Alguien me puede ayudar?

Lembro isto

Miñato, fillo do coxo Barrós- ves de casta ruin e xa non podes ser bon...Quereste botar a min? Ven que te afogo ladrón!

Alguén sabe?
 Inventar non o inventei...

ASOMBROSO DISCURSO DE UNA NIÑA MEJICANA

Magistral discurso de una niña mexicana!!!!!! A ver si aprenden los politicos mundiales.

SYLVESTER STALLONE Y EL ARTE

Sylvester Stallone expondrá sus pinturas en San Petersburgo

El crítico Iosif Kiblitski asegura que los dibujos del actor tienen gran valor artístico y son equiparables a los de Jean-Michel Basquiat

Y el crítico de arteSteven Goss comenta sobre su obra

cualquier persona puede ser un artista 

Aparte de esta anécdota publicada  el año pasado, lo que si se sabe es que Stallone es un gran coleccionista de arte. Lo que no estoy convencida es que sea "por amor" porque  presentó una demanda contra  Barbara Guggenheim.  Por lo visto esta consultora de arte de Nueva York le había aconsejado comprar unas obras, asegurandole que las vendería por mucho más dinero en poco tiempo y no fue así...pero lo que me he reido con lo del cuadro de  Anselm  kieler

Un cuadro de este pintor colgaba en una de las paredes de la mansión del actor en  Beverly Hills. A la mujer no le gustaba nada y decía que tenía miedo que los niños se deprimiesen

El actor en una entrevista concedida al Suddeusche Zeitung se quejaba: "El principal problema es que está cubierto de paja".(El autor de la obra habia pegado paja  sobre el lienzo y ´ssta empezaba a soltarse) "Un día llamé al marchante y le dije que parecía que el cuadro estaba cambiando el pelo" Seguía lamentandose  Don Silvester.

¿Y que le contestó el marchante? Preguntó el periodista.

"Que era algo perfectamente normal, que era una muestra de la evolución de la obra, que estaba vivo..."

¿Y que hizo usted? prosiguió el periodista

"Creí que me volvía loco, yo había pagado un millón setecientos mil dólares por una obra que se deshacía.."

¿Y que ocurrió finalmente?

"Pues nada, me puse a pegar paja yo mismo, cada vez que encuentro paja en los sillones o en el suelo, venga, me pongo dale que te dale con la cola"

OTRA VEZ PEGGY

Vasili Kandinsky, Hilla Rebay y Solomon Guggenheim, en Dessau (Alemania) en 1930

Y vuelvo a Peggy, una mujer que me fascina. Ya lo sé, a veces idealizamos cosas o personas, que a lo mejor no valen tanto la pena, pero esta señora rompió cánones. En una época de una America puritana -donde llegaron a tapar hasta los escotes de Doris Day- ella hizo lo que quiso.

Su tío Solomon R. Giggenheim que se hizo multimillonario  con la  explotación de oro, plata y diamantes y sobre todo de bronce. Según cuenta la periodista Sigrid Faltin en su libro "La baronesa de Guggenheim...las minas estaban en Alaska, Mejico, Chile, Bolivia, el Congo y Angola. Para su mina de cobre en Utah reclutaron gente que se encontraban en situación de miseria en Japón, Hungría y Grecia. Los alojaron en una especie de campo de concentración y con sueldos miserables. En 1912 los 6000 trabajadores se declararon en huelga pidiendo aumento de salario. Los miembros de la seguridad privada y un destacamento del ejército dispararon contra los manifestantes.

Solomon comenzó a adquirir alguna obra de arte para decorar su residencia familiar en Long Island

Pero en septiembre de 1929, el banquero James Speyer le presentó a la pintora alemana Hilla von Rebay que le puso en contacto con otros artistas como Paul Klee, Marc Chagall y Kandisky.  Rebay fue nombrada directora de la recién creada Fundación Guggenheim en 1937. Dos años mas tarde, cuando el mundo estaba a punto de emfrentarse a la Segunda Guerra Mundial, la Fundación abrió su primer local en la calle 54 Este, un sitio que antes se había dedicado a vender coches. En 1945, unas horas despues de hacerse pública la rendición de Alemania, Solomon y Rebay anunciaron la construcción de un edificio que se dedicaría a albergar la colección de arte de forma permanente. El museo, proyectado por el arquitecto Frank-Lloyd Wright se abrió en los años cincuenta y se encuentra situado entre las Calles 88 y 89 de la Quinta Avenida de Nueva York

