miércoles, 29 de febrero de 2012

Leopoldo Nóvoa



[foto de la noticia]



a os 91 anos

O artista pontevedrés Leopoldo Novoa faleceu o pasado xoves en París, onde simultaneaba residencia xunto con Galicia, aos 91 anos de idade. Nado en Salcedo (Pontevedra) en 1919, viaxou por primeira vez a América con sete anos, e alí comezou a pintar, debuxar e modelar. Cando voltou a Galicia en 1929, desenvolveu a súa faceta artística, ata que retornou coa súa familia de novo a Uruguai, onde residiu ata 1947. No 1965, o artista trasladouse a París, onde traballou intensamente durante os seguintes anos, anque simultaneando esta residencia con longas tempadas en Armenteira (Meis). Alí tiña o estudo.

Internacionalmente recoñecido, expuso en museos de Bos Aires, Nova Iorque, Punta del Este, Montevideo, Dublín, Madrid, Italia, Bélxica, París, Lima, Bogotá e Quito, así como en varias cidades galegas

Galicia

Leopoldo Nóvoa, renacer de la ceniza

ROSARIO SARMIENTO 25 SEP 2011 EL PAIS

Una de las mejores intervenciones artísticas realizadas en un espacio público de este país es el inacabado Mural da Canteira, que Leopoldo Nóvoa realizó en A Coruña a finales de los ochenta, una obra maltratada por el tiempo y por la indiferencia política. Veinte años antes, en Montevideo, había creado otra de sus grandes obras públicas, el Mural del Cerro, un trabajo de grandes proporciones con el que quería describir "nuestra época, dar a entender nuestros esfuerzos permanentes por llegar a una sociedad más armoniosa, y nuestros continuos fracasos".

Hay quienes el calendario de su vida les otorga una doble fecha de nacimiento: la que marca su llegada biológica a este mundo y otra que señala un hecho que por su convulsión supone un volver a empezar. En la vida de Nóvoa se da esa doble referencia. Hijo de padre uruguayo, un diplomático exiliado en la guerra civil española, abandona su Salceda natal en 1938 para establecerse en Montevideo. Se matricula en arquitectura y comienza a trabajar en una fábrica de cerámica, formación que será de gran utilidad para acometer algunas de sus obras.

A finales de los cuarenta, su espíritu nómada le traslada a Argentina, y en 1952, ya instalado plenamente en Buenos Aires, realiza su primera exposición de la mano de Luís Seoane. Colabora en la revista Galicia emigrante y diseña el cartel del Primer Congreso Internacional de Emigración. Su regreso a Montevideo y su relación con Torres-García, Onetti, Oteiza y posteriormente el crítico Michel Tapié marcarán su pintura, construida a partir de un vocabulario abstracto, que desarrollará y profundizará.

En 1965 se instala en París, donde conoce a Cortázar, Tomasello o Julio le Parc, entre muchos otros, un círculo de intelectuales con los que compartirá amistad e inquietudes creativas. Son años de intenso trabajo, exponiendo en diferentes ciudades europeas.

Nóvoa es ya un pintor con un lenguaje propio, pintura que adquiere volumen simulando un corazón latente tras la superficie. El año 1979 marca esa otra fecha en el calendario del genio pontevedrés, el volver a nacer, el año cero, el reinventarse tras el desastre. Su estudio parisino sufre un incendio que lo arrasa, destruyendo las más de 2.000 obras allí almacenadas. De su historia anterior, apenas nada; de la aniquilación, solo la ceniza, el único testigo para volver a inventarse.

Nóvoa comienza a pintar sin descanso, observando la ceniza y convirtiéndola en su principal aliada, en su fiel acompañante creativa, la base de una pintura que ya no le abandonará. Esa pintura sin color, blanca o negra, austera, sobria, creada sobre la materia, espacio y luz, desprovista de aditamentos, que ha logrado la belleza más compleja, aquella que se consigue con lo más simple. El final de un largo, complejo y doloroso proceso de síntesis.

Dentro de los muros de su casa de Armenteira, a la que vuelve cada verano desde hace varias décadas, Nóvoa reina en un mundo de luz y espacio, en el que podría decirse que él y las cenizas han llegado a la simbiosis perfecta. En ningún lugar como en ese espacio monacal, como es la casa restaurada por su amigo Celestino García-Braña, se entiende a un artista tan extraordinario. En ningún lugar se puede apreciar tanto la belleza de su obra, pero sobre todo la sabiduría y la humanidad de este gallego del mundo.


martes, 28 de febrero de 2012

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Seix Barral publica ahora La novela de la memoria una recopilación que incluye además La costumbre de vivir, libro autobiográfico que llega hasta 1975।


1926. Nace el 11 de noviembre en Jerez, en la calle Caballeros, en el lugar donde actualmente se ubica su Fundación, José Manuel Caballero Bonald, hijo de Plácido Caballero, cubano de madre criolla y padre santanderino, y de Julia Bonald, perteneciente a una rama de la familia del vizconde de Bonald, filósofo tradicionalista francés, radicada en Andalucía desde mediados del S.XIX


La Gioconda (después de su restauración)  Taller de Leonardo da Vinci H. 1503-16 Óleo sobre tabla de nogal, 76,3 x 57 cm Madrid, Museo Nacional del Prado

La Gioconda del Museo del Prado

El Museo del Prado (Madrid, España) presentó ayer el proceso y conclusiones del estudio técnico y la restauración de la copia de la Gioconda que conserva en sus colecciones desde su fundación como parte de las colecciones reales españolas que le dieron origen. El trabajo, iniciado hace dos años, ha puesto de manifiesto que la obra fue realizada en paralelo al retrato original de Leonardo conservado en el Museo del Louvre y que se trata de la copia más antigua además de la versión más importante del famoso retrato que se conoce hasta la fecha.

