George Stubbs

(nacido en Liverpool el 25 de agosto de 1724 – fallecido en Londres el 10 de julio de 1806), conocido sobre todo por sus pinturas de caballos.

Stubbs era hijo de un curtidor. La información que se conserva sobre su vida hasta los treinta y tres está muy dispersa, y se encuentra sobre todo en unas notas manuscritas por un artista amigo, Ozias Humphry, al final de la vida de Stubbs. Stubbs fue durante algún tiempo aprendiz de un pintor y grabador de Lancashire llamado Hamlet Winstanley, pero pronto le abandonó disgustado por el método, que consistía en copiar otras obras. Entonces empezó un aprendizaje autodidacta. En la década de 1740 trabajó como retratista en el norte de Inglaterra y, desde 1745 a 1751 estudió anatomía humana en el Hospital del Condado de York. Mostraba pasión por la anatomía desde su niñez, y uno de sus trabajos más antiguos que se conserva es un conjunto de ilustraciones para un libro de texto sobre ginecología que se publicó en 1751.

En 1755 visitó Italia. Cuatro años más tarde le diría a Ozias Humphry que su motivo fue “convencerse de que la naturaleza fue y siempre es superior al arte griego o romano, y habiendo renovado esta convicción inmediatamente decidió volver a casa”. Más tarde alquiló una granja en Linclnshire y pasó 18 meses diseccionando caballos. Se trasladó a Londres alrededor de 1759 y en 1766 publicó “La anatomía del caballo”. Sus dibujos originales se encuentran actualmente en la colección de la Royal Academy.

Antes incluso de que se publicase el libro, los dibujos de Stubbs fueron vistos por mecenas de la aristocracia, que reconocieron que su trabajo era más preciso que los de anteriores pintores equinos como James Seymour y John Wootton. En 1759 el tercer Duque de Richmond le encargó tres grandes pinturas, lo que aseguró su carrera. Para 1763 había producido trabajos para muchos más duques y otros señores, lo que le permitió comprar una casa en Marylebone, una zona elegante de Londres, donde vivió el resto de su vida.

Su trabajo más famoso es probablemente Whistlejacket, una pintura de un caballo encabritado que le encargó el Marqués de Rockingam, que ahora se encuentra en la National Gallery de Londres. Ésta, junto con otras dos pinturas, encargadas por Rockingam rompieron con la convención de tener fondos anodinos. Durante la década de 1760 produjo un amplio abanico de cuadros de caballos, representados en grupos o individualmente, acompañados en ocasiones por perros. A menudo pintó caballos acompañados de sus mozos de cuadra. Mientras tanto continuó aceptando encargos de retratos de personas, entre ellos algunos de retratos de grupos. Desde 1761 a 1776 expuso en la Society of Artists, pero en 1775 se afilió en cambio a la más prestigiosa Royal Academy.

Stubbs pintó también otros animales exóticos, como leones, tigres, jirafas, monos y rinocerontes, que pudo observar en reservas privadas. Empezó a interesarse en el tema de un caballo salvaje amenazado por un león, y pintó muchas variaciones de este tema. Estas y otras obras se hicieron muy conocidas en la época a causa de los grabados de su trabajo, que aparecieron en las décadas de 1770 y 1780.

Stubbs también realizó pinturas históricas, mucho menos apreciadas. Desde finales de la década de 1760 produjo algunas obras en esmalte. En la década de 1770 Josiah Wedgwood desarrolló un nuevo tipo de panel esmaltado a petición de Stubb. También en la década de 1770 pintó retratos de perros aislados por primera vez, lo que le procuró también numerosos encargos de señores que querían retratar sus cacerías con perros. Siguió pintando activamente hasta una avanzada edad. En la década de 1780 pintó unas series pastorales llamadas Haymakers and reapers, y a finales de la década de 1790 disfrutó el mecenazgo de Jorge IV, que pintó a caballo en 1791. Su último proyecto, empezado en 1795, fue A comparative anatomical exposition of the structure of the human body with that of a tiger and a common fowl (una exposición anatómica comparativa de la estructura del cuerpo humano con la de un tigre y un ave de corral), grabados que aparecieron entre 1804 y 1806.

Gilbert Stuart

Gilbert Charles Stuart (nacido Stewart) (3 de diciembre de 1755 - 9 de julio de 1828) fue un pintor estadounidense.