Peggy, nacida en 1898, era sobrina de Solomon. Su padre había muerto en 1912 en el hundimiento del Titanic y le había dejado una pequeña fortuna. Peggy utilizó el dinero para instalarse en París cuando tenía 20 años. Trabajó como dependienta de una librería y esto le permitió entrar en contacto con artistas de vanguardia. Conoció a Man Ray, al escultor Bräncusi, y a Marcel Duchamp. Durante la ocupación alemana de la capital francesa, Peggy se trasladó a Londres y alli comenzó su  andadura como galerista. Despues  de la primera galería Guggenheim Jeune, abrió la legendaria The Art of the Century en la calle 57 de Manhattan donde empezó con los surrealistas  y despues contribuyó a introducir el expresionismo abstracto en Estados Unidos.  Según cuenta Peggy en sus memorias, el día de la inauguración, dos visitantes se enzarzaron en una discusión sobre la calidad de las obras. Al final llegaron a las manos y Jimmy, el hijo de Max Ernst, tuvo que descolgar rapidamente las obras de Kandisky para que no se mancharan de sangre.

Al acabar la guerra Peggy volvió a Europa y en 1948 la Biennale de Venecia la invitó a exponer su obra en el pabellón de Grecia. Un años despues, Peggy compro el palacio Venierdei Leoni, un edificio con vistas al canal, el cual reconstruyó y abrió como museo, parte de la Fundación Guggenheim, en 1980.

Esta mujer, autosuficiente y emancipada se caracterizó por su actitud desafiante ante las convenciones sociales. El día  1 de enero de 1938 en una carte dirigida a su amiga Emily Coleman confesaba " Estoy en París, trabajando para la galería y follando sin parar". La lista de sus amantes es innumerable. En la primera versión de sus memorias "Confesiones de una adicta al arte" oculta los nombres de sus amantes tras un pseudónimo pero en las edicciones de 1979, publicadas  poco antes de su muerte ya los nombra por sus verdaderos nombres

Samuel Beckett

Brancusi

Brian Coffey

Marcel Duchamp

Max Ernst

Douglas Garman

Raoul Gregorich

John Holms

Humphrey Jannings

Giorgio Joyce

David Larkins

Edouard Leon Theodores Mesens

Tancredy Parmeggiani

Roland Penrose

Kenneth Macpherson

Yves Tanguy

Nat Tate

Julian Otto Trevelyan

Laurence Vail

Hermann von Kaulbach

1846-1909 Munich. Pintor alemán de la escuela de Munich

Hijo del pintor wilhelm von Kaulbach. Estudiante de medicina en la Universidad de Munich, pero quizás inspirado por su padre, abandonó la carrera para estudiar pintura. Fue alumno de Karl von Piloty y por influencia suya se dedicó, al principio de su carrera, a pintar escenas históricas. Se hizo famoso por sus retratos de niños.  Hizo dos viajes de estudios a Roma en  1880 y 1891. En  1886 fue nombrado profesor de la Academia de Bellas Artes de Munich.

Muchas de sus obras están en el museo de Bad Arolsen.

Marie-Thérèse Walter

«Tienes una cara interesante, me gustaría hacerte un retrato, creo que vamos a hacer grandes cosas juntos, soy Picasso». Era el 8 de enero de 1927, y la chica rubia que salía de las galerías Lafayette cautivó al español. Marie-Thérèse Walter, una joven sueca de 17 años afincada en París, no había oído hablar de un artista que ya era una de las personalidades culturales del momento. Algunas versiones dicen que Picasso, que tenía entonces 45 años, le llevó a una librería cercana a enseñarle libros sobre su obra. El pintor estaba entonces casado con la bailarina rusa Olga Khokhlova –madre de su hijo Paulo-, pero sus infidelidades y los correspondientes ataques de celos hacían la relación inviable.

Marie-Thérèse aceptó la invitación de Picasso, y unos días más tarde se presentó en su estudio en la rue de la Boétie. El artista le pidió que volviera al día siguiente. Y al siguiente... De aquellos encuentros surgió uno de los romances más intensos y celebrados de la Historia del Arte. Y una presencia constante en la obra del artista hasta 1955.

