Ludovico Cardi "CIGOLI"

Pintor y arquitecto italiano, entre finales del Manierismo y el primer Barroco, Lodovido Cardi apodado Cigoli, fue activo en Florencia y Roma. Tomó el apellido de la Villa Castelvecchi de Cigoli, en Toscana. Su primera formación fue  con Alessandro Allori (1535-1607), un pintor importante de finales del Manierismo, que había estudiado con su tío, Bronzino (1503-1572). Sin embargo Cigoli desarrolló su propio estilo bajo la influencia de Santi di Tito (1536-1603), exponente del Contra-manierismo. Con la influencia de Federico Barocci (1528-1612), el estilo de Cigoli se liberó de las cadenas del Manierismo y añadió a sus obras posteriores un expresionismo que a menudo carece en la pintura florentina del siglo XVI.

Su Ecce homo, realizado para el noble romano Massimo Massimi, muestra claras similitudes con el arte barroco de Caravaggio (1571-1610). Por lo tanto, parece que se ha realizado conociendo la obra de Caravaggio, aunque Cigoli carece del poder del naturalismo de Caravaggio, a pesar de que las sombras en el fondo y dispersas en el primer plano demuestran cómo el artista se había alejado de las gloriosas representaciones históricas de Florencia.
Sus otros trabajos importantes incluyen San Pedro cura a un paralítico, para la basílica de San Pedro en Roma, la Conversión de san Pablo, para la iglesia de San Paolo fuori le Mura, y las historias de Psique en los frescos de la Villa Borghese. Su Martirio de San Esteban le valió el apodo de "Correggio florentino", en referencia a las figuras dinámicas de Antonio da Correggio (1489-1534). También recordamos Venus con Sátiro, el Sacrificio de Isaac, el San Francisco recibiendo los estigmas, ahora en los Uffizi de Florencia. Bajo petición del papa Pablo III (1468-1549), Cigoli fue nombrado Caballero de Malta.
Tuvo muchos discípulos importantes, incluyendo Cristofano Allori (1577-1621), hijo de Alessandro, el pintor de orígen flamenco Giovanni Biliverti (1585-1644) y el florentino Gregorio Pagani (1558-1605).

Palma el Joven

(Venecia, h. 1548-1628). Pintor italiano. Ante la progresiva desaparición de los grandes maestros venecianos del siglo XVI Jacopo Negretti se convirtió en el artista más destacado y reputado de la ciudad. Se formó en el entorno familiar, hijo de Antonio Negretti y sobrino-nieto de Palma el Viejo, a lo que hay que sumar su breve paso por el taller de Tiziano. Trabajó en Urbino bajo la invitación del duque Guidobaldo, quien lo conoció en Venecia en 1564. También por indicación del duque marchó posteriormente a Roma, donde llegó en 1567, para regresar a Venecia en 1570. 

Aunque esta estancia veneciana ­debió de ser breve, y su ubicación defi­nitiva en la ciudad lacustre no se llevaría a cabo hasta 1578, cuando fue contratado para la realización de dos pinturas para la Sala del Gran Consejo del Palacio Ducal. Desde entonces asimiló de manera un tanto ecléctica la lección de los grandes maestros y fundamentalmente la de Tintoretto, a la que sumó el interés por el dibujo, aspecto éste que se convertiría en el más novedoso de la pintura veneciana del cambio de siglo y del que tradicionalmente había permanecido huérfana. Fue un artista especialmente prolífico, solicitado con frecuencia para gran variedad de empresas públicas por parte de las autoridades eclesiásticas y políticas de la Serenísima. En ellas demostró sus dotes para la representación de todo tipo de sujetos, aplicando con eficacia una serie de esquemas y formulaciones aprendidas sin una evolución apreciable ni en su estilo pictórico ni en sus modelos.