Gilbert Stuart está ampliamente considerado como uno de los más destacados retratistas estadounidenses. Su obra más conocida, George Washington (también conocido como El Ateneo y el Retrato inacabado) fue terminado en 1796. La imagen de George Washington representada en la pintura ha aparecido en el billete de un dólar de los Estados Unidos durante más de un siglo.

A lo largo de su carrera, Gilbert Stuart produjo retratos de más de mil personas, incluyento los primeros seis Presidentes de los Estados Unidos. Su obra puede encontrarse actualmente en museos de arte de todos los Estados Unidos y el Reino Unido, de manera destacada en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, la Galería Nacional de Arte de Washington, D.C., la Galería Nacional de Retratos del Reino Unido en Londres, y el Museo de Bellas Artes de Boston.

Gilbert Stuart nació en Saunderstown, Rhode Island en 1755. Era el tercer hijo de Gilbert Stewart, un inmigrante escocés empleado en la industria del tabaco, y Elizabeth Anthony Stewart, miembro de una prominente familia terrateniente de Middletown, Rhode Island.

Gilbert Stuart se trasladó a Newport, Rhode Island a los siete años de edad, donde su padre buscó trabajo en el campo del comercio. En Newport, Stuart comenzó a mostrarse como una gran promesa de la pintura. Fue instruido por Cosmo Alexander, un pintor escocés painter. Bajo la guía de Alexander, Stuart pintó el famoso retrato Dr. Hunter's Spaniels, que actualmente cuelga en el Hunter House Manison de Newport, cuando tenía 12 años de edad

.En 1773, a la muerte de su maestro, Stuart regresó a Newport e intentó ganarse la vida como retratista, pero sus esfuerzos se vieron en peligro por el estallido de la Revolución Americana y sus perturbaciones sociales. Siguiendo el ejemplo de John Singleton Copley, Stuart marchó a Inglaterra en 1775. Se convirtió en protegido de Benjamin West, con quien estudió durante los seis años siguientes.

Llegó un momento en que el precio de sus cuadros sólo era superado por los de los renombrados artistas ingleses Joshua Reynolds y Thomas Gainsborough, quienes representaban la tradición del retrato inglés que siguió el propio Stuart. A pesar de los muchos encargos que tenia, Stuart era despreocupado en materia financiera, y corrió el riesgo de ser enviado a prisión por deudas. En 1787 huyó a Dublín, Irlanda, donde siguió pintando y acumulando deudas con igual vigor.

Debido a su falta de dinero, Stuart regresó a los Estados Unidos en 1793, estableciéndose durante un corto periodo de tiempo en Nueva York. En 1795 se trasladó a Germantown, Philadelphia, Pennsylvania, cerca (y actualmente parte de) Filadelfia, que entonces era la capital de los EE. UU. donde abrió un estudio.Allí fue donde obtendría su lugar en el mundo artístico, así como fama perdurable con sus cuadros de muchos estadounidenses importantes de la época.

A partir de 1795, Stuart pintó a George Washington en una serie de retratos. Pintó igualmente retratos de los presidentes que sucedieron a George Washington en el cargo.

Stuart se trasladó a Boston en 1805, continuando su éxito crítico y sus problemas financieros. A su muerte, Stuart dejó muchas deudas a su familia, por lo que su esposa e hijas fueron incapaces de comprar una tumba para él. Stuart fue por lo tanto enterrado en una tumba sin señalar.

Bernardo Strozzi

Italia
Génova 1581 - Venecia 1644

Pintor genovés de pintura religiosa, muy influido por Rubens. Trabajó en Venecia durante el siglo XVII, en el estilo barroco.
En 1597 se hizo monje capuchino, de donde le viene el apodo. Profesó ininterrumpidamente hasta 1610, año en que la orden le dio permiso temporal para ir a cuidar a su madre enferma. Ésta murió en 1630, por lo que la orden le pidió que se reintegrara. Parece ser que Strozzi no deseaba regresar, de modo que en 1631 cambió su residencia a Venecia.
Este cambio no sólo estuvo motivado por su deseo de huir de la orden de los capuchinos, sino por sus propias tendencias pictóricas. A lo largo de toda su vida, Strozzi había pintado lienzos en Génova, dedicados a retratos, alegorías, mitologías, escenas de género y religión. Durante su etapa genovesa, había conocido la obra de Van Dyck, que también trabajó allí y dejo una huella de elegancia en su pintura. También en Génova trabajó durante unos años Rubens, que inundó su concepción pictórica de colorido y sensualidad, dos cualidades que se encontraban también en la pintura veneciana. Es por ello tal vez que eligiera Venecia como refugio. Una vez allí no tardó en encontrar trabajo. Se mantuvo trabajando allí hasta su muerte, junto con otros pintores de otras repúblicas italianas, ante la falta de pintores venecianos.

