SIGLO DE ORO ESPAÑOL

 

El siglo XVII fue de profunda crisis económica en la península ibérica; sin embargo, recibió el apodo de Siglo de Oro en el terreno religioso, cultural, artístico, literario, etc. La Reforma católica tuvo sus principales teólogos en España y sus postulados rigieron la codificación artística en nuestro país más allá que en cualquier otra nación del ámbito católico europeo. 

                                                 San Martín y el mendingo, del Greco

A esta situación contribuyó el hecho de que el absolutismo monárquico predominante en toda Europa se viera más atenuado ante el poder eclesiástico. Tal situación influye de manera determinante sobre las artes, que serán encargadas en un 90% por la Iglesia, lo que marca el predominio del tema religioso en detrimento de la mitología, pinturas de guerra y profanas. 

                    Ángel despertando al profeta Elías, de Juan Antonio de Frías y Escalante
Los óleos encargados son con frecuencia de gran tamaño; emplean colores vivos y muy variados, resaltados por varios focos de luz que provienen de todos los lados, contrarrestándose unos a otros, creando grandes sombras y zonas iluminadas. Los personajes aparecen en posturas muy dinámicas, con rostros y gestos muy expresivos puesto que el Barroco es la época del sentimiento.

Las composiciones grandiosas, con personajes vestidos ricamente, en alegorías religiosas o mitológicas, las grandes escenas de corte o de batalla, son los ejemplos más evidentes del arte barroco. Sobre este tema en particular resulta muy conocido el cuadro de Velázquez llamado Las Lanzas.

JACINTO Y APOLO

 

 Jacinto, hijo del rey de Esparta, un joven tan bello que se dice que todos los dioses del Olimpo lo amaban. Apolo, hijo de Zeus y Leto, dios de la luz y el sol, la verdad y la profecía, la medicina y la curación, la  música, la poesía y las artes y el ideal de la eterna juventud, solía bajar a la tierra a practicar deporte a orillas del río Eurotas. Un dia que Jacinto salió a cazar se encontró con Apolo y este, olvidando que Jacinto era un simple mortal, se enamoró perdidamente de él.

Una calurosa tarde de verano, los amantes, practicaban el lanzamiento de disco, uno de los juegos favoritos de Apolo, y para demostrar a su amante su destreza, lanzó el disco con una fuerza sobrehumana. Jacinto se lanzó a atraparlo pero Céfiro que se sentía muy agraviado por el rechazo del joven a sus requerimientos amorosos, desvió la trayectoria del disco y éste golpeó la cabeza de Jacinto. El joven gimió de dolor y cayó al suelo. La sangre manaba en grandes cantidades de su herida. Apolo intentó desesperadamente cerrar la herida, pero todo en vano. Mientras sostenía la cabeza del moribundo contra su pecho apareció Hades, el dios de los muertos, reclamando el cuerpo del muchacho. Apolo suplicó  mientras sostenía la cabeza del moribundo y sus lágrimas caian a borbotones sobre el suelo.  Así  permaneció durante horas, sosteniendo el cuerpo exánime de su amante, mientras en el suelo, las lágrimas se mezclaban con la sangre de jacinto y una flor creció

Ovidio en su obra Metamorfosis narra:
 

'y veo en tu herida, mi culpa. Tú eres mi dolor y mi crimen; mi diestra ha de ser inscrita con tu muerte: yo soy el responsable de tu final. Pero, ¿cuál es mi culpa? A no ser que a jugar se le pueda llamar culpa, a no ser que también a amar se le pueda llamar culpa. ¡Y ojalá se me permitiera entregar mi vida en tu lugar o contigo! Pero puesto que debemos cumplir la ley del destino, siempre estarás conmigo y quedarás en el recuerdo de mi boca. En tu honor sonará la lira p.ulsada por mi mano, en tu honor sonarán mis versos y como nueva flor imitarás mis gemidos. 

AQUILES Y HECTOR

 

AQUILES Y HECTOR

‘Aquiles y Héctor en Troya’, óleo de J. Schnitz. MUSEO DE BELLAS ARTES DE SAN FERNANDO, MADRID

 La guerra de Troya  empezó porque Paris, hijo del rey de Troya y hermano de Héctor se enamoró de Elena, la raptó y la llevó a vivir al reino de su padre.