La relación discurrió al principio en secreto, y su nueva musa se manifiesta solo de forma críptica en numerosas esculturas y dibujos de fuertes alusiones eróticas –en forma de guitarra esperando a ser tocada, por ejemplo-o con la presencia de sus iniciales en una serie de bodegones de finales de los años 20.

1932, un año clave

Picasso compró en 1930 el Castillo de Boisgeloup, un retiro apartado a unos 60 kilómetros de París. «Es para ti», le dijo a Marie-Thérèse. Lo mismo dijo a su mujer. Allí, el volumen atlético y sensual de su amante disfrutaba, para excitación del alma de artista y el cuerpo de hombre del pintor, del deporte con la natación o el kayak y de la lectura. «Su pasión por el deporte, su personalidad alegre, su físico y su frescura de juventud ayudan a explicar la “fisicalidad” de los retratos que hizo Picasso en aquella época», escribe Diana Widmaier Picasso, historiadora del Arte y nieta del pintor y Marie-Thérèse.

Para 1931, según explican en Sotheby’s, el «cuerpo fecundo y dúctil y sus mechones rubios aparecen ya en imágenes armoniosas y voluptuosas como el cuadro “Mujer con pelo rubio”», propiedad del Guggenheim de Nueva York. Pero sería 1932, un año clave en la obra de Picasso, cuando el intenso amor furtivo estalló a los ojos del público. «1932 es un año brillante y productivo en la vida de Picasso, varias de sus obras maestras datan de este año, en el que prácticamente encerraba a Marie-Thérèse en Boisgeloup y trabajaba con ella para retratarla leyendo, durmiendo, sentada o bebiendo”, explica a ABC Simon Stock, uno de los directores de la sede londinense de la casa de subastas Sotheby’s.

Aquel año, la galería parisina Georges Petit organizó una amplia retrospectiva del artista que consagró su consideración entre los genios de la pintura. Su mujer Olga lo vio de otra manera. Allí sus ojos descubrieron la presencia en numerosos retratos, todos ellos desnudos, de una mujer desconocida hasta entonces. Uno de los múltiples retratos de Marie-Thérèse realizados aquel fructífero año saldrá a subasta este martes por la noche en Londres.

«Mujer sentada cerca de una ventana» (1,46 por 1,14 metros) es, de hecho, la pieza estrella –y la más cara- de la temporadade subastas de invierno de arte impresionista y contemporáneo. Formó parte de la colección personal del artista a su muerte, y es la segunda vez que sale al mercado. Saldrá a la venta con un rango de estimado entre 29 y 40 millones de euros, y ha reactivado el interés por el «amour fou» de Picasso con la musa por antonomasia del arte del siglo XX.

«El interés se centra siempre en esta maravillosa historia de amor, los sentimientos de Picasso era tan obsesivos que le retrató de diversas formas en todos los medios -cuadros, esculturas y dibujos», explica Stock. «Estaba tan enamorado que son siempre piezas edificantes en las que ella está serena y Picasso feliz, e incluyen siempre algún elemento que apunta a la intensa naturaleza sexual de la relación», añade. De hecho, cuatro retratos de la joven sueca figuran entre las diez piezas más caras de Picasso vendidas en subasta.

El récord mundial en términos de precio para un picasso es un retrato de Marie-Thérèse de 1932, «Desnudo, hojas verdes y busto», que Sotheby’s vendió en 2010 por 106 millones de dólares. La obra puede verse actualmente en la Tate Modern de Londres, una ciudad que el año pasado dedicó una amplia exposición en la galería Gagosian a la relación personal y pictórica entre el artista y su joven musa. En febrero de 2011, «La Lectura», dobló las expectativas de precio y fue vendida por casi 30 millones de euros.

«”La Lectura”es un cuadro precioso, pero “La mujer sentada...” tiene un tamaño mucho mayor y, en cierta manera, es más simple y bello con una elección de colores casi “matissiana” y un retrato de figura completa, sentada además en una silla, una composición formalmente clásica que remite a los retratos de Bacon o de Velázquez», nos explica Stock delante del cuadro, unas horas antes de salir a subasta. En estevídeo elaborado por la casa de subastas, y también contemplando la obra, su nieta Diana Widmaier Picasso describe cómo su abuelo llegaba a «diluirse» en su musa, y llama la atención sobre el rojo intenso con el que pinta el vientre y torso de su mada, reflejo de las «fantasías sexuales» que Marie-Thérèse desataba.