Museo del Prado

ANTONIO FERNANDEZ

Antonio Fernández nace el 12 de febrero de 1882 en Goián - Tomiño (Pontevedra). Muere el 20 de enero de 1970. Emigró a Brasil a los doce años y recibió clases de dibujo y pintura. En la Exposición de Bellas Artes de Río de Janeiro obtiene la segunda medalla. En 1929 regresa definitivamente la Goián y continúa exponiendo en Brasil y España. Además de las colecciones de Brasil y España, fue representado en casi todos los museos de Galicia y el Museo de Lugo le dedicó la Sala Antonio Fernández. La extraordinaria sensibilidad de Antonio Fernández Gómez se ve reflejada en su pintura, sencilla y llena de luz. Con asociaciones de verdes, azules y ocres retrata espléndidos paisajes y montañas y animales como en su óleo Atardecer en la montaña. De las exposiciones celebradas entre 1922 y 1936 son sus lienzos Voltas ao aprisco, Venres Santo, As fiandeiras, Rebaño, Paisaxe con ovellas y otros más de tema pastoril. En los últimos años se centra en paisajes marinos. La obra que se encuentra en el Centro Español de Santos es un paisaje idílico que representa a unos árboles en la orilla de un río con unas casas al fondo. La luz es tenue y le confiere a la obra un halo de irrealidad. La técnica empleada para su realización es el óleo.

Benito Prieto Coussent

Benito Prieto nació en Ribadeo el 6 de junio de 1907. Su padre era fotógrafo, y de él aprendió los misterios de la luz y la expresión de los retratos. Su primer contacto con la pintura le llegó de la mano de Dioniosio Fierros, cuando su viuda le dejaba jugar con los utensilios del pintor.

Tras cursar estudios en Madrid ejerció como profesor, fundó una revista cultura e inició una intensa carrera artística. Al poco de concluir el curso 35/36, Benito Prieto fue detenido en su casa natal de Ribadeo, acusado de simpatizar y ayudar a los obreros y anarquistas y fue conducido al presidio de Tui. Prieto realizó entonces una serie de 24 retrados de sus compañeros presos. Este episodio marcaría su obra, en la que se refleja todo el dramatismo de la pobreza, el hambre y el sufrimiento.

En 1940 se casó con una joven farmacéutica de Granada, Antonia Rejón, y trasladó a esta provincia su residencia.

Murió en Granada a los 93 años

Fuente, la voz de Galicia

Ramón Parada Justel

 

(1871 - 1902)

Parada Justel es, con Ovidio Murguía, Jenaro Carrero y Joaquín Vahamonde, uno de los integrantes de la mítica Xeracion Doente, denominación impulsada por Bello Piñeiro para definir al grupo de pintores que vivieron alrededor de las tres últimas décadas del S. XIX, el tiempo que duraron sus vidas, rápidamente consumidas por la tuberculosis, la fiebre romántica de la bohemia. Entre todos ellos construyeron el puente de enlace entre la tradición pictórica decimonónica y la renovación artística que llegaría con el S. XX. Ramón Parada Justel, nacido en la aldea orensana de Esgos, en 1871, demostró desde su infancia un enorme talento para la pintura, lo que le llevó a ingresar en 1888, con el primer puesto de la clasificación, en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, en Madrid, donde además tiene la ocasión de trabajar incesantemente en el estudio y copia de los maestros del Museo del Prado. Tras cinco años de brillantes estudios obtiene un pensionado que le permite completar su formación en Roma, donde el descubrimiento del arte clásico le produce una profunda impresión. Su condición de pensionado le obliga a componer una pintura de gusto académico que, si bien le convierten en un dibujante excepcional, su estilo está lejos de lo que demanda sus ambiciones y su afán por nuevas exploraciones plásticas. Su verdadera y natural orientación comenzará a verse en las obras efectuadas en su regreso a Orense, donde recibe varios encargos que además, nos hablan de un pintor ya con cierto prestigio. En 1895 se había presentado a la Exposición Nacional de Bellas Artes de Madrid, con Regoyos, Rusiñol o Sorolla, entre otros. Ya de regreso en Orense concurre a la Exposición nacional de Bellas Artes, donde recibe una tercera medalla, y otra dos años más tarde, en 1901, en la del Círculo de Bellas Artes. En los últimos años de su vida se ha instalado de nuevo en Madrid, donde trabaja apasionadamente hasta su muerte, en Orense, cuando tan solo contaba 31 años de edad. Parada posee un talento extraordinario para el dibujo. Impresiona la seguridad de sus trazos, y sus magistrales valoraciones en los efectos de la luz. Conoce perfectamente la anatomía humana y domina el dibujo y los scorzos violentos. En la última etapa de su corta vida es extraordinaria la agilidad en el empleo de las pinceladas, que se han convertido en brochazos directos de color.