Procedente de las colecciones reales españolas, la copia de la Gioconda del Museo del Prado ha sido sometida a un estudio técnico y restauración con motivo de la solicitud del Louvre, hace dos años, para su participación en la exposición que inaugurará en su sede el próximo mes de marzo: L'ultime chef-d'œuvre de Léonard de Vinci, la Sainte Anne.

Gracias a este proceso, que ha permitido recuperar la imagen original del cuadro del Prado, éste se sitúa ahora como uno de los testimonios más representativos de los procedimientos del taller de Leonardo al haberse desvelado como obra de alguno de los discípulos del gran maestro florentino que trabajaban en su taller al mismo tiempo que éste pintaba la original.

 I'm Here, but Nothing, 2000/2012  © Yayoi Kusama  Photo credit: Lucy Dawkins/Tate Photography

Yayoi Kusama en la Tate Modern

El trabajo pionero de Yayoi Kusama se extiende a lo largo de seis décadas, un trabajo que se puede ver ahora en una exposición presentada por la Tate Modern de Londres (Reino Unido) donde se pone de relieve aquellos periodos de producción artística en los que la innovación fue más intensa. Kusama es una de las artistas japonesas vivas más conocidas a nivel internacional, una autora que ha creado un gran número de obras desde los años cuarenta.

La exposición, que hace un recorrido por sus primeras incursiones en la pintura hasta sus obras más recientes, revela una historia de continuos y audaces avances, demostrando que Kusama es, hoy en día, una de las profesionales internacionales más atractivas. La muestra se desarrolla en una secuencia de habitaciones, cada una dedicada a la aparición de una actitud artística nueva.

Gran parte del arte de Kusama tiene una intensidad casi alucinatoria que refleja su particular visión del mundo, ya sea a través de una acumulación de detalles o a través de los densos patrones de redes y puntos que se han convertido en la firma de sus obras. Un punto culminante de la exposición será una nueva instalación concebida especialmente para el espectáculo, Infinity Mirrored Room-Filled with the Brilliance of Life

Fecha: hasta el 5 de junio
Lugar: Tate Modern. Bankside. Londres SE1 9TG. Reino Unido.
Horario: de domingo a jueves de 10.00 a 18.00 horas. Viernes y sábados de 10.00 a 22.00 horas.

Sir Peter Paul Rubens Copy of the Figure of ‘Prudence’ after Raphael’s fresco of ‘The Virtues’.

Tiza roja: De Rafael de Ramsay

La Galería Nacional de Escocia (Reino Unido) alberga una exposición que explora la utilización en el arte de la tiza roja. La muestra, titulada Tiza roja: de Rafael a Ramsay, consta de 35 obras pertenecientes a la colección permanente y muestra una amplia variedad de exquisitos dibujos de Pedro Pablo Rubens, Salvator Rosa, Jean-Antoine Watteau, Francois Boucher y David Allan. La muestra exhibe por primera vez trabajos que, debido a su delicada naturaleza, no se habían dado a conocer con anterioridad.

Uno de los dibujos más destacados es el Estudio de un desnudo de rodillas de Rafael, uno de los trabajos más tempranos realizados con tiza roja. Se trata de un trabajo preparatorio de una serie de frescos del artista que data del año 1518. La galería exhibe también Cabeza de hombre barbudo, un poderoso dibujo de mitad del siglo XVII del pintor Salvator Rosa y que constituye una obra de arte en sí misma.

Además, el público podrá contemplar un conjunto de estudios figurativos del influyente dibujante barroco Pompeo Girolamo Batoni (1708-87) y Cuatro mujeres cosechando de Rubens, una obra en la que se puede observar la maestría en la utilización de los trazos simples de tiza roja.

Fecha: hasta el 10 de junio.
Ubicación: Galería Nacional de Escocia, The Mound, Edimburgo, EH2 2EL. Reino Unido.
Horario: de lunes a domingo de 10.00 a 17.00 horas.

John Spencer Stanhope, Love and the Maiden, 1877, tempera, gold paint and gold leaf on canvas

El culto a la belleza: la Vanguardia Victoriana, 1860-1900

El culto a la belleza: La Vanguardia Victoriana, 1860-1900, organizada por la Legión de Honor (San Francisco, Estados Unidos), es la primera gran exposición que explora la creatividad no convencional de este movimiento estético británico y que hace un seguimiento de su evolución a partir de un pequeño círculo de poetas y artistas progresistas, de lo los logros conseguidos por pintores y arquitectos innovadores y de su amplio impacto como movimiento artístico en la clase media de la época.

Más de 180 obras de arte expresan la multiplicidad de formas de una Vanguardia impregnada de la cultura material victoriana: el arte tradicional de la alta pintura, las tendencias de moda en la arquitectura y en la decoración de interiores, los muebles hechos a mano y fabricados para una casa "artística", la fotografía de arte y las nuevas tendencias en la forma de vestir.

El culto a la belleza presenta una gran variedad de creaciones de artistas y diseñadores como Dante Gabriel Rossetti, James McNeill Whistler, Edward Burne-Jones, E. W. Godwin, William Morris and Christopher Dresser.

Fecha: hasta el 17 de junio.
Lugar: Museo Legión de Honor. Museo de Bellas Artes de San Francisco. Lincoln Park, 34th Avenue and Clement Street, San Francisco, CA 94121. Estados Unidos.
Horario: de martes a domingo de 9.30 a 17.15 horas.

1. Self-portrait, 1659. Rembrandt van Rijn (Dutch, 1606–1669). Oil on canvas; 84.5 x 66 cm. National Gallery of Art, Washington, Andrew W. Mellon Collection 1937.1.72. Image courtesy National Gallery of Art, Washington


Rembrandt en América

Rembrandt en América, organizada por el Museo de Arte de Cleveland (Estados Unidos) es la primera gran exposición que explora la historia del coleccionismo de obras del maestro holandés en Estados Unidos.