Un divorcio imposible

Picasso y Marie-Thérèse tuvieron una hija en 1935, Maya, llamada en realidad María de la Concepción en recuerdo a la hermana fallecida del pintor. Pero el prometido divorcio de Olga, de quien el artista ya se había separado en 1934, nunca llegó. La legislación republicana española le habría permitido divorciarse, pero le habría obligado a dividir sus bienes al 50% con su mujer. Con la llegada de la Guerra Civil española, el pintor había iniciado una nueva relación con la fotógrafa franco-yugoslava Dora Maar. El poeta Paul Élouard les presentó apenas unos meses después del nacimiento de Maya. Fue Dora quien fotografió el proceso de creación del «Guernica», una obra en la que tanto Olga como Marie-Thérèse pueden identificarse entre los personajes.

Esta última sería el modelo para la niña que corre de derecha a izquierda en el primer plano y para la madre que llora al hijo muerto en la parte derecha del cuadro.

Picasso intentaba evitar que sus amantes se encontraran. No siempre con éxito. Según la autobiografía de Françoise Gilot –la amante que sustituiría a Dora-, Marie-Thérèse y Dora se encontraron en su estudio, junto al «Guernica». El pintor siguió pintando, hasta que la madre de su hija dijo: «Elige, ¿cuál de las dos?». Según Gilot, el artista les dijo que tendrían que decidirlo en una pelea, y las dos mujeres la emprendieron a golpes allí mismo. Las dos negarían posteriormente que la escena tuviera lugar.

Picasso tuvo dos hijos con Gilot, pero Maya siempre fue un punto de unión con Marie-Thérèse. En una entrevista en 1974, un año después de la muerte del pintor, le preguntaron qué le venía a la mente al oír el nombre de Pablo Picasso. «El secreto», contestó: «Vivíamos en secreto y éramos felices». En 1977, Marie-Thérèse se quitó la vida. Muchos creen que nunca soportó la ausencia del hombre que había conocido hacía 50 años.

BORJA BERGARECHEBORJABERGARECHE / CORRESPONSAL EN LONDRES

Día 05/02/2013 - 18.24h

 ABC

COSAS NUESTRAS

DIA DE LA IGUALDAD

CIRCULO DE DRESDE

El principal foco artístico y científico de Alemania  en el siglo XVIII se conoció como "La Florencia  del Elba". Como consecuencia de los errores  de los reyes de Sajonia y a causa de los acontecimientos históricos en el siglo XIX perdió parte de su posición predominante. Por ejemplo, en el Congreso de Viena, Federico Augusto  III pagó cara su alianza con Napoleón Bonaparte  y tuvo que ceder Lusacia y otros territorios a Prusia. En la guerra de 1866, Juan I se posicionó a favor de Austria y, al ser derrotado en  Sadowa, tuvo que pagar  diez millones de monedas de plata a Prusia.  Pero, a pesar de todo eso,  Dresde fue protagonista  de un importante desarrollo industrial que  se vio favorecido por la inauguración en 1837 de la línea  férrea  que la unía con Leipzig y por la presencia de  numerosas escuelas técnicas  altamente especializadas.  Desde le punto de vista cultural, Dresde fue uno de los principales centros del  neoclasicismo y  más tarde del romanticismo. En los salones de los  aristócratas y de los ricos industriales  se daban cita los  mejores  intelectuales de la epoca, alemanes y extranjeros, de todas las  expresiones  artísticas, música, teatro, literatura, artes figurativas etc

ARTISTAS

La Semperoper (en alemán: Sächsische Staatsoper Dresden, literalmente «Ópera estatal sajona de Dresde») es el edificio de la ópera perteneciente al estado de Sajonia y ubicado en Dresde, Alemania. Considerado una de las joyas de la arquitectura teatral del mundo se debió al arquitecto Semper, destruido en 1945 fue reconstruido hasta el último detalle y reabierto en 1986. En este teatro se estrenaron algunas de las mejores óperas alemanas, tres de Richard Wagner y la mayoría de las de Richard Strauss.