Fuente- fundación María José Jove

ANTONIO PUGA

(Ourense, 1602-Madrid, 1648). Pintor español. Considerado discípulo de Diego Velázquez, en 1634 intervino en el cuadro Recuperación de San Juan de Puerto Rico, comenzado por Eugenio Cajés, para la decoración del palacio del Buen Retiro (Prado). Entre las numerosas obras que se le atribuyen, San Jerónimo (1636, Bowes ­Museum, Bernard Castle, Gran Bretaña) es la única segura de su mano. El Museo del Prado conserva una obra de dudosa atribución, Anciana sentada, donada por Frederick Mont en 1961. Cultivó diversos géneros pictóricos, pero alcanzó fama en su tiempo sobre todo por sus cuadros costumbristas. Fue coleccionista no solo de cuadros de artistas contemporáneos, sino también de dibujos, libros y armas, como se deduce del inventario redactado a su muerte.

Museo del Prado

Eduard Gaertner

 

1801 - 1877

 Nacido en Berlín en 1801, trabajó como aprendiz de decorador en la fabrica de porcelana prusiana, y despues fue empleado por   Karl Gropius,  como diseñador de escenarios. Mientras trabajaba se matriculó en la Academia de Berlin. Una beca real le permitió ir a París para ampliar sus estudios, quizás con el paisajista  Jean-Victor Bertin y posiblemente con técnicos del nuevo arte de pintura panorámica. Al volver a Berlín en 1827, se estableció como pintor de temas de arquitectura y escenas urbanas, muy aprecido por su precisión y su colorido refinado. Elegido como miembro de la academia en 1833, consiguió el mecenazgo del reuy Frederick William III, para el que pintó seis vistas panorámicas de Berlín, consideradas sus obras maestras.  Su reputación se extendió y en 1837 fue invitado por el zar Nicolás I, para quien pintó, durante los dos años que permaneció allí, una panorámica de Moscú vista dede el Kremlin. 

 A partir de 1840 la disminución del interés popular por la pintura topográfica  le impulsó a ajustar su trabajo al gusto de la clientela de clase media. Trató de animar sus vistas arquitectónicas con sugerencias románticas de atardeceres y color, para contrarestar la competencia con la fotografía. Durante los años 1840 y 1950 viajó constantemente en busca de motivos, extendiendo sus recorridos, desde Berlin a las provincias del oeste y el este de Prusia, Bohemia y Austria. A partir de 1860  el número y calidad de su obra bajó. Murió en Berlín en 1877

EL ARTE Y LA SÍFILIS

EL ARTE Y LA SÍFILIS

En una obra de Durero de 1493, aparece la imagen de un enfermo de sífilis. Se trata de un grabado en madera en el que aparece una figura masculina con evidentes lesiones cutáneas

 Sobre la imagen aparece una esfera celeste, evidenciando que, por aquel entonces,  la responsabilidad del contagio de tal enfermedad, como de tantas otras cosas, se atribuía  a los astros.

En realidad, Durero, para la realización de la obra se basó en su propia experiencia, puesto que el mismo sufría la cruel enfermedad. Mas adelante, se culpó a Cristobal Colón de la extensión de la enfermedad pues fue acusado de traerla a Europa desde Tahití.

Quinientos años más tarde Otto Dix realizó una serie de grabados titulados "sifíliticos" y demostraba claramente que la enfermedad se contagia a través de relaciones sexuales.  Otto Dix era amigo del doctor Hans Koch, un médico de Düsseldorf, especializado en dermatología y urología. Hombre de gran cultura, que aparte de ejercer la medicina escribia novelas y poesía. Era tambien conocido como  coleccionista de arte y mecenas.  Llegó a abrir con su mujer, Martha, una galería de arte y su casa acogía tertulias intelectuales y artistas.