Bernhard Strigel

Bernhard Strigel (c. 1461 - 1528) fue un pintor aleman. Nació en Memmingen y fue probablemente alumno de Zeitblom en Ulm. Al servicio del Emperador Maximiliano I viajó en repetidas ocasiones a Augsburg, Innsbruck y Viena.

Sus pinturas religiosas, que incluyen cuatro altares con escenas de la "Vida de la Virgen", en la Galería de Berlín, y 10 pinturas que ilustren la "Genealogía de Cristo", en el Museo Germánico, Nuremberg, son históricamente interesantes, pero de menos valor artístico de sus retratos.

Juriaen van Streeck

Dutch Baroque Era Painter, 1632-1687

JASTAS PISTA?

voto a cambio de parella de baile-

Hace días que escribí esa entrada y no ha hecho ningún efecto....Menos mal que acabo de hablar con mi amiga Cris y me ha dado la clave: "lo has puesto en letras pequeñas,¿no te das cuenta que van a responder los que ya les cuesta leer? CLAROOOOOOOOO AHI ESTA EL FALLO.

Solo féminas se han unido a la propuesta, esto ya se está convirtiendo en una "caravana de mujeres"

LO PONGO EN GRANDE

NUESTRO VOTO A CAMBIO DE UN BAILE- SIN BAILE NO HAY VOTO


jfmarcelo ha dejado un nuevo comentario en su entrada "JASTAS PISTA?":

Hola Inés:
Me alegro que te gusten mis fotos. Lo de que buscas bailarín, además de que soy muy bailongo, hice vatios cursos de bailes de salón y varios de salsa y merengue, así es que ya lo sabes.
Sigue visitandome ¿vale?
Un besote.

MI COMENTARIO- ja ja, gracias. Anotate el número uno


Anónimo ha dejado un nuevo comentario en su entrada "JASTAS PISTA?":

Que poco decididos!

Será que el ritmo no es lo suyo?



Publicado por Anónimo para lembranzas a las 28 de noviembre de 2008 5:44

MI COMENTARIO- Ya sabes lo que pasa.... te dicen si que bailo!!!!! el mejor bailarín del mundo!!!!! pero a la hora de la verdad na de na

Sebastian Stoskopff

Stoskopff Sebastián nació en 1597 en Estrasburgo. Su padre era empleado municipal desde 1590 y actuaba como mensajero o escolta real, conduciendo un carro tirado por caballos. En 1614, el padre de Stoskopff pidió ayuda al consejo de Estrasburgo para su hijo de 17 años de edad. Quería que el aprendiese a pintar, ya que Sebastián ya había mostrado gran talento en dibujo desde los 15 años. El Consejo acordó enviar al joven artista en primer lugar a Estrasburgo con el pintor y grabador de cobre, Friedrich Brentel. Sin embargo, sólo aprendió a perfeccionar su dibujo y no fue, como se esperaba, introducido en el arte de la pintura.

En 1615, el padre de Stoskopff se murió y su madre viuda se dirigió a Estrasburgo al consejo una vez más para pedir apoyo para la formación de su hijo. Stoskopff fue enviado con Daniel Soreau, un pintor de Hanau. Al principio, Soreau no estaba muy entusiasmado, ya que normalmente eligía a sus aprendices entre sus parientes y amigos cercanos. Sin embargo, finalmente accedíó, y les aseguró que haría un Albrecht Dürer de aquel aprendiz.

Despues de la muerte de Soreau en 1619, Stoskopff se hizo cargo de su taller con los aprendices, tomando la función de maestro. Uno de los aprendices fue Joachim von Sandrart que más tarde se convirtió en un pintor de renombre y escribió la primera obra importante en la historia del arte en idioma alemán: "Teutsche Academie der Bau-, Bild, - Malerey-und Künste" . Este trabajo contiene descripciones de la vida de los artistas contemporáneos, incluyendo descripciones de la época en Hanau con su maestro, Sebastian Stoskopff.

Después de su intento de obtener el permiso para establecerse en Frankfurt, Stoskopff se fue a París. Sus primeras obras en formato más grande también se crearon ahí, como "el verano" o "invierno" (en la actualidad en Estrasburgo).

