Fritz von Uhde

Fritz Von Uhde

Wolkenburg, 1848 - Munich, 1911) Pintor alemán. Inició su formación artística en Alemania, donde comenzó a cultivar la pintura académica de temas históricos.

Más tarde se trasladó a Munich, donde fue uno de los miembros fundadores de la Sezession, movimiento artístico que agrupó a un heterogéneo grupo de artistas cuyo único nexo de unión era su rechazo de las propuestas plásticas más academicistas.

En 1879 y 1880, visitó París y entró en contacto con el movimiento impresionista. Durante su estancia en la capital francesa estudió bajo la tutela de Munkácsy y llegó a exponer en las exposiciones de 1889 y 1900. Junto con Liebermann, del que recibió una profunda influencia, fue uno de los impresionistas alemanes mas relevantes. Llevado por su experiencia francesa, fue uno de los primeros pintores alemanes en pintar directamente del natural.

Entre su producción destacan las escenas de género y los retratos, que se caracterizan por su estilo amable y sentimental. Pero Uhde pronto abandonó este género de temas para abordar una temática religiosa desde una perspectiva social. En este sentido, son famosas sus figuras religiosas, sobre todo las representaciones de escenas del Nuevo Testamento, cuya característica principal es su desarrollo en un marco contemporáneo.

Paolo Uccello

Paolo Di Dono, llamado Paolo Uccello, fue un pintor italiano (Florencia, 1397 - 1475).

Paolo Uccello formó parte de los pintores del Quattrocento destacando, en la historia de la pintura, por su maestría en las nuevas reglas de la perspectiva.

Hijo de Dono Di Paolo, cirujano y barbero, y de Antonia di Giovanni del Beccuto. Aprendiz en la escuela de Lorenzo Ghiberti entre 1407 y 1414 tuvo ocasión de conocer a los pintores de más renombre: Masolino, Donatello y Michelozzo. Participó, en esa época, en la conclusión de la puerta del Baptisterio de Florencia, realizada por éste último.

Tras haber completado la formación de pintura, escultura, orfebrería y arquitectura, se unió, en 1424, a la Compañía de los pintores de San Lucas y, un año más tarde, se le encomendó la reconstrucción de los mosaicos de la Basílica de San Marcos (Venecia), que habían quedado destruidos tras sufrir un incendio. En 1432 trabajó en la realización de la cúpula de la iglesia de Santa María del Fiore. Recibió su primer encargo monumental en 1436: pintar al fresco el retrato ecuestre del caudillo inglés John Hawkwood (Giovanni Accuto).

A lo largo de toda su vida se dedicó a sus estudios sobre la perspectiva, haciendo de ello una verdadera obsesión, lo que conllevó la crítica de sus contemporáneos que le apodaron Uccello (pájaro), sin duda por sus antojos y sus despistes

Utilizó, a menudo, la brevedad para tratar las formas y jugar con esta técnica hasta conferir un carácter fantástico en algunas de sus obras.

Según los escritos de Giorgio Vasari, Paolo Ucello, terminó sus días en 1475 «solo, excéntrico, melancólico y pobre».

A Uccello se le atribuyen también numerosos frescos hechos en diversas ciudades italianas; las más documentadas de todas ellas son las escenas del Antiguo Testamento para el Claustro Verde de Santa María Novella (Florencia), en la actualidad muy deterioradas.

Hans von Tübingen

Hans von Tübingen (1380 - febrero, 1462) fue un artista austriaco. Muy poco se sabe acerca de su vida, salvo que su obra tiene la influencia contemporánea de Borgoña y la pintura francesa.

John H. Twachtman

Cincinnati, 4 de agosto 1853; Gloucester, 8 agosto 1902). Pintor y artista gráfico. Desarrolló una de los más personales y poéticas visiones del paisaje en la pintura americana. Su primera formación artística fue con Frank Duveneck, con quien estudió en primer lugar en Cincinnati y después en Munich (1875-7). Su absorción del estilo de Munich, caracterizado por la bravura y la pincelada diestra, manipulación de pigmento, con las luces pintadas de forma cálida, motivos oscuros influencia de Frans Hals y Courbet, se reflejan en estas pinturas como Paisaje de Venecia.

Cosmè Tura

Cosimo Tura o Cosmè Tura (Ferrara, h. 1430 - 1495), también conocido como Il Cosmè, fue un pintor italiano de principios del renacimiento o Quattrocento. Está considerado uno de los fundadores de la Escuela de Ferrara. Fue el pintor oficial de los duques de Ferrara.