El Doctor Koch compró algunas obras de Otto Dix

y Otto Dix lo retrató

La amistad entre el Doctor Koch y Otto Dix fue tan intensa que Dix se escapó con la esposa del médico. El doctor Koch se tomó las cosas con tranquilidad pues  el estaba liado con la hermana mayor de su  mujer, pero le dijo a Dix que debía hacer las cosas bien, así que Dix y Martha se casaron. La amistad entre el médico y el artista duró hasta la muerte del galeno en 1952

 En 1927. Kurt Tucholsky- escritor alemán, uno de los más brillantes autores satíricos de su generación, aprovechó la publicación del libro Die genialen Sypihilitiker, de Bruno Springer, para dar a conocer el origen de una enfermedad venérea que estaba causando estragos entre pintores y escultores. Escribió un artículo bajo el pseudónimo de Ignaz Wrobel en el que se critcaba que en lugar de instalar máquinas expendedoras de preservativos a precio reducido o gratuíto, se prefiriese la construcción de acorazados y refiriendose a la religión católica denunciaba:

"No hay que olvidar que en este país se han redactado 279 proyectos de ley que amenazan con penas de  prisión de hasta dos años por anunciar o fomentar publicamente el uso de "determinados objetos  impúdicos", una clara moral católica que considera inmorales las relaciones sexuales. En realidad, debería ser la iglesia la que rindiera cuentas ante los tribunales por extender semejantes mentiras"

Bob Dylan, premio Nobel de Literatura 2016

Cuántos caminos debe recorrer un hombre,
antes de que le llames "hombre"
Cuántos mares debe surcar una blanca paloma,
antes de dormir en la arena.
Cuántas veces deben volar las balas de cañón,
antes de ser prohibidas para siempre.
La respuesta, amigo mío, está flotando  en el viento,
la respuesta está flotando en el viento.
Cuántos años puede existir una montaña,
antes de que sea lavada (arrasada) por el mar.
Cuántos años pueden vivir algunos,
antes de que se les permita ser libres.
Cuántas veces puede un hombre girar la cabeza,
y fingir que simplemente no lo ha visto.
La respuesta, amigo mío, está flotando en el viento.
La respuesta está flotando en el viento.
Cuántas veces debe un hombre levantar la vista,
antes de poder ver el cielo.
Cuántas orejas debe tener un hombre,
antes de poder oír a la gente llorar.
Cuántas muertes serán necesarias,
antes de que él se de cuenta,
de que ha muerto demasiada gente.
La respuesta, amigo mío, está flotando en el viento.
La respuesta está flotando en el viento.

Bailemos porque no entiendo nada.

Pero a "Les Luthiers" si los entiendo

Fernando Gallego

(Salamanca, documentado entre 1468 y 1507). Pintor español, representante del estilo hispano-flamenco en Castilla. Es uno de los artistas castellanos más importantes y reputados en el último tercio del siglo XV y en los primeros años del XVI. Su estilo se reconstruye a partir de tres obras firmadas que han llegado hasta nosotros -La Piedad o quinta angustia (Prado), el tríptico de la Virgen de la rosa (Museo Catedralicio de Salamanca) y el Retablo de san Ildefonso (catedral de Zamora)-, al no haberse conservado ninguna de las obras documentadas, entre las que cabe reseñar las que realizó para la catedral de Plasencia en 1468 y los seis retablos que llevó a cabo para la catedral de Coria en 1473. 