Dresden Synagogue

Semper quería mejorar la arquitectura de su tiempo que consideraba esquemática e imitativa, así que buscaba, a través de sus escritos, ofrecer información práctica que pudiera utilizarse en su tiempo sin tener que repetir las formas clásicas. Para él la arquitectura debía enfocarse en las necesidades de la época, lo que no podía lograrse copiando estilos históricos que correspondían a otro tiempo, por lo tanto a otras necesidades. Así, en su primer libro Observaciones provisionales sobre arquitectura y escultura policromada entre los antiguos de 1834 aborda la arquitectura y su relación con las condiciones y requerimientos sociales. Semper atribuyó, en su teoría y su práctica, el papel socio-político a la arquitectura y se enfrentó a las formas históricas, buscando nuevos caminos para la arquitectura contemporánea.

Informacion- wikipedia,  unamaquinalectoradecontexto.wordpress. siglo Arte

 El suizo Anton Graff (1736-1813) no sólo fue el pintor de la corte sajona. Fue el retratista de la Ilustración alemana.

Alemania Leipzig 1789 - Dresde 1869
Pintor y filósofo
Carl Gustav Carus es, como pintor y dibujante, una de las cimas del Romanticismo alemán. Además de estas facetas, que realizaba en sus ratos libres, triunfó como doctor, naturalista, fisiólogo y psicólogo. Nació en Leipzig en enero de 1789. En la escuela de su ciudad natal recibió lecciones de dibujo de Julius Díez. Más tarde pasó a estudiar con Johann Veit von Carolsfeld (1764-1841) en la Academia de dibujo de Oeser. A partir de 1813 se convirtió n profesor de pintura al óleo. Sus obras de esta época, en su mayoría paisajes, reflejan la influencia de los pintores de Dresde, en especial Johann Christian Klengel. En 1811 obtuvo el título de doctor en Medicina, así como el de doctor en Filosofía.
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rE. Carl Gustav Carus falleció en julio de 186
 

 

 Philip Otto Runge es, junto a Caspar David Friedrich, el iniciador de la pintura romántica en Alemania.

Caspar David Friedrich
 (Greifswald, 5 de septiembre de 1774 – Dresde, 7 de mayo de 1840)

Ernst Ferdinand Oehme
(Dresde,  1797 -  1855)

Johan Christian Dahl-1766 -  1857

 