Stoskopff regresó a Estrasburgo en 1639. Pudo haber sido por razones familiares o por el fuerte aumento de los conflictos religiosos en París. Un año más tarde, ingresó en el gremio de Steltz, al que pertenecían otros pintores, grabadores de cobre y artesanos. Hubo muchas discusiones despues de unirse el al gremio, entre otras cosas porque Stoskopff amaba su libertad y queria ser un artista independiente. Logró la riqueza y el prestigio en Estrasburgo y se casó con la hijastra de su hermana menor en 1646.

A partir de 1650, Stoskopff se orientó más y más hacia Idstein, donde mantuvo una estrecha y buena relación con el conde Johannes von Nassau en su última fase de la creatividad hasta su muerte. El conde era un luterano y apoyaba a la Unión Protestante. Fue el apoyo más importante de Stoskopff en este momento. Joachim von Sandrart era un hombre influyente y negoció la compra de cuadros de Stoskopff con el conde.

Stoskopff Sebastián murió en 1657 a la edad de 60 años en un bar. Según se informó,se suponía que había muerto a causa de tomar demasiado alcohol. Casi 20 años después,se descubrió que Stoskopff había sido asesinado por una acusación de brujería contra el propietario del bar y una mujer. El propietario había matado a Stoskopff por codicia.

Tobias Stimmer

Tobias Stimmer

(Schaffhausen, 1539-Estrasburgo, 1584) Pintor y grabador suizo. Es autor del fresco de la fachada de la Haus zum Ritter de Schaffhausen y de diversas pinturas para el reloj astronómico de la catedral de Estrasburgo, así como de diversos retratos en la línea de Hans Holbein el Joven (Retrato de Konrad Gessner). Su estilo, robusto y tendente a lo ornamental, le convierte en uno de los precursores del barroco.

Joseph Karl Stieler

Beethoven

Joseph Karl Stieler (1 de noviembre de 1781 - 9 abril 1858) fue un pintor alemán. Nació en Maguncia en una familia de grabadores, Stieler recibido alguna formación artística de su padre, Stieler Friedrich (1736-1789). Stieler comenzó su carrera como pintor de miniaturas.

Su estilo como retratista se formó especialmente durante su trabajo en el taller parisino de François Gérard.

En 1808, se estableció en Frankfurt am Main. Viajó por Italia en 1810. En 1816, viajó a Viena para pintar el retrato del emperador Francis I de Austria. Entre febrero y abril de 1820, trabajó en el retrato de Beethoven, que es probablemente la más conocida representación del compositor el día de hoy.

Stieler trabajó principalmente al servicio de la corte Baviera.

Stieler también pintó los retratos de Goethe, Amalia de Grecia, Friedrich Wilhelm Joseph von Schelling, Johann Ludwig Tieck, y Alexander von Humboldt.

Murió en Munich.

Carl von Steuben

1788-04-18 1856-11-21 Bauerbac- Paris

Jacques Stella

(Lyon, 1596 - París, 29 de abril de 1657) es un pintor del clasicismo francés.

A edad temprana se trasladó a Florencia, donde trabajó al servicio del duque Cosme II de Médicis junto al grabador Jacques Callot. Tras la muerte del duque en 1621, se instaló en Roma, donde se movió en un círculo de artistas de nivel medio, elaborando pinturas de formatos reducidos, algunas sobre piedras como onyx y lapislázuli. Tuvo encargos del papa Urbano VIII.

De nuevo en su país, tuvo el apoyo del cardenal Richelieu, cuyo palacio decoró.

Sus obras se caracterizan por elegantes figuras de modelado escultórico bajo influencia de Poussin, con un colorido sobrio.

A su muerte sin hijos, su taller pasó al mando de sus sobrinos, los Bouzonnet, que adoptaron su apellido (Bouzonnet-Stella). Su sobrina Claudia, más conocida como Claudine, reprodujo en grabado varios de sus diseños. Debido a intermediarios poco escrupulosos, muchas de sus obras (pinturas, dibujos y grabados) fueron vendidas bajo la atribución a Poussin.

El Greco, forma y espíritu

«El Greco», bajo la sombra alargada de la Inquisición

«El Greco. Nick Ashdon
F. M. B.
Un año después de convertirse en un fenómeno en Grecia, llega a nuestras pantallas esta coproducción sobre la vida del pintor renacentista Domenikos Theotokopulos, dirigida por el director cretense Iannis Smaragdis y protagonizada por el británico Nick Ashdon, más acostumbrado a los escenarios, y por los españoles Laia Marull y Juan Diego Botto. La cinta cuenta además con una banda sonora de lujo, obra del compositor griego Vangelis, quien prefirió este proyecto a sendas ofertas de Oliver Stone y Ridley Scott.
Smaragdis, que presume de haber nacido a 300 metros de la casa del artista y autor de otra película sobre el poeta Kavafis, ha puesto el acento en la relación entre El Greco y Tiziano, con quien coincidió en Venecia, así como en la historia de amistad y odio que mantuvo a lo largo de su vida con el Niño de Guevara, un sacerdote español que acabará como Gran Inquisidor. Como curiosidad, el retrato del cardenal se conserva en Washington.