Nacido en Ferrara, fue estudiante de Francesco Squarcione de Padua. Más tarde obtuvo el mecenazgo de los duques Borso de Este y Hércules I de Este. Entre sus alumnos estuvieron Francesco del Cossa y Francesco Bianchi.

Dotado de un gran personalidad y de amplias dotes artísticas, está presente en todas las manifestaciones artísticas de la corte de los duques de Este. Además de pintor, realizó labores de escenógrafo en fiestas y torneos y dibujó cartones para tapices. Trabajó en la decoración de las habitaciones, del estudio y de la biblioteca de Giovanni Pico della Mirandola. Proyectó los frescos del Palacio Schifanoia de Ferrara.

Parece que le influyó el estilo cuatrocentista de Mantegna y Piero della Francesca. Los críticos de arte subrayan la influencia de Mantegna, especialmente en sus obras del primer periodo. Se supone, aunque no se ha podido demostrar de forma taxativa, que estuvo en Padua entre los años 1452 y 1456, donde trabajaba Mantegna. De todos modos este último artista sí que estuvo en la corte estense, donde es seguro que coincidió con Tura.

La pintura de Tura, se caracteriza por composiciones fastuosamente decoradas, con un plasticismo casi escultórico de las figuras, en un realismo aparente, casi fantástico, debido sobre todo al empleo de colores fantásticos, paisajes imaginados y una búsqueda minuciosa de los detalles.

En Ferrara, está bien representado por los frescos del Palacio Schifanoia (1469–71). Esta finca de recreo, con una fachada y una arquitectura poco notables, pertenecieron a la familia de Este, y se encuentra ubicado justo en las afueras de las murallas medievales. Cosimo, junto con Francesco del Cossa, ayudó a producir una serie alegórica concebida de manera intrincada sobre los meses del año y los signos zodiacales. La serie contiene retratos contemporáneos de músicos, trabajadores, y carrozas de carnaval en desfiles idílicos. Como en el mundo de Piero della Francesca, las figuras transmiten una serenidad clásica.

También pintó las puertas del órgano de la catedral, mostrando la Anunciación (1469). Colaboró en la pintura de una serie de «musas» para un studiolo de Leonello de Este, incluyendo la figura alegórica de Calíope en la National Gallery. Mientras que las atribuciones individuales se debaten a menudo, entre los artistas que se pensaron que completaron el Angelo di Pietro da Sienna, también llamado Maccagino o Angelo Parrasio, y Michele Pannonio.

¿Sabías que el universo de Star Wars se expone en Madrid?

Después de pasar por Lisboa, Oporto, Londres, Bruselas y Ornskoldsvik en Suecia, la muestra itinerante con mayor número de objetos y curiosidades de la saga de La Guerra de las Galaxias, “Star Wars. The exhibition”, ancla en Madrid hasta el 15 de marzo de 2009 en la sala de exposiciones del Canal de Isabel II, donde se mostrarán 250 piezas utilizadas por George Lucas para la gestación de un hito cinematográfico insertado en el imaginario colectivo.



La mayor exposición de Star Wars hasta la fecha


“Star Wars. The exhibition” se inauguró en la Cité des Sciences parisina en 2006 y hasta la fecha no ha parado de cosechar registros masivos de afluencia dondequiera que viajase. No es de extrañar que la capital española haya querido alojar un evento que seguro acercará a seguidores de las películas y a curiosos que deseen ver de primera mano los decorados en los que nobles jedis batallaban con sus sables láser, naves espaciales inverosímiles surcaban el espacio entre un caos de explosiones y las fuerzas del bien y el mal pugnaban en un marco intergaláctico extraordinario. Después de inaugurarse en 2004 con la exposición “Guerreros de Xi’an” visitada por 435.000 personas, después de “Faraón”, “M.C. Escher. El arte de lo imposible”, “Roma S.P.Q.R.” y “Madrid, 2 de mayo 1808-2008. Un pueblo, una nación”, la sala de exposiciones del Canal de Isabel II, Arte Canal, aglutina la magia del cine y la representación visionaria de George Lucas en una exposición única donde se dan cita naves (algunas a tamaño real), vehículos, muñecos de los personajes, indumentaria de los protagonistas, bocetos, dibujos y maquetas repartidas en nueve ambientes diferentes que corresponden a los planetas en los que se desarrolla la saga. Un total de 250 piezas para ahondar en seis episodios fílmicos legados a la historia del cine, textos y videos para comprender mejor los secretos de su gestación y una “Escuela Jedi” en la que los participantes pueden entrenarse y aprender las técnicas de combate de los caballeros más populares de la ciencia-ficción.