  Menelao, esposo de Elena, furioso, organizó un poderoso ejército, al frente del cual iba Aquiles, para rescatarla  Los espartanos ganaron las primeras batallas y se hicieron con valiosos botines y prisioneros que convirtieron en esclavos. Briseida era una de esas prisioneras, una hermosa troyana de la cual Aquiles se enamoró perdidamente pero Agamenón, hermano de Menelao se la arrebató 

Aquiles desesperado por la pérdida de Patroclo George Dawe:

 Aquiles dolido y enfadado se retiró de la contienda . Patrocio, el mejor amigo de Aquiles, intentó convencerlo de que siguiera combatiendo, pero Aquiles le prestó su armadura y  pidió que combatiera el con ella. Cuando Patrocio iba a la cabeza de las filas espartanas vistiendo la armadura de Aquiles, los soldados troyanos se apartaron, pero Héctor, un valiente héroe troyano le dio muerte

Charles Antoine Coypel (1694-1752), La Furia de Aquiles, Museo del Ermitage

Cuando Aquiles  conoció la muerte de su querido amigo se enfrentó a Héctor en una feroz pelea a muerte, de la que salió vencedor  

Aquiles arrastrando el cadaver de Hector frente a las murallas de Troya  Frank Mayer

Como escarnio ató el cuerpo de Héctor a su carruaje y lo arrastró por el suelo a la vista de los troyanos, que lloraban por la humillación a que era sometido su héroe


La súplica de Príamo a Aquiles, Alexander Ivanov


Priamo, padre de Héctor, rogó a Aquiles que le devolviera el cadaver de su hijo para enterrarlo. Aquiles, conmovido por las lágrimas del anciano, le devolvió el cuerpo de Hector

LA HISTORIA DE UN ESCÁNDALO

 

LA HISTORIA DE UN CUADRO ESCANDALOSO DE HEINRICH LOSSOW

 

La trama de la imagen  está relacionada temáticamente con el “Banquete de castañas”. Este nombre se le dio a una cena escandalosa, supuestamente celebrada en el Palacio Papal por el ex cardenal Cesare Borgia, hijo del papa Alejandro VI el 30 de octubre de 1501. El informe del banquete se conservó en el diario latino del Apóstol Protonotarius y el ceremonias del Maestro Johann Burchard (se llama Liber Notarum), pero su exactitud es discutida.  

Según el cronista, se celebró un banquete en los apartamentos de Cesare en el Palazzo Apostolico. Cincuenta prostitutas o cortesanas estuvieron presentes para agasajar a los invitados al banquete. Burchard describe esta escena en su diario:  

 “En la noche del último día de octubre de 1501, Cesare Borgia organizó una fiesta en sus aposentos del Vaticano con“ cincuenta prostitutas honradas ”, llamadas cortesanas, que bailaron por la tarde con los sirvientes y otras personas presentes, primero con sus ropas y luego desnudos. Después de la cena, se retiraron de las mesas candelabros con velas encendidas y se colocaron en el piso, y alrededor se esparcieron castañas, que las cortesanas desnudas recogieron, arrastrándose a cuatro patas entre los candelabros, mientras papá, Cesare y su hermana Lucretia miraban. a quienes pudieran realizar el acto a menudo con cortesanas. Los ganadores fueron premiados con túnicas de seda, zapatos y otras cosas. "

 El cuadro  causó un escándalo. El artista fue criticado por  la gente común, y no digamos por  la iglesia, que acusó a Heinrich Lossow de todos los pecados mortales.

 

EDUARDO ÚRCULO EXPOSICIÓN

https://youtu.be/N50kM0KWEIQ

 EDUARDO ÚRCULO (1938-2003): EL ENIGMA DEL VIAJERO

DEL 19 DE ENERO DE 2023 AL 9 DE ABRIL DE 2023

Antiguo Hospital de Santa María la Rica. Sala Antonio López (C/ Santa María la Rica, 3)

Alcalá de Henares tiene el privilegio de acoger una de las exposiciones más esperadas de este 2023 que acaba de comenzar. Se trata de una retrospectiva de Eduardo Úrculo (1938-2003) con motivo del 20 aniversario del fallecimiento de este “pintor que hace esculturas”, como él mismo se definió. Una muestra que abarca desde el expresionismo social de los inicios de su carrera hasta el pop art, del que fue uno de los principales referentes, sin olvidar su colorida etapa erótica.