¿Sabías que El Greco fue perseguido por la Inquisición?

( ARTELISTA) ARTICULO NO HISTORICO?

El cretense Doménikos Theotokópoulos, conocido con el sobrenombre de El Greco, popular por su obra de temática religiosa desplegada en Toledo en la que predominaban alargadas figuras manieristas, fue interrogado por la Inquisición en 1541(?) debido a que en sus pinturas las alas de los ángeles no eran congruentes con las normas del decoro, esto es, no correspondían con las medidas que presuntamente describía la Biblia. Se le inculpaba de transgredir la conveniencia armónica que clásicos como Horacio en su Ars poética o Vitrubio en su obra arquitectónica habían elevado a principio o axioma artístico.



El Greco interrogado ante la Inquisición

El estilo excepcional que El Greco legaría a la posteridad del arte y se identificaría finalmente con el espíritu de la Contrarreforma, se caracterizaba por la presencia de figuras deformadas de rostro y manos oblongas presentes en ambientes indefinidos donde predominaba el contraste cromático, rasgos que dotaban a la obra de un aura caliginosa, una neblina fantasmal trepidando el convencionalismo eclesiástico que veía en su pintura atisbos de un misticismo católico poco ortodoxo. Estas peculiaridades del artista renacentista se atribuyen a su tradición bizantina inherente a su procedencia griega más que a la voluntad premeditada de quebrantar el regio convencionalismo que imperaba en la época. Con todo, tuvo que comparecer ante un tribunal toledano acusado de herejía. En su defensa espetó un ambiguo alegato, “pinto así porque el mayor defecto del hombre es ser pequeño”, embrollándose en la posible irritación de un juez inquisitorial.


El Decorum

Los tratadistas y artistas del Renacimiento italiano absorbieron la idea de conveniencia con la realidad cedida por la idea griega que consideraba el arte como tekné, esto es, disciplina imitativa basada en la reproducción fiel del entorno. Para comprender cómo brotó tal noción debemos remontarnos a las ideas de correspondencia expresadas por los filósofos de la antigüedad, como la teoría platónica enunciada en la República, en la que acusa a los falsos poetas de tergiversar la realidad con falsos mitos y placebos, mientras que el arte debe ser utilizado para la comprensión de la physis (naturaleza), resultando más excelso en la medida en que se asemeje más a la entidad imitada y ayude a desvelarla. En el Renacimiento, Alberti, Leonardo o Palladio reivindican esa adecuación con lo empírico. A mediados del siglo XVI, Federico de Holanda indica la necesidad de rigor histórico en la pintura, cuidar cada detalle de las obras para que se ajusten a la “verdad” contemplada. El decorum llega a la Península Ibérica junto con la plástica italianizante del Quatrocentto, desplazándose paulatinamente del ámbito estrictamente formal y estético a un plano moral en el que la Iglesia ubica una retórica encauzada a purgar hábitos y costumbres corrompidos. Es significativo el interrogatorio al que se ve sometido El Greco, pues resulta evidente que sus obras se alejan hondamente de los preceptos estipulados por el dogma eclesiástico y la imperiosa correspondencia, en este caso, con la realidad formulada en la Biblia.

Controversia con El Expolio


El fervor místico emanado de las pinceladas del Greco volvió a provocar una áspera controversia en 1579 entorno a su obra El Expolio, encargada por el cabildo de la catedral de Toledo, institución que se mostró indignada con ciertos detalles de la pintura. En su visión subjetiva de la Pasión de Jesucristo, El Greco cambió el manto púrpura lucido por éste por otro bermejo, y algunos de los atormentadores pintados de grises oscuros con caras crueles que rodeaban a Cristo sobresalían a su figura. La disputa entre el pintor y los comités eclesiásticos se solventó en el encargo de un nuevo cálculo del precio de la polémica pintura, concluyendo finalmente que su valor era incalculable. Dicha querella confirió al Greco una valiosa reputación que haría duplicar sus encargos.
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Anónimo ha dejado un nuevo comentario en su entrada "¿Sabías que El Greco fue perseguido por la Inquisi...":

¿Cómo pudo el Greco ser perseguido por la Inquisición en 1541 si ese fue el año de su nacimiento?