Compuesta por más de 50 obras, la muestra interrelaciona pinturas de Rembrandt con un conjunto de trabajos que se atribuyeron, inicialmente y de forma errónea, al artista. La exposición examina así la larga carrera de Rembrandt como pintor así como su amplia red de seguidores e imitadores de sus obras.

Rembrandt en América ofrece al público la oportunidad de examinar los métodos que siguieron, a lo largo de más de un siglo, los estudiosos del pintor y grabador holandés – con opiniones y puntos de vista cambiantes- para determinar la autoría de las pinturas que llegaron a Estados Unidos.

Fecha: hasta el 28 de mayo.
Lugar: Museo Cleveland de Arte. East Boulevard, Cleveland, Ohio 44106. Estados Unidos.
Horario: martes, jueves, sábados y domingos de 10.00 a 17.00 horas. Miércoles y viernes, de 10.00 a 21.00 horas.

miércoles, 22 de febrero de 2012

EN LUCES DE BOHEMIA HAY BAILE LOS MIERCOLES

Gifs Animados de Bailando - Imagenes Animadas de Bailando


Hoy miercoles de carnaval he ligado!!!!

Me llamó una amiga por telefono y me dice " Sabes que en la Cafetería L. de B. hay baile los miercoles? Tranquila, buen ambiente, te tomas algo y mueves el esqueleto..."

Esta mañana ya había decidido "estrenarme" en la pista cuando me avisan que alguien quería hablar conmigo- era J. - "que tengo que pagarte lo de los marcos" me dice- "ya me pagarás", el seguía insistiendo que tenía que ser hoy...En ese momento se me encendió una lucecita- "Vale, pues te espero hoy a las siete y media en L. de B., tomamos un café y me pagas". Muerta de risa se lo digo a Cris: "cuando se de cuenta de la encerrona me mata"...y allí nos encontramos, tres señoras con un chico de treinta y tantos- Juraría que se lo pasó bien, bailó, dio saltos y seguro que en su vida se sintió tan asediado. A eso de las ocho y media entró "una mujer" con medias de redecilla, ligueros y una melena negra que le cubría media espalda. Sacó a bailar a Cris y yo me partía de risa. En medio de aquel cuerpo que medía por lo menos 1´80, Cris parecía pequeñita. "Dice que lo único de verdad es el bigote" dijo cuando se sentó. Despues me tocó a mi, me explicó que las tetas se las había puesto para que le sentara bien el vestido debido al gran escote de la espalda. ¿Que bailamos? Ni me acuerdo, solo sé que estoy destrozada. Fotos hay, espero que me las pasen (ja jaaaaaaaa)

Hoy, ya la mañana del día siguiente, estoy pensando sobre la experiencia. El mundo está lleno de "tristes"- a esos los ves a distancia y puedes huir- los realmente peligrosos son los zombis, estos personajes chupadores de energía, se te acercan y te pueden dejar inerte. ¿Que había en la sala de baile ayer? NO HABIA ZOMBIS, si acaso algun vouyer. A nuestro lado había un hombre, alto, delgado, con pinta de intelectual. Estaba solo, un poco enroscado como un gato. Cuando Cris salio a fumar fue tras ella y le explicó "Sabes que los gallegos somos melancolicos, tristes, y yo vengo aqui para recibir un poco de la alegría que emanan las mujeres. Os admiro porque conseguis desinhibiros"...

Bueno, no estoy de acuerdo que todos los gallegos seamos tristes, hay de todo como en todas partes, el problema es ÉL MISMO- algo que afecta a los hombres- ese sentido del ridículo que no pueden vencer y les impide, muchas veces, pasar un rato divertido. Seguro que la mayoría de las mujeres allí, ya estabamos "bien zurradas" por la vida ¿Y que te queda? ¿Meterte en un caparazón y esperar la muerte? Pues no, NO, - La vida es eso VIDA. Vivir no es vegetar!!!

UN BESO DE ANIMO PARA TODAS LAS MUJERES!!

El caso es que mientras yo bailaba, VIGO LLORABA

La ciudad despide su último día de los Carnavales


martes, 21 de febrero de 2012


Invierno en el arte

El Museo de Arte Moderno de Zúrich (Suiza) presenta una exposición temática que se centra en las representaciones pictóricas del invierno, desde el Renacimiento hasta el Impresionismo.

Bajo el título Cuentos de invierno, la muestra incluye unas 120 obras de artistas como Pieter Brueghel el Joven, Jacob van Ruisdael, Francisco de Goya, Kazimir Malevich, Claude Monet, Edvard Munch y muchos otros pintores europeos. Completa la exposición un conjunto de trineos dorados tallados a manos pertenecientes a opulentas familias austríacas y suntuosos tapices flamencos.

Según la mitología creacionista de la mayoría de las civilizaciones, el invierno es una estación del año que surgió en el mundo como castigo y plaga. Hasta la Edad Media, la llegada del frío ponía en peligro el suministro de alimentos y la salud de una población que, al ser eminentemente agraria, se encontraba constantemente a merced de la naturaleza. El progreso social y tecnológico se ha utilizado desde entonces para reducir progresivamente el impacto del invierno en la sociedad.

La exposición también pone de relieve los aspectos placenteros de la temporada invernal, una época del año que anuncia la llegada inminente de la primavera.

Fecha: hasta el 29 de abril.
Lugar: Kunsthaus Zürich, Heimplatz 1, CH-8001 Zurich. Suiza
Horario: sábados, domingos y martes de 10.00 a 18.00 horas. Miércoles, jueves y viernes de 10.00 a 20.00 horas.

Pablo Picasso  The Source 1921  © Succession Picasso/DACS 2011  Image courtesy Moderna Museet, Stockholm

Picasso y el arte británico moderno

La Tate Britain de Londres (Reino Unido) organiza una gran exposición centrada en el legado de Picasso, la influencia que tuvo en el Reino Unido y el papel que desempeñó en la progresiva aceptación del arte británico moderno. La muestra se sumerge además en el afecto que el artista sentía por el país y en sus fascinantes conexiones personales y profesionales.

