 13 pinturas y numerosos dibujos y grabados.

Organizada en colaboración con el museo Ashmolean de Oxford Claudio de Lorena. El paisaje encantado presenta el trabajo paisajístico de uno de los pintores más importantes del siglo XVII en la primera exposición monográfica realizada en Alemania en 30 años.

Además de 5 dibujos y 40 aguafertes, el museo Städel posee la obra Aparición de Cristo a María Magdalena (Noli me tangere). Así mismo, la institución ha adquirido en los últimos años la serie Fuegos artificiales y el dibujo Bailarina con pandereta y gaitero.

Fecha: hasta el 6 de mayo.
Lugar: Museo Städel. Schaumainkai 63, 60596 Frankfurt, Alemania.
Horario: de viernes a domingo de 10.00 a 18.00 horas. Miércoles y jueves de 10.00 a 21.00 horas.

Cy Twombly el fotógrafo

El Centro de Bellas Artes de Bruselas (BOZAR) presenta Cy Twombly. Fotografías 1951-2010, una exposición con más de 100 copias de fotografías Polaroid que el propio artista seleccionó antes de su muerte el 5 de julio de 2011.

Las fotografías de Twombly son un descubrimiento bastante reciente ya que el artista no hizo público su material hasta la década de los noventa. Twombly, que desarrolló esta faceta en sus años de estudiante, se dedicó a fotografiar temas muy diversos, desde bodegones con motivos florales e instantáneas de su estudio de trabajo y de diferentes museos, hasta detalles de sus propios cuadros e imágenes de paisajes y templos antiguos.

Las fotografías, etéreas y delicadas, nos introducen en los diversos temas que inspiraron las pinturas, dibujos, esculturas y arte gráfico de Cy Twombly.

Los visitantes podrán contemplar además varios cuadros del artista junto al retrato Edwin Parker, una obra de la artista Tacita Dean que rinde tributo al fallecido pintor americano.

Fecha: hasta el 29 de abril.
Lugar: Centro de Bellas Artes (BOZAR). Henry Le Bœuf Hall. Rue Ravensteinstraat 23. 1000 Brusselas. Bélgica.
Horario: de martes a domingo, de 10.00 a 18.00 horas

Van Gogh de cerca

Van Gogh de cerca es una exposición itinerante que puede verse en el Museo de Arte de Filadelfia (Estados Unidos) hasta el próximo 6 de mayo. La muestra, que incluye 46 pinturas del maestro del Postimpresionismo, está formada por un total de 70 trabajos

Vincent Van Gogh fue un artista de una intensidad excepcional tanto a nivel artístico como personal. Involucrado íntimamente con la naturaleza, sus obras, especialmente aquellas pintadas justo antes de su muerte, invitan al espectador a sumergirse en su mundo emocional. La exposición, compuesta sobre todo de naturalezas muertas y paisajes que desafiaron toda tradición pictórica, se centra en los años más tumultuosos de Van Gogh, un periodo de experimentación artística que comienza cuando el pintor deja Amberes por París en 1886 y termina con su muerte en Auvers en 1890.

Van Gogh experimentó con el enfoque y la profundidad de campo y colocó objetos cotidianos en un primer plano, alterando dramáticamente el curso de la pintura moderna. A través de 40 pinturas prestadas por colecciones de todo el mundo, Van Gogh desde cerca explora los medios de los que valió el artista para cambiar su estilo pictórico en los últimos años de sus vida.

Fecha: hasta el 6 de mayo.
Lugar: Museo de Arte de Filadelfia. 26th Street and the Benjamin Franklin Parkway. Filadelfia, PA 19130. Estados Unidos.
Horario: de sábado a jueves, de 10.00 a 17.00 horas. Viernes, de 10.00 a 20.45 horas.

We have a new visitor from Cameroon.

WELCOME!

"Cousiñas feitas con AMOR"

O Venres día 10, no Café Bar A Póla, mercadiño: "Cousiñas feitas con AMOR", de 17h a 21:30h.

Estaremos:

Candacol, Lechanelas, La Coqueta de Olivetta, Trees, Mondo Panda e HeyJuddy!


Esperámosvos!

Antoni Tàpies fallece a los 88 años

Antoni Tàpies, uno de los grandes maestros de la vanguardia del arte del siglo XX, falleció ayer en Barcelona a los 88 años, según un comunicado emitido por su familia. El pintor catalán se encontraba delicado de salud desde hace tiempo. Con Tàpies desparece uno de los grandes referentes indiscutibles del arte contemporáneo mundial.