Henry Moore. Obra Gráfica

Meditations on the Effigy, Elephant Skull y La poésie aglutinan las tres series de grabados por las que discurre la obra gráfica del escultor británico con más repercusión del siglo XX, Henry Moore, en la exposición que la fundación Juan March organiza en Palma de Mallorca (España). Se pretende mostrar una cuidada faceta pictórica que el autor desplegó con celo en la segunda mitad de su vida, dejando entrever los impulsos habituales también presentes en sus célebres creaciones escultóricas.


De la escultura al dibujo y grabado

Después de combatir en la Primera Guerra Mundial y financiarse clases de arte en la Leeds School of Art con su pensión de excombatiente, Henry Moore recibió una beca para estudiar en el Royal Collage of Art londinense en el que impartió clases hasta 1931, año en el que ascendió a director del Chelsea School of Art. Fruto de sus años docentes, de los posteriores viajes formativos a París y Roma y del minucioso estudio de las esculturas del British Museum, surgieron sus innovadoras creaciones con las que obtendría el Premio Internacional de Escultura en la Bienal de Venecia en 1948 y con las que introduciría una original forma de modernismo en Inglaterra. A Henry Moore se le conoce precisamente por la pericia en el talle de figuras de gran formato en mármol y bronce, pero en la segunda mitad de su carrera artística se interesó gradualmente en el dibujo y el grabado, produciendo obras que continuarían la temática pronunciada en su escultura bajo el prisma de un nuevo formato.

Tres series que aúnan la obra gráfica de Henry Moore

El estudio de los animales, la figura materna y filial o el desnudo femenino se moldean en torno a las tres series de grabados expuestas en el Museo de Arte Contemporáneo de Palma de Mallorca. En Elephant Skull se exhiben 28 grabados al aguafuerte en blanco y negro inspirados en el colosal cráneo de un elefante africano que el biólogo Sir Julian y Lady Huxley le regalaron en 1966; la sección Meditations of the Effigy cuenta con 12 litografías y 2 aguafuertes también en blanco y negro publicadas por la Marlborough Gallery de Londres; La posésie completa la exposición con 8 litografías a color que Henry Moore dibujó inicialmente como encargo para ilustrar poemas de un grupo de líricos franceses, utilizando libremente la temática que desplegaba de igual manera en sus esculturas de bronce y mármol: figuras de pie, efigies reclinadas y rostros femeninos.

Objetos vivos. Figura y naturaleza muerta en Picasso

El especialista picassiano Christopher Green, en base a sus recientes indagaciones acerca de la obra del pintor malagueño, ha concebido una muestra de 70 piezas entre pinturas, dibujos y grabados, ubicadas en un lapso de 1907 a 1933, en la que se atiende al diálogo entre lo animado e inanimado, una dialéctica genuina en la que se pondera la relación del artista con la naturaleza muerta y la metamorfosis, entes inanimados que mutan a figuras y figuras que devienen objetos inertes, rasgos que fluctúan entre dos realidades que dialogan y juguetean y que se conjugan en el espacio del Museo Picasso de Barcelona (España) gracias a la colaboración de los herederos que han cedido obras, muchas de ellas inéditas.


“Objetos que viven y figuras tan muertas como los objetos”

Con esta declaración, Christopher Green reivindica la coherencia de la exposición “Objetos vivos” como acreedora de una temática fundamental, hasta el momento desatendida, en el cómputo de la obra de Picasso. Green subraya la necesidad de mostrar aquellas piezas en las que se muestrea la oscilación entre lo exánime y lo animado, la transfiguración de los objetos bajo el pincel del genio cubista, pues razona que “hace tiempo que la metamorfosis se considera un elemento fundamental en la obra de Picasso, pero nunca se ha estudiado la transformación de lo inanimado en animado y viceversa. Los objetos de los bodegones son como personajes en un escenario; ves cómo adquieren vida y empiezan a actuar”. Un escenario que bien podría ser el reflejado en las naturalezas muertas que Picasso pintó en 1924 para el ballet Mercure, donde “los actores aparecen troceados como si fueran partes de un cuerpo” Estas alteraciones en la estructura de los entes representados se nutrió del contacto con los círculos surrealistas, y al final del recorrido expositivo por “Objetos vivos” vislumbramos en las naturalezas muertas un erotismo violento en forma de objetos orgánicos insertados como partes del cuerpo.