La exposición, que reúne más de 150 obras, exhibe 60 trabajos pertenecientes a los periodos más prolíficos de su carrera: Mujer llorando (1937) y Las tres bailarinas (1925) son algunos de ellos.

Con esta muestra, la Tate Britain ofrece la rara oportunidad de contemplar conocidas obras de Picasso junto a siete de sus más fervientes admiradores británicos: Duncan Grant, Wyndham Lewis, Ben Nicholson, Henry Moore, Francis Bacon, Graham Sutherland y David Hockney.

Picasso y el arte británico moderno es la primera exposición que hace un recorrido por la ascensión de Picasso como celebridad y figura controvertida en el Reino Unido: desde su visita a Londres en 1919 para trabajar en el vesturario del balete de Diaghilev El sombrero de tres picos, hasta su reputación en la postguerra y sus intervenciones políticas.

Fecha: hasta el 15 de julio
Lugar: Tate Britain. Millbank. Londres SW1P 4RG. Reino Unido.
Horario: de lunes a domingo de 10.00 a 18.00 horas.

Viena celebra el aniversario del nacimiento de Gustav Klimt

Con el objetivo de celebrar el 150 aniversario del nacimiento de Gustav Klimt, el Museo de Historia del Arte de Viena (Austria) muestra sus importantes pinturas murales.

En 1890, un año antes de la apertura formal del Museo de la Corte, lugar de acogida de las colecciones de arte imperiales, Gustav Klimt, su hermano menor Ernst y su amigo Franz Matsch, fuero comisionados para ejecutar una serie de pinturas que representan importantes periodos del arte europeo, entre ellos el antiguo Egipto, la antigua Grecia y el arte romano. Esta serie de murales, que sigue apareciendo entre las columnas de la escalera principal del museo, a unos doce metros sobre el nivel del suelo, podrá verse con más detalle gracias a un puente instalado para la ocasión.

Además, el museo organiza una exposición temporal en la que se hace un recorrido por la serie de pinturas del maestro del Simbolismo, que dedicó parte de su carrera a la decoración de interiores de grandes edificios públicos de la "Ringstrassen". Los visitantes podrán contemplar obras prestadas por colecciones públicas y privadas de Suiza y Alemania y diversos trabajos gráficos pertenecientes a fondos del museo

Fecha: hasta el 6 de mayo.
Lugar: Museo de Historia del Arte. Maria Theresien-Platz.1010 Viena, Austria.
Fecha: de martes a domingo de 10.00 a 18.00 horas. Jueves de 10.00 a 21.00 horas.

miércoles, 15 de febrero de 2012

PERO ...¿NADIE ES CULPABLE?


El periodista y el camarero, un vídeo que muestra el mal económico de la sobrecualificación


En este caso, por lo menos, tiene un trabajo... y...¿Coger las maletas sera la solución?

Primera retrospectiva de Marc Chagall en España

El Museo Thyssen-Bornemisza (Madrid, España) y la Fundación Caja Madrid organizan la primera retrospectiva en España del artista ruso Marc Chagall.

Más de 150 obras procedentes de colecciones e instituciones públicas y privadas de todo mundo, reunidas en ambas sedes, para repasar toda la trayectoria de uno de los artistas más destacados del siglo XX; un creador singular, con un estilo personal e inconfundible, que ocupa un papel clave en la historia del arte.

El MoMA y el Guggenheim de Nueva York, la Kunsthaus de Zürich, el Kunstmuseum de Berna, el Stedelijk Museum de Amsterdam, el Tel Aviv Museum of Art, la Tate Modern de Londres,… y así hasta un total de veinte museos de todo el mundo, junto a un gran número de colecciones particulares, que han cedido para la ocasión piezas de sus fondos, así como del Centre Pompidou de París, desde donde han viajado nueve obras, y la propia familia del artista, que ha contribuido al proyecto con préstamo.

Marc Chagall desarrolló un estilo pictórico expresivo y colorista, muy vinculado a sus experiencias vitales y a las tradiciones religiosas y populares de la comunidad judía rusa. En él combinó ciertos elementos de la vanguardia cubista, del fauvismo y del orfismo de Robert Delaunay, para crear un estilo personal y difícil de clasificar.

Nacido en la ciudad bielorusa de Vitebsk, Chagall tuvo una larga vida casi centenaria, marcada por todos los grandes acontecimientos históricos de la primera mitad del siglo XX. Su producción artística, rica y abundante; estuvo siempre abierta a explorar nuevas técnicas -óleo, grabado, escultura, cerámica, vidriera...- y acometer nuevos proyectos. Un capítulo importante de la exposición está dedicado, por ejemplo, a su importante faceta como ilustrador de libros.

A lo largo de toda su vida, Chagall estuvo acompañado por poetas y escritores, que fueron sus amigos y con los que mantuvo una relación de mutuo reconocimiento. Breton, Malraux, Cendrars, Apollinaire,…muchos veían en él a un "pintor literario"; y Chagall amaba la literatura, sobre todo el mensaje de libertad que contienen las palabras a las que él supo enriquecer con sus composiciones llenas de fantasía y de color.

Fecha: del 14 de febrero al 20 de mayo.
Lugar: Museo Thyssen-Bornemisza. Paseo del Prado 8, 28014 Madrid. España
Horario: de martes a domingo de 10.00 a 19.00 horas. Sábados de 10.00 a 23.00 horas.