¿Y cómo convertís en historia la ficción creada para dar dramatismo a la novela "El Greco pinta al Gran Inquisidor" de Stefan Andre, o la última película sobre el Greco?

Acudid a las fuentes de la época o a historiadores antes de ir inventándoos la historia del Greco.

MI COMENTARIO- Tienes toda la razón. Este artículo fue enviado por ARTELISTA. Pondré las interrogaciones...
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Anónimo ha dejado un nuevo comentario en su entrada "¿Sabías que El Greco fue perseguido por la Inquisi...":

Os refiero a Jonathan Brown, uno de los mayores expertos en el tema de El Greco...es lamentable que la MALÍSIMA película sobre el insigne pintor, se tome por artículo de fé.

Con anterioridad ambos Veronese y Tintoretto tuvieron que defender sus realizaciones pictóricas religiosas ante mentes mezquinas de la Inquisíción pero salieron absueltos. El Greco sufrió ataques similares por poner a las tres Marías donde los Evangelios no las mostraban (la Crucifixión) o por poner cabezas más altas que la de Cristo (El Expolio) pero salió igualmente airoso de ellas.

Me parece un disparate hacer de su padre un revolucionario anti establishment veneciano, de su marcha a Venecia una huída...y tantas otras cosas.

Por lo visto no vendió ningún cuadro pues los tenía a través de su vida en su estudio...el Expolio le acompañó hasta su muerte.

Cuando acabó la película ví lo único verdadero dicho en ella: "Nació en Creta, murió en Toledo"

Firmado:Carmela Hernández

Robert Motherwell: Tres poemas de Octavio Paz

El expresionismo abstracto del estadounidense Robert Motherwell se funde con la poesía del Nobel mexicano Octavio Paz en la exhibición de 27 litografías y diversos textos que la Fundación Juan March organiza en el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca (España). Interacción entre la pintura y el verso de dos amigos que gestaron algunas de sus obras a partir de la recíproca contemplación y admiración artística.


Pintura y poesía unidas

La exposición parte de la aproximación insólita de dos grandes genios de disciplinas diferentes que juntaron sus enfoques creativos en 1967, a partir de una visita que Motherwell realizó a México. El resultado fueron 34 hojas de textos ilustrados parcialmente que procedían de una carpeta con tres poemas: Nocturno de San Ildefonso, Vuelta y Piel/Sonido del mundo, compuestos por el literato mexicano después de sus viajes a la India, Norteamérica y Europa. La carpeta, editada en 1981, constaba de textos en inglés y español impresos en bicolor sobre papel Arche en el que ulteriormente se imprimieron 27 litografías que hoy pueden contemplarse en el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca, rematando la retrospectiva que la sede de la Fundación Juan March presentó en 1980 sobre la obra del propio Motherwell, quien visitó entonces la capital por este motivo.

Admiración mutua

Los tres poemas creados por Octavio Paz a su vuelta a México, el último de ellos bajo la inspiración y contemplación de la obra plástica de Motherwell, y la expresividad austera del norteamericano son el leit motiv por el que discurre esta exposición. La combinación de la escritura y el carácter plástico se funden robusteciendo las peculiaridades de ambos artistas. En sus inicios, Motherwell poseía una carrera dilatada como escritor de arte, pero en 1941 se trasladó a terreno pictórico después de su primer viaje a México con su amigo Roberto Matta. Sus obras primerizas exudaban un marcado surrealismo europeo y la preocupación por la condición humana, así como el intento de evocar experiencias morales y políticas muchas de las cuales ubicaba en los versos tejidos por Octavio Paz. Su amistad con los expresionistas abstractos norteamericanos le induciría a realizar obras marcadamente gestuales, de las que se distanciaría a finales de los 60 con sus Open series y los colores delineados con carboncillo, alternando la austeridad y la expresividad en collages y grabados. "Robert Motherwell: Tres poemas de Octavio Paz", constituye una oportunidad para contemplar la colaboración de dos grandes artistas del siglo XX que mediante el respeto y la admiración mutua supieron expresar aquellos anhelos que compartían.

La invención del siglo XX. Carl Einstein y las Vanguardias

Bajo el amparo crítico de los ensayos de Carl Einstein, el Museo Reina Sofía en Madrid (España) propone una nueva visión de las vanguardias de primera mitad del siglo XX, plasmando visualmente la obra de este teórico del arte con piezas de aquellos artistas que conoció y cuya obra fue sometida a minuciosa reflexión.