70 piezas para sostener una tesis

El Museo Picasso de Barcelona, de la mano de su presidente Josep Serra y con la proposición de Christopher Green como leit motiv, ha conseguido que diversas colecciones privadas, museos internacionales y herederos del artista cedan ciertas obras para convertir “Objetos vivos”, no en un capricho excéntrico, sino en un tema de reflexión que abrirá nuevas vías de estudio, configurando el camino a seguir por el museo, que pretende instituirse como centro de referencia en las nuevas narrativas y perspectivas inéditas de Picasso. Naturaleza muerta con guitarra procede del Stedelijk Museum de Ámsterdam, Mandolina, frutero, botella y pastís del Metropolitan neoyorkino, Mandolina y guitarra del Guggenheim de Nueva Cork, Naturaleza muerta con mandolina de la Nacional Gallery irlandesa, asimismo, Hombre sentado en un sillón e Instrumentos de música y frutero sobre un mesa son obras inéditas e inacabadas cedidas por los herederos del artista que ejemplifican las premisas sostenidas por Green.

III Convocatoria de Artes Plásticas MULIER, MULIERIS 09

El Museo Universitario de Alicante (España) convoca este certamen, sin límite de participación por género, dentro del marco de celebración del Día Internacional de la Mujer. Exposición, catálogo y compra de obra son los premios establecidos para aquellos artistas que resulten seleccionados. El plazo de recepción de obras comprende del 7 de enero de 2009 al 17 del mismo mes, inclusive.


Requisitos

Pueden participar todos aquellos artistas que lo deseen, con independencia de su sexo, edad o nacionalidad, de forma individual o grupal, con una sola obra de técnica libre y tema ajustado al objeto de la convocatoria. Junto con las obras a concurso, los participantes deben adjuntar la documentación relativa a los datos técnicos de la pieza, los datos personales del artista/s y la propuesta expositiva solicitados en las bases del certamen. En caso de que la pieza responda a unas características especiales de montaje, deberán adjuntarse también las instrucciones del mismo.

Premios

Un jurado escogido por el Museo Universitario de Alicante seleccionará aquellas obras que pasarán a integrar una exposición en el propio MUA. El montaje de la exposición corre a cargo del museo, así como la edición del correspondiente catálogo. Además, se ha habilitado una dotación económica destinada a la compra de obras, que pasarán a formar parte de la colección del museo. La resolución del certamen se hará pública el 3 de febrero de 2009.

Nueva ley de derechos de autor para artistas

Los artistas plásticos están de enhorabuena esta semana: una nueva ley viene a sumarse a las enunciadas para la protección de sus derechos. El Ministerio de Cultura inició en mayo de 2008 los trámites para modificar el artículo de la Ley de Propiedad Intelectual que garantiza el derecho de los artistas a percibir una participación económica en el precio de reventa de sus obras (siempre que la transacción no se haga entre particulares). Una iniciativa que, en este mes de noviembre, ha sido presentada para su aprobación ante la Comisión de Cultura del Congreso.


La exigencia en España de una ley de derechos de autor equiparable al resto de la normativa europea es una reclamación antigua, cuyo principal y fundado argumento se sostenía en la inviabilidad actual de la Ley de Protección Intelectual, promulgada hace más de veinte años. Así, en mayo de 2008, el Ministerio de Cultura presentó un anteproyecto de ley para modificar el derecho de participación de los artistas. Este derecho, también conocido como droit de suite, garantiza a los artistas una parte del precio de reventa de aquellas obras de arte de su autoría u originales después de la primera transmisión, siempre que en la misma intervenga algún profesional del mercado del arte (como comprador, vendedor o intermediario). Este derecho ya aparecía recogido desde 1987 en las leyes españolas, sin embargo, el anteproyecto tenía como finalidad ajustarlo a las directrices marcadas por Europa.
Así, la Ley de Propiedad Intelectual ha experimentado un importante cambio tras la aprobación en noviembre pasado de este proyecto de ley por parte de la Comisión de Cultura del Congreso. No sólo se han establecido nuevamente el precio de activación del derecho y las cantidades económicas a percibir en función del precio alcanzado por la obra (en lugar de los inmóviles 1.800 euros y 3% determinados hasta el momento) sino que, además, han quedado definidas explícitamente aquellas operaciones que generan derechos económicos al autor. De este modo, a partir de ahora, cada vez que en una reventa de obra intervengan galerías de arte, marchantes, salas de ventas y subastas, o cualquier persona física o jurídica que actúe de forma habitual como intermediario (además de aquellos profesionales del mercado del arte que presten sus servicios a través de internet), el artista de la obra deberá recibir el tanto por ciento estipulado que le corresponda. De esta disposición quedan excluidos los tratos negociados entre particulares sin que medie ningún profesional del mercado del arte, así como las reventas promocionales ("aquellas que tienen lugar en los supuestos en que la obra ha sido adquirida directamente del autor, con el fin de facilitar la incorporación de la obra de nuevos artistas al mercado del arte").