Georg Friedrich Kersting
1785 – 1847

Aunque habitualmente suela hablarse de la 'Escuela de Dresde', el término empleado por un buen número de especialistas, 'Círculo de Dresde', es quizá más adecuado, por cuanto el grupo de pintores caracterizados con esta denominación no llegó a formar un estilo propio, unido y homogéneo, del tipo del constituido por los nazarenos en Roma, por no abandonar el Romanticismo alemán, en el que se inscriben. De hecho, la discusión sobre los límites de una posible Escuela de Dresde afecta al concepto mismo de 'romántico', tal y como era entendido en los estados alemanes de comienzos del siglo XIX. En definitiva, el único elemento aglutinador cierto de estos artistas es la figura central de Caspar David Friedrich, cuya residencia en Dresde, así como las condiciones específicas de esta ciudad, justifican la atribución a un grupo determinado del nombre de la capital del estado de Sajonia. Cuando Friedrich se instala en Dresde en 1798, la ciudad, conocida como la 'Florencia alemana', era ya el centro del Romanticismo alemán. Allí encontró un círculo de individuos, intelectuales, profesores de universidad y artistas, que en parte desarrollaron y difundieron, y en parte encarnaron, los ideales románticos. Era un grupo de personas de las clases cultivadas que mantenían una relación estrecha con sus amigos de Jena, Berlín, Heidelberg, Hamburgo y Greifswald (localidad natal de Friedrich, en la que existía una pequeña pero activa universidad), con los que intercambiaban frecuentes visitas. Esta fue la clase que sostuvo el Romanticismo en Alemania, que nunca fue un movimiento popular. Esto determinó que Friedrich fuera admirado por un pequeño círculo, y su fama sólo ocupara el segundo decenio de siglo, cuando sus obras eran adquiridas por el rey Federico Guillermo III de Prusia o el Zar Nicolás I. En el terreno puramente artístico, el corazón de Dresde era la Kunstakademie, la Academia de Bellas Artes, fundada en 1697. Dicha institución se hallaba dominada desde la segunda mitad del siglo XVIII por el academicismo y muy próxima a la pintura de historia idealizada. También era importante en la Academia el género del retrato burgués, cuyo representante destacado era Anton Graff. Poco antes del advenimiento de las nuevas teorías encarnadas por Friedrich, el exitoso miembro de la Academia Johann Christian Klengel fundó la tradición paisajística de Dresde, cuyos caracteres influirán en las primeras obras de Friedrich. Precisamente el paisajismo fue el elemento básico del movimiento romántico y el eje de la creación del círculo de Friedrich. Este impulso artístico en Dresde tuvo una primordial base literaria. La vinculación con los escritores se asentó ya en 1799 con la publicación de 'Die Gemälde' por Caroline y August Wilhelm Schlegel quienes, con sus escritos, ayudaron a elevar al cuadro más celebrado de la Gemäldegalerie de Dresde, la 'Madonna Sixtina' de Rafael a la categoría de objeto de culto estético. Otros factores contribuyeron al desarrollo fructífero de la pintura en la capital sajona. Los más importantes eran la larga tradición de tolerancia y la cantidad de mecenas entendidos existentes; los estilos realistas de pintores como Bellotto, y, sobre todo, la presencia de la Gemäldegalerie, la cual, habiendo atraído artistas a la ciudad, les ofrecía modelos de la mayor calidad. ¿Cuáles eran las características de este círculo de artistas? La diversidad de estilos con que cada uno de ellos interpretaba la realidad, reduce al terreno de los conceptos la comunión de ideas que animaba y daba cohesión a este grupo, además de la poderosa figura de Friedrich. Sus características más destacadas son la veneración subjetiva de la naturaleza y un sentimiento irracional anti-clásico, desarrollado sobre una base de exacerbado patriotismo germánico principalmente fuera de la Academia, que cultivó asuntos mitológicos hasta bien entrado el siglo XIX. La pintura de paisaje recibió un particular énfasis, ya que la naturaleza fue el vehículo a través del que la filosofía natural romántica se podía expresar mejor. Sus más importantes representantes fueron, obviamente, Caspar David Friedrich, cuya presencia en la ciudad influyó a toda una generación, y el notable médico real y profesor de medicina, el pintor Carl Gustav Carus, quien desarrolló su labor en Dresde desde 1814. Otras eminentes figuras de este círculo fueron Ernst Ferdinand Oehme, Johan Christian Clausen Dahl y Georg Friedrich Kersting. Fue Carl Gustav Carus, en sus 'Nueve cartas sobre la pintura de paisaje', quien con mayor precisión definió la concepción esencial de la naturaleza en su relación con el Arte, idea-eje de los autores antes citados. Según este artista, al contemplar el paisaje natural, el pintor no hace sólo un ejercicio estético, sino, de manera principal, una indagación mística. Dándose cuenta de sus limitaciones y su relativa insignificancia, el pintor debe experimentar un sentimiento similar a la intuición panteísta de que Dios está en todas las cosas, y que la complejidad del paisaje no es sino otro reflejo de su presencia. En consecuencia, la única gracia pictórica y espiritual puede venir de la disolución de la individualidad del artista en la infinitud de la naturaleza. Al suspender su individualidad, el pintor se pierde en el medio natural, pero el cuadro que crea lleva el testimonio claro de su perfección interna. La habrá capturado y llevado a la superficie de su consciencia. O sea, esta comunión con la naturaleza no es una pérdida real, sino un proceso de iniciación a través del cual el espíritu se torna accesible, por grados, a los sentidos corporales. El pintor podrá, finalmente, ver la unidad fundamental de la Creación en la obra que él ha creado. Por todo esto, los pintores de este movimiento consideraban tener la misión de desarrollar un nuevo tipo de paisaje, específicamente alemán, distinto de todas las otras escuelas europeas. En realidad, sólo Friedrich puede considerarse la encarnación plena de este ideario, pues la incidencia de otras influencias tendió a alterar o difuminar estas ideas en los demás pintores. A partir de los años veinte, y hasta mediados de siglo, los nazarenos pasaron a desempeñar un importante papel en la Academia, y alcanzaron a gozar del favor de la Casa Real. Desde 1830 la moda de la pintura romántica fue desplazada por la de la Escuela de Düsseldorf con los nombramientos de Eduard Julius Friedrich Bendemann y Julius Hübner para la Academia. En lo que quedaba de siglo, la pintura de Dresde estuvo dominada por la pintura histórica de influencia nazarena. Tras la abortada revolución de 1849, el creciente provincialismo de la ciudad fue irreversible, con un dominio total de la cultura burguesa, ya apuntado durante la época de la Restauración por la corriente Biedermeier, con la que suele relacionarse a Kersting.


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