La Vanguardia tamizada por los trazos de la crítica

El impacto y sentido que una obra de arte adquiere en la conciencia colectiva, esto es, su impulso histórico y revulsivo, la trascendencia que entraña más allá de la mera subjetividad, viene conferida, en muchos casos, por la reflexión y teorización que en ella se proyectan. Las vanguardias de primera mitad del siglo XX superaron el ámbito puramente estético para alzar la voz como reflexión, crítica, renuncia y propuesta que abarcaba diferentes ámbitos de la existencia humana: los cambios en la forma de concebir el arte y sus novedosas expresiones constituían análogamente nuevas formas de observar la realidad, posicionamientos palpitantes que se nutrían del sentido que se les atribuía. Carl Einstein criticó, reflexionó y escribió acerca del dadaísmo y verismo, del cubismo, surrealismo y arte durante la Guerra Civil española, convirtiéndose en uno de los principales historiadores de la vanguardia, cuya manifestación artística iría indefectiblemente unida a su análisis. Así, la exposición reúne obras de Braque, Dalí, Grosz, Léger, Miró, Picasso, Rousseau, Paul Klee y Otto Dix, entre otros, ofreciendo la visión de un historiador que intervino activamente en la ebullición artística de su época, dejando como legado la visión que ésta suscitó en sus escritos.


Ligazón de Carl Einstein con una época

Carl Einstein participó en la Guerra Civil Española como técnico de guerra en 1936, escribió numerosos artículos, críticas y ensayos -destacando "El arte del siglo XX" editado en el 26 y la revista Documents (1929-30)-, fue un espectador privilegiado del tumulto artístico y se convirtió en uno de los más célebres historiadores de su tiempo, atendiendo, además de a las artes plásticas, a la literatura, teatro, cine y a la acción política. La exposición "La invención del siglo XX" es un homenaje a esta personalidad polifacética e influyente cuya obra ha sido redescubierta en las últimas décadas y supone un testimonio de primera mano indispensable que, por vez primera, se traslada visualmente.

Programa de Becas III Milenio para artistas y creativos

La Corporación III Milenio es una entidad internacional sin ánimo de lucro creada en el Foro del Milenio de Naciones Unidas a propuesta de diversas ONG, orientada a ayudar a todo tipo de artistas, noveles o profesionales, sea cual sea su nacionalidad, a desarrollar sus proyectos. El programa de becas tiene una asignación presupuestaria anual de 300.000 euros, repartidos entre 150 y 200 becas que se conceden en función de las solicitudes presentadas.


Requisitos

Artistas de cualquier nacionalidad y residencia, amateurs o profesionales, con independencia de su disciplina artística -pintores, escritores, directores de cine o fotógrafos, entre otros- con la única condición de ser creativos y mayores de 18 años, pueden solicitar una beca para desarrollar su actividad artística en el Centro, situado en el Complejo Rural Mirador del Jucar. La petición se debe realizar on-line y el proyecto presentado debe ser compatible con los medios y con las actividades realizadas en el Centro. Además deberá indicarse la duración de la estancia -entre 15 y 180 días por año natural-, las fechas pretendidas y otras alternativas, una breve declaración del artista en la que explique su actividad y los objetivos pretendidos, una carta de motivación con los motivos que le inducen a querer optar a la beca, un currículum resumido, una foto propia y tres de su obra.

Premios

El programa tiene asignados 300.000 euros que reparte anualmente entre 150 y 200 becas, por lo que las becas fluctúan entre los 1.000 y los 6.000 euros en función del proyecto presentado y de la duración de la estancia en el Centro. La beca cubre el 90% de la cantidad establecida como compensación por la utilización de los talleres del Centro y hasta el 70% del coste del alojamiento. Se facilitarán materiales, medios y recursos para dinamizar los proyectos, así como actividades que potencien la interrelación entre los artistas.

El Gobierno plantea que Citroën haga en Vigo un coche eléctrico para sortear la crisis

crisis de la automoción El Gobierno plantea que Citroën haga en Vigo un coche eléctrico para sortear la crisis

La factoría viguesa advierte de que no ha recibido ninguna propuesta por parte del Ministerio de Industria

Sebastián y las autonomías acuerdan un plan conjunto para la automoción el día en que Ford presentó un ERE temporal para 5.000 empleados


MI COMENTARIO-El Ministro de Industria visita las autonomías donde hay fabricas de coches y ha dado CON LA SOLUCION "FABRIQUEN USTEDES UN COCHE ELECTRICO". Y nos piden confianza, de verdad que la situación está PARA ASUSTARSE.

