Pintor estadounidense, profesor de arte y mentor del grupo de pintores conocido como Los Ocho. Nació en Cincinnati, Ohio, y asistió a la Academia de Bellas Artes de Pensilvania, y en París a la Académie Julien y a la Escuela de Bellas Artes. En 1891 comenzó a pintar y a dar clases en Filadelfia, donde conoció a pintores como John Sloan, William Glackens y George Luks, a los que convenció para reflejar la temática de la vida estadounidense dentro de un estilo realista vigoroso y dramático. Se trasladaron a Nueva York y allí, con otros pintores y con Henri como guía espiritual, formaron el grupo de Los Ocho, también conocido como la Ash-can School, que rompió con la tradición académica, sobre todo en las escenas de la vida de la ciudad que reflejaron con crudo vigor. En 1913 participaron en el Armory Show que dio a conocer el arte moderno estadounidense y europeo a una amplia audiencia dentro de Estados Unidos. Henri ofreció conferencias sobre arte en la Asociación Estudiantil de Arte y en otras escuelas de Nueva York, organizó exposiciones de participación libre y emprendió numerosos viajes. En 1923 se publicó la recopilación de sus conferencias con el título de El espíritu del arte. Se especializó en los retratos de niños, cálidos y vibrantes, y se le reconoce por la utilización de una pincelada libre y enérgica y por lo rotundo de sus composiciones
Carisimo professore Abel : levo varios diás sofrendo unha teimuda discusión feminina na hora do bocata dunha temática insignificante para quen coma vos ocupa as vintecatro horas do día en arranxar todos os proxectos xa en marcha no voso reinado mais velando pola súa rapida execución cual centinela público (auditorio..cidade do mar...chegada do AVE..Ikea..metro lixeiro...etc...etc ). Tamén hai quen dí !lajarta,lajarta! que mais ben pasa o día diante do espello preguntandolle polo ben que o fai para vir de Puentearenas pasando por El Porrito antes de subir Pucheros e a resposta ,asegúranme é sempre positiva...y sino llamo a un par de ministros y ya está. Pero o asunto que debaten as colegas no bocata é outro ¿ cales son as retribucións que cobrou a concelleira Chus Lago na sua ausencia do seu posto de traballo durante a aventura polar/polaroid ? ¿podería carisimo professore facer públicas as nóminas dos meses correspondentes incluida a paga extra? Se non é así dinme as do bocata que é facil dar con elas...pero entre nos non imos andar con esas vainas...¿ non sí ? Publicado por Ana Pintens
Touriño gastó más de dos millones de euros en remodelar su despacho
Tras conocerse que el presidente de la Xunta dedicó 480.000 euros en la compra de su coche oficial, ahora se conoce esta noticia.
A Touriño le gusta el lujo y el boato. Cree que el respeto institucional está reñido con la mesura y la sencillez. Ohhhhhh Señor Candidato, que sus acólitos se preocupen de que en la próxima "parada" lo reciban en sala VIP, con honores de Jefe de Estado
Federico Zandomeneghi (1841), italiano, veneciano, hijo y nieto de escultores, pintor, impresionista, partidario de Garibaldi, exiliado a Florencia, residente en París, seguidor de Renoir, amigo de Degas, paisajista, retratista, vende pocos cuadros, apuros económicos, se hace dibujante, ilustra revistas de moda, el marchante Durand-Ruel exhibe su obra en Estados Unidos, éxito moderado, fallece en París (1917).
De sobras es conocido el gusto de Abel Caballero por los grandes proyectos. No es nada nuevo. Desde hace años, la fórmula mágica para ganar elecciones locales es licitar obras y más obras. Vender la imagen de eficiencia y trabajo a los ciudadanos.