Nacido en Barcelona en 1923, en el seno de una familia burguesa, culta y catalanista, de gran tradición editorial y bibliófila que él heredará como una parte fundamental de su acervo, Tàpies no ha sido solo un gran pintor y escultor sino un intelectual de primer orden, teórico del arte y coleccionista. El Rey le había otorgado en 2010 el título de marqués.

Su estilo se define por la palabra matérico, en referencia al uso de elementos de enorme y a veces chocante y humilde fisicidad, hasta vulgaridad, trascendidas por una dimensión espiritual cuyas raíces conectaban con lo más íntimo y ancestral del alma humana. Era un artista y al tiempo un sabio con ribetes a veces de un misticismo de corte telúrico.

Estaba muy influenciado por la espiritualidad oriental y especialmente el budismo zen. El contraste entre ese afán universalista y trascendente y su apego a lo cotidiano e incluso lo doméstico —el astro mundial Tàpies era también el senyor Antoni— articulaba lo que el artista tenía de más personal y único. También de entrañable. Pocos artistas de su talla, en toda la historia del arte, hubieran sido capaces de atisbar la grandiosa poesía íntima de un calcetín.

La obra de Tàpies está marcada por las rugosidades, las rasgaduras, las grietas, las cruces y números y signos de su mitología personal. Su trazo es enigmático, su voluntad intrincada, pero su estilo es inconfundible. Todo eso conforma la obra de un artista esencial.

Ayer tarde, en las horas de su muerte, la sede de su fundación en Barcelona, en el antiguo edificio de la Editorial Montaner i Simon, obra modernista de Lluís Domènich i Montaner, permanecía cerrada aunque con las luces encendidas dentro. Una metáfora de su obra, aparentemente críptica, preñada de iluminación. En lo alto, la emblemática escultura Núvol i cadira, (Nube y silla), se elevaba hacia el frío cielo como una voluta de genio deshaciéndose en la inmensidad del oscuro universo.

Tàpies, que vivió el pleno reconocimiento en vida, estaba en posesión de los más importantes premios españoles e internacionales. Realizó exposiciones desde los años cuarenta y fue uno de los fundadores de Dau al Set, movimiento del que se desvinculó en 1951.

Implicado siempre en los acontecimientos políticos y sociales de su época, se opuso a la dictadura franquista en los años sesenta y setenta y fue encarcelado por asistir a una asamblea clandestina en el monasterio de Montserrat en protesta por el Proceso de Burgos.En 1950 hizo su primera exposición individual, en Barcelona, y viajó a París becado por el Instituto Francés. Allí conoció a Picasso y al cubismo. Años después, en coincidencia con el arte povera europeo y el postminimalismo estadounidense, Tàpies profundizó en su trabajo con objetos, descontextualizándolos e incorporándolos a su lenguaje propio.

Influenciado también por Joan Miró, al que admiraba en grado sumo, su búsqueda artística pronto tomó derroteros muy personales en paralelo al interés por la nueva espiritualidad.

a condición humana, la rueda de la vida y sobre todo el insoslayable problema del dolor encuentran traslación directa en su plástica, rotunda y cargada a menudo de una dimensión trágica. El interés por la ciencia es otra constante en él, que coleccionó grandísimas obras científicas con pasión de bibliófilo.

La altura reflexiva siempre está en Tàpies matizada, como queda dicho, por el uso casi artesanal de la materia. Al contrario, era capaz de sublimar hasta un zapato o un pelo de axila incrustado en su cuadro.

En los años ochenta, el interés por la tela adquirió en Tàpies una fuerza renovada.

Entre los grandes momentos públicos del artista estuvo la polémica en torno al calcetín gigante que debía adornar la gran sala oval del Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC) en Barcelona. El proyecto no salió adelante, en buena parte por un absurdo miedo institucional al ridículo que seguramente nos hubiese dejado también sin la Capilla Sixtina. Aquel asunto dio pie a una reflexión sobre el arte de Tàpies que acabó redundando en su valoración. Una versión más pequeña del calcetín adorna el patio de su fundación, uno de los grandes lugares del arte de la ciudad, faro como él lo quiso de arte, experimentación y conocimiento.

En septiembre de 2011 se inauguró en la sede una exposición ya casi con voluntad de revisión completa de su obra desde los años cuarenta. En esa muestra se podía apreciar la extraordinaria trayectoria del artista.

El de Tàpies es un arte en el que se dan la mano de manera especial occidente y oriente, lo particular y lo universal, ciencia y mística, lo vulgar y lo sublime. Artista polimórfico y completísimo, renacentista en la acepción más grandiosa de la palabra, deja la espiral de un astro humeante, una cicatriz, una grieta, sobre la superficie estremecida del arte contemporáneo.

EL PAI8