Jan Steen

Jan Havickszoon Steen (c. 1626, Leiden - enterrado el 3 de febrero, 1679 en Leiden) fue un pintor holandés del siglo XVII (conocida también como la edad de oro Holandesa).

Steen fue criado en una familia adinerada que administraba una taberna en Leiden. Como su contemporáneo aún más famoso Rembrandt van Rijn (1606 - 1669) Jan Steen acudió a la escuela de latín en Leiden. Recibió su formación en pintura del maestro Nicolaes Knupfer (1603 - 1660), que era un pintor alemán especializado en escenas históricas en Utrecht. La influencia de Knupfer se puede encontrar en el uso que hace posteriormente Steen de la composición y del color de los cuadros. Otra fuente de la inspiración era Adriaen van Ostade (1610 - 1685), pintor de escenas rurales que vivió en Haarlem. Si Steen estudió realmente con Ostade es algo que no se sabe con certeza en la actualidad.

En 1648 Jan Havickszoon Steen se unió al gremio de pintores de Leiden, "Guilda de San Lucas", pero tras haberse convertido en un ayudante del pintor Jan van Goyen (1596 - 1656), conocido por sus paisajes, se trasladó a vivir al Bierkade en La Haya. En 3 de octubre de 1649 contrajo matrimonio con Margriet de van Goyen, hija del maestro y con la quien tendría siete niños. Steen trabajó con su suegro hasta 1654, cuando se trasladó con su familia a Delft, donde abró una fábrica de cerveza llamada De Roscam (El peine) sin lograr mucho éxito. Vivió en Warmond en el periodo que va desde 1656 hasta 1660 y en Haarlem de 1660 hasta 1670, un periodo especialmente productivo. En el año 1670, tras la muerte de su esposa en 1669 y de su padre en 1670, Steen se trasladó de nuevo a Leiden, lugar donde permanecería el resto de su vida. En abril de 1673 se casó otra vez, con Maria van Egmont, que te dio otro niño. En 1674 se hizo presidente del gremio de San Lucas. Murió en 1679 y fue enterrado en un sepulcro de la familia en el Pieterskerk.

La vida cotidiana era uno de los temas principales de Jan Steen. Muchas de las escenas que él retrató son animadas hasta el punto de llegar a mostrar una diversión caótica. Las indirectas sutiles que muestran algunas de sus pinturas parecen sugerir al espectador que imite este comportamiento lúdico, aunque también se detectan mensajes moralizantes. Muchas de las pinturas de Steen llevan referencias a viejos proverbios y relatos holandeses. Steen empleó a miembros de su propia familia como modelos y también se pintó en bastantes autorretratos, en los cuales se puede ver que no demuestra ninguna tendencia a la vanidad.

Andreas Stech

1635- 1697 Stolp Danzig POLONIA

Jan Stanislawski

Ucrania 1860 - Cracovia 1907

Bartholomäus Spranger

Bartholomaus Spranger (1546 - 1611)
flamenco

Bartholomeus Spranger estudió en su ciudad natal de Amberes, donde fue influido por Frans Floris. Viajó a Italia desde 1565 hasta 1575 y pasó la mayoría de ese tiempo en Roma. Spranger luego pasó cinco años en Viena antes de establecerse en Praga. En 1581, fue nombrado pintor de corte del emperador Rudolph II. Sus pinturas son a menudo de temas mitológicos y de estilo semejante a Hans von Aachen.

Carl Spitzweg

(5 de febrero de 1808 - 23 de septiembre de 1885) fue un pintor alemán del Romanticismo, considerado entre los representantes más importantes del período Biedermeier.

Nació en Unterpfaffenhofen, segundo de tres hijos de Franziska y Simon Spitzweg. Su padre, rico mercader,le hizo estudiar farmacia. Carl comenzó a pintar después de una enfermedad en forma autodidacta, copiando los trabajos de los maestros flamencos. Sus primeras obras propias fueron contribuciones a revistas satíricas.

Más tarde, Spitzweg visitó los centros artísticos europeos, donde estudió la obra de varios artistas y refinó su técnica y estilo: en sus viajes visitó Praga, Venecia, Paris, Londres y Bélgica.

Sus últimas obras son casi todas retratos humorísticos y excéntricos.