2. Eugène Delacroix. Mujeres de Alger en su aposento, 1834, óleo sobre lienzo, 180 x 229 cm, Musée du Louvre. © 2009 Musée du Louvre / Erich Lessing

Delacroix viaja a Barcelona

La exposición Delacroix (1798-1863) llega hoy a Caixaforum Barcelona tras su paso por Madrid. Esta gran retrospectiva, organizada por Obra Social "la Caixa (Madrid, España), junto con el Museo del Louvre, propone una visión completa de la obra de Delacroix y de su evolución pictórica, recorriendo las diferentes etapas de su producción, desde las primeras obras, que buscan la inspiración en el museo, hasta la etapa de madurez, en la que el artista repite los temas que trabajó anteriormente, con otra perspectiva, poniendo especial énfasis en sus obras de historia, así como en las de inspiración oriental. Puedes contemplar todas sus obras haciendo click aquí.


Dar a conocer esta nueva imagen de Delacroix, alejada de su asociación con las grandes composiciones de tema histórico, como un revolucionario enfrentado a las rígidas convenciones del arte neoclásico, es uno de los objetivos de Delacroix (1798-1863). La muestra recoge más de 130 obras procedentes de colecciones públicas y privadas de Europa y América, que permiten reconstruir la evolución del artista, desde sus inicios, cuando buscaba la inspiración en creaciones artísticas y textos literarios, hasta la etapa final, marcada por la síntesis del conjunto de su obra.

La muestra con la que se rinde homenaje al genial pintor francés se convierte en la más completa jamás organizada desde la gran exposición realizada en París, coincidiendo con el centenario de la muerte del artista, en el año 1963 y descubre a una nueva generación de espectadores la relación del pintor francés con España.

Visita la fantástica exposición virtual de Delacroix haciendo click aquí

Fecha: del 15 de febrero al 20 de mayo.
Lugar: Caixaforum Barcelona. Av. de Francesc Ferrer i Guàrdia, 6-8. 08038 Barcelona (España).
Horario: de lunes a viernes, de 10.00 a 20.00 horas. Sábados y domingos, de 10.00 a 21.00 horas.
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Comienza ARCOmadrid 2012

La Feria Internacional de Arte Contemporáneo, ARCOMadrid, inaugura hoy su 31 edición. La feria de arte más importante de España acogeráa 215 galerías y cerca de 3.000 artistas, ofreciendo una oferta que abarca desde las tendencias y técnicas más clásicas hasta las más innovadoras.

Entre las piezas de mayor cotización que estarán presentes en la feria se encuentran varias obras del pintor catalán recientemente fallecido Antoni Tàpies. La galería francesa LELONG expone la pintura Principiel, realizada en 1989 con técnica mixta sobre tabla y valorada en 700.000 euros. Por su parte, la galería del hijo del artista TONI TÀPIES expondrá Mans i fletxa, una de las últimas obras del el maestro del informalismo español, pintada sobre tela en 2011 y valorada en 271.000 euros. En un rango de precios menor también se podrá adquirir en ARCOmadrid obra sobre papel y seriada de Tàpies, por ejemplo en la galería POLÍGRAFA OBRA GRÁFICA, que tendrá a la venta el aguafuerte Roig i negre – 3 a de 15.000 euros.

ARCOmadrid rendirá además un homenaje al pintor a través de un gran muro de mensajes situado en el Pabellón 10. Galeristas, expertos, artistas y visitantes son invitados por la organización del certamen a dejar sus mensajes que serán entregados a la familia del artista al finalizar la Feria. El homenaje se completará con la proyección de un vídeo de RTVE sobre Antoni Tàpies.

Una de las obras más cotizadas que estarán presentes en ARCOmadrid será la pieza Study from the human body. Figure in movement, pintado en 1982 por Francis Bacon, cuya cotización es de 15 millones de dólares (más de 11 millones de euros) y que estará a la venta en el stand de la galería Marlborough.

Renoir, Impresionismo y la pintura de cuerpo entero


Pierre-Auguste Renoir (1841–1919) Dance in the City, 1883 Oil on canvas 70 7/8 x 35 ½ inches Musée d’Orsay, Paris (Galerie du Jeu de Paume) Photo: Réunion des Musées Nationaux / Art Resource, NY


El público norteamericano tiene ahora la ocasión de disfrutar, en The Frick Collection (New York, USA) de nueve pinturas icónicas del maestro del Impresionismo Pierre-Auguste Renoir, una exposición que ofrece el primer estudio exhaustivo de la utilización del artista del formato de cuerpo entero. El uso de este formato está asociado con el Salón de París de los años 80 y 70 del siglo XIX, una década en la que floreció ampliamente la estética impresionista.

Este proyecto se inspira en la obra El paseo de 1875-76, la más importante de la colección permanente de Renoir que posee The Frick y explora la motivación del artista para producir obras de cuerpo entero así como la acogida que tuvo entre los críticos, colegas y público en general.

Las obras, prestadas por instituciones internacionales, son La Parisina, del Museo Nacional de Gales; Los Paraguas, de la National Gallery de Londres; Un baile en la ciudad y Un baile en el campo, del Museo d'Orsay de París, La bailarina, de la Galería Nacional de Arte de Washington, Madame Henriot en travesti del Museo de Arte Columbus, Acróbatas y el Circo Fernando del Art Institute de Chicago y Baile en Bougival del Museo de Bellas Artes de Boston.

Fecha: hasta el 13 de mayo.
Lugar: The Frick Collection. 1 East 70th Street. Nueva York, NY. 10021, Estados Unidos.
Horario: de martes a sábado de 10.00 a 18.00 horas. Domingos de 11.00 a 17.00 horas.

El Thyssen celebra su 20 aniversario con el ciclo miradas cruzadas


Piet MONDRIAN Composición de colores / Composición nº I con rojo y azul / Composition in Colours / Composition No. I with Red and Blue, 1931 Óleo sobre lienzo / Oil on canvas. 50 x 50 cm Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid. Inv. 677 (1977.51)


Coincidiendo con la celebración de su 20 aniversario, el Museo Thyssen-Bornemisza (Madrid, España) pone en marcha la actividad expositiva titulada , que presentará periódicamente una instalación especial de algunas obras procedentes de sus colecciones.