La exposición está compuesta por más de 50 piezas procedentes mayoritariamente de la colección privada de su único hijo y de coleccionistas particulares. Éstas conforman un recorrido por el trabajo de Úrculo, incluyendo las pinturas más identificativas de su carrera, aquellas que muestran figuras humanas masculinas, a las que no les falta ese mítico sombrero, tan reconocible para el espectador. A los sombreros se unen las maletas, el paraguas, la gabardina… de un viajero solitario que observa el paisaje urbano y al que nosotros siempre vemos de espaldas. En otras ocasiones, esos personajes contemplan (al parecer, absortos y disfrutando de la belleza) figuras femeninas desnudas; esa erótica del cuerpo femenino en distintas posturas está representada también en varias de las obras que se pueden contemplar ahora en esta exposición. En definitiva, un tránsito por diversos estilos en los que Úrculo combina distintas técnicas como la litografía, el dibujo, el óleo, la escultura en bronce y el grabado.

LAS REFLEXIONES DE JUANJO MILLÁS

 

 

Ayer vi un reportaje de un piso de Madrid en la televisión. La gente esperaba aglomerada en la acera a que les permitieran entrar. Una vivienda lujosa, se veían grandes salones y habitaciones.  De los objetos colgaban etiquetas con el precio...

En los armarios, abiertos, se  podían ver abrigos de piel y vestidos de buen corte. Ningún respeto por la fallecida, hasta se mostraban un montón de pañales para la incontinencia urinaria encima de una mesa de escritorio.

Ah! me dije, esta es la vivienda de la que hablaba el escritor Juanjo Millás esta mañana en la radio. Si, lo recorrió con una amiga y comentaba los objetos que veía...

Si, la insoportable levedad del ser, ya nos avisó Kundera y ahora nos recuerda Millás que simplemente somos una pastilla de caldo concentrado

Un amigo suyo, al llegar a una edad, que consideró oportuna, decidió dejarse. Volvió a fumar, a beber y comer todo lo que le pidiera el cuerpo. A los tres años de "dolce vita" parecía un buda, redondo, lleno de achaques pero feliz. Un día, estando cocinando le cayó una pastilla de caldo al suelo y al agacharse para cogerla quedó esparramado en el suelo. Una muerte feliz piensa Millás y lo imagina con haces de luz del brillo que desprendía el envoltorio  de la pastilla.

"Si, ahora las envuelven muy bien, en papel de plata u oro. Que buen invento este del caldo concentrado, yo me tomo alguno esos días de invierno, cuando el frío nos entumece", reflexionaba Millás.

"Ese caldo que hacen con gallinas viejas, cuando ya no valen para poner huevos ni para reproducirse" Decía pensativo.

De repente, como despertando de un sueño o como si hubiese llegado a un gran descubrimiento, exclamó "¿Y por que no harán pastillas de caldo de los humanos?, pienso, que seremos más sabrosos y proteicos, además evitaríamos muchos problemas a nuestros herederos"

Albert Robida

                                                   La Sortie de l'opéra en l'an 2000

 (Compiègne, 14 de marzo de 1848 - Neuilly-sur-Seine, 11 de octubre de 1926), fue dibujante, litógrafo, grabador, caricaturista, periodista y novelista francés

Hijo de un carpintero, estudió para notario, pero por el aburrimiento de tales estudios se dedicó a la caricatura. En 1866, dibujó para Journal Amusant además de hacerlo en otras revistas. En 1880, con el editor George Decaux, fundó su propia revista, La Caricature, que dirigió durante 12 años y en la cual se iniciaron Caran d'Ache, Louis Morin, Ferdinand Bac, Job, Maurice Radiguet (el padre de Raymond Radiguet). También ilustró guías turísticas, obras de divulgación histórica, clásicos literarios: Villon, Rabelais, Cervantes, Swift, Shakespeare, Les Cent contes drolatiques de Honoré de Balzac, las Mil y una noches. Y en un tono más ligero ilustró además una historia de los lupanares. Su nombre se eclipsó después de la Primera Guerra Mundial.

Albert Robida ha sido redescubierto gracias a su trilogía de anticipación:

• Le Vingtième Siècle (1883)
• La Guerre au vingtième siècle (1887)
• Las Historias Del Capitán Teemo (1890)

Estas obras hacen de él otro Julio Verne, aunque más audaz. Contrariamente a Julio Verne, propone los inventos integrados a la vida corriente, y no como creaciones de sabios locos. Cada vez imagina los desarrollos sociales que se derivan de sus invenciones, a menudo con precisión: promoción social de las mujeres (que él ve como electoras y elegibles, llevando pantalones, fumando, y desempeñándose como médicos, notarios o abogados), desarrollo del turismo de masas, polución. Ya en 1869, Robida hace una obra de anticipación con su dibujo La Guerre au vingtième siècle, campagne de Jujubie, donde describe la guerra moderna a base de misiles robotizados y de gas asfixiante.