Con respecto al precio de activación del derecho (o lo que es lo mismo, la cantidad a partir de la cual el autor tiene derecho a percibir un porcentaje), antes marcado en 1.800 euros, su cuantía ha alcanzado los 3.000 euros máximo (cada estado miembro puede determinar después la cantidad mínima). Igualmente, se ha determinado ahora un máximo de 12.500 euros pagaderos al artista por la aplicación del derecho de participación y un sistema de porcentajes decrecientes por tramos de precios*. En este punto es donde se han generado las mayores controversias, ya que hay muchos galeristas y marchantes que consideran que el pago del porcentaje tiene sentido tan sólo en caso de plusvalía y no en cada reventa, ya que es posible que ésta conlleve pérdidas para el intermediario, quien además tendría que pagar royalties.

ARTELISTA

CHAPA PAISAJE VIGUES

hey juddy en Maniquies Urbanos

También podeis encontrar las cositas de HeyJuddy! en esta tienda/espacio para diseñadores nuevos, llamado Maniquies Urbanos, en la Calle Barco nº8, en Madrid.
Cerquita está también un espacio llamado La Linterna Roja, que es muy chulo, con diferentes espacios llenos de diseños nuevos, con cafetería, tienda y habitaciones/baño con exposiciones y material para comprar.

Mercadiño no Café La Historia

Mercadiño no Café La Historia / Rúa Cruz Branca 3 (O Calvario, Vigo)
HORARIO DE 11:30 ATA AS NOVE DA NOITE


O sábado 6 de Decembro a partires das 11:30 da mañán teremos un mercadiño no Café La Historia, no Calvario, concretamente na rúa Cruz Branca 3.
A ver se en vez de ir de excursión vides alí a tomar un vermú:)
Ademáis de HeyJuddy estará Miss Daisy cos seus collares, pendentes, pulseiras, broches, etc

comentarios:
Anónimo dijo...
Ahí estaremos Juddy, para tomar o vermú, para mercar (aín que os cartos andan ben escasos), e para botar unha man se fai falla.

biquiños nena

Tung Ch'i-ch'ang

Tung ch'i-ch'ang , 1555 - 1636, pintor, calígrafo, conocedor y crítico de la dinastía Ming. Un alto funcionario en diversos cargos públicos, también fue considerado como el mayor experto de arte de su época. Fue el líder del grupo que formuló los principios básicos de la llamada Wen-jen o escuela de pintura, que ejerció una influencia duradera sobre la pintura y la estética china y japonesa. In his landscape paintings, executed mostly in ink with occasional touches of color, painting and calligraphy were joined harmoniously. En su paisajes, ejecutados en su mayoría en tinta con ocasionales toques de color, se unen armoniosamente la pintura y la caligrafía. Ejemplos de sus obras pueden verse en el Museo de Bellas Artes, Boston, el Metropolitan Museum, Nueva York, y el Museo de Cleveland, Ohio.

Pawel Petrowitsch Tschistjakow

Русский: Павел Петрович Чистяков 1832 1919 Wesjegonsk St Petersburgo

Alexej Filippowitsch Tschernyschow

1824 1863-PINTOR RUSO Orenburg St Petersburg Petersburgo

Ts'ui Po

Ts'ui Po dinastía Sung (960-1279)
Ts'ui Po, un nativo de la provincia de Anhwei, sobresalió en la pintura budista y taoísta, figuras, paisajes, flores y animales. Fue especialmente conocido por sus obras en el género de aves y flores.