Entre las pinturas que se le atribuyen hay que señalar los grandes retablos realizados con la participación del taller y de sus colaboradores. De entre ellos destacan los de la catedral de Ciudad Rodrigo (1480-1488) y la iglesia de Santa María de Trujillo (h. 1490), en los que trabajó con él otro pintor, al que se puede asociar con el Bartolomeus, que firmó la Virgen con el Niño (Prado). En el antiguo retablo mayor de la catedral de Zamora, concluido antes de 1494 y cuyas tablas se vendieron a la parroquia de Arcenillas (Zamora), domina la participación del taller. El retablo mayor de San Lorenzo de Toro, realizado entre 1494 y 1496, no se debe a Fernando Gallego, sino que es obra de Francisco Gallego. El Cristo bendiciendo (Prado), de mano de Fernando Gallego, no pudo formar parte de este retablo, ya que lo impiden sus dimensiones, mucho mayores que las de la calle central de la que supuestamente se creyó que formaba parte. A las obras anteriores se pueden sumar la bóveda astrológica de la Universidad de Salamanca, posterior a 1479, y algunas tablas -restos de retablos en su mayoría- entre las que se podrían destacar: La Coronación de la Virgen de Villaflores (Museo Diocesano, Salamanca) o La Adoración de los Magos de la colección de Pedro Masaveu (Museo de Bellas Artes de Asturias, Oviedo). Por lo que afecta a la formación de Fernando Gallego, nada se sabe, pero, a juzgar por el estilo que muestran las primeras obras que han llegado hasta nosotros de su mano, como La Piedad o quinta angustia (h. 1470, Prado), todo apunta a que no estuvo en contacto directo con el arte nórdico fuera de Castilla, en contra de lo que opinan algunos estudiosos. Las notas que muestra su estilo en las pinturas que se deben a su mano dejan ver en cada detalle la maestría de su dibujo, la caracterización de los personajes, lo cuidado de la composición -en general no las repite- o la riqueza de su color, brillante y variado y sin la amplia proporción de oro común a otras zonas de Castilla.

Museo del Prado

Xosé Luís de Dios

Xosé Luís de Dios (Orense, 1943 - Tuy, 2 de agosto de 2010 ) fue un pintor vanguardista de Galicia, España, que se denominó a sí mismo como "un literato que pinta".
Fue uno de los llamados "renovadores del arte gallego contemporáneo". Junto a Xaime Quesada y Acisclo Manzano, de la mano de Vicente Risco, formó lo que se denominó el grupo de "Os Artistiñas", también llamado "O Volter" (nombre del bar donde se reunían y mantenían tertulia). Comenzó con el dibujo, para pasar posteriormente al cartelismo y la publicidad, donde destacó y marcó buena parte de su obra pictórica. Su primera exposición fue en 1963 y, tras recorrer toda Galicia, se expandió por Madrid (ciudad en la que vivió muchos años), Barcelona, Buenos Aires, México y Río de Janeiro.

Sus obras están llenas de colores vivos y gran abstracción difícil de identificar. Manuel Rivas señaló que en su obra "estaba toda la historia de la pintura, expresada a modo de paradoja existencial".

fuente, wikipedia

Anton Domenico Gabbiani

Anton Domenico Gabbiani (Florencia, 13 de febrero de 1652 - Florencia, 22 de noviembre de 1726) fue un pintor italiano del barroco tardío.

 Su primera formación como artista corrió a cargo del retratista de los Medici, el flamenco Justus Sustermans. Después estudiaría junto a Vincenzo Dandini. El 20 de mayo de 1673 llegó a Roma, donde estudió durante tres años con Ciro Ferri yErcole Ferrata en la Accademia Fiorentina. Allí pudo estudiar la obra de los grandes artistas barrocos de la generación anterior, sobre todo Pietro da Cortona y Carlo Maratta, a cuyo influjo fue particularmente sensible.

Tras un corto período en Venecia (1678-1679) junto al retratista Sebastiano Bombelli, le encontramos de nuevo en Florencia en 1680. Hacia 1684 empieza a trabajar como artista independiente. Sus primeras obras conocidas revelan claramente sus influencias: la grandiosidad en la composición de Maratta y el tratamiento de las figuras de Dandini.

Pronto encontró un excelente patrón en la persona del príncipe heredero Fernando de Medicis, que le encargó diversos retratos de la familia ducal y de diversos personajes de la corte. Sin embargo, el gran proyecto que otorgó a Gabbiani fue la decoración al fresco de la Palazzina Meridiana, en los apartamentos del príncipe en el Palazzo Pitti, donde el artista pudo acometer una composición de gran alcance y complicada iconografía. Su trabajo es considerado como la obra maestra de su carrera.

Gabbiani tuvo numerosos alumnos, entre ellos Ignazio Hugford (que también fue su biógrafo), Benedetto Luti yTommaso Redi.

 Fuente wikipedia