Para inaugurar el ciclo y coincidiendo también con ARCO 2012 dedicado este año a los Países Bajos, la muestra Mondrian, De Stijl y la tradición artística holandesa propone un dialogo visual entre algunas obras de Piet Mondrian y de sus colegas del grupo neoplasticista De Stijl, Theo van Doesburg y Bart van der Leck, con una selección de pinturas del Siglo de Oro holandés de los fondos del Museo.

Esta confrontación permitirá apreciar que, a pesar de la lejanía en el tiempo, existe una proximidad conceptual entre el arte de los miembros de De Stijl y la pintura holandesa del siglo XVII, compartiendo ciertos elementos comunes, como la equilibrada y armoniosa resolución de la composición pictórica o la tendencia a trabajar la superficie de la pintura como un plano pictórico frontal, bidimensional, organizado geométricamente.

El Museo Thyssen-Bornemisza es el único museo español que posee un conjunto de obras de Piet Mondrian y del grupo neoplasticista holandés.

El desafío de sus cuadros, el juego de planos y líneas sobre la superficie pictórica, no supuso una ruptura tan radical con la tradición; al ponerlos en relación con las pinturas de los artistas holandeses del siglo XVII en este nuevo montaje, cobrarán seguro un nuevo sentido para el espectador.

Fecha: hasta el 6 de mayo.
Lugar: Museo Thyssen-Bornemisza. Paseo del Prado 8, 28014 Madrid. España
Horario: de martes a domingo de 10.00 a 19.00 horas. Sábados de 10.00 a 23.00 horas.

'Los jugadores de cartas' de Paul Cézanne, el cuadro más caro de la historia

La familia real de Catar ha pagado 250 millones de dólares (191,6 millones de euros) por Los jugadores de cartas, cuadro que forma parte de una serie de pinturas clásicas de Paul Cézanne. La venta, que supone un nuevo récord en el mundo del arte, convierte al cuadro en el más caro vendido en una subasta.


Catar adquirió el cuadro del magnate griego George Embiricos tras sobrepasar con 250 millones de dólares otras ofertas llegadas de prestigiosos marchantes, como Larry Gagosian y William Acuaqvella, y la revista señala que el precio final pudo alcanzar los 300 millones de dólares dependiendo de las tasas de cambio que se aplicaran en el momento de la compra.

El lienzo retrata a dos jugadores y pertenece a la época de madurez del artista. Hasta el momento, el cuadro más cuaro era el lienzo Number 5 de Jackson Pollock, que fue vendido por 140 millones de dólares.

Con la compra del cuadro, Catar quiere convertirse en un punto de referencia mundial en cuanto al arte, según subraya Vanity Fair, que destaca que el Cézanne acabará en el Museo Árabe de Arte Moderno, inaugurado en 2010 y donde hay numerosas piezas famosas de Mark Rothko (1903-1970) y Andy Warhol (1928-1987), entre otros artistas.

Retrospectiva de Lucian Freud

 'Benefits Supervisor Sleeping' (1995).

El último trabajo de Lucian Freud verá la luz en la National Portrait Gallery de Londres (Reino Unido) en la más ambiciosa retrospectiva del maestro británico en los últimos diez años.


Además de incluir los retratos más importantes del autor desde los años cuarenta, la exposición da la oportunidad al espectador de contemplar, por primera vez, Retrato del galgo 2011, la obra en la que Freud estaba trabajando cuando le sorprendió la muerte.

La National Portrait Gallery exhibe un total de 130 obras en las que Freud retrata a miembros de su familia, especialmente a su madre, Lucie, a artistas como Frank Auerbach, Francis Bacon, Michael Andrews, John Minton y David Hockney y al artista de performance Leigh Bowery. La muestra también incluye la famosa Benefits Supervisor sleeping, obra que inmortalizó en los años noventa a Sue Tilly, amiga de Bowery.

Fecha: hasta el 27 de mayo.

Lugar: National Portrait Gallery, St Martin’s Place, Londres, WC2H 0HE. Reino Unido.
Horario: lunes, martes, miércoles, sábado, domingo de 10.00 a 18.00 horas.

lunes, 13 de febrero de 2012

Mabuse

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Archivo:Jan Gossaert 008.jpg

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File:Jan Gossaert - Young Girl with Astronomic Instrument - WGA9784.jpg

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Flandes

Maubege 1478 h. - Middelbourg 1533/36
El sobrenombre de Mabuse le viene a Jan Gossaert de su ciudad natal, Maubege. Habiéndose formado en la tradición de Hugo van der Goes y Gérard David, su obra sufrió una auténtica conmoción cuando su mecenas, Felipe el Bastardo, le llevó con él a Italia. Allí aprendió el estilo del Renacimiento, y aunque no lo asimiló completamente, obtuvo mucho éxito a su regreso a Flandes con la síntesis que realizó entre los elementos italianizantes y los flamencos. Vasari le menciona como uno de los pocos pintores flamencos que supo adaptar la teoría del canon y los desnudos de la Antigüedad clásica al arte flamenco. Pero si se es objetivo, al observar un desnudo de Mabuse, el modelo que inmediatamente viene a la cabeza no es un Piero della Francesca o un Botticelli, sino más bien un Durero. Además, su manera de interpretar la arquitectura clásica no es la de un observador directo de la misma, sino la de un intérprete de modelos secundarios, intérprete eso sí de fértil imaginación.