Inventó el téléfonoscopio, una pantalla plana mural que difunde las últimas informaciones a todas horas del día y de la noche, las últimas obras teatrales, cursos y teleconferencias.

Además de sus cualidades como visionario, su obra L'Horloge des siècles anunciaba ya, según sus críticos, al Philip K. Dick de la novela El mundo contra reloj (Counter-Clock World).

Wikimedia Commons

GEA

 Fruto del caos y la confusión surgió GEA, la madre tierra,  la progenitora fecunda y antepasada común de todos los dioses, hombres y seres vivos. 

Gea se sentía muy sola así que creó un cielo estrellado, tan grande que cubría la tierra,  y lo llamó Urano. 

De la unión de Gea y Urano, es decir, de la tierra y el cielo,  nació la primera generación de titanes. Despues nacieron tres cíclopes, gigantes con un solo ojo en medio de la frente.

Los cíclopes fueron los dueños del rayo, el relámpago y el trueno.

 Y finalmente nacieron los tres Hecatónquiros, Coto, Briareo  y Giges, monstruos violentos de cincuenta cabezas y cien brazos.

Urano desconfiaba de sus hijos: temía que uno de ellos lo despojara de su poder sobre el Universo. Y por eso no les permitía ver la luz. Los mantenía encerrados en las oscuras profundidades de la Tierra, es decir, en el vientre de su propia madre. Ese lugar oscuro y terrible se llamaba el Tártaro. Gea, inmensa, pesada, no soportaba ya la tremenda carga de tantos hijos aprisionados dentro de su cuerpo y sufría también por ellos y por su triste destino.

Gea, no soportando tanto dolor, fabricó una gran hoz con un pedernal y pidió a los titanes que castraran a su marido, Urano. 

—Solo ustedes pueden ayudarme, hijos míos —les rogó—. Con esta hoz mágica que yo misma fabriqué, deben enfrentarse a Urano. ¡Ya es hora de que pague por sus maldades! 

Solo Crono se atrevió a coger la hoz y obedecer a su madre.

 Crono lanzó los testículos de su padre al mar y se produjo una ola de espuma, de la cual nació Afrodita. 

—¡Maldito seas! —gritó Urano, enloquecido de dolor—. ¡Yo te condeno a que uno de tus propios hijos te destruya, como hiciste conmigo! 

Francisco Domingo Marqués

 (Valencia, 1842-Madrid, 1920). Pintor español. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia, en el taller de Rafael Montesinos y en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. En 1864 obtuvo una mención honorífica especial en la Exposición Nacional de Bellas Artes por el cuadro Los moriscos valencianos pidiendo protección al beato Juan de Ribera. En 1866 fue galardonado con tercera medalla en la Exposición Nacional por el cuadro 

Un lance en el siglo XVII, y al año siguiente con medalla de oro por la misma obra en la Regional valenciana, lo que le proporcionó una pensión a Roma en 1868. El año anterior había pintado Interior del estudio de Muñoz Degrain en Valencia, que atesora el Museo del Prado, en el que el pintor se retrata recostado en un sofá. En Roma acudió al taller de Eduardo Rosales y se relacionó con Mariano Fortuny, del que haría un retrato ­póstumo en 1884. Su primera obra como becado, El último día de Sagunto, fue enviada a la Exposición Regional de Valencia en 1869 y a la Nacional en 1871, junto con la pintura Santa Clara, que mereció primera medalla. 

Su segunda obra, Retrato de Manuel Ruiz Zorrilla, la terminó en Valencia, en su famoso estudio de La Gallera, convertido en centro de la vida artística valenciana. Durante un año fue profesor en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos, teniendo como discípulos a los hermanos Benlliure. En 1871, al no regresar a Roma, la Diputación le retiró la pensión. Fue entonces cuando se instaló en Madrid, donde realizó decoraciones en los pa­lacios de Portugalete y Fernán Núñez. 

En 1875 se trasladó a París, dedicándose casi exclusivamente a realizar cuadros anecdóticos y de exquisita ejecución, como Un alto en la montería, de 1901. De aquella época es el segundo Autorretrato del Museo del Prado, fechado en 1884; el primero, también del Prado, está datado en 1865. En 1914, con motivo de la Primera Guerra Mundial, volvió a España, se instaló en Madrid y consiguió el reconocimiento oficial. Ingresó en la Academia de Bellas Artes en 1917 y fue objeto de un homenaje público en Valencia en 1918.

Museo del Prado