Estos grandes proyectos deben cumplir dos premisas básicas: tienen que venir de la mano de un arquitecto de reconocido prestigio internacional y tienen que convertirse en el símbolo de la ciudad. Para la remodelación de la Praza do Rei Caballero ha solicitado los servicios del arquitecto Rafael Moneo. Ganador de un Premio Pritzker en 1996 (es el único arquitecto español que posee este galardón) es sin duda uno de los arquitectos más famosos del panorama internacional. Pero el proyecto en el que se embarca ahora es extremadamente complicado. A la dificultad orográfica del terreno hay que añadir la situación de aislamiento que vive la plaza y los graves problemas de comunicación que presenta. A principios de los noventa la plaza fue remodelada para la construcción del aparcamiento subterráneo y una pasarela que comunica la plaza con la calle Venezuela. Una actuación que sólo ha conseguido aislar al que se supone que debería ser uno de los puntos de encuentro más importantes de la ciudad. Además está la patata caliente que es el edificio del Concello y el edificio de la Panificadora. Moneo tiene como objetivo la transformación de la plaza desde la muralla del antiguo Castillo de San Sebastián hasta la ladera del Castro. Según se puede extraer en sus primeras declaraciones, la torre del edificio del Concello parece que no encajaría en el proyecto. De confirmarse esto sería una gran noticia, ya que ese edificio nunca se debió construir. ¿Pero qué pasa con el edificio de la Panificadora? ¿Cómo encaja dentro de esta remodelación? Si Moneo es ambicioso la Panificadora puede darle otra dimensión al proyecto. Se busca una ubicación a la nueva biblioteca estatal y uno de los objetivos del proyecto es la regeneración urbana de la plaza y convertirla en un nuevo punto de encuentro de los ciudadanos. ¿Qué mejor forma de darle un nuevo impulso a esta zona, actualmente degradada y sin vida, que ubicar en ella una biblioteca? Sería un importantísimo foco de atracción y a su sombra se podrían desarrollar muchas iniciativas que ayuden a enriquecer el proyecto.
El edificio de la Panificadora tiene un enorme potencial y muchísimas posibilidades. Su tipología estructural da mucha versatilidad a la hora de darle uso. El edificio tiene buena iluminación y cuenta con amplios espacios. Además, sus plazas y calles interiores se podrían convertir en puntos de lectura o actividades culturales al aire libre. Tiene tanto potencial... La Panificadora es parte de nuestra identidad, del pasado de Vigo. En sus muros de hormigón está inscrita la historia de la ciudad. Con su transformación en biblioteca le das a los ciudadanos un punto de encuentro de calidad y ayudas a que esta ciudad tenga una nueva seña de identidad de la que sentirse orgullosa. En los últimos años, la globalización y la utilización de la arquitectura como negocio, ha hecho que los modelos de desarrollo urbano estén protagonizados por actuaciones urbanas con edificios de carácter internacional que generan espacios sin identidad y que son idénticos en todas las partes del mundo. La arquitecutra tradicional y regionalista, propia de cada región está desapareciendo y dando paso a un tipo de arquitectura globalizada que no añade nada a la identidad de las ciudades. El proyecto puede ser tan ambicioso como complicado. Requiere de una importante inversión económica y depende de muchos intereses privados. Una obra de tal magnitud sólo será posible si la clase política está a la altura. Un compromiso sólido, incondicional y sin fisuras sería un primer paso, ya que sin un liderazgo político en el que apoyarse es muy difícil que el proyecto llegue a buen puerto.
Del blog Arquitectura y Urbanismo de Vigo
MI COMENTARIO- Que culpa tendrá Moneo!!! Anda queeeeeeee!!!Vale, sin sueños y utopía el mundo no avanza, pero en estos momentos ESTAMOS TODOS MUY CABREADOS para pensar en proyectos faraónicos. Los Concellos que paguen lo que deben y PONGAMOS LOS PIES EN EL SUELO......... PRIMUM VIVERE ET DEINDE....EYACULARE, AH PERDON..... PHILOSOPHARE
cousascativas ha dejado un nuevo comentario en su entrada "carnaval 2009":
Que temerarias, mi madriña!
Bico.