François Clouet

File:François Clouet - Admiral Gaspard II de Coligny.jpg

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Diana de Poitiers, por François Clouet (1571
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Isabel de Austria, 1571,


Tours 1510 - París 1572
Educado bajo los consejos de su progenitor, Jean Clouet, François fue elegido pintor de corte cuando éste murió. Como tal gozó de gran prestigio y llegó a convertirse en pintor de cámara de Enrique II y luego Francisco II y Carlos IX. Su maestría fue, incluso, alabada por los escritores y poetas contemporáneos. François Clouet estableció su residencia en París. En 1549 emprende un viaje a Italia para incrementar sus conocimientos. Su estilo se define por adoptar el manierismo de Fontainebleau y su gusto por las creaciones de Bronzino y Primaticcio. Son importantes sus dibujos realizados a lápiz con algún tono y conocidos como crayons. La Biblioteca Nacional de París y el Museo de Chantilly conservan varios. Otra de sus facetas más características es su facilidad para adentrarse en la personalidad de sus retratados. Es autor de una varios retratos en miniatura donde se da cita lo más destacado de la corte gala. Sus retratos pintados reflejan rasgos italianizantes en la composición y las tonalidades. Entre otros, es autor de un retrato de Enrique II y de Carlos IX. En su catálogo también sobresalen sus composiciones mitológicas como la Diana de Poitiers o el Baño de Susana de Rouen. Estos cuadros fueron un referente importante para los pintores de la Escuela de Fontainebleau.

Arte Historia

domingo, 12 de febrero de 2012

Andrea di Bartolo Cini

Archivo:Andrea di Bartolo. Way to Calvary. Thissen-Bornhemisz coll..jpg

Archivo:Bartolo Coronation of the Virgin 1410s.jpg

File:9 Andrea di Bartolo. JOACHIM AND THE BEGGARS c. 1400, National Gallery of Art, Washington.jpg



Andrea di Bartolo Cini (entre 1360 y 1370 - 1428) fue un pintor italiano del gótico final, activo entre 1389 y 1428 (la transición entre el Trecento y el Quattrocento), perteneciente a la escuela sienesa.

Hijo de Bartolo di Fredi, aprendió en el taller de su padre, trabajando en los encargos de éste. Posteriormente trabajó de forma independente, y a su vez enseñó y fue ayudado por sus propios hijos: Ansano y Giovanni.

Su estilo está muy próximo a los de Simone Martini y Duccio di Buoninsegna.

Orazio Alfani

Archivo:Orazio Alfani Esponsales místicos de Santa Catalina 1549 Louvre.jpg

Orazio di Domenico Alfani (cerca de Perugia, c. 1510 - Roma, 1583) fue un pintor italiano activo durante el Renacimiento tardío.

Hijo y alumno de su padre, el también pintor Domenico Alfani, continuó con el negocio familiar. Antiguamente se había afirmado que Orazio se formó en el taller del Perugino, siendo esto muy improbable por motivos cronológicos, pues a la muerte de este maestro tan sólo contaba con 11 años de edad. La continuidad de estilo con el practicado por su progenitor hace dudar sobre la autoría de ciertas obras de su período juvenil, siendo probablemente fruto de la colaboración de ambos artistas, padre e hijo. En todo caso, estuvo muy cercano a la pintura de Vanucci y a la de manieristas posteriores como Rosso Fiorentino o Raffaellino del Colle

En 1539 le encontramos trabajando en la Catedral de Palermo. En 1544 vuelve a su patria, donde desarrollará la mayor parte de su carrera.

Alfani fue uno de los fundadores junto al arquitecto Rafaello Sozi de la Accademia del Disegno de Perugia (1573), entidad que todavía sobrevive en la actualidad.

Orazio Alfani falleció en Roma en 1583, dejando un hijo de su mismo nombre que siguió en el oficio de su padre con modesto éxito.


Domenico Alfani





Madonna And Child - Domenico Alfani

Domenico di Paride Alfani (Perugia, 1479/1480 - Perugia, 1557) fue un pintor italiano activo durante el Renacimiento.

Hijo de un orfebre, se formó en el taller del Perugino, el más famoso pintor de su ciudad natal. Allí tuvo como compañero al joven Rafael Sanzio, con quien trabaría una duradera amistad. El estilo de Alfani estaría siempre muy influenciado por el de estos dos célebres maestros.

Aunque no ha sobrevivido ninguna obra suya anterior a 1518, Domenico ya era miembro del gremio de pintores de Perugia desde 1510. Ya en 1520 ejecutó junto con Pompeo d'Anselmo una tabla de altar para San Simone del Carmine basada en un diseño que le enviara Rafael. El punto álgido de la colaboración entre Alfani y Sanzio será la Pala Baglioni, pieza de altar compuesta por varias tablas, la principal ejecutada por el propio Rafael, el famoso Entierro de Cristo. Domenico se encargó de la tabla superior, que representa a Dios Padre rodeado de ángeles y que se conserva en la Galería Nacional de la Umbría.

Tras la muerte de Rafael, Alfani se acercó en su estilo al de los manieristas florentinos, como Rosso Fiorentino, a quien incluso llegó a acoger cuando éste huía del Saco de Roma (1527). Según Giorgio Vasari, éste le dejó como agradecimiento un dibujo con los Tres Reyes Magos, que Alfani utilizó para la realización de su retablo en Santa Maria dei Miracoli en Castel Rigone.

En sus últimos tiempos, Domenico tuvo como ayudante a su hijo Orazio, que continuaría con el negocio familiar a la muerte de su progenitor.



El fotógrafo catalán cuenta al «New York Times» lo que sintió al ver en su ordenador la foto que ha sido premiada


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Una mujer estrecha entre sus brazos a un pariente herido en la mejor foto del año. La tomó en Yemen, después de una manifestación contra el gobierno de Salé, y publicada en el periódico «The New York Times». [Pincha aquí para ver a pantalla completa las fotografías premiadas]

El diario estadounidense ha hablado con él en su blog de fotografía. «Cuando volví a mi casa y vi la foto en la pantalla fue algo así como "guau"». «La mujer no estaba solo llorando. Era algo más. Podías sentir que ella era muy fuerte», cuenta.

En una primera versión, el artículo recogía estas declaraciones: «Tal vez ahora algunos de los editores que antes no me cogían el teléfono empiecen a hacerlo». En una actualización fueron eliminadas.