Heinrich Wilhelm Trübner

Wilhelm (cuyo nombre completo era Heinrich Wilhelm) Trubner nació en Heidelberg el 3 de febrero de 1851. Su padre era un orfebre y el futuro consejero de la ciudad. Después de la escuela primaria Wilhelm Trubner se suponía que iba a hacerse cargo del taller de su padre, pero gracias al apoyo y la intervención del pintor Anselm Feuerbach, el joven Wilhelm Trubner comenzó a estudiar pintura en la escuela de arte Karlsruhe en 1867. Por consejo de su futuro maestro Wilhelm von Diez, Trubner fue a Munich en 1869, donde temporalmente se convirtió en un estudiante de Alexander Wagner. En 1870 Trubner finalmente se trasladó a Munich para asistir a la academia de von Diez, donde fue para recibir instruccion sobre el claroscuro de la pintura holandesa. Durante ese tiempo Trubner realizó también sus primeros retratos. En el verano de 1871 Trubner abandonó la academia, después de haber conocido al pintor Wilhelm Leibl en un viaje de estudios a lago Starnberger, donde había ido con amigos a unirse a la llamada «Leiblkreis». En 1876 Wilhelm Trubner experimentó el apogeo de su obra, pintó numerosos retratos, paisajes e interiores, realizó viajes de estudio a Italia y Bélgica y vendió sus primeras piezas. En 1876 el éxito de Trubner se interrumpió. La exposición anual en el Munich »Glaspalast 'rechazó su' Bildnis von Schuch ', Trubner se sentía incomprendido tanto por la crítica como por el público . Cuando el 'Leiblkreis' también se disolvió al final de ese año, Wilhelm Trubner trató de reorientarse. Se dedicó a la pintura histórica, pero el éxito no llegaró a materializarse. El éxito y el reconocimiento le llegaron poco a poco durante los años siguientes, gracias a sus crecientes contactos con la escena artística de Munich y la publicidad que le proporcionó el mecenazgo del Gran Duque de Baden. Wilhelm Trubner recibió sus primeros premios en 1889 en Munich en una exposición de arte y en 1893 en una exposición en Chicago. Sus contactos con Corinth, Slevogt y Liebermann Trubner le llevaron a unirse a la secesión de Munich en 1892, que la dejó un año más tarde para convertirse en un miembro de la 'Freie Vereinigung München ". En 1896 Wilhelm Trubner empezó a dar clases en el 'Städelsche Kunstinstitut "en Frankfurt / Main y le dio la espalda a Munich para siempre. En 1898 se convirtió en catedratico. Trubner En 1903 comenzó a trabajar en la academia de arte Karlsruhe, de la que fue director en 1904 y 1910. En 1900, a la edad de 49 años, se casó con una alumna suya, Alicia Auerbach, quien dio a luz a su hijo Jörg en 1902. Durante ese tiempo, escribió un tratado sobre la teoría del arte en el que refleja la renuncia a un tema anecdotico unido al tema del cuadro a camhio de mas forma y color. Este entendimiento del arte se refleja principalmente en sus paisajes y retratos de su tercera fase. En marzo de 1916 su esposa Alice falleció en Berlin. Wilhelm Trubner sospechó que la actriz Durieux la había asesinado, pero el caso fue abandonado. Wilhelm Trubner murió a causa de una afección cardiaca el 21 de diciembre de 1917 en Karlsruhe.

John Trumbull

(6 de junio, 1756, Lebanon, Connecticut - 10 de noviembre, 1843, Nueva York) fue un pintor, arquitecto y escritor estadounidense.

Hijo del gobernador Jonathan Trumbull (1710–1785), trabajó como asistente de George Washington durante la Independencia y después como secretario de John Jay en Londres. En 1784 estudió pintura con Benjamin West y con esta influencia, comenzó a crear la famosa serie de cuadros y grabados históricos a los cuales les dedicaría toda su vida.

En 1817 le fue encargado por el congreso una pintura de cuatro grandes cuadros que hoy decoran la rotonda del Capitolio (finalizada en 1826). La mayoría de sus ilustraciones en la frecuentemente duplicada Declaración de Independencia aparecen al reverso de los billetes de $2 dólares.

Constant Troyon

(Sèvres, 1810-París, 1865) Pintor francés. Relacionado con la escuela de Barbizon, se inspiró en los grandes maestros holandeses de paisajes y animales del s. XVII, cuyas obras estudió en profundidad durante un viaje a Holanda en 1847 (El regreso a la granja).

Cornelis Troost

(Amsterdam, 1697- id., 1750) Pintor neerlandés. Autor de retratos de grupo que a menudo transforma en vivas escenas de género, llenas de apuntes ambientales y motivos irónicos (Jeronimus Tonneman y su hijo, 1736).