Publicado por cousascativas para lembranzas a las 7 de febrero de 2009 6:13
Fue uno de los artistas más controvertidos del momento; pendenciero, alcohólico, vividor y, ante todo, uno de los más excelentes pintores que ha dado la historia. Ahora, en Artelista, te ofrecemos las claves para que descubras a este genio único al completo. Cinco simples términos bastan para acercarnos a la obra del más controvertido y excelente exponente del naturalismo italiano del s.XVI:
Roma: La ciudad papal presenciará los primeros éxitos de Caravaggio: en Roma el pintor va a realizar algunas de sus mejores y más famosas obras, como los frescos realizados para la Capilla Contarelli, encargo comisionado por el cardenal Francesco del Monte y responsable del "descubrimiento" del pintor por parte del círculo artístico romano. Esta ciudad será, igualmente, testigo del carácter violento del artista, quien se verá obligado a exiliarse en Nápoles tras dar muerte en una reyerta a un hombre en 1606.
Contrarreforma: Caravaggio vivirá en pleno fervor contrarreformista (en lid con un protestantismo que pregonará austeridad), una circunstancia que favorecerá la proliferación de iglesias y sus respectivos encargos decorativos. Así, aunque sus primeras obras serán de carácter seglar, pronto comenzará a recibir peticiones del clero, para quien el realismo de la pintura de Caravaggio resultará muy conveniente en un momento en el que pretende mostrar su cara más "humana" y cercana.
Ambigüedad: Pero, a pesar del reconocimiento que obtuvo en su momento, las obras de Caravaggio provocaron en más de una ocasión el rechazo. Su tendencia a escoger modelos de entre la gente de baja condición para composiciones de carácter religioso, a los que además representaba de una forma extremadamente realista (sin idealizar), fue considerada una provocación por muchos de sus coetáneos. Sin embargo, esta característica abre la puerta a la corriente del naturalismo que tanto influirá posteriormente en el desarrollo del Barroco.
Tenebrismo: Esta corriente, iniciada por Caravaggio, será el punto a partir del cual los artistas barrocos realicen sus experimentaciones en torno a conceptos como "luz" y "expresividad". Si bien el claroscuro ya era un recurso empleado con anterioridad, será Caravaggio quien lo defina, otorgando una plasticidad excepcional a las composiciones y una oportunidad única al artista para ahondar en la psicología de sus personajes.
Arte moderno: La fama de Caravaggio se desvanecerá poco después de su muerte, no siendo hasta principios del s.XX cuando se reivindique su originalidad y la calidad de su concepción artística y técnica. Su obra ha sido considerada el primer exponente de "arte moderno" y el precedente de autores como José de Ribera, Georges de la Tour, Vermeer o Rembrandt, tanto por su concepción naturalista de la representación (con una tendencia precoz a destacar el feísmo), como por los modelos escogidos y el desarrollo del claroscuro.
La convocatoria Arte e Investigación: Montehermoso 09, presentada por el Centro Cultural Montehermoso Kultrunea, pretende incentivar la creación y desarrollo de proyectos de arte contemporáneo, la investigación y el desarrollo de un guión cinematográfico. Para ello, artistas de cualquier nacionalidad y edad, ya sea individual o colectivamente, podrán presentar hasta el 13 de marzo sus propuestas y optar a una ayuda de 10.000 euros.
Les Murs
Artistas de cualquier nacionalidad y edad puede presentar un solo proyecto inédito a concurso. Este proyecto podrá ser individual o colectivo, y podrá estar en fase de producción o simplemente ser una propuesta. La solicitud se deberá enviar antes del 13 de marzo de 2009 al Centro Cultural Montehermoso Kulturunea (C/. Fray Zacarías Martínez 2 – 01001 Vitoria-Gasteiz – España) con un impreso de solicitud cumplimentado, la fotocopia del DNI o el documento equivalente del autor o autores del proyecto, el currículum con una extensión máxima de 4000 caracteres, un breve dossier con trabajos anteriores y un dossier del proyecto a realizar (éste deberá incluir el título y desarrollo del proyecto, con una extensión no superior a 5.000 caracteres, bocetos e imágenes del proyecto en formato jpg con una resolución mínima de 72 ppp, el estado actual del proyecto y las necesidades técnicas que requiera. Art brut
Los proyectos optan serán premiados en base a su calidad, su viabilidad según el calendario de ejecución propuesto, el equipo necesario y la cuantía económica requerida, así como a la trayectoria profesional y formativa del artista. En caso de igualdad de puntuación se primaría el ser residente del término municipal de Vitoria, del mismo modo en que el premio podría quedar desierto en caso de que el jurado lo creyera conveniente. Los proyectos optarán a una dotación máxima de 7000 euros para su producción, donde se incluirán los gastos derivados de su creación, los gastos de viajes y estancias del autor para la elaboración del proyecto y los gastos derivados del montaje expositivo que no puedan asumir las infraestructuras del Centro. Asimismo se abonarán 3000 euros en concepto de honorarios y derechos de autor.