«Ese día fue extremadamente difícil», ha recordado en una entrevista telefónica con Efe desde Túnez, en la que explica cómo el herido que aparece en la fotografía fue alcanzado por el fuego de los francotiradores que reprimían las manifestaciones.

El hombre, según el fotógrafo español, estaba intoxicado por los gases lanzados contra los manifestantes y había recibido un disparo en la pierna. El instante, en el que una mujer cubierta por un «niqab» negro sostiene su cuerpo, apenas duró un minuto.

Aranda asegura haber vivido una de sus mejores experiencias personales como enviado a zonas de conflicto. Confía en que el premio sirva para volver a llamar la atención sobre la situación en Yemen, donde continúa la crisis iniciada hace un año con la revuelta popular contra el régimen de Alí Abdalá Saleh.

«Espero que el premio sirva para que se vuelva la mirada a Yemen. Está muy bien ser reconocido, pero a veces los fotógrafos y periodistas pecamos un poco de egocéntricos», explica. «Lo importante en esta historia es la mujer y lo que pasa en Yemen. Nosotros documentamos. No somos artistas», ha subrayado.

Samuel Aranda pasó dos meses en Yemen para el reportaje sin que nadie supiera que estaba allí. Le habría llevado más de un mes entrar en el país por los canales oficiales.

Aranda nació en 1979 en Santa Coloma de Gramanet (Barcelona) y ha trabajado en «El País» y «El Periódico de Catalunya», asi como en las agencias EFE y AFP. En 2006 volvió a trabajar como fotógrafo independiente y ha cubierto numerosos acontecimientos en Oriente Medio y relacionados con la Primavera Árabe en el último año.

El jurado del World Press Photo valora que «la foto ganadora muestra un momento conmovedor, compasivo, la consecuencia humana de un gran acontecimiento, un suceso que está todavía en curso».

Samuel Aranda, colaborador de La Vanguardia, gana el World Press Photo


Samuel Aranda, fotógrafo: "Me gustaría fotografiar una revolución en España"

  • Ha ganado el World Press Photo con una instantánea sobre Yemen
  • "Si por un día se habla de Yemen, será lo mejor"
  • Lamenta que los medios españoles no apuesten por la fotografía


NOTA- Hoy escuché una entrevista que le hacían en la radio a Samuel Aranda- en dicha entrevista declaraba que ya conoce el misterio de la foto ganadora. No son marido y mujer- ES UNA MADRE, el hijo ya se encuentra bien y dice estar ansioso por visitar a ambos en Yemen

El fotoperiodista, Samuel Aranda LV

Hace poco más de un año Samuel Aranda (Santa Coloma de Gramenet, 1979) decidió marcharse de Barcelona por unos días con la idea de fotografiar los incipientes disturbios en Túnez.

Acababa de prender la mecha de la primavera árabe y el fotógrafo, colaborador del Magazine, fue enlazando reportajes, siempre con la promesa de volver a a casa cuando se hiciera la calma. Pero eso no ocurrió: en medio de manifestaciones, tanques y alambradas, el fotógrafo se enamoró de una fotoperiodista canadiense, con la que continuó el periplo por los lugares por los que avanzaba el fuego primaveral.

Cuando acabaron su trabajo en Egipto decidieron regresar a Túnez y alquilar una casa en Sidi Bou Said: un refugio blanco y azul donde los últimos meses se han sucedido los reencuentros cada vez que uno y otro regresaba después de hacer un reportaje.

El jueves por la noche Aranda estaba en casa con la única compañía de sus gatos cuando supo que había ganado el World Press Photo por una de las imágenes que tomó en Yemen recientemente, donde ha trabajado casi tres meses clandestinamente por encargo de The New York Times. "Me enteré consultando en el ordenador la web de mi banco y haciendo cuentas para pagar el alquiler. Eso forma parte de ser fotoperiodista".

El trabajo en Yemen fue todo un reto: "Resultó extremadamente difícil conseguir el visado. Costó mucho tiempo y dinero. Ahí ves la importancia de colaborar en un medio como The New York Times , donde apuestan por ti y te dan un margen de confianza en todos los sentidos".

Aranda explicó a La Vanguardia que la foto ganadora, comparada con la Pietà de Miguel Ángle, está hecha a la entrada de una mezquita convertida en improvisado hospital. "Creo que el hombre al que sostiene la mujer era su marido, pero no estoy seguro. Fueron apenas unos segundos entre el caos en un día en que murieron unas diez personas, víctimas de los francotiradores del gobierno". Recuerda que llegó a Yemen esperando encontrar un ambiente hostil. Pero esa impresión cambió a los pocos días. "He quedado totalmente enamorado del país. La gente allí es maravillosa, y excepto algún problema con el ejército, todo fue de maravilla".

El fotógrafo, que ha vivido temporadas en diversos países árabes y ha publicado numerosos reportajes de denuncia social -muchos de ellos centrados en la inmigración- asegura que espera del premio "que el foco informativo se vuelva hacia Yemen. porque de verdad merecen un futuro mejor". Samuel Aranda quiso hacer una defensa de sus colegas. "En España tenemos una de las mejores canteras de fotógrafos. Gente como Javier Bauluz (premio Pulitzer), Gervasio Sánchez, Kim Manresa, David Airob. Carmen Secanella, Joan Guerrero o Fernando Moleres, entre muchos otros. Pero al mismo tiempo contamos con uno de los panoramas a nivel de medios más tristes que conozco. Nos toca escuchar siempre la misma canción: 'Esto no interesa' o 'no tenemos dinero'".

El fotógrafo reivindica la figura en extinción de los editores gráficos y anima a los directores de los medios a apostar por la fotografía. Aranda, que tenía previsto volver a Yemen para cubrir las próximas elecciones, no tenía ayer claro si se vería obligado a cambiar de planes. "Yo sólo espero poder seguir llegando a final de mes con este oficio y que las fotos sigan llenando mi nevera para disfrutar de lo más importante en la vida, la familia y los amigos".