La Fundación Luís Seoane en colaboración con la Fondation Dubuffet y el Círculo de Bellas Artes, alberga una muestra del arte innovador de Jean Dubuffet donde tienen cabida suelos y terrenos, pastas batidas, texturologías, ensamblajes y materiologias: una serie de ciclos que muestran el vívido diálogo entre la superficie pictórica y la materia. La exposición gira entorno a Les Murs, 15 litografías acompañando poemas de Eugène Guillevic en las que experimenta con técnicas y materiales como la arena, el yeso o el detritus orgánico, pudiéndose contemplar el carácter genuino del artista galo, precursor del art brut y crítico acérrimo de los convencionalismos estéticos.
Les Murs
La exposición gira en torno a 15 litografías de la serie Les Murs realizada como complemento a los poemas de Eugène Guillevic. En ésta se muestra la pasión del galo por los muros, un motivo que le permitía experimentar con diversas técnicas, medios y materiales estableciendo un diálogo entre superficie y materia, y que a su vez le servía como invectiva contra los tópicos del arte. Jean Dubuffet fue uno de los creadores del art brut como defensa de la espontaneidad y del instinto ante la razón como medio compositivo: un proselitismo de la expresión plástica popular y el arte de niños y enfermos mentales que le sirven al pintor y escultor francés para arremeter contra los supuestos artísticos, contra los tópicos estéticos de la cultura imperante. Art brut
El amor a la litografía y, especialmente, a la estampa, precedieron a la carrera de pintor de Jean Dabuffet. En las prácticas realizadas en el taller de Fernand Mourlot -litógrafo de Matisse y Picasso- Dabuffet aprendió a trabajar con la piedra. En sus primeras piezas el artista la maltrataba y la atacaba ferozmente para componer sus obras, pero con Les Murs cambió drásticamente de registro y se limitó a dejar marcas mínimas, con suavidad, apenas rozándola, creando un estilo propio alejado del de sus inicios que haría pronunciar a René de Solier que se trataba de un “ensayo de alta tensión, de alta calidad, de alto sentido”. Dentro de la ideología popular de Dubuffet, el mismo artista expresaba su carácter al pretender que sus obran “divirtiesen e interesasen al hombre de la calle cuando sale de su trabajo y en ningún caso al maniático, al iniciado, sino al hombre que no tiene ninguna instrucción ni disposición particulares”. Dubuffet anheló un arte de los muros donde primase la sencillez y la espontaneidad, “una proyección pura del individuo” pues, como él mismo diría “el art brut es un arte que no encuentra lugar en un museo”
Hasta el 21 de marzo las calles de Madrid estarán tomadas por el fenómeno mundial del Cow Parade que ya ha visitado 50 ciudades y ha sido vista por más de 200 millones de personas. 10.000 artistas han diseñado 5000 vacas en las ciudades recorridas por esta exposición itinerante idea del escaparatista Walter Knapp, que Peter Hanig con Jerry Elbaum expandirían a nivel global. Entre las vacas exhibidas pueden contemplarse algunas inspiradas en el héroe de cómic superman o la Harry Potter Cow, diseñada por J. K. Rowling. Ahora le toca a Madrid albergar este evento multitudinario que acerca el arte a todos los ciudadanos y que a tantos espectadores ha fascinado.
Un fenómeno mundial
Los datos son espectaculares: 200 millones de espectadores, 13 millones de euros recaudados a través de la subasta de vacas, 50 ciudades de los cinco continentes han disfrutado de estos animales, 10.000 artistas han diseñado más de 5000 vacas. La Cow Parade y su pretensión de acercar el arte al “ciudadano de a pie” ha impresionado no tan sólo al transeúnte que, “obligado”, se topaba con las vacas pastando en las calles de su ciudad, sino a personajes tan disímiles como George Bush o J. K. Rowling –que diseñaron sus propias vacas-, y mandatarios como Toni Blair, Rudolf Giuliani, La Reina Isabel –frente a la guardia del Palacio de Buckingham se colocó una vaca dorada coronada para celebrar su cincuenta aniversario de la llegada al trono- o el emperador de Japón –que adquirió una-. Para la exposición de Madrid, famosos como Fernando Alonso o Marta Sánchez han pintado su propia vaca, además la exposición cuenta con diversos talleres en diferentes puntos de la ciudad y la opción de “adoptar una vaca”. La propuesta de la Cow Parade se ha sumado a las iniciativas de arte público que, desde el desenfado y la jovialidad, establecen un nexo entre el arte y los ciudadanos –pese a que la exposición ya ha sufrido más de un acto vandálico- y elige las calles para exhibirse, el mejor medio para llegar a todos.
Casi veinte años después de su última visita, y con ocasión de la celebración del primer centenario de su nacimiento, Francis Bacon regresa una vez más al Museo del Prado (Madrid, España), el espacio donde pasó buena parte de sus últimos años de vida, en una exposición organizada por la Tate Britain y el Metropolitan de Nueva York. La expectación generada en torno a esta muestra es enorme; no es de extrañar, es la primera vez en treinta años que podrá visionarse en España sus magníficos y potentes lienzos, entre los que destacan 16 de los famosos trípticos del artista, traídos para la ocasión. Una exposición que ningún amante del arte puede perderse si desea conocer la cara más sincera y desgarrada del ser humano.
La polémica acompaña una vez más la obra de uno de los grandes y, como en esta ocasión no había opción a los argumentos, ésta se ha centrado en la idoneidad de la ubicación de la muestra "Francis Bacon". Pero ¿cómo podría no ser el Museo del Prado el mejor enclave para la gran presentación de Bacon en España? Su visión descarnada y sin barreras de la condición humana, de la propia vida, no puede tener mejores partenaires que Goya o Velázquez, artista este último, además, a quien tanto le debemos los entusiastas de obras como las versiones que del Retrato del Papa Inocencio X realizó el famoso irlandés.
Un total de 62 obras, y una colección de objetos de archivo que permiten documentar el proceso de creación del artista, se agrupan en torno a una serie de hilos conductores que posibilitan el acercamiento a la obra de Bacon en base a algunas de sus grandes filias: el movimiento y el cuerpo humano, la "religiosidad", la angustia vital o sus escogidas y heterodoxas amistades. Una exposición que alberga en sí misma el espíritu del hombre del s.XX, como bien se ha dicho anteriormente de la producción de Francis Bacon, y de la que poco más se puede añadir, excepto que es indispensable de ver.
La muestra alberga obras desde los inicios de su trayectoria (de una forma completamente excepcional pueden visionarse algunas de las obras que realizó el artista en la década de los treinta) hasta finales de los años 80, etapa última de su producción. Hay que destacar la oportunidad que supone el poder disfrutar en directo de obras como sus famosos trípticos Tres estudios de figuras al pie de una Crucifixión, Tres estudios para una Crucifixión, o Tríptico inspirado por el poema de T.S. Eliot "Sweeney Agonistes", junto con otras del calibre de Henrietta Moraes, Retrato de Isabel Rawsthrone de pie en una calle de Soho o sus series inspiradas en uno de los compañeros que más dolor e inspiración le causó: